#john joseph duda | Explore Tumblr Posts and Blogs

miguelmarias · 2 years

Text

Nevada Smith (Henry Hathaway, 1965)

Henry Hathaway es un veterano. Nació en 1898 y desde los treinta y cuatro años ha dirigido 56 películas. Siempre ha sido un honesto artesano, alternando lo mediocre con lo interesante. Curiosamente, se mantiene joven y activo; sus mejores películas son las más recientes: Del infierno a Texas, Alaska, tierra de oro, La conquista del Oeste (tres episodios), El fabuloso mundo del circo, Los cuatro hijos de Katie Elder, y sobre todo Nevada Smith (1965), que, sin ser una obra maestra, merece más atención que la que se le ha prestado.

Su origen literario (Los insaciables, The Carpetbaggers, de Harold Robbins), un trailer que intentaba presentar a Nevada Smith como un "Tom Jones del Oeste" y el ser su "productor ejecutivo" Joseph E. Levine (experto en remuneradores y escabrosos temas: Una casa no es un hogar, Harlow, El Oscar) me hicieron temer un derroche de mal gusto. Unas recientes declaraciones de Hathaway (''Yo nunca he hecho películas pornográficas y no tengo intención de empezar ahora") y Aldrich ("Un hombre como Hathaway tiene sin duda muchas debilidades, pero no puede decirse que sea un yes-man... hará lo que se le meta en la cabeza") y el que esté producida por Hathaway (sólo lo hace cuando le interesa mucho la película: Arenas de muerte, Alaska...) me devolvieron unas esperanzas que se han visto cumplidas, con creces, por el buen gusto, sensibilidad y sencilla elegancia con que Hathaway resuelve escenas tan difíciles como las dos (!) entradas de Suzanne Pleshette y las demás mujeres en la barraca de los presos, y las referentes a Janet Margolin (cf. sobre todo la planificación de la primera entrada de Suzanne y su encuentro con Steve McQueen, y la naturalidad con que están resueltas la primera y última escenas en que sale Janet).

Por otra parte, como Hathaway nunca ha sido un gran director de actores, pese a los notables resultados obtenidos de Diane Varsi y Don Murray (From Hell to Texas, 1958), Capucine (North to Alaska, 1960) y Carroll Baker (How the West Was Won, 1962), no tiene seguridad y necesita construir las secuencias a base de numerosos planos cortos, y esto lo hace de un modo rutinario y disgregador. En el mejor de los casos, Hathaway es un vigoroso narrador, con buen sentido del ritmo y de la composición en Cinemascope (pero sólo a nivel de plano). Su planificación destruye con frecuencia el tiempo, el espacio y la interpretación, y por eso sus películas suelen decepcionar en una segunda visión: siempre sobran unos doscientos cambios de plano, insertos innecesarios, etc. Pues bien, parece como si en Nevada Smith hubiera descendido sobre él esa serenidad de puesta en escena tan patente en los últimos films de los grandes viejos directores: Ford, Lang, Preminger, Hawks, Mizoguchi, Dreyer, Renoir, Walsh, Hitchcock, etcétera. En efecto, la planificación es medida y sosegada; en algunos casos (el final) extraordinaria, en otros, mediocre (cuando S. McQueen quema su casa). La mirada del cineasta se ha hecho serena, y contempla sin subrayar, con la mayor tranquilidad, bajo una música suave o en silencio, los actos más brutales (el cuchillo que rasga, corta la espalda de la madre de "Nevada", la muerte de Arthur Kennedy). Y en un final de antología, Hathaway abandona (como "Nevada") a Karl Malden, que tiñe el río con su sangre mientras pide una muerte rápida, que Steve McQueen le niega, como Hathaway le niega un contraplano. Por otra parte, la interpretación de Nevada Smith es excelente, sobre todo por parte de Margolin, Pleshette, Kennedy, Brian Keith y, dado lo difícil que es, Karl Malden. Así, con mayor dominio sobre la puesta en escena, y huyendo de cualquier efectismo, Hathaway ha logrado su mejor obra.

No hay que olvidar un notable y muy original guión de John Michael Hayes, que aúna satisfactoriamente temas clásicos del western (el hombre de experiencia, Brian Keith, que enseña al joven novato) con otros inéditos, sobre todo el de Janet Margolin y el de Suzanne Pleshette, dos de las más interesantes actrices jóvenes del cine americano.

Janet Margolin es una chica india que conoce en un saloon a Steve McQueen y al que cuida en el poblado, dando lugar a varias de las escenas más notables del film, como las que se desarrollan en el campamento indio, sobre todo la última, llena de sensibilidad, cuando Janet sopla la vela.

La idea motriz del film es la venganza, y ésta lleva a McQueen a hacerse internar en un campo de trabajos forzados de Mississippi. El campo, la huida a través de los pantanos, en piragua, con Suzanne enferma y con A. Kennedy; el paisaje, los guardianes y su violencia, las brumas y la extraña personalidad de Suzanne hacen pensar inmediatamente en Faulkner, sobre todo en dos de sus novelas menos conocidas, The Old Man y —un par de capítulos— Mosquitoes. Concretamente, el campo de presos es casi exacto, así como parte de la huida por el pantano y el final del episodio, al principio de The Old Man; pero hay que resaltar que no sólo argumentalmente, sino por su ambiente, su representación visual y hasta su espíritu. Por eso, junto con las enseñanzas de Keith y el amor de Janet Margolin, resulta que lo mejor de Nevada Smith son las personas que le ayudan, y que él abandona para proseguir su venganza, sobre la que Hathaway, afortunadamente, no se permite sermonear: es asunto de "Nevada", y se limita a contarlo, sin juzgar.

Al final de la película, Nevada Smith se aleja. Ya no le queda nada que hacer.

Publicado en El Noticiero Universal (29 de noviembre de 1966)

#miguel marías #nevada smith #henry hathaway #1965 #el noticiero universal #western

0 notes

college-girl199328 · 2 years

Text

'Simple' funeral planned for pope emeritus Benedict, described by Francis as 'so noble, so kind'

Within minutes of the announcement of the death of Pope Emeritus Benedict XVI on Saturday morning, a wealth of tributes flowed in from around the world, while the Vatican revealed that the late pontiff would be given a "simple" funeral, celebrated by Pope Francis, in keeping with his wishes.

Words of praise and fond remembrance were offered by world leaders and religious figures, including the Archbishop of Canterbury and Jewish advocates. But some others, including LGBTQ+ advocates, were restrained in marking the passing of 95-year-old Benedict. Before being elected pontiff in 2005, as Cardinal Joseph Ratzinger he had long served as the Vatican's doctrinal watchdog. He ensured unwavering orthodoxy on issues like homosexual activity, which the Catholic Church considers a sin.

Vatican spokesperson Matteo Bruni said Francis will celebrate a solemn funeral in St. Peter's Square on Thursday with rites that, "following the desire of the pope emeritus, will be carried out in the sign of simplicity."

"It is with emotion that we remember his person, so noble, so kind," Pope Francis said in his first public comments since his predecessor's death earlier Saturday. "We feel in our hearts such gratitude, gratitude to God for having gifted him to the Church and the world," Francis said in a homily in St. Peter's Basilica.

Benedict spent two more years in papal retirement than in the actual papacy, which began in 2005. Benedict died in the austere Vatican monastery where he had resided since shortly after shocking the world by retiring in 2013. Frail for years, Benedict's health worsened earlier in the week, according to the Vatican.

While pope, Benedict was head of state, since the Vatican is an independent city-state. But with no such role at the time of his death, the Vatican's funeral details reflected a dramatic increase in pomp and protocol.

Only official delegations from Italy and Benedict's native Germany were invited to the funeral, although a letter from the Vatican's secretariat of state noted that "authorities from other countries who wish to may participate in a private capacity."

Italian Prime Minister Giorgia Meloni called the former pope a "giant of faith and reason" that history will never forget. "[Benedict] was an accomplished theologian and scholar, and he was an inspiration to millions," Canadian Prime Minister Justin Trudeau said in a tweet on Saturday.

German Chancellor Olaf Scholz said, "the world is losing a formative figure of the Catholic Church, a combative personality and a wise theologian." The governor of Benedict XVI's native German region said that "we are mourning our Bavarian pope." Bavarian governor Markus Soder said on Twitter that "many people in his homeland will remember him not just as pope, but also as a humble pastor."

Polish President Andrzej Duda said Benedict's teaching was a "guidepost among the many winding and deceptive paths of the contemporary world." With Benedict out of the public's eye for nearly a decade, the turnout of the faithful for the outdoor funeral was also expected to be reduced, certainly compared to the outpouring of faithful for the last funeral of a reigning pope — St. John Paul II in 2005.

Security officials in Rome estimated that 60,000 people would attend Thursday's funeral, Italian state television said. For John Paul, an estimated 300,000 mourners gathered at his funeral.

Starting on Monday morning, the faithful will be able to file by his body in St. Peter's Basilica, and viewings will also be held on Tuesday and Wednesday.

There was no immediate estimate of how many might come. In 2005, tens of thousands waited for hours for a chance to view John Paul's body, at one point over line 100,000 people long.

While mourning, Francis conducted traditional year-end ceremonies, presiding over a solemn Vespers service early Saturday evening in St. Peter's Basilica.

Francis also planned to celebrate New Year's Day Mass on Sunday in St. Peter's Basilica. The Catholic Church dedicates Jan. 1 to the theme of peace, a subject dear to Francis, who has repeatedly decried Russia's war in Ukraine and other long-running conflicts around the world.

Francis would also keep to his tradition of strolling past the life-sized creche scene in the square, the Vatican said. As the death announcement came quietly by email from the Vatican press office, hundreds of tourists were admiring a towering Christmas tree in the square. Many were unaware that Benedict had died in his secluded residence in the Vatican Gardens.

In a statement from New York, the American Jewish Committee praised Benedict for having "continued the path of reconciliation and friendship with world Jewry blazed by his predecessor, John Paul II." The organization noted that the German-born Roman Catholic church leader had "paid homage in Auschwitz" to the victims of the Holocaust and had made an official visit to Israel.

"He condemned antisemitism as a sin against God and man, and he emphasized the unique relationship between Christianity and Judaism," the statement said. Praise for Benedict's religious devotion came from the archbishop of Canterbury, Justin Welby. "In his life and ministry, Pope Benedict XVI directed people to Christ," the Anglican leader tweeted.

"I join with Pope Francis and all the Catholic Church in mourning his death. May he rest in Christ's peace and rise in glory with all the Saints."

Dubbed "God's Rottweiler" for his fierce defense of Catholic teaching in the decades that he led the Vatican's doctrinal orthodoxy office, Benedict was viewed less enthusiastically by some for his stance on homosexuality and against women's desire to break the church's ban on female priests.

In that role, Ratzinger "had an outsized influence on the Church's approach to gay and lesbian people and issues," said Francis De Bernardo, executive director of the U.S.-based New Ways Ministry, which advocates for LGBTQ+ Catholics.

He noted that Ratzinger in 1986 helped shape a document that called homosexual orientation "an objective disorder," and his involvement in a 1994 catechism describing sexual activity between people of the same gender as "acts of grave depravity."

"Those documents caused — and still cause — grave pastoral harm" to many LGBTQ+ people, De Bernardo said, while noting that his organization was praying for the repose of Benedict's soul.

Francis has used his papacy to try to set a less judgmental tone against gay Catholics. While hailing Benedict's "profound example of humility and willingness to overturn tradition" by resigning, advocates for opening up the priesthood to women expressed dismay over his refusal to embrace their aims.

Benedict stunned the world on Feb. 11, 2013, when he announced, in his typical, soft-spoken Latin, that he no longer had the strength to run the 1.2 billion-strong Catholic Church that he had steered for less than eight years.

His dramatic decision to resign paved the way for the conclave that elected Pope Francis as his successor. The two popes then lived side-by-side in the Vatican gardens, an unprecedented arrangement that set the stage for future "popes emeritus" to do the same.

The first German pope in 1,000 years, Benedict himself acknowledged that he was a weak administrator, saying he showed a "lack of resolve in governing and decision making," during his papacy, which was marked by missteps and a leak scandal.

The former cardinal had never wanted to be pope, planning at age 78 to spend his final years writing in the "quiet" of his native Bavaria. Instead, he was forced to follow the footsteps of the beloved St. John Paul II and steer the church through the fallout of the clerical sexual abuse scandal. This was followed by a second scandal that erupted when a butler stole his papers and gave them to a journalist.

Being elected pope, he once said, felt like a "guillotine" had come down on him.

0 notes

tvsmovies · 2 years

Text

Watch Free Full 12 Angry Men

Release Date : 04/10/1957 (US) Category : Drama Production : Country : US Rate : Cast : Martin Balsam,John Fiedler,Lee J. Cobb,E.G. Marshall,Jack Klugman,Edward Binns,Jack Warden,Henry Fonda,Joseph Sweeney, The defense and the prosecution have rested and the jury is filing into the jury room to decide if a young Spanish-American is guilty or innocent of murdering his father. What begins as an open and shut case soon becomes a mini-drama of each of the jurors' prejudices and preconceptions about the trial, the accused, and each other. The defense and the prosecution have rested and the jury is filing into the jury room to decide if a young Spanish-American is guilty or innocent of murdering his father. What begins as an open and shut case soon becomes a mini-drama of each of the jurors' prejudices and preconceptions about the trial, the accused, and each other. La cinta se nutre de un excelente libreto que trasciende su momento histórico, cobrando validez aún seis décadas después de su creación. El Cine Foro de La Aduana de la Biblioteca Piloto del Caribe, dirigido por el profesor Pepe Enciso, presenta un nuevo ciclo de Cine Jurídico, donde se analizan las mejores películas que han tratado el tema. La primera de ellas, 12 Hombres sin Piedad, dirigida por Sidney Lumet, en 1957, es considerada uno de los clásicos más importantes del séptimo arte. Con un formato minimalista en su escenografía, que se desarrolla casi en su totalidad al interior de un recinto de la corte, la cinta se nutre de un excelente libreto realizado por Reginald Rose, que trasciende su momento histórico, cobrando validez aún seis décadas después de su creación. La historia se centra en el caso de un joven acusado de haber matado a su padre, quien será condenado a la pena de muerte si es declarado culpable. De esto nos enteramos al comienzo de la película, y de inmediato acompañamos a los doce integrantes del jurado a una habitación donde deberán votar el veredicto. Del joven solo vemos una toma al comienzo de la película, que puede decir mucho, no solo por su físico con sus facciones de inmigrante, sino por su mirada de desconcierto, aflicción e inocencia que nos hace cuestionar su culpabilidad. Es requisito que el resultado de la votación sea unánime, y aunque inicialmente todos lo declaran culpable, hay uno, el número 8, interpretado por Henry Fonda, que considera no hay evidencia suficiente para mandar al muchacho a la silla eléctrica. Así es como este individuo comienza a exponer paso a paso las incongruencias y desatinos de lo expuesto en el juicio. Su tono calmado, pero contundente empie

el origen y el significado de la expresión ‘¡válgame Dios!’? Roberto Silvera, B/quilla Aunque en desuso, la primera acepción del verbo ‘valer’ es ayudar o proteger. Antaño, la frase se usaba entre creyentes como a El pasado martes 13 de septiembre, la ministra de agricultura, Cecilia López, anunció al país una adición al presupuesto del sector para el año 2023. De 1.3 billones de pesos que había dejado presupuestado el gobierno de Duque, el de Petro, Se estima que entre 2017 y 2021 han fallecido en la Guajira 327 niños para configurar una tasa de muertos de 20.8 por cada 100,000 habitantes cuando la media nacional está en 5.6. Niños wayus que han muerto por falta de suplencia alimenticia a La Paz Total está mal concebida desde su título, obviamente su nombre fue elegido pensando en temas de populismo que lamentablemente no se podrán cumplir. Hasta en los países más civilizados hay delincuentes y seguirán existiendo por mucho t Watch free movies and tvshows on VidooTv

Watch Free Full 12 Angry Men

za a lograr su cometido, y poco a poco se va sembrando la duda en los demás. Ya nadie parece tan seguro de lo que pensaba. Durante la discusión nos damos cuenta de que la mayoría venía con una idea preconcebida, algunos por convencimiento real, otros por salir rápido del asunto y poder asistir a un evento deportivo, y otros por prejuicios sociales y raciales. Es el día más caliente del año, y el debate va tomando fuerza hasta el punto en que el ardor se percibe tanto en los cuerpos sudorosos como en las expresiones y en los argumentos. El espacio se torna cada vez más claustrofóbico y el suspenso aumenta, mientras la maravillosa cámara se encarga de hacernos sentir parte de la acción. El desarrollo de los caracteres es excepcional, haciendo de este filme una verdadera obra maestra, que nos deja pensando, aún después de verla varias veces, en temas trascendentales

como la honestidad, la lealtad, el racismo y las falencias del sistema judicial propias de la sociedad americana, que pueden ser extensivas a muchas otras partes del mundo. El ciclo continúa con Matar a un Ruiseñor, de Robert Mulligan, catalogada como No. 1 en la lista de cine jurídico del American Film Institute. Las películas se pueden ver en la plataforma zoowoman, y los interesados pueden unirse a la discusión el lunes 13 de septiembre a las 2:30 p.m., a través de la página de Facebook de la Biblioteca Piloto del Caribe. ¿Cuál es

#movies #streaming #tv-Shows #Watch Free Full 12 Angry Men

0 notes

profesor-javaloyes · 2 years

Text

Sobre la represión del Santo Oficio, la quema de brujos y brujas por Inquisición en España, la más brutal y terrorífica en Europa… dicen.

"Tomás de Torquemada fue el primer Inquisidor General de Castilla y Aragón, y el más tristemente celebrado. Se estima que bajo su mandato, el Santo Oficio quemó a más de diez mil personas y un número superior a los veinte mil fueron condenados a penas deshonrosas.”

Esto se puede leer en multitud de artículos, libros y ensayos publicados y distribuidos en todo tipo de formatos. El viejo Profesor Javaloyes, con sus Ponderado Método, ha recurrido a viejos documentos de la época y actuales además de obras de historiadores y estudiosos modernos serios y respetados como los británicos Hugh Thomas y John Elliot o el francés Joseph Pérez. Incluso las del médico y filósofo Erasmus Darwin, abuelo de Charles Darwin, que demuestran la interesada “leyenda negra española”, que sin descartar los abusos cometidos por esa organización eclesiástica en España su incidencia fue amplificada y exagerada a límites infinitos e irreales.

Para una rápida visualización de lo sucedido pueden consultar el ponderado esquema que acompaña a este comentario.¿Que se quemó en España a personas acusadas de brujería?, sí y no hay dudas, pero sin embargo…Buenas noches y buena suerte.“Sé buena y lanza otra bruja al fuego, querida" (Cardenal inquisidor Don Fernando Niño de Guevara a su ama de llaves para entretenerse en las largas noches invernales en que no existía “Gran Hermano”)

#spanish inquisition #profesor javaloyes

5 notes · View notes

elcinelateleymickyandonie · 4 years

Text

Dana Andrews.

Filmografía

- El forastero (The Westerner) (1940), de William Wyler.

- Lucky Cisco Kid (1940), de H. Bruce Humberstone.

- Sailor's Lady (1940), de Allan Dwan.

- Kit Carson (Kit Carson) (1940), de George B. Seitz.

- La ruta del tabaco (Tobacco Road) (1941), de John Ford.

- Belle Starr (1941), de Irving Cummings.

- Bola de fuego (Ball of Fire) (1941), de Howard Hawks.

- Aguas pantanosas (Swamp Water) (1941), de Jean Renoir.

- Berlin Correspondent (1942), de Eugene Forde.

- Tiburones de acero (Crash Dive) (1943) de Archie Mayo.

- Incidente en Ox-Bow (The Ox-Bow Incident) (1943) de William A. Wellman.

- La estrella del norte (The North Star) (1943), de Lewis Milestone.

- December 7th (1943), de John Ford y Gregg Toland.

- Rumbo a oriente (Up in Arms) (1944) de Elliott Nugent.

- The Purple Heart (1944), de Lewis Milestone.

- Alas y una plegaria (A Walk in the Sun) (1944) de Henry Hathaway.

- Laura (Laura) (1944) de Otto Preminger y Rouben Mamoulian.

- State Fair (1945), de Walter Lang.

- Ángel o diablo (Fallen Angel) (1945) de Otto Preminger.

- Un paseo bajo el sol (A walk in the sun) (1945) de Lewis Milestone.

- Tierra generosa (Canyon Passage) (1946) de Jacques Tourneur.

- Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives) (1946) de William Wyler.

- Daisy Kenyon (Daisy Kenyon) (1947), de Otto Preminger.

- El justiciero (Boomerang!) (1947) de Elia Kazan.

- Mi corazón te guía (Night Song) (1948) de John Cromwell.

- El telón de acero (The Iron Curtain) (1948) de William A. Wellman.

- Ningún vicio menor (No Minor Vices) (1948), de Lewis Milestone.

- Deep Waters (1948), de Henry King.

- Britannia Mews (1949), de Jean Negulesco.

- Mi loco corazón (My Foolish Heart) (1949), de Mark Robson.

- Sword in the Desert (1949), de George Sherman.

- Al borde del peligro (Where the Sidewalk Ends) (1950), de Otto Preminger.

- Nube de sangre (Edge of Doom) (1950) de Mark Robson.

- Sealed Cargo (1951), de Alfred L. Werker.

- Luchas submarinas (The Frogmen) (1951) de Lloyd Bacon.

- No quiero decirte adiós (I Want You) (1951) de Mark Robson.

- Destino Budapest (Assignment: Paris) (1952) de Phil Karlson y Robert Parrish.

- La senda de los elefantes (Elephant Walk) (1954).

-Tres horas para vivir (Three Hours to Kill) (1954) de Alfred L. Werker.

- Duelo en la jungla (Duel in the Jungle) (1954) de George Marshall.

- Pelirroja indómita (Strange Lady in Town) (1955) de Mervyn LeRoy.

- Cara a la muerte (Smoke Signal) (1955) de Jerry Hopper.

- Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps) (1956) de Fritz Lang.

- Comanche, duelo de razas (Comanche) (1956) de George Sherman.

- Más allá de la duda (Beyond a Reasonable Doubt) (1956) de Fritz Lang.

- Suspense... hora cero (Zero Hour!) (1957) de Hall Bartlett.

- Spring Reunion (1957), de Robert Pirosh.

- La noche del demonio (Night of the Demon) (1957), de Jacques Tourneur.

- Enchanted Island (1958)

- The Crowded Sky (1960), de Joseph Pevney.

- Madison Avenue (1962), de H. Bruce Humberstone.

- Primera victoria (In Harm's Way) (1965) de Otto Preminger.

- Desafío al destino (Brainstorm) (1965) de William Conrad.

- Hacia el fin del mundo (Crack in the World) (1965) de Andrew Marton.

-Ciudad indomable (Town Tamer) (1965), de Lesley Selander.

- La batalla de las Ardenas (Battle of the Bulge) (1965) de Ken Annakin.

- Berlín, cita con los espías (Berlino - Appuntamento per le spie) (1965) de Vittoria Sala.

- Los seres queridos (The Loved Ones) (1965) de Tony Richardson.

- Estación 3 ultrasecreto (The Satan bug) (1965) de John Sturges.

- El robo del diamante azul (The ten millian dug) (1966) de Bitto Albertini.

- Johnny Reno (1960), de R.G. Springsteen.

- Hot Rods to Hell(1967) de John Brahm y James Curtis Havens.

- El Cobra (Cobra II) (1967), de Mario Sequi.

- La brigada del diablo (The Devil's Brigade) (1968), de Andrew V. McLaglen.

De Oriente a Occidente para matar (Innocent Bystanders) (1972) de Peter Collinson.

- Aeropuerto 75 (Airport 1975) (1974), de Jack Smight.

- Por la senda más dura (Take a Hard Ride) (1975) de Antonio Margheriti.

- El último magnate (The Last Tycoon) (1976) de Elia Kazan.

- Los valientes visten de negro (Good Guys Wear Black) (1978) de Ted Post.

- Born Again (1978), de Irving Rapper.

The Pilot (1979), de Cliff Robertson.

Prince Jack (1984), de Bert Lovitt.

Créditos: Tomado de Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/Dana_Andrews

5 notes · View notes

emocionesdiscos5 · 4 years

Photo

Alfano: Problemas

“Cronómetro alfano

Toma hasta 4 vehículos de manera simultánea

99 vueltas en memoria

Hasta 9 parciales por vuelta 8 modos de toma tiempos.”

(Descripción de producto “Cronómetro Alfano” en Mercado Libre Argentina, resultado de googlear “Alfano Problemas Disco”).

“Casino, azar, hoteles, señora empastillada”. Fueron las palabras en base a las cuales, el dibujante argentino-italiano Pablo Castoldi ilustró respetuosamente el proyecto Problemas, debut de Alfano, que vestirá por siempre verde cual paño de juego. En la enumeración oigo acercarse un fantasma de mi vida. Me viene aquello de “Diamonds, Fur Coat, Champagne”, título de la apertura elegida para Alan Vega and Martin Rev. En este segundo álbum del dúo neoyorquino Suicide, editado mediando 1980, oímos a Vega –un Elvis bajo Radioactivity– enumerando: “Melodies speed away, blaze of light/ A smile, a royal flush, fantasies”. Digamos, Melodías que huyen rápido, resplandor/ Una sonrisa, escalera de póker, fantasías. No podría haber mejor descripción de las piezas sonoras de Problemas. Sin ir más lejos, el tema que responde al nombre al proyecto. Se trata de un pestañeo de FX, o un abrir y cerrar de puerta en un estudio de grabación, mediado por la comprobación de que ahí pasa algo con el Krautrock más Kosmik. En Jamaica, cuna de la dub music, la escritora Jean Rhys escenifica cenas a lo largo de su novela Ancho Mar de los Sargazos (66), donde los manteles se vuelven cementerios de mariposas y moscas que terminan quemadas, tras dar vuelos suicidas alrededor de la luz de una vela. Doubt Music: ¿pasó o no pasó? ¿Lo oí? ¿Escuché mal? Fantasmas, espejismos. Tampoco Ocaso 2020 por extender la miniatura ofrece mayor desarrollo: un ejercicio a iguales partes de delay y decay (sin dudas, una muestra de lo que se ha dado en llamar “Short-term memory”). En el mejor de los casos, la dinámica consistiría aquí en climaxtizar una intensidad y morir. Sólo excepciones como la compositora alemana Ursula Bogner podría contar con electronemas historias sonoras tan orgónicas como éstas, donde nada suena del todo orgánico. Energy flash.

................................................................................................................................

¿Es un boceto? ¿Es un fragmento?

................................................................................................................................

“Música incidental”, la que incide en una escena cinematográfica, teatral, publicitaria, etc. El adjetivo es también sinónimo de “accesorio”. Sin embargo, la “incidencia” de una música no resulta para nada prescindible en la era audiovisual. Pongamos por caso: los noticieros y el modo en que subrayan la emoción de un hecho mediante techno en staccato en unos casos, truenos sinfónicos en otros. O atendamos cómo se musicaliza en los programas de concurso al momento de puntuar los jurados, según sea up o down la calificación. Cuando Problemas desembocó en mi email, venía escuchando hacía unos días un track correspondiente al score de Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), Wrong Flavour. He aquí una composición para sintetizadores firmada por el mismo realizador, John Carpenter, que consigue obsesionarme por carecer de una “lógica musical” esperable. Todavía no vi la situación cinematográfica para la cual fue pensada (¿cuál será ese ”sabor equivocado”?). Sólo cuento con un título y una composición basada en unos pulsos (¿pasos?) y unos acordes sintetizados. Todo lo que imaginé hasta ahora seguro que no tiene nada que ver con lo que el filme cuente. Alfano llegó para proveerme más música incidental sin película.

...............................................................................................................................

Pensemos de paso en otro título de la dupla electrobilly: “Nunca dijimos que fuésemos música”. Se trata de un bootleg live distribuido en 1987. Pregunto: ¿Y Alfano? ¿Sería “música”? Por algo leyeron “piezas sonoras” oraciones atrás. ¿Y si mejor decimos “Piezas auditivas”? Veamos. Cuando cerró la revista digital Tiny Mix Tapes, los críticos votaron cuál fue la más importante release (nótese: ni “álbum” ni “mixtape”) de la década del ’10. El primer puesto se lo llevó el casete Eccojams Vol. 1 de Chuck Person (alias de Daniel Lopatin, también conocido como Oneothrix Point Never). Una “eccojam” es producto de agregarle efectos y lentificar/ acelerar un sample extraído de una canción más o menos conocida (si está fechada en la radio de los ’80, mejor). “La contradicción fue que esta rigidez transformó nuestra habilidad de apreciar los momentos más pequeños de las canciones M.O.R. (Middle Of The Road: pop comercial para adultos), volverlas tan desconcertantes o excitantes como acostarse en medio del camino. Había mucho más ahí de lo que se pensó posible, y ahora nada se sentía imposible”, escribió Pat Beane en la revista, para explicar por qué las eccojams y su secuela/escuela genérica, el Vaporwave, enseñaron a escuchar a una generación. Vamos a la eccojam más famosa, la B4, donde Chuck Person se detiene en la frase “Nobody Here” del hit The Lady in Red (1986), hit máximo del cantautor argentino Chris De Burgh. Ahí lo que también hace es aplicarle zoom a un tipo de textura tímbrica que subraya con más cámara, abriendo un “inconsciente musical” en el que la canción acaba diciendo lo contrario: es un retrato de la más desolada soledad, lejos de la historia de esa pareja enamorándose al bailar. Nada que no hubiéramos aprendido con las perversiones de la sampladelia o las subversiones de la plunderphonia de años anteriores, podríamos contradecir, aunque aquí Pat Beane trata de contextualizar el momento en que se democratizaron los medios de cut&paste: Do It Yourself, You Tube! Actualmente editar es un verbo tan masificado como el software más popular. Cualquier infante de hoy sabe hacerlo por sí mismo. Sin dudas, Alfano nada como pez en el agua del vaporwave, pero va por más, por más olas, por más vapor. No se detiene en el loop para suspender el tiempo. La orquestación de los temas está invertida, suena “chingada”: la melodía se repite como ritmo, mientras la base, que debería funcionar como “pie a tierra”, se torna aleatoria. El acabado nítido y glossy del mastering evita la pose low fi: los errores están donde tienen que estar. Para colmo, la percusión no esconde su condimento decó o su capacidad de dinamizar una composición que podría estancarse. Algo comprobable en: -esas interferencias que burbujean en Soluciones -los flashes de vitalidad durante la intensificación fatal de Conrad -las puntuaciones que repercuten en Figura Materna -los paneos impredecibles como electroflatulencias, durante los arreboles de Ocaso 2020 -los pads disrítmicos de Para Aldo, una composición que merecerá párrafo aparte.

................................................................................................................................

En Spotify, el usuario Cheerzo armó su lista Eccojams – Midnight Television bajo el lema “Es el año 1985, te quedás dormido frente al televisor”. 1985 también resulta significativo para Alfano. Empecemos por el referente detrás del track Conrad (que no es Joseph, el autor polaco de El corazón de las tinieblas, por más oscuros y pulsátiles se revelen esos 5’ 36’’) El 21 de noviembre de aquel año se estrenó el primer hotel marca Conrad (modelo Jupiter) de la cadena Hilton en Costa Dorada (Australia). Allí se impusieron las galletitas con chips de chocolates, repartidas cual souvenires de bienvenida entre los huéspedes recién llegados. Además, se habilitó un casino a todo neón, cuya tecnología de videogames sorprendía por lo moderna entonces. Era temprano aún para que aterrizara una sucursal Conrad en Punta del Este (Uruguay), la que se haría famosa como fondo de fotos para lucimiento de estrellas argentinas. Justamente a mediados de los ’80, la modelo y conductora Graciela Alfano formaba parte de la producción Verano ’85 Punta Show de revista Gente, donde practicaba un cola-less rompeola. “A los 28 años tenés toda la experiencia de una persona adulta y toda la juventud de una adolescente…”, declaraba. Casi dos décadas más tarde, un bailarín reveló (sin pruebas suficientes) que Alfano se prostituía en ese hotel, a esta altura considerado sinónimo de lujo para los que no pueden consumir lujo. Imaginario aspiracional de clase media sudamericana. Desde 2017, ya con cambio de dueños y de nombre (“Enjoy”), el Conrad uruguayo aspira a la “inclusión” de una clientela más amplia, a la que se le ofrecen precios más accesibles en temporada baja y un espectáculo a cargo del hijo homónimo del tenor Plácido Domingo (se lo reconoce por un “JR” poco visible tras el apellido). En segundo lugar, fue el 14 de junio de 1985 que vio la luz el álbum que facilitó la carrocería compositiva de Para Aldo: Boy in the Box, en cuya cubierta el cantante canadiense Corey Hart se disfraza por un rato de James Dean (pero beefier). Eurasian Eyes, la última canción del lado 1 del LP, provee el riff -secuencia tartamuda de arpa o koto- al que Alfano hace dar pasos cautelosos por un campo minado como los de videogame. La composición data de 2012 y fue incluida en el compilado Mujeres Planta Total II, publicado en DVD por el sello Spit On BPM. Acaso trascienda como el ejemplo más original de la adopción/adaptación local de la denominada “sensibilidad vaporwave” (Graffton Tanner dixit) de los ’10. Pero quién podría adivinar que un álbum olvidable, que apenas proveyó el hit resiliente Never Surrender (reversionado recientemente para sobrellevar el Covid-19), podría contener una sección musical de tal sofisticación, propia más bien de unos Depeche Mode experimentales (por entonces convertidos en una orquesta de Emulators). Alfano supo oír y poner zoom ahí, en zona insospechada por inocua. De ahí que hablemos de “piezas auditivas”, dependientes de un radar curatorial y una vocación postproductiva. Un ready made que brillaba en la basura fue rescatado para la era del vaporwave. Ready made intervenido, menos que el Father Figure (87) de George Michael que se transfiguró como Figura Materna, pero intervenido al fin. Intervenido e interferido pero no interrumpido, como Soley Soley (1971), pop single de la banda Middle of the Road, que en la película La mujer sin cabeza ni siquiera una brusca frenada lo detiene en su papel de música incidental para rutas.

Pablo Schanton

(Agosto 2020)

3 notes · View notes

damianacpi · 4 years

Text

Un Día Como Hoy en Dinant Valonia, Belgica en 1814 nació Antonie Joseph Sax conocido como Adolphe Sax quien haciendo un clarinete Tenor invento el Saxofón, por lo que se considera noviembre 6 como Día Del Saxofonista

El Saxofón, identificado con el jazz, la realidad es que llego un poco tarde a esta maravillosa música el primer solista o leader band fue el hijo pródigo de New Orleans Sydney Bechet quien ejecutaba el Soprano también destacan en este saxofón John Coltrane WayneShorter y Anthony Braxton.

En el Saxofón Alto el más destacado es sin duda alguna Bird Charlie Parker le siguen Sonny Stitt, Cannonball Adderley. Paul Desmond, Ornette Coleman y el cubano PaquitoDRivera

En el jazz el saxofón tenor es en el que destacan los mejores exponentes del instrumento el primer gran instrumentistas fue

Lester Young quien tenia un sonido melódico su antítesis seria la escuela del estilo de Coleman Hawkins de la que destacan Ben Webster y quien para mi gusto el mejor de todos el gran John Coltrane otros importante genio del tenor es Stan Getz probablemente el mejor continuador del estilo de Lester Young, al igual que Sonny Rollins y JoshuaRedman quienes dominan ambos estilos.

Y saxofón baritono en el que el mas destacado es el inigualable Gerry Mulligan.

#Adolphe Sax #saxophoneplayer #Saxophone Day

1 note · View note

rosebudblog · 4 years

Text

ORSON WELLES (III)

“MIS ALMUERZOS CON ORSON WELLES”

EN EL ESTRENO

LA DAMA DE SHANGHAI

SU ACTOR FAVORITO, JOSEPH COTTEN, EN SU PRIMERA PELÍCULA: TOO MUCH JOHNSON

Una de las personalidades más fascinantes de la historia del cine es sin duda Orson Welles, el enfant terrible de Hollywood. No es ningún secreto que fue un personaje excesivo y desbordante en todos sus aspectos, tanto en su oronda humanidad como en su carácter, capaz de herir y criticar de la forma más ácida posible.

De él se han contado innumerables anécdotas que muestran su carácter desbordante, vitriólico e irónico con sus colaboradores, sus colegas y hasta con alguna persona muy cercana.

Se ha afirmado que cuando realizó La dama de Sanghai, su relación con su esposa Rita Hayworth estaba ya muy deteriorada. En la película Rita aparece como rubia cuando en realidad era morena. Se ha dicho que conformó ese aspecto del personaje de Rita para despersonalizarla y hacer que fracasara ya que todo el mundo la conocía como morena. Si eso fue así nos muestra un aspecto de lo más maquiavélico de nuestro personaje. Tras el final del rodaje Rita declararía a la prensa: “La convivencia con un genio es muy difícil”. Poco después la pareja se divorciaba.

En otras ocasiones sus críticas son más directas y cargadas de ironía como cuando nos relata en un documental cómo se aliña una ensalada y la remata diciendo que en realidad es lo único que saben hacer bien los señoritos de Jerez.

Posiblemente nos hubiésemos quedado sin conocer las impresiones de Welles sobre el mundo del cine y sus personajes si no se hubiese publicado hace varios años un libro, muy interesante para los cinéfilos, que nos mostró gran parte de las cargas de profundidad que el genio norteamericano dedicó a ese mundo.

Durante años circulaba el rumor de que existían unas cintas con la grabación de las conversaciones que Orson Welles mantuvo con un oscuro escritor y director cinematográfico, Henry Jaglom, mientras acudían en diferentes días a almorzar a un restaurante. Poco después de terminar con aquellas reuniones Welles falleció y las cintas quedaron olvidadas hasta hace unos años en que, primero en Norteamérica editada por Peter Biskind y luego en España (editada en Anagrama) fueron publicadas en un libro bajo el título Mis almuerzos con Orson Welles. Las grabaciones se realizaron entre 1983 y 1985, año del fallecimiento de Welles y son un documento excepcional ya que el gran director habla y despotrica de todo: cine, pero también de literatura o política. En el año 1983 Welles era un hombre amargado que no veía ya posibilidad de volver a rodar e incluso de finalizar algunas películas que habían quedado inacabadas (como Don Quijote rodada en España). En esos momentos, era víctima de una obesidad mórbida y no tenía ninguna intención de cuidarse; de hecho, solo unos meses después falleció. En esas conversaciones Welles dio rienda suelta a su memoria y a toda la carga de afrentas que había acumulado con el paso de los años. Por otra parte, separado ya del mundo del cine, nada podía esperar de sus colegas y nada les debía por lo que su lengua fue viperina y la usó sin freno alguno.

El material de esas conversaciones realizadas en un restaurante de Los Ángeles (Ma Maison) al que iban con frecuencia actores y directores permaneció guardado en un armario durante 30 años y fue Peter Biskind quien convenció a Jaglom para que las pasara a un texto y se pudieran editar.

Las críticas recibidas por el libro dan muestra de su interés:

-“Es evidente que a Welles no le cohibía la presencia de la grabadora. El libro es un tesoro de chismografía sobre el Hollywood clásico, pero si sólo fuese eso sería como mucho un divertimento. Por suerte es además una fuente para entender a Welles, el director y el ser humano”.

-“Una inmersión maravillosamente fluida en la mente de Welles. Repleto de observaciones mordaces sobre el cine, el teatro, los cineastas, los actores, la política y la esencia del arte de contar historias”.

No todo fueron críticas negativas. Profesionalmente admiraba a Griffith, Flaherty y Renoir. Mostró su admiración por algunas personas como su actor preferido Joseph Cotten o por John Wayne. Especialmente alababa a John Ford a quien consideraba su maestro. En una entrevista de 1967 dijo: Me gustan los viejos maestros. Por viejos maestros entiendo John Ford, John Ford y John Ford. ¿Ha quedado claro?

Pero sobre todo en esas conversaciones hay críticas dedicadas a ambos sexos y a gran parte del ambiente de Hollywood sin acentuar la crítica en los más débiles, al contrario, son de destacar sus alusiones a los famosos y poderosos.

Veamos algunos momentos de esas conversaciones:

-según Welles, Catherine Hepburn estaba obsesionada con el sexo y califica a su pareja durante muchos años, Spencer Tracy de odioso por no saber llevar la relación con ella.

- de diferentes actores y directores explicita opiniones no muy favorables: de Bogart dice que renegaba de Casablanca y que era un actor de segunda; Charlie Chaplin estaba sobrevalorado y era un arrogante y a Woody Allen simplemente no lo soportaba.

-mostraba cierto desprecio por Charles Laughton por estar permanentemente angustiado por su homosexualidad.

- no tenía una gran opinión de Peter Sellers y señalaba que el rodaje de Casino Royale fue un desastre, entre otros motivos porque Peter Sellers se negaba a rodar sus escenas junto a él porque se sentía intimidado.

-de alguna actriz como la longeva Joan Fontaine tenía una opinión muy negativa, decía que “sólo tenía dos expresiones”.

-con alguno era claro y taxativo: para Welles, Laurence Olivier era “estúpido”.

-con Bette Davis tenía una cierta aversión física: no la podía ver.

-Hitchcock era otro director sobrevalorado y para él La ventana indiscreta era “una de las peores películas que había visto en su vida”.

-otro “mal actor”: James Stewart.

-a Richard Burton le reconocía sus cualidades, pero lo criticaba por “haberse convertido en un chiste casado con una famosa” (Elisabeth Taylor). “Ahora trabaja por dinero y hace la peor mierda”. (Es curiosa la tendencia del ser humano a ver la paja en el ojo ajeno y no la viga en el propio: como consecuencia de la falta de apoyos y de los desastres de algunos de sus proyectos, Welles se tuvo que dedicar gran parte de su vida a ejercer de actor en películas que en muchos casos carecían de calidad cinematográfica alguna, eran como las “películas alimenticias” de Buñuel, con la diferencia de que el maestro aragonés las reconocía como tales y al parecer Welles no).

-el recuerdo que tiene de Marilyn Monroe tampoco es muy positivo. Welles señala en la conversación que antes de que se convirtiera en una estrella “solía llevarla a fiestas para promocionar su carrera, pero nadie le dirigía ni una mirada”.

-no era muy buena tampoco la opinión que tenía de Hemingway con quien llegó prácticamente a las manos en un bar de Madrid.

Os dejo varios párrafos de las conversaciones con Henry Jaglom:

HJ: Por cierto, estaba leyendo el libro de Garson Kanin sobre Tracy y Hepburn OW: ¡Muchacho! Estaba sentado en maquillaje cuando Kane y ella se sentaba junto a mí, maquillándose para Doble Sacrificio. Y ella describía como se la follaba Howard Hughes, usando todas las palabras de cuatro letras. La mayoría de la gente no hablaba así entonces. Excepto Carole Lombard. Le salía natural. No podía hablar de otra forma. Con Katie, sin embargo, como hablaba con ese acento de clase alta, de escuela de señoritas, te daba la sensación de que había tomado la decisión de hablar de esa forma. Grace Kelly también se acostaba por ahí, en el camerino cuando no miraba nadie, pero nunca decía nada. Katie era diferente. Era una mujer libre cuando era joven. Muy parecida a cómo son las chicas ahora. Nunca fui fan de Tracy. (…) OW: ¡Midelos, midelos! No podía soportar mirar a Bette Davis, así que no quería verla actuar. Odio a Woody Allen físicamente, me disgusta esa clase de hombre. HJ: Nunca he entendido por qué ¿Lo has conocido? OW: Ah, sí. Casi no soporto hablar con él. Tiene la enfermedad de Chaplin. Esa combinación particular de arrogancia y timidez me pone de los nervios. (…) HJ: ¿Eran las cosas realmente mejores en los viejos tiempos? OW: Me llevé bien incluso con los peores de los viejos magnates. Eran, más fáciles de tratar que esta gente de educación universitaria y pendiente del mercado. No sufrí realmente con los “viejos chicos malos”, solamente sufrí con los abogados y los agentes. ¿No fue Norman Mailer quien dijo que la nueva forma de arte de Hollywood es el trato? Todas las energías se consumen en hacer un trato. En cuarenta y cinco años que llevo haciendo negocios con agentes, como actor y como director. Como productor, sentado en el otro lado del escritorio, nunca me he encontrado con un agente que se pelease por su cliente. Nunca he oído a uno de ellos decir: “Espera un minuto, este es el actor que deberías contratar”. Siempre dicen: “¿No te gusta? Tengo a otro” No tienen entrañas. (…) Richard Burton se acerca a la mesa Richard Burton: Orson, me alegro de verte. Hace mucho tiempo. Tienes buen aspecto. Elizabeth está conmigo, tiene muchas ganas de conocerte. ¿Puedo decirle que se acerque a la mesa? OW: No. Como puedes ver, estoy a mitad de mi almuerzo. Me acercaré cuando termine. Burton se marcha. HJ: Orson, te estas comportando como un gilipollas. Eso ha sido muy maleducado. OW: No me des patadas por debajo de la mesa. Lo odio. No te necesito como mi conciencia, mi Pepito Grillo judío. Especialmente no me des patadas en las botas. Sabes que me protegen los tobillos. Richard Burton tenía un gran talento. Ha arruinado sus grandes dones. Se ha convertido en un chiste casado con una famosa. Ahora solo trabaja por dinero, hace la peor mierda. Y no fui maleducado. Para citar a Carl Laemmle “Le di una respuesta evasiva, le dije: Que te jodan” (…) HJ: Conocías a Roosevelt, ¿no? OW: Si, yo hacía que se quedase levantado hasta tarde. Le gustaba quedarse y hablar, ¿sabes? Era libre conmigo. Yo no necesitaba ser manipulado. No necesitaba mi voto. Solía decir: Tu y yo somos los dos mejores actores de América.

(…)

HJ: Dicen que en La dama de Shanghái destruiste a Rita: le cortaste sus famosos tirabuzones pelirrojos y la teñiste de rubio sin decírselo a Harry Cohn.

OW: Sí, dijeron que era mi venganza por haberme dejado. Que por eso interpretaba a una asesina y por eso le corté el pelo y todo lo demás. Cuánta perspicacia, ¿verdad?... ¿Por qué iba yo a querer vengarme? Yo me follaba a todo quisque; y eso, para una mujer, es muy duro.

HJ: Pero no os habíais divorciado todavía.

OW: No, todavía no. Así que volvimos a vivir juntos. Era necesario, no había otra forma de sacar adelante la película. Y, en realidad, no era como trabajar con tu ex mujer, porque aún nos queríamos. Luego las peluqueras y otra gente malmetieron. Le contaron a quién me estaba tirando... Es una de las constantes de Hollywood: toda esa gente que vive a costa de las estrellas. Rita sospechaba de todo el mundo. Le habían hecho tanto daño a lo largo de su vida, que no podía confiar en mí. Y me echó. Fue devastador para mí.

HJ: Y la querías.

OW: Claro que la quería. Mucho. Pero para entonces ya no sexualmente. Tenía que hacer esfuerzos por follar con ella. Se había convertido en alguien tan..., en un objeto de deseo. Y ella sólo quería ser ama de casa. Marlene la llamaba la perfecta Hausfrau. ¿Y sabes qué decía ella? «Se acuestan con Rita Hayworth y se levantan con Margarita Carmen Cansino».

Es posible que a la vista de estas revelaciones se puedan sacar conclusiones muy negativas sobre la personalidad de Welles. Creo que no es así. Cierto es que poseía una personalidad arrolladora y que estaba lleno de rencor hacia el Hollywood tradicional que tan mal lo había tratado, pero como un Dr. Jekyll y Mr. Hyde sus palabras nos ofrecen dos personalidades. Esta frase muestra el desprecio por el mundo del cine que tan mal le había tratado:

LA DE DIRECTOR DE CINE ES LA ÚNICA PROFESIÓN DEL MUNDO EN LA QUE PUEDES SER UN COMPLETO INCOMPETENTE Y TENER ÉXITO DURANTE 30 AÑOS SIN QUE NADIE LO DESCUBRA

18/7/2020

#OrsonWellesAlmuerzos

3 notes · View notes

notasfilosoficas · 2 years

Quote

“Siempre es el momento apropiado para hacer lo que es correcto”

Martin Luther King

Fue un reconocido pastor estadounidense de la Iglesia bautista, y activista político frente al movimiento por los derechos civiles en los Estados Unidos.

Nació en enero de 1929 en la ciudad de Atlanta, fue hijo de un pastor bautista y de una organista en una iglesia. Su padre lo bautizó como Michael King, pero en un viaje a Europa que realizó la familia en 1934, durante una visita a Alemania, decidió cambiar los nombres por Martin Luther, en honor al reformador protestante Martin Lutero.

En 1948, se graduó en Sociología y en 1951 King comenzó sus estudios de doctorado en Teología sistemática en la Universidad de Boston. Recibió el grado de doctor en filosofía en 1955.

En 1954 fue nombrado pastor de una Iglesia bautista en Montgomery a la edad de 25 años.

En 1955 cuando Rosa Parks, una mujer negra, fue arrestada por haber violado las leyes segregacionistas de la ciudad de Montgomery, al no querer ceder su asiento a un hombre blanco en un autobús, King inició un boicot de autobuses, por lo que fue arrestado y su casa atacada con bombas incendiarias.

Como parte de sus protestas, King se adhirió a la filosofía de desobediencia civil no violenta, tal como la había descrito Henry David Thoreau y como la había utilizado con éxito Gandhi en la India.

En 1960, Martin Luther King fue encarcelado y posteriormente liberado por la intercesión del candidato presidencial en ese entonces John F. Kennedy, tras un movimiento por los derechos de los afroamericanos al voto, la disgregación y el derecho al trabajo.

En el verano de 1963, su lucha alcanzó uno de sus momentos culminantes al encabezar una gigantesca marcha sobre Washington, en la que participaron alrededor de 250,000 personas, ante las cuales pronunció uno de sus mas celebres discursos titulado “I have a Dream”, en donde él y otros antirracistas, fueron recibidos por el ya presidente John F. Kennedy, quien se había comprometido a acelerar su política contra el segregacionismo.

En 1964, obtuvo el premio Nobel de La Paz, y con 35 años, se convirtió en el hombre más joven en recibir este reconocimiento.

King realizó a lo largo de la década de los años 60 múltiples marchas, algunas rechazadas violentamente como la de Selma en 1965 denominada “Bloody Sunday” por la crudeza con que fue repelida y otras de gran afluencia de manifestantes pro derechos civiles como la marcha de Chicago en 1966.

A partir de 1965 King comenzó a expresar en público sus dudas sobre el papel de los Estados Unidos en la guerra de Vietnam y para 1967 pronunció en Nueva York su discurso “Mas allá de Vietnam: el momento de romper el silencio” en donde consideraba a los Estados Unidos como el mas grande proveedor de violencia en el mundo de hoy, atrayendo con ello un creciente numero de enemigos tanto en el sur como en el norte.

En 1968, Martin Luther King se desplazó a Memphis Tennessee para apoyar a los basureros negros locales que estaban en huelga, y cuyo objetivo era una mejor retribución salarial y un mejor trato. El 3 de abril en el Mason Temple, dió un discurso profético; “He estado en la cima de la montaña” ante un auditorio eufórico. Un dia después de tan celebre discurso, a las 18 horas con un minuto Martin Luther King fue asesinado por un segregacionista blanco.

Antes de morir sus últimas palabras fueron dirigidas al músico Ben Branch, quien actuaría en esa misma noche durante una reunión publica pidiéndole a Ben tocara “Precious Lord take my hand” de la manera mas hermosa.

Martin Luther King fue declarado oficialmente muerto a las 19:05 en el hospital St. Joseph de Memphis.

Posterior a su muerte, y tras ser declarado culpable el asesino de Martin Luther King y sentenciado a 99 años de prisión, se especuló sobre un posible complot entre la mafia y el gobierno, situación que a pesar de las pruebas y testimonios posteriores, en el año 2000, el departamento de justicia concluyó no haber pruebas suficientes para demostrar una conspiración.

Fuente: Wikipedia

#frases #frases celebres #frases de reflexion #frases de la vida #martin luther king quotes #notas de vida #derechos humanos #notas cortas #pensamientos #lucha social

13 notes · View notes

marcfarraspiera · 4 years

Text

Stoke, el corazón delator

De él se dice que cambió el rostro del mundo. Que alberga el parque más bonito de la ciudad. Que en ningún sitio del país nacen tantos niños. Que en sus locales se cocinan los manjares más exóticos y se preparan los brebajes más inspiradores. Que atrae a genios y diablos por igual. Y por si todo ello fuera poco, su calle principal alumbró a tres de los más grandes escritores de siempre. ¿Cuántos barrios pueden presumir de semejante expediente?

Este barrio existe y se encuentra, cómo no, en Londres, ciudad de imposibles y excesos por antonomasia. Hablamos de Stoke Newington. En el norte de la ciudad, no muy lejos de King’s Cross, esta antigua aldea sajona, incorporada a la capital hace un par de siglos con el auge del ferrocarril, conserva aún un cierto aire rural y señorial de otras épocas, nada que ver con el imperio de acero y metal de la City.

Odiado y amado desesperadamente, como Londres; refugio histórico de outsiders, revolucionarios y vividores; de espíritu inconformista y muy politizado, Stoke es hoy una pacífica colmena de artistas, familias acomodadas y jóvenes liberales. Los más entendidos hasta lo comparan con San Francisco. No siempre fue así. Después de siglos de tensiones religiosas, a finales del XIX el barrio fue precursor de la Londres multicultural con la llegada de judíos rusos, poloneses y alemanes. Éstos precedieron el desembarco de indios, griegos y turcos a partir de los sesenta, y a los jóvenes españoles, italianos y franceses hijos de la crisis. Unos en presente y otros en pasado, todos han forjado una comunidad singular que, pese a su alta calidad de vida, sigue siendo una gran desconocida.

Si usted nunca ha oído hablar de Stoke, es más que comprensible. Incluso puede que haya estado en Londres tres o cuatro veces y nunca se haya paseado por allí. No se rasgue las vestiduras. Todo tiene su explicación. Pese a su excelente ubicación en el mapa, Stoke no tiene parada de metro. Lo que a priori es un hándicap insalvable en una metrópolis de casi 10 millones de habitantes, para Stoke fue -y es- una bendición. En Londres, un barrio sin metro es a priori una puerta abierta al olvido.

Sin embargo, a veces en el olvido se vive bien. Incluso de maravilla. Sin ningún tube alrededor, Stoke es un remanso de paz, amado tanto por los bajos fondos, en su tiempo, como por la bohemia urbana, actualmente. Sin conexión directa con las turbinas capitalistas del centro, durante años los precios del alquiler se mantuvieron sorprendentemente bajos, y Stoke se ganó la fama de polo de tolerancia, cosmopolitismo y buena vida antes de que las redes sociales nos descubrieran las bondades del slow food y el melting pot.

Aun así, como todo en Londres, las dos últimas décadas han transformado el paisaje radicalmente. Stoke ha empezado el siglo con una vitalidad envidiable. Los más escépticos lo acusan de ser uno de los polos de la gentrificación (algunos expertos aseguran que el término se acuñó por primera vez aquí en los años sesenta), pero si queda alguna Arcadia céntrica en Londres, ésta se llama Stoke.

Con la energía canalla de Dalston, el bullicioso mestizaje de Finsbury y la blanca elegancia de Canonbury, todos ellos barrios circundantes de los cuales se nutre y respira, el viejo Stoke, antaño feudo de fervientes protestantes y de todo tipo de granujas de medio pelo, es hoy uno de los mejores sitios para vivir. No lo dicen solo sus entusiastas habitantes, también las cifras. Los que afirman con gravedad que Londres no es lugar para niños quedarán en fuera de juego en Stoke, una de las zonas de todo Reino Unido con más hijos por cápita - llegó a ser conocida como la ‘capital del bebé’ de todo el país hace 15 años. Las tardes de buen tiempo y los fines de semana, las calles son colonizadas por hordas de niños y niñas galopando en cochecitos, triciclos y bicicletas, y armados con un arsenal infinito de pelotas, raquetas, globos de agua y otros artilugios.

El corazón del barrio y auténtico edén familiar es Clissold Park, un pulmón verde en forma de diamante en cuyo interior se pasean cervatillos, patos y gallinas en admirable convivencia. En la única colina del parque, a los pies de huertos ecológicos y humedecida por un alegre riachuelo, una antigua mansión de ladrillo con columnas blancas y largos ventanales rectangulares preside el escenario. En la terraza del café, orientado a poniente, los vecinos ven la vida pasar enmarcados por dos alfileres negros que parecen aguantar la bóveda del cielo: el imponente Shard, al sur, y un castillo victoriano, al norte, hoy popular centro de escalada entre la nutrida comunidad internacional.

Si Clissold Park es un destello de luz y de vida, su reverso es el cementerio de Abney Park. Esta necrópolis del siglo XVII, distinguida como una de las ‘7 Magníficas’ de Londres, es una auténtica jungla de la muerte, con un laberinto de lápidas dispersas entre una vegetación salvaje. Los mitómanos tienen en Abney su primera cita obligatoria: aquí grabó Amy Winehouse su icónico y premonitorio videoclip Back to Black.

Quien también paseó entre las tumbas cubiertas de maleza fue un joven y huérfano Edgar Allan Poe. El escritor nacido en Boston pasó parte de su infancia en Londres con su familia adoptiva. Vivió tres años en Stoke y fue a la escuela parroquial de Manor House, en Church Street, hoy convertida en un pub de cerámica rojiza. Humillado por sus compañeros por su acento americano y un físico enclenque, Poe deslumbró a sus profesores con una prodigiosa habilidad literaria. En la oscuridad de las frías noches de invierno, ebrio de soledad y sin duda influido por un tétrico decorado urbano, Poe puso los cimientos en este rincón de Londres de un universo gótico que ha transcendido hasta nuestros días. Algunos de sus cuentos más famosos, como El pozo y el péndulo, fueron concebidos en Stoke.

Un siglo antes de Poe, la primera celebridad de las letras en el barrio fue Daniel Defoe. Los lectores más fieles pueden acercarse al número 95 de Church Street y rendir tributo al padre de Robinson Crusoe (en viernes, por supuesto). Además de escribir crónica parlamentaria y centenares de novelas con la tinta de la eternidad, Defoe cultivó en el jardín de su casa de Stoke la particular afición de criar gatos civetas para destilar perfume. Desconocemos si llegó a vender un solo frasco.

El magnetismo de Stoke no se detuvo con el tiempo. Entre viaje y viaje por los siete mares del mundo, Joseph Conrad residió en el barrio, donde se curó de unas fiebres contraídas en el Congo. El autor de El corazón de las tinieblas siempre prefirió latitudes más exóticas, y llegó a describir Londres como una ciudad de “total salvajismo” y “privada de belleza o esplendor”. Desde su casa de Dynevor Road, Conrad imaginó algunas de sus grandes historias, y dicen las malas lenguas que se inspiró en sus caseros y en algunos tenderos de Church Street para crear sus personajes más tenebrosos.

La lista de eminencias es larga. El filósofo utilitarista John Stuart Mill cambió las leyes morales del mundo desde Stoke. El barrio también alojó las conspiraciones regicidas contra Carlos II, vio nacer al metodismo gracias a John Wesley, y en sus calles y pubs correteó y tocó sus primeros acordes Marc Bolan, el trágico cantante de glam rock y líder de T. Rex. Incluso Kate Winslet vivió aquí antes de ser Kate Winslet.

Pero no todo son celebridades de alta alcurnia. Stoke también tiene una generosa cuota de personajes estrafalarios y de sucesos grotescos. Como el surrealista funeral de John Wilmer, de la secta cristiana de los cuáqueros, quien fue sepultado en una cripta con una campanilla atada a la muñeca para asegurarse que no fuera enterrado vivo. Hasta el momento, sigue descansando en paz.

Todo cuerpo tiene su corazón que bombea oxígeno y protege su espíritu. Todas las calles, sueños y miserias de Stoke van a dar a Church Street, que es el vivir. La vida y los días en Stoke nacen y mueren entre sus dos orillas. Pocas calles en el mundo concentran tal cantidad de puntos de fuga gastronómicos, musicales y estéticos. En Church Street se pueden comer verdaderas pizzas napolitanas, comprar vinilos perdidos en el tiempo, y decorar el salón de invitados con piezas de vajilla artesanales dignas de Buckingham Palace. Pese al rodillo homogeneizador del tiempo y a la desnaturalización que azota las grandes capitales del continente, Stoke cuida con esmero una personalidad propia y poliédrica, digna de la mejor Londres, la hedonista, creadora y noctámbula.

Los stokeys de hoy son los herederos involuntarios de un pequeño cosmos de historias lejanas y pieles policromas. A lo largo de los siglos, comunidades y grupos humanos de todos los rincones del planeta han encontrado en Stoke un refugio para vivir y morir. Poetas y fugitivos, feministas avant la lettre y curas rebeldes, camellos e intelectuales, todos ellos han convertido Stoke en un espacio de vida vibrante y libérrimo.

Cuando vuelvan a Londres, no lo duden. Aunque no puedan llegar en metro, tomen el 73 desde Fitzrovia o el 141 desde Fleet. Bájense en Stoke Newington. Coman, paseen, observen. Túmbense sobre la hierba de Clissold y hablen con Dios (o con el diablo) en Abney. Bevan bailen, inspírense. Volverán siempre.

1 note · View note

miguelmarias · 4 years

Text

William Wellman

Un cineasta misterioso

Pocos de los cineastas americanos «clásicos» —por llamar de alguna forma a los que emprendieron su carrera en el mudo y le pusieron fin o la vieron interrumpida entre 1957 y 1964— resultan tan intrigantes y misteriosos por su personalidad, estilo y trayectoria como William A. Wellman, nacido (sorprendentemente) en el Este (concretamente, en Brookline, Massachusetts), el muy significativo 1896, y fallecido en 1975... tras dieciocho años de inactividad, que aprovechó para escribir unas «memorias» de mayor interés vital que cinematográfico, A Short Time for Insanity, tan novelescas y truculentas como su título hace sospechar.

Empezó a dirigir en 1923, tras una primera juventud agitada, variopinta y nada «intelectual» —era un «hombre de acción», como Howard Hawks—, en la que destacan su abandono de la escuela y su alistamiento como voluntario en la famosa Escuadrilla Lafayette —que evocó en su última película—, pinitos como actor de cine, y algún trabajo de ayudante (de gente como Charles Brabin). Ya por 1927 era famoso: Wings (Alas) ganó el Oscar y le permitió pasar a la Historia del Cine como uno de los «grandes» del mudo; desde entonces, su reputación crítica es una sucesión de altibajos, casi siempre aderezada por la polémica... cuando no caía por largos períodos en el olvido.

La verdad es que tanto sus defensores —americanos e ingleses antaño, franceses más recientemente— como su detractores —franceses antes, americanos en tiempos próximos— pueden encontrar en su filmografía bases suficientes para defender sus respectivas posiciones, por contrarias que sean, ya que, realmente, de todo hay en la obra de Wellman, incluso en la porción de ella que he podido ver —unas 26 o 27 películas, poco más de un tercio—, es decir, de lo peor a lo mejor, y no siempre por causas imputables a los productores —con los que, como hombre independiente, individualista, impulsivo y testarudo, Wellman solía llevarse mal, tanto que llegó a tirotear a uno, librándose de sus intromisiones en el rodaje—, a la carencia de medios —no es un artesano/autor de la «serie B», como Joseph H. Lewis, Budd Boetticher, Jacques Tourneur o Edgar G. Ulmer— o a falta de sintonía con los temas —algunas de sus peores películas tratan de aviones, esa otra pasión, aproximadamente contemporánea del cine, que compartía con tantos de sus compañeros de generación, desde Hawks, Garnett, Henry King o Cecil B. DeMille, hasta Renoir y Dreyer—; y otras expresan, probablemente, sus posiciones políticas durante la «guerra fría», bastante alejadas de las preocupaciones sociales detectables en sus películas de los años 30 acerca de la Gran Depresión.

No es descartable, por este último motivo, que algunos de sus detractores sean, pura y simplemente, «enemigos ideológicos» y de esos que parecen incapaces de aceptar que quien no piensa como ellos pueda hacer algo bueno y respetable en cualquier campo de actividad, aunque poco o nada tenga que ver con la política, y que delatan una noción del «pecado» mucho más intransigente que la de los católicos más intolerantes, además de una afición a elaborar «listas negras» y denunciar a los oponentes tan grande como la de sus perseguidores.

Curiosamente, el caballo de batalla de la polémica ha sido siempre su buen amigo Howard Hawks: tanto para reivindicar al autor de Scarface (1930-1/32), Sólo los ángeles tienen alas y Luna nueva (1939), Sargento York (1941), Río Rojo (1947), Río de sangre (1952), Río Bravo (1958) o Peligro, línea 7000 (1965) como para desprestigiar al de Alas (1927), The Public Enemy / Enemies of the Public (1931), Nothing Sacred (1937), Battleground (1949), The Ox-Bow Incident / Strange Incident (1943), Buffalo Bill (1944), Cielo amarillo (1948), Más allá del Missouri (1951) o Lafayette Escadrille / Hell Bent for Glory (1957) había, por lo visto, que compararlos y elegir sólo uno de ellos. Ni siquiera se trataba de decidir, en tonta competición, cuál era el mejor de estos dos directores de cine de acción, que han explorado todos los géneros, a veces anticipándose uno, en ocasiones el otro, sino que había que optar por uno, renunciando, no se sabe por qué, al otro, cuando, realmente, nada les opone y lo que les separa sirve para distinguirlos sin el menor problema, como corresponde a dos cineastas de acusada y singular personalidad. Las objeciones «políticas» o lo reparos que puedan ponérsele a Wellman son a menudo aplicables a Hawks, o sustituibles por otros equivalentes, incluso cuando puedan parecer de signo estilísticamente contrario; en cualquier caso, algunos de los reproches que podrían hacérsele a Wellman serían incompatibles con la defensa a ultranza de Walsh que muchos de sus detractores hacen de pasada, y la admirable sobriedad de Hawks no excluye, en modo alguno, otras opciones, más abigarradas y pintorescas, más heterogéneas y variadas, menos uniforme e invariablemente perfectas a lo largo de su carrera, que adquirió una madurez tan prematura que a veces se le puede atribuir, en contrapartida, cierta monotonía o acusarle —como no han dejado de hacer sus detractores— de no progresar y de copiarse a sí mismo (aparte de que no siempre sea fácil deslindar la «serenidad» de la frialdad ni la «impasibilidad» de la indiferencia hacia la suerte de los personajes). Claro que también los hay que acusan a Hawks de ir copiando sistemáticamente a Wellman —a lo que los partidarios del primero replican, cuando lo admiten, que Hawks rehacía mejorándolo lo que antes había hecho mediocremente Wellman—, mientras que los «anti-hawksianos» —que algunos quedan, mientras apenas hay «wellmanianos» hoy día— pretenden justamente lo contrario, en general basándose en el supuesto plagio de The Public Enemy que dicen ver en Scarface, cuando este célebre film, estrenado tardíamente por los problemas de censura con que se topó, está realizado antes (en 1930, con retoques en 1931), y se parece poco al de Wellman, y cuando ambos tienen claros antecedentes —más explícitos y rastreables en el caso de Hawks, por su amistad con los guionistas Ben Hecht y, sobre todo, Jules Furthman— en Underworld (La ley del hampa, 1927) y The Dragnet (1928) de Josef von Sternberg, y semejantes concomitancias en el curiosamente contemporáneo City Streets (Las calles de la ciudad, 1931) de Rouben Mamoulian.

Pero lo cierto es que en 1993, esta banal querella ha perdido el poco sentido que pudiera tener con la muerte de ambos realizadores y, si se me apura, del cine que tan vigorosa y ejemplarmente, cada uno a su manera, representaron durante muchos años, y más vale enterrarla, ya que, para que resultase mínimamente esclarecedora, habría que ampliar el ámbito de las comparaciones para incluir a Raoul Walsh, Allan Dwan, John Ford, King Vidor y Michael Curtiz, por lo menos; y también, puestos a ello, a Henry King, Tay Garnett, Cecil B. DeMille, William Keighley, Edward Ludwig, André de Toth, Stuart R. Heisler, Henry Hathaway, Edwin L. Marin, William Witney, Joe Kane y alguno más, varios de ellos sumamente desconocidos aunque no por ello —ni por su inferior categoría— menos significativos y reveladores.

En cualquier caso, el resultado de una comparación semejante llevaría, creo, a dos conclusiones: 1.) Wellman no era un cineasta «del montón», no sólo por ser sus películas generalmente poco convencionales y distintas de las más «paralelas» de sus colegas, sino, además, porque a menudo eran mejores; 2.) a fuerza de original, Wellman ni siquiera era igual a sí mismo, por lo que su obra es cualitativamente irregular y en ocasiones —hasta cuando, como guionista y productor además de director, se le podría considerar «autor» único y absoluto— incoherente y hasta contradictorio.

Curiosamente, sus películas históricamente mejor consideradas —tanto ahora como en el momento de su estreno, o ya con visión retrospectiva pero hace tiempo— no son casi nunca las que me parecen más características, y tampoco las que encuentro mejores, por lo general, aunque con Wellman resulta particularmente arriesgado hacer afirmaciones muy tajantes, ya que es imposible saber si uno ha tenido la suerte de ver sus obras más logradas e interesantes o si las hay todavía mejores en la zona de sombra de su filmografía, aunque ya se conozca buena parte de las más famosas. Esto sugiere que nos movemos en territorio inseguro, en gran medida inexplorado, y que la crítica ha tendido a considerar a Wellman —probablemente como él mismo— más como un buen realizador, un técnico eficaz y un narrador «sabroso» que como un «autor» con algo que decir y el estilo propio correspondiente, por lo que ha solido apreciar más aquellas películas claramente inscritas en un género determinado, que encarnan con vigor extremado y algunos rasgos pintorescos y distintivos, que las obras claramente singulares, un tanto inclasificables o marginales, que avanzan en tierra desconocida —y no suelen tener continuidad— o que mezclan inextricablemente elementos de géneros diversos, a menudo teóricamente incompatibles o de combinación infrecuente. Son estas últimas películas, sin embargo, hasta cuando pueden parecer excesivamente heterogéneas y antojarse, en una primera visión, más irregulares de lo que realmente son, las que mejor reflejan el peculiarísimo carácter de Wellman, según todas las referencias y testimonios —hostiles u amistosos, tanto da— un hombre extraño, huraño, hosco y difícil, obstinado hasta la obcecación, de trato difícil o escasamente sociable, que nunca llegó a integrarse en el estilo de vida de Hollywood y que presenta asombrosos puntos de contacto con otro americano notable, amigo de Hawks también, el escritor William Faulkner, con el que también puede encontrársele cierto parecido físico.

No es raro que un hombre así tuviese enemigos mortales, y, al mismo tiempo, algunos amigos sorprendentemente fieles, a menudo imprevisibles y que no se llevarían bien entre sí, a los que sin duda frecuentaba por separado. Sólo así se explica que Track of the Cat (1954), firme aspirante a un hipotético título de «la más extraña película americana» —junto con la única película dirigida por el actor Charles Laughton, The Night of the Hunter (La noche del cazador, 1955), inmediatamente posterior y curiosamente emparentada con ella, como la común presencia de Robert Mitchum subraya—, sea una producción Batjac, es decir, de la propia compañía de John Wayne, que debía admirar y respetar mucho a Wellman para arriesgar su dinero en una película que, evidentemente, no iba a dar un céntimo —y no lo dio—, que no iba a acrecentar su reputación —casi nadie parece haberla visto, casi nadie la menciona nunca—, con la que no podía sentir afinidad alguna y en la que, para colmo, ni siquiera intervenía como actor. Aunque nada he logrado averiguar acerca de la gestación de esta película, ni del grado de implicación personal del director, todo hace pensar que cualquier productora a la que se le presentase Wellman con el guion de Track of the Cat o con la novela en que se basa, le consideraría un viejo chiflado y le invitaría a tratar de arruinar a la competencia, porque tenía que ser un proyecto —a juzgar por los resultados— totalmente desprovisto de atractivo comercial y, en consecuencia, económicamente descabellado, sin que el reparto —tal vez ya previsto, quizá decidido más tarde, pero tan insólito como es resto de la película, y por tanto elegido por Wellman, como corrobora la señalable ausencia de amigos de John Wayne— ni las duras condiciones de rodaje en la nieve arreglasen nada. Y si encima iba anunciando que iba a rodarla en CinemaScope y en color, pero depurando éste hasta que la película fuese casi en blanco y negro, le echarían a patadas hasta de las casas más modestas y extravagantes, como la Republic. Ni siquiera los estrafalarios y osados productores respectivos de The Leopard Man (1943), Stars in My Crown (1950) o Great Day in the Morning (Una pistola al amanecer, 1956) de Jacques Tourneur, Detour (1945) o Strange Illusion (1946) de Edgar G. Ulmer, I Shot Jesse James (Balas vengadoras, 1949), Park Row (1952), Forty Guns (1957), The Crimson Kimono (1959) o The Naked Kiss (Una luz en el hampa, 1964) de Samuel Fuller, A Scandal in Paris (1946) o The Tarnished Angels (Ángeles sin brillo, 1957) de Douglas Sirk, House by the River (1949) o Rancho Notorius (Encubridora, 1951) de Fritz Lang, On Dangerous Ground (1950), o Johnny Guitar, 1954) de Nicholas Ray, Devil's Doorway (La puerta del Diablo, 1949) de Anthony Mann, The Southerner (1945), The Diary of a Chambermaid (Diario de una camarera, 1946) o The Woman on the Beach (La mujer de la playa, 1947) de Jean Renoir, People Will Talk (1951) de Joseph L. Mankiewicz, The Locket (La huella de un recuerdo, 1948) de John Brahm, Moonrise (1948) de Frank Borzage, The Reckless Moment (1949) de Max Ophüls, The Inside Story, Angel in Exile (1948), The River's Edge (Al borde del río, 1957) o Most Dangerous Man Alive (1958) de Allan Dwan, Pursued (1947) o Un rey para cuatro reinas (1956) de Raoul Walsh, 3 Godfathers (1948) de John Ford, Day of The Outlaw (1959) de André De Toth o Angel and the Badman (1946), de James Edward Grant, pese a que demostraron —al menos, ocasionalmente— no arredrarse ante películas «anómalas», se hubieran entusiasmado con la idea.

Y, sin embargo, Track of the Cat es una de las películas más extraordinarias y fascinantes de todo el cine americano, quizá la más imprevisible e insólita, y tanto por la historia que narra —nada lineal, con acción escasa y personajes lacónicos y complicados— como por su tono y su estilo, que se ajustan al tema como un guante a la mano de su propietario, y que son, por tanto, indisociables. Que un cineasta que no sobresale por su reputación de sutil y refinado consiga tal adecuación entre «fondo» y «forma» que la distinción académica quede totalmente desprovista de sentido puede sorprender a quien no valore en su justa medida el talento potencial de Wellman, muy superior al que habitualmente demostraba, y que sólo pueden haber vislumbrado los que hayan acertado a ver cuatro o cinco de sus películas más extraordinarias, mientras que quienes hayan tenido la desgracia de toparse con sus ocasionales errores —que suelen ser de bulto— y con las relativamente abundantes mediocridades ramplonas que desequilibran su carrera y rebajan el valor medio del conjunto de su obra, acogerá semejantes elogios con comprensible escepticismo. Y es que, realmente, hay pocos directores «industriales» con una filmografía tan irregular, en la que lo genial sucede a la más insensata extravagancia y se codea con la más rutinaria y convencional ejecución de un trabajo de encargo, o por el que perdió interés tan súbitamente como lo había sentido.

Por eso resulta arriesgado —y, que yo sepa, es una empresa aún no acometida por ninguna Cinemateca o festival— organizar una retrospectiva completa de su obra, o decidirse a contemplarla, pese a que sus películas más logradas tienten a ello y exciten la curiosidad acerca de tan misterioso cineasta: cabe la fatigosa posibilidad de no lograr descubrir ni un solo film más que sea verdaderamente interesante, lo mismo que entra en lo posible encontrarse con que hay alguno —o varios— que superan a los mejores que conocíamos previamente.

A la espera de una ocasión de este tipo —que, en cualquier caso, habría que aprovechar, y sin desanimarse por muchas que fueran las decepciones—, yo invitaría a todo aficionado curioso, si es que queda alguno todavía, a no perderse ni una sola de las películas de Wellman que, por un medio u otro —filmotecas, televisiones, vídeo—, puedan ponerse a su alcance, e incluso les aconsejaría que revisen, siempre que puedan, las que ya conozcan, por poco que hayan podido interesarles en una primera visión.

Si siempre cabe el error de perspectiva en un primer contacto, y las apariencias engañan a menudo, con Wellman hay que tener un especial cuidado, ya que casi nunca responde a las expectativas, y muchas veces parece sentir un placer perverso en salir por donde menos se le puede esperar, desviando o retorciendo el curso de relatos de arranque convencional, o cambiando de ritmo, de tonalidad y hasta de género con una agilidad que desconcierta. Por su propia rareza, algunas de sus películas propician la desorientación y hasta la pérdida del espectador, que se siente defraudado por el desarrollo de la historia o por cambios de tercio tan drásticos que casi equivalen a romper la baraja y variar en marcha las reglas del juego, o el punto de vista inicialmente adoptado, lo que socava el contrato tácito suscrito entre un cineasta y su público, y mina o anula la confianza depositada en aquél por parte de éste, que siente irritación y tiende a vengarse de la película, enjuiciándola negativamente o desentendiéndose de ella.

Tampoco puede decirse que Wellman asumiese riesgos calculados, ni que se sirviese conscientemente de las presuntas expectativas de los espectadores para jugar con ellos al gato y al ratón, como con tanto humor y asombrosa perspicacia solía hacer el normalmente certero y cauteloso Alfred Hitchcock. Wellman no parece, al menos evidentemente, actuar con premeditación o alevosía, y no toma precauciones ni mide con cuidado hasta dónde puede llegar: o se despreocupa del público o confía ilimitadamente en su capacidad, pero el caso es que suele dar rienda suelta a sus impulsos o caprichos, sin preocuparse por ser entendido ni preguntarse si los espectadores le van a seguir acompañando después de dos o tres cambios de rumbo y algún viraje brusco e inesperado, casi siempre chirriante.

La verdad es que parecía darle lo mismo moverse dentro de un territorio conocido y sólidamente codificado, como el western —recordemos The Call of the Wild (La llamada de la selva, 1935), Robin Hood of El Dorado (1936), The Great Man's Lady (Una gran señora, 1941), The Ox-Bow Incident (1943), Buffalo Bill (Aventuras de Búfalo Bill, 1944), Yellow Sky (Cielo Amarillo, 1948), Westward the Women (Caravana de mujeres, 1951, producida por Mervyn LeRoy y escrita por Frank Capra), Across The Wide Missouri (Más allá del Missouri, 1951), que, para empezar, son con frecuencia easterns, northerns o southerns— o el film de guerra —por ejemplo, Wings (Alas, 1927), Beau Geste (Beau Geste, 1939), Story of G.I. Joe/Ernie Pyle's Story of G.I. Joe/G.I. Joe/War Correspondent (También somos seres humanos, 1945), Battleground (Fuego en la nieve, 1949) y Lafayette Escadrille (1957), aunque la primera y la última podrían encuadrarse, con Gallant Journey (Jornada gloriosa, 1946) e Island in the Sky (El infierno blanco, 1953), entre las muchas «de aviones» que hizo— que oscilar entre extremos —comedia y melodrama, en A Star Is Born (1937)—, o hacer incursiones en la comedia clásica —Nothing Sacred (La reina de Nueva York, 1937)—, lo que los americanos llaman «Americana» —The Happy Years (1950)—, la parábola —Magic Town (1947)—, el panfleto anticomunista —The Iron Curtain (El telón de acero, 1948) y el tardío Blood Alley (Callejón sangriento, 1955)—, el documento social reivindicativo y rebelde —Wild Boys of the Road (1933)—, la biografía —Lady of Burlesque (La estrella del Variedades, 1943)—, el film de gangsters —The Public Enemy (1931)— o el melodrama —Roxie Heart (1942)—, casi siempre en versiones impuras, y con elementos de otros géneros o subgéneros brutalmente incrustados o hábilmente combinados, que inventarse un género nuevo, exclusivamente ocupado por una película como Track of the Cat, que además no hizo escuela.

De hecho, apenas hay género con el que no haya coqueteado, aunque son pocos los que ha explorado un poco a fondo, y no se le puede considerar como «experto» o «especialista» de ninguno de ellos, lo que revela implícitamente, por lo pronto, dos cosas acerca del enigmático y extravagante Sr. Wellman: que nunca se dejó encasillar y que los géneros, en sí mismos o como instrumentos o plataformas expresivas, no le interesaban, y suponían para él, —a diferencia de lo que les pasaba a Hawks y Walsh— más un férreo entramado de convenciones, figuras de estilo y estructuras, que tenía que molestarse en subvertir, distorsionar o dinamitar, es decir, un estorbo, que un amplio y cómodo campo de maniobra, que le permitía recurrir a la abstracción y la estilización con un envoltorio simple y flexible, y que tenía la ventaja adicional de resultar aceptable para el público y, por tanto, para la industria.

A Wellman no le atraían los «segundos grados», ni los «mensajes subliminales», ni los sentidos solapados, ni las maniobras tácticas envolventes y sinuosas con las que tanto disfrutaban otros directores americanos de su edad. Prefería ser franco y brutal, directo y contundente, desconcertante y sorprendente, pero a las claras, a cuerpo descubierto, incluso con cierta agresividad, que, si no era buscada, por lo menos no rehuía. Ni siquiera solía recurrir al humor para disimular o para «dorar la píldora»: sus películas son a menudo provocativas, desafiantes, expeditivas y hoscas, y no suelen tomar en consideración los gustos dominantes, las modas vigentes o los sentimientos del espectador, por lo que tienen algo de exabruptos o de objetos «arrojadizos», y un carácter acusadamente individualista e irreductible, incluso inconciliable, sin concesiones ni términos medios. Wellman iba a lo suyo, a su ritmo y a su manera, sin volverse a mirar si le seguían o se habían quedado por el camino. Lo que le define como una especie de caballo salvaje, un maverick, un independiente, y hace aún más urgente y necesaria la labor de recuperar su obra y darla a conocer. Hasta entonces, sirvan estas líneas como «aperitivo».

Miguel Marías

Revista “Dirigido por” nº 209, febrero-1993

#miguel marías #william a. wellman #dirigido por

3 notes · View notes