#orquesta sinfónica de viena

[elmartillosinmetre]

"El violín no me ha impedido tener una infancia normal"

[María Dueñas (Granada, 2002) / FELIX BROEDE]

La violinista granadina María Dueñas debuta a sus 20 años en DG con el Concierto para violín de Beethoven, que toca con sus propias cadencias

María Dueñas nació en Granada en diciembre de 2002. En 2014 se trasladó a Dresde con su familia y poco después se instaló en Viena, donde ahora reside, mientras se forma con Boris Kuschnir en la Universidad de Música y Arte de la capital austriaca. Esta entrevista tuvo lugar el pasado 5 de abril, Jueves Santo, una semana antes de que la joven violinista ofreciera en el Teatro Monumental de Madrid el Concierto de Brahms junto a la Orquesta de RTVE y de que se conociera que se le había concedido el Premio Princesa de Girona a las Artes. El próximo 5 de mayo se publica finalmente en plataformas y sale a la venta físicamente su primer y esperadísimo disco con una de las obras más importantes del repertorio clásico, el Concierto de Beethoven.

–Su primer álbum: nada menos que el Concierto de Beethoven en Deutsche Grammophon, ¿soñó con algo así?

–Estoy muy ilusionada de poder trabajar con DG. Son un equipo increíble. Grabar Beethoven como mi álbum de presentación es algo muy especial para mí. Este Concierto me ha acompañado muchas veces en momentos importantes y es una forma de brindarle un homenaje. Escribir mis propias cadencias le aporta además algo muy personal. El concierto se ha grabado muchas veces y era fundamental para mí hacerlo de esta forma, para poder contar algo más de mí, de mi personalidad como música, de la forma en la que lo entiendo.

–¿Recuerda la primera vez que lo tocó?

–Fue algo muy singular. Cuando estudiaba en Alemania, con 11 o 12 años, conocí al director Marek Janowski. Me escuchó varias veces y en un momento dado me dijo, cuando tengas 18 años quiero que toquemos el Concierto de Beethoven juntos, aquí en Dresde. Y eso fue una meta para mí: a los 18 años tenía que tener el Concierto impecablemente preparado para poder tocarlo con un director tan célebre. Y curiosamente aquel fue el último concierto que toqué antes de la pandemia. Y también el primero que toqué después del confinamiento, en mi ciudad, en el Festival de Granada, en julio de 2020, junto a la Sinfónica de Galicia. Por eso le decía que ha sido un concierto que me ha acompañado en muchos momentos importantes de mi carrera

–¿Cómo fue para una chica de 18 años que quería comerse el mundo de la música enfrentarse de repente a ese parón?

–Para todos fue muy difícil. Acostumbrada a hacer música para el público, aprendí a valorar cosas que daba quizás por sentado. Hice algunas actuaciones en streaming, pero sin público, y es muy diferente. Esa sensación de tener al público en la sala me faltaba, no tenía la misma sensación de estar comunicándome con la gente. Y eso me ha servido para valorar mucho más lo que tengo la suerte de hacer.

–¿Tiene algo que ver la escritura de las cadencias con su gusto por la composición?

–Empecé a escribir cadencias con 11 o 12 años; lo hice entonces para Conciertos de Mozart. Ya que el compositor nos da esa posibilidad, por qué desaprovecharla, es una forma de afrontar su música de otra manera y a la vez mostrar algo de ti misma, de tu personalidad. Y por eso me pareció también importante tocar cadencias de otros cinco compositores, para ver cómo fue evolucionando la forma de ver y analizar el Concierto de Beethoven. Así, la cadencia de Spohr es todavía muy mozartiana, y en la de Wieniawski hay mucho virtuosismo…

–Además incluye una pequeña obra de cada uno de esos cinco compositores...

–Sí, porque al ser mi primer disco tenía que enseñar todas mis facetas posibles como artista. No quería grabar solo una obra tan conocida como el Concierto de Beethoven, sino ofrecer algo de mí misma a través de las cadencias y dar a descubrir obras que no se han tocado tanto. De las cadencias está la famosa de Kreisler que es la que siempre se toca, pero las otras, no. En el caso de las otras obras, la Liebeslied de Kreisler y la Havanaise de Saint-Saëns sí se han tocado mucho, pero las obras de Ysaÿe o de Spohr apenas se conocen. A mí me parece importante que los artistas jóvenes nos comprometamos a ofrecer obras que no sean siempre populares, tenemos que intentar ir algo más allá y dar a conocer otro repertorio, que yo creo que debería tocarse más.

–¿Había trabajado ya con Manfred Honeck y la Sinfónica de Viena?

–Con Honeck había trabajado varias veces. Él me ha apoyado mucho desde el principio. Hay una comunicación muy abierta con él, siempre está dispuesto a considerar ideas nuevas. Con la Sinfónica de Viena ha sido mi debut. Y estoy muy contenta porque refleja muy bien lo que soy ahora mismo: vivo en Viena, donde he tenido lo principal de mi formación gracias a mi profesor, Boris Kuschnir, y grabar este disco en el Musikverein con un director y una orquesta austriacos ha sido muy especial para mí…

–Con sólo 12 años se trasladó a Dresde para estudiar música. ¿Siente que se ha perdido algo?

–Para mí tocar el violín fue desde siempre una cosa muy natural. Mis padres no eran músicos y nunca me presionaron, solo me ayudaron, desde el principio. De hecho se trasladaron conmigo cuando me fui a Alemania a estudiar, junto a mis dos hermanas pequeñas. Tocar el violín no me ha impedido tener una infancia normal, ha sido algo muy natural para mí. Me gustaba, me hacía mucha ilusión y fue durante mucho tiempo una parte de mi vida; y ahora es mi vida. Desde luego sin mi familia nada de esto habría sido posible.

–¿En qué repertorio le gusta más moverse? 

–Eso es algo que va variando con el tiempo. Como música tienes que estar abierta a todo tipo de repertorios, porque la audiencia es muy amplia. Hay que tocar conciertos muy conocidos (Chaikovski, Beethoven, Mendelssohn...) pero también salir y tocar obras no muy conocidas. Además me interesa mucho la contemporánea. He tenido la suerte de que Gabriela Ortiz, una compositora mexicana, me dedicara un concierto, que se titula Altar de cuerda y estrené con la Filarmónica de los Ángeles y Gustavo Dudamel. Es una obra con una energía muy danzable y muchas raíces españolas y mexicanas. Además tengo un proyecto en noviembre de un concierto de un compositor que va a ser un descubrimiento, aunque no puedo hablar mucho de ello todavía…

–¿Se imagina escribiendo su propio concierto?

–Quién sabe. Me gusta mucho componer. Me interesan mucho todos los ámbitos de la música, no sólo el violín. Quién sabe.

–¿Cuáles son los compromisos que más la ilusionan de los próximos meses?

–Haré una gira con Dudamel y la Filarmónica de los Ángeles por Europa con este concierto de Gabriela Ortiz. Voy a debutar con la Orquesta de Cámara de Europa con Herbert Blomstedt, un director que ha sido siempre una gran inspiración para mí. Será además en Dresde, donde estudié. Volveré a Estados Unidos para tocar en Pittsburgh con Manfred Honeck y en verano también haré recitales con piano. Hay mucho por delante.

[Con sólo 20 años, María Dueñas ha debutado ya en el sello discográfico más famoso de la música clásica. / C. KOESTLIN]

–¿El premio en el Concurso Yehudi Menuhin que logró en 2021 fue un punto de inflexión en su carrera?

–Sí, fue decisivo para la colaboración con Deutsche Grammophon. Es un concurso que yo seguía desde niña, porque era un concurso para jóvenes, y me parecía inalcanzable. Yo veía a todos esos músicos y me decía, ojalá poder tocar algún día como ellos. Fue muy especial, porque hubo que hacerlo online, y no me esperaba ganar, la verdad.

–¿La ayudó a abrir el mercado americano?

–Había tocado ya en Pittsburgh y San Francisco, pero es verdad que el concurso tuvo mucha relevancia en todo el mundo, por el hecho de haber sido online. Hace menos de un mes estuve en Richmond, que es donde se tenía que haber celebrado. He conocido a mucha gente que me apoyó durante el concurso, a patrocinadores… Di además un concierto con la Sinfónica de Richmond. Ha sido muy especial ir allí.

–¿Cómo va la relación con DG?

–Están muy abiertos a lo que propongo. Me hacen sugerencias, pero están abiertos. Hay proyectos muy interesantes, con cosas que creo que serán inesperadas. Espero poder compartir pronto un poco más de todos esos proyectos.

[Diario de Sevilla. 30-04-2023]

[courtingwonder]

Wolfgang Amadeus Mozart - Requiem in D - Lacrimosa (1792)

Performance: Ópera de Viena, Orquesta Sinfónica de Viena, Karl Böhm

[sonyclasica]

JUILLIARD STRING QUARTET/ PIERRE BOULEZ

JUILLIARD STRING QUARTET PLAYS SCHOENBERG / PIERRE BOULEZ CONDUCTS ARNOLD SCHOENBERG

Celebramos el 150 aniversario de Arnold Schoenberg con dos extraordinarias ediciones de Pierre Boulez (set de 13 CD) y la Juilliard String Quartet (set de 7 CD). Disponibles el 26 de julio.

Consigue el set de Pierre Boulez AQUÍ

Consigue el set de Juilliard String Quartet AQUÍ

Arnold Schoenberg, una de las figuras musicales más influyentes del siglo XX, nació en Viena en 1874. Sony Classical celebra el 150 aniversario del nacimiento del gran compositor con la reedición de 20 CD de grabaciones de CBS/American Columbia. La empresa fue pionera en documentar los logros de Schoenberg y ya demostró ese compromiso durante su vida (murió en 1952). En 1940, con el compositor al frente, Columbia Masterworks produjo la primera grabación de una de sus obras más cautivadoras y revolucionarias, Pierrot lunaire; y en los años 50 y 60, el sello emprendió una innovadora serie de varios volúmenes titulada " The Music of Arnold Schoenberg".

Pero podría decirse que ninguna grabación ha hecho más por promover la causa de las obras orquestales y vocales de Schoenberg que las de Pierre Boulez, mientras que ninguna ha hecho más por promover su música de cámara que las del Cuarteto Juilliard. Sony Classical presenta ahora todo el Schoenberg de Boulez para CBS/Columbia en una caja de 13 CD, y todo el de Juilliard en un conjunto de 7 discos.

PIERRE BOULEZ CONDUCTS ARNOLD SCHOENBERG

"He hecho todo lo posible por que las obras maestras de Stravinsky y Schoenberg sean aceptadas", declaró Pierre Boulez. "Especialmente Schoenberg". Era fiel a su palabra. La serie de grabaciones de Schoenberg para CBS, que se prolongó durante más de una década, abarcó la mayor parte de la producción del compositor. Verklärte Nacht fue la primera: la realizó con la Filarmónica de Nueva York en 1973, en el ecuador de su mandato con la orquesta (aunque no se publicó hasta 1979).

El proyecto se puso realmente en marcha en otoño de 1974 con la Sinfónica de la BBC (Boulez era entonces también director musical de esa orquesta), solistas y coros en las dos obras más importantes del compositor: el oratorio Gurrelieder ("El estilo cálido y expresivo de Boulez, que utiliza tempi lentos y exuberantes, saca a relucir la calidad operística que se esconde tras la enorme partitura de Schoenberg" - Penguin Guide) y su única ópera completa, Moses und Aron ("Una interpretación apasionante y conmovedora" - Gramophone). Ambas grabaciones obtuvieron nominaciones a los Grammy. A continuación, Boulez abordó una enorme parte de la producción del compositor -obras tanto de gran envergadura como pequeñas, vocales e instrumentales, bien conocidas y casi nunca interpretadas- en grabaciones realizadas con las fuerzas británicas en Londres y las fuerzas francesas en París.

Al reseñar toda la serie, el crítico del New York Times John Rockwell escribió: "Lo que distingue sobre todo a su forma de hacer música es su extraordinario cuidado. Nada suena superficial o descuidado. El fraseo tiene un sentido constante, pero hay algo más: El Sr. Boulez ama esta música y su amor la llena de vida. ... Ha hecho de esta música parte de su tradición y, por tanto, de la nuestra. Le da forma como debe darse forma a cualquier gran música, con una atención consciente a la melodía, el ritmo, el equilibrio y el pulso interior". Los críticos de Gramophone han calificado el proyecto Schoenberg de Pierre Boulez, ahora recopilado por Sony Classical completo en 13 CD, como "una absorbente visión general del encuentro de un gran modernista musical con su precursor compositivo más significativo" y "una brillante inteligencia musical y crítica que da vida de forma convincente a parte de la música más desafiante, memorable y olvidada del siglo XX".

JUILLIARD STRING QUARTET PLAYS SCHOENBERG

El Cuarteto Juilliard llevó al estudio sus "profundamente inteligentes" interpretaciones de Schoenberg (Gramophone) a lo largo de un periodo aún más largo: cuatro décadas, empezando por su primera travesía de los cuartetos de cuerda numerados en 1951/52 ("Magníficas grabaciones" - Gramophone). En 1975, el Cuarteto Juilliard regresó al estudio de la calle 30 de Columbia para una nueva versión en estéreo de los cuatro cuartetos "oficiales", ahora acompañada de la primera grabación del cuarteto en re mayor, una encantadora obra de estudiante que casi podría confundirse con la de Dvořák.

Pero no fueron únicamente los avances tecnológicos los que llevaron al Cuarteto Juilliard a volver a grabar a Schoenberg tras años de interpretar con regularidad los cuartetos en concierto. En una entrevista sobre la evolución de sus interpretaciones con el productor de la grabación, los intérpretes hablaron de un enfoque cada vez más romántico, especialmente en los números 3 y 4, con menos énfasis en el impulso rítmico pero mayor intensidad emocional. La grabación les valió el Grammy de 1977 a la Mejor Interpretación de Música de Cámara.

Los ciclos para cuarteto mono y estéreo están incluidos en la nueva colección de 7 CD de Sony Classical de las grabaciones completas de Juilliard Schoenberg.

Y también hay dos versiones de Juilliard para comparar -una de 1966 (el estreno de la obra en LP), la otra de 1985- del trío de cuerda extraordinariamente intenso que Schoenberg compuso a causa de un infarto que provocó que su corazón dejara de latir. Algo de esa experiencia queda reflejado en la música. Y, a propósito de la comparación, la grabación de la Filarmónica de Nueva York del espléndido arreglo orquestal de Schoenberg de su Verklärte Nacht en la colección de Pierre Boulez se complementa aquí con la versión original más elegante del sexteto, con el Cuarteto Juilliard al que se unieron en 1991 el violista Walter Trampler y el violonchelista Yo-Yo Ma.

Sony Music Masterworks comprende los sellos Masterworks, Sony Classical, Milan Records, XXIM Records y Masterworks Broadway

[relaxvideobar]

Sabías que, hoy cumple 42 años el violinista y director de orquesta hispano-venezolano Gustavo Dudamel, nacido en Barquisimeto. Es director de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, de la Sinfónica de Gotemburgo y de la Sinfónica Simón Bolívar. Recibió en 2012 un premio Grammy por la dirección de la Sinfonía n.º 4 de Brahms interpretada por la Filarmónica de Los Ángeles y en enero de 2017 dirigió a la Filarmónica de Viena en el tradicional Concierto de Año Nuevo, convirtiéndose en el director más joven en dirigir este célebre evento. En 2018 adquirió la nacionalidad española y en 2019 fue reconocido por la Fundación Konex de la Argentina con el Premio Konex Mercosur como una de las figuras más sobresalientes de la Música Clásica en América Latina, galardón que se entrega cada 10 años a dicha actividad. En 2020 obtuvo otro premio Grammy como mejor director de orquesta y en 2021 lo ganó por tercera vez por la pieza ‘Ives: Complete Symphonies’. @relaxvideobar www.relaxvideobar.com (at RELAX Videobar RETRO) https://www.instagram.com/p/Cn57HK7MkY4/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[hgiltmcn]

supppp everyone, por aquí ames presentando a mi único personaje hero giltman (le pueden decir h, hache, we don’t care) con veintitrés años. es australiano, a puppy. les dejo abajo un resumen :( por si alguien está interesade en hacer alguna conexión la dinámica es la conocida, un like y me asomo al im. a su vez, por supuesto; yo estaré leyendo los posts y charlando para armar algo. ok, adiós <3 ! @dsvconexiones​​

*   vamos a empezar diciendo que hero es una familia de clase alta, su papá es uno de los inversionistas de la opera house trust encargados de eventos artísticos importantes en su país y es un hombre que siempre estuvo frustrado de no poder tener un nombre importante en el mundo artístico así que depositó todos sus sueños fallidos en este dude, afortunadamente (?) el mundo musical fue algo que le fascinó y desde chiquito empezó con su instrumento soñado, el violoncello -todos sus chelos han tenido nombre y personalidad- , pasaba horas ensayando siempre de manera partícular, se volvió muy perfeccionista, sin embargo por la constante presión de su padre, quien quien tenía la idea errónea de humillarlo para hacerlo mejor, lo volvió muy inseguro de sus capacidades, por lo que cada vez que se ponía un objetivo, él mismo lo tumbaba.

*   pero bueno, realmente es mucho mejor de lo que él se cree y también tiene un gusto por la guitarra eléctrica y la batería así que las maneja bien; claramente al enterarse del campamento trató de meterle la idea a su padre para que pudiese entrar a él y como era un ‘incentivo’ a la música (que hasta ese momento hacía de manera particular) pues aceptó a enviarlo y ahí fue cuando la magia sucedió !! quedó encantado ante el hecho de poder convivir, hacer y deshacer, se desenvuelve muy bien, algo como jake peralta en cuanto a lo bobo que puede llegar a ser, ocultandose en su humor más de una ocasión para no hablar de emociones wuwuwuww anyway ese lugar representó refugio y su hogar; la libertad que no sabía que necesitaba. 

*   posterior a salir del campamento y conociendo la buena vida (eso creía) se aventuró a hacer lo que se le pegó la gana la vd. así que abandonó su ciudad natal, se mudó a ny con los sueños de la gran manzana, consiguió un roomie y claro, al nunca haber estado sujeto a las obligaciones, empezó a descuidar sus prácticas y oh well su papá no lo tomó bien. se encargó de humillarlo, de meterle la idea de que no lograría nada en la vida, básicamente ya no era su hijo sin embargo para no verse tan culero (por influencia de su madre) se encarga de enviarle dinero mensualmente (bastante, en realidad) sin mantener ningún otro contacto con hero. tampoco es como que fuese a llorar, él siempre tuvo un padre ausente que solo llegaba para crearle inseguridades.

*   tachado de irresponsable, bajo el engaño repetido de que arruinó su vida, rinde honor a ello bajo la fachada de lo que se cree de él, as MJ says < if you expect disappointment, then you can never really be disappointed >  es mucho mejor de lo que él cree pero wow no lo sabe y pues eso le cerró muchas oportunidades porque jamás intentó sabiendo que iba a fallar. él es muy apasionado a lo que hace y muy leal, like la persona que no te dejará caer o pasar mierda; trata de ser muy educado y respetuoso, sabe mantener límites ya que a pesar de todo tiene buenos valores. como dato curioso, forma parte de la sinfónica principal que va a eventos y cositas cuchis de disney :))) porque como había dicho, he’s a puppy. trabaja en orquestas semi conocidas ya que le tuvo miedo a intentar ir por las grandes (su sueño es ser parte de la de viena). tiene problemas para expresar sentimientos de manera verbal pero con las acciones demuestra mucho. 

*   seguramente iba a todas las fiestas posibles en el campamento, organizaba algunas e intentaba contrabandear alcohol, siempre intentando que pudieran todos pasar un buen rato. está muy feliz de regresar porque es donde genuinamente ha sido muY feliz, sin embargo teme que todos le digan que es un fracasado por no haber logrado ser alguien muy importante.

buscamos de todo la verdad, así que estamos abiertos a cualquier idea ! <3 

[ocioenlinea]

Videosalas del 5 al 11 de julio 2019

VIDEOSALA CAAV

Lerdo de Tejada 2071, entre Marsella y Chapultepec. T/3615-8470. Precio: entrada general $25 y estudiantes y maestros con credencial vigente $15.

 DRAMA

VENGANZA DEL DESTINO

UNDER MY SKIN

D: Jean Negulesco

Con John Garfield, Micheline Presle, Luther Adler

Estados Unidos, 1950. d: 86 min.

Un jockey viudo y su hijo huyen de Italia, después de una carrera amañada que sale mal; se instalan en París, pero el pasado lejano en forma de mujer y el más inmediato y amenazante representado por un gangster que busca venganza se cruzan en su camino.

Viernes 5, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

LA NOVIA DEL VIENTO

BRIDE OF THE WIND

D: Bruce Beresford

Con Sarah Wynter, Jonathan Pryce, Vincent Pérez

Reino Unido, 2001. d: 99 min.

Viena. 1902. Alma Schindler, una joven y apasionada compositora, se enamora del compositor checo Gustav Mahler. Tras contraer matrimonio, Gustav obliga a Alma a abandonar la música y dedicarse exclusivamente a su familia. La repentina muerte de uno de sus hijos hace que Alma se aleje de su marido para redescubrir el amor y recuperar su pasión por la música.

Sábado 6 y domingo 7, 16:00 y 18:00 h

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EL CORONEL CHABERT

D: René Le Hénaff

Con Raimu, Marie Bell, Jacques Baumer, Aimé Clariond

Estados Unidos, 1943. d: 102 min.

Cuenta la historia de un oficial francés que se supone muerto durante las Guerras Napoleónicas, pero diez años después regresa a una Francia muy diferente. La película está basada en la novela Coronel Chabert de Honoré de Balzac.

Lunes 8, 16:00 y 18:00 h

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ROSIE

D: Marcel Gisler

Con Sibylle Brunner, Fabian Krüger

Alemania, 2014. d: 106 min.

¿Hay algo más complicado que una relación gay con la mamá de uno viviendo con ellos? El escritor Lorenz regresa de Berlín a su hogar, un pequeño pueblo en Suiza piensa en cómo relajarse después de estar con otros escritores. Pero es confrontado con el problema de que su mamá ya no puede valerse por sí misma. Así conoce a Mario, un fan que entra en su vida en ese momento.

Martes 9, 16:00, 18:00 y 20:00 h

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EUROPA 51

D: Roberto Rossellini

Con Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini

Italia, 1952. d: 113 min.

Un rico matrimonio estadounidense, ve cómo su hijo se suicida. La madre, traumatizada y sintiéndose culpable por no haber atendido más a su hijo desde la infancia, decide ayudar a la gente más necesitada en los barrios más humildes de la ciudad. Festival de Venecia: Premio Internacional.

Miércoles 10, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

RIGOLETTO

Con Carlos Álvarez, Marcelo Álvarez, Inva Mula

Conductor: Jesús-López Cobos

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatro Liceu, 2004. d: 130 min.

Es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (Bussetto, 1813 – Milán, 1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Le Roi s’amuse (El rey se divierte) de Víctor Hugo. Drama de pasión, engaño, amor filial y venganza que tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua.

Jueves 11, 16:00 h

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La batuta de una mujer

¿Y si alternásemos la sociedad actual? ¿Y si quisiéramos conseguir que fuesen las mujeres quienes ocupasen la mayoría de los puestos directivos y no al revés? ¿Y si pudiésemos demostrar que lo que influye en el conocimiento sobre algo, no es el género que tengas sino la formación que hayas recibido? A día de hoy –2019–, resulta sorprendente que los datos rebelen que solo el 1% de las obras sinfónicas programadas en salas de conciertos en España sean de mujeres y que solo haya un 5% de directoras de orquesta. Sorprende e indignante, porque los datos de conservatorios y titulados revelan justo lo contrario, ”el 29% de los titulados superiores en composición son mujeres y el 24% en dirección.” ¿Por qué una mujer no puede estar al frente de una gran agrupación, si la formación que reciben es la misma que la de los hombres? No hablo de géneros, hablo de igualdad.

Igualdad como la que hubo en las distintas orquestas  que he estado, en las que la gran mayoría de directores que he tenido han sido mujeres. Me he pasado más de 15 años de mi vida estudiando música, y durante todos esos años, siempre ha estado dirigiéndome y enseñándome  una mujer. Una persona cualificada para ello, de quien aprendí que se puede desempeñar ese trabajo cómo lo haría un hombre. Con la diferencia de que a ella le brindaron la oportunidad de dirigir una orquesta infantil-juvenil. Sin embargo, según aumentas la edad –y el nivel–, las mujeres al frente de músicos, se van reduciendo. El mejor ejemplo de ello, La Orquesta Filarmónica de Viena pues, desde 1969, esta agrupación ha sido dirigida solo por hombres. Lo cual demuestra que esa “brecha” de oportunidades no solo afecta a España.

De todo lo anterior me pregunto, ¿quién es el culpable de que esto ocurra? ¿Unos altos cargos que “ponen la zancadilla” a cualquier mujer que quiera llegar alto? Quizás pensar eso sería la opción fácil. Igual la solución a la desigualdad entre sexos resida en una sociedad que avanza despacio. Quizás esté ahí. Pero esté donde esté, la brecha se combate con la educación. Tan valiosa como necesaria.

Pero estamos a tiempo, no todo está perdido. A lo mejor próximamente vemos a una mujer dirigiendo el concierto de Año Nuevo. Igual algún día la historia reconoce a todas aquellas mujeres que compusieron obras que nunca pudieron firmar. Pero lo que está claro, es que personas que “luchan” por la igualdad –mujeres y hombres comprometidos– se han despertado, y ahora las mujeres, ya soñamos con ser directoras de orquesta. Porque lo importante no es quién seas, sino la formación que tengas.  

[eikyolove]

Midori es una artista, activista y educadora visionaria, con una trayectoria única que ha traspasado los límites tradicionales a través de su impulso implacable para explorar y construir conexiones entre la música y las experiencias humanas. Midori aporta la misma innovación dinámica y visión expresiva que la ha convertido en una destacada violinista en otros ámbitos como reconocida embajadora cultural mundial y educadora musical. Midori sorprende regularmente a públicos de todo el mundo, llevando cuidadosamente una precisión y una expresividad íntima que permite que el público no sólo escuche la música, sino que se mueva con ella. Ha actuado con, entre otras muchas, las orquestas sinfónicas de Londres, Chicago, Boston y San Francisco, las filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York, Los Angeles, San Petersburgo y República Checa, la Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks y la Mahler Chamber Orchestra. Hoy, actúa en el @palaumusicacat de Barcelona. (en Palau de la Música Catalana) https://www.instagram.com/p/COIFN4ehKji/?igshid=1tuzw5xsd0pkx

[elmartillosinmetre]

Abbado, el director superfluo

[Claudio Abbado (1933-2014) / UNIVERSAL]

Universal publica la integral de las grabaciones que atesora de Claudio Abbado, una impresionante colección que reúne 257 CD y 8 DVD

En junio, Claudio Abbado (Milán, 1933 – Bolonia, 2014) habría cumplido 90 años, y Universal ha publicado con tal motivo toda la producción grabada del director que conserva en los archivos de sus dos sellos clásicos por excelencia (Deutsche Grammophon y Decca). Se trata de una caja que incluye nada menos que 257 CD y 8 DVD, y se complementa con un libro que incluye ensayos de diversos críticos, productores, ingenieros de sonido e intérpretes que trabajaron con el músico, entre ellos, los pianistas Alfred Brendel, Evgenny Kissin y Yuja Wang. Los textos de este volumen se publican en inglés y alemán. El producto ha salido a la venta el 17 de febrero y si usted quiere hacerse con él deberá darse prisa pues la edición está numerada y limitada a 2650 copias. Su precio: 764,99 euros (web de Deutsche Grammophon); 730,08 euros (Amazon España).

La carrera de Abbado está marcada por sus premios juveniles (el Koussevitzky en 1958, el Mitropoulos en 1963), que le abrieron las puertas de las más importantes orquestas del mundo, su rápido acceso a los principales teatros de ópera italianos, que culmina con su larga titularidad al frente de la Scala milanesa (1969-1986) y una, también relevante, pero más corta como Director Musical de la Ópera Estatal de Viena (1986-1991) y, muy especialmente, su acceso al más prestigioso puesto del orbe musical clásico, la titularidad de la Filarmónica de Berlín como sucesor de Herbert von Karajan. Abbado es elegido en 1989, el año de la muerte de su antecesor, pero no ocupa efectivamente su puesto hasta 1992 (a la Expo sevillana de aquel año vino al frente de la Filarmónica de Viena, aún se recuerda su Titán de Mahler) y lo mantiene una década, hasta 2002. Desde entonces, su trabajo se concentra en los proyectos personales en torno a conjuntos que creó o impulsó decisivamente, la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta de Cámara Mahler, la Joven Orquesta Gustav Mahler, la Orquesta del Festival de Lucerna, la Orquesta Mozart.

La última etapa del director quedó fuertemente condicionada por el cáncer de estómago que le detectaron a principios del año 2000, que exigió una cirugía muy agresiva y le obligó a cancelar su agenda, aunque fueron pocos meses, ya que en octubre volvió a dirigir a la Filarmónica de Berlín e incluso realizó una gira por Japón. Las maneras directoriales del maestro cambiaron radicalmente desde entonces. Sus registros con la integral de Beethoven de 2001 lo muestran ya a la perfección: un despojamiento casi camerístico y un acercamiento a los postulados historicistas, en los que ahondaría en su trabajo con la boloñesa Orquesta Mozart, que toca con instrumentos de época, acercándose mucho más a Haydn, Mozart y a la música barroca, que no había frecuentado hasta ese momento (grabó los Conciertos de Brandeburgo de Bach en 2007).

El legado discográfico recogido en esta integral recorre casi medio siglo y pasa por muchos podios. Los más representados son obviamente los de las Filarmónicas de Berlín y Viena y el de la Sinfónica de Londres, orquesta con la que Abbado tuvo estrecha relación entre 1970 y 1985, pero también hay registros con las Sinfónicas de Chicago, Boston y Radio de Baviera, la New Philharmonia, la Staatskapelle de Dresde, la Orquesta de la Scala, la Joven Simón Bolívar y todos esos conjuntos citados antes de reciente creación.

Sin dejar de ser amplio, el repertorio hace especial hincapié en algunos nombres fundamentales. Destacaré cinco. De Beethoven se ofrecen las integrales sinfónicas con Berlín ya citada (la de 2001) y la de Viena de 1988, pero también hay grabaciones de sinfonías de los años 60 y por supuesto están los conciertos y oberturas en diferentes registros. También hay integrales brahmsianas con Berlín y Viena, mucho Mozart (la revisión del compositor se aprecia especialmente en las sinfonías grabadas ya en el siglo XXI con la Orquesta Mozart), casi dos ciclos completos de Mahler (Berlín, Viena, Chicago, Lucerna) y bastante Verdi. Esto nos lleva al terreno de la ópera, pues aparte de los registros con la Orquesta de la Scala (Macbeth, Simon Boccanegra, Un ballo in maschera, Don Carlos, Aida, además del Requiem) y del Falstaff con Berlín hay que añadir los registros mozartianos (Bodas de Fígaro con Viena; Don Giovanni con la Orquesta de Cámara de Europa-OCE; Flauta mágica con la Mahler Chamber) y rossinianos (Italiana con Viena, Barbero dos veces, con Londres y la OCE, con la que también registró Il viaggio a Reims, y Cenerentola con Londres), Fidelio (Mahler Chamber), Lohengrin (Viena), Carmen (Londres), Fierrabrás de Schubert (OCE), Khovanschina de Mússorgski (Viena), rescate este esencial que se une a tres títulos fundamentales del siglo XX, tres grabaciones que están en la cima de las referencias: Pelléas et Mélisande de Debussy, Wozzeck de Alban Berg y De la casa de los muertos de Janáček, las tres con la Filarmónica de Viena. La obra de Janáček se incluye además en uno de los 8 DVD, siendo el único auténtico inédito de la colección. Además de algunos conciertos sinfónicos, esos registros audiovisuales traen también una Cenerentola y un Barbero de Sevilla.

[Una imagen del director en sus últimos años]

Para terminar con el repertorio, cabe citarse la preocupación de Abbado por la música contemporánea, que se cifra en registros (comparativamente, poco abundantes) de Nono, Kurtág, Stockhausen (Grüppen), Sciarrino, Ligeti, Xenakis, Rihm o Furrer. En cuanto a los colaboradores, se repiten los nombres de Pollini, Serkin (casi todo el Mozart), Argerich, Pires, Gulda, Brendel, Kissin, Shlomo Mintz y hay recitales con Ghiaurov, Netrebko, Alagna o Kaufmann. Algunas obras se repiten hasta tres veces. Es el caso del Concierto para piano de Schumann: Pollini (Berlín), Brendel (Chicago), Pires (OCE).

Aunque siempre se destacó su militancia comunista, Abbado fue una figura esencial del star system de la clásica desde los años 70. Fue también un hombre discreto, que hablaba poco, incluso en los ensayos, pero se transfiguraba en los conciertos (“había algo explosivo en su actitud: cada movimiento de sus manos y brazos, cada mirada en sus ojos transmitía un sentido de conjunto”, dijo de él el barítono Thomas Quasthoff). Sus gestos delicados, casi ingrávidos fueron luego imitados por muchos. Daniel Harding, asistente suyo en Berlín, y uno de sus principales discípulos de hoy, recuerda que el foco estaba puesto siempre en el compositor, que “su idea era hacerse superfluo como director de orquesta”. Acaso por eso, a medida que cumplía años, Abbado dejaba que tras la música creciera el silencio. Hay una grabación de 2009 con la Orquesta del Festival de Lucerna en la que arrancó del público casi dos minutos y medio de silencio tras el final de la 9ª de Mahler. Impresiona ver la transfiguración de su rostro y de su gesto durante ese tiempo.

[Diario de Sevilla. 19-02-2023]

[jaimeariansencespedes]

SEP 30 – UN DIA COMO HOY – AÑO (1791) – EN EL THEATER AN DER WIEN DE VIENA (AUSTRIA) SE ESTRENA LA FLAUTA MÁGICA LA ÚLTIMA ÓPERA COMPUESTA POR MOZART –

Johannes Wolfgang Mozart​, nació en Salzburgo, el 27 de enero de 1756, y falleció en Viena, el 5 de diciembre de 1791, más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín.

Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica.

Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión -todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto» Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». jaimeariansen@outlook.com

[sonyclasica]

HUELGAS ENSAMBLE Y PAUL VAN NEVEL

MAX REGER - MELANCHOLY: VOCAL WORKS

Nueva grabación del galardonado conjunto que presenta las excepcionales composiciones vocales polifónicas del compositor alemán Max Reger (1873 - 1916).

Consíguelo AQUÍ

Huelgas Ensemble, reconocido desde hace más de 50 años en la música polifónica medieval y renacentista, presenta su último álbum con obras del compositor romántico alemán Max Reger. Dirigido por el especialista Paul Van Nevel, el conjunto se aleja de su repertorio habitual de música antigua para explorar las composiciones vocales de Reger.

Las piezas vocales de Max Reger (1873 - 1916), conocido por sus obras sinfónicas y para órgano, han pasado bastante desapercibidas. Arnold Schönberg lo describió como "un genio"; el propio Reger escribió que quería ser un compositor "que te dejara sin aliento". Con este lanzamiento, Huelgas Ensemble muestra la diversidad de Reger, desde arreglos de canciones populares de gran riqueza emocional como "Das Sternlein" e "Ich hab' die Nacht geträumet" hasta piezas de inspiración renacentista como "Der Mensch lebt und bestehet nur eine kleine Zeit". El álbum también incluye piezas como "Mit Fried und Freud", que refleja el espíritu de Bach, así como obras armónicamente complejas como "O Tod, wie bitter bist du", donde Reger explora los límites tonales. Jos van Immerseel proporciona un delicado acompañamiento de piano en algunas de las pistas con un instrumento histórico: un piano de cola de Carl Bechstein de 1870, que añade un toque especial.

El Ensemble Huelgas belga, bajo la dirección de su fundador Paul Van Nevel, lleva más de 50 años marcando pautas con sus grabaciones de música vocal. El Ensemble Huelgas se ha especializado en la interpretación de la música polifónica de los periodos medieval y renacentista, y es mundialmente conocido por sus originales programas, sobre todo de obras maestras desconocidas, que deleitan al público una y otra vez con nuevas perspectivas y la más pura entonación. El Huelgas Ensemble actúa en algunos de los mejores centros musicales del mundo y participa habitualmente en los mayores festivales de música antigua. Sin embargo, también suelen interpretar las obras polifónicas en sus lugares de origen, como capillas, iglesias y abadías, tendiendo así un puente entre los distintos paisajes, la arquitectura y la polifonía a través de sus conciertos.

Paul Van Nevel es el director artístico del Huelgas Ensemble, que fundó en 1971 como prolongación de sus investigaciones y estudios en la Schola Basiliensis. Pionero y figura emblemática de la investigación y la práctica de la polifonía europea de los siglos XII al XVI, Paul Van Nevel utiliza un enfoque interdisciplinar de las fuentes originales, contextualizándolas con su entorno cultural (literatura, pronunciación histórica, temperamento y tempo, retórica, etc.). Busca continuamente obras desconocidas, con especial atención a los tesoros de la polifonía flamenca. En 2022 Paul Van Nevel y su Conjunto Huelgas ganaron el Premio Opus Klassik al Mejor Conjunto y en 2023 el Premio Gramophone de Música Antigua.

Jos van Immerseel es pianista, director de orquesta, investigador, coleccionista y conferenciante, y es conocido en todo el mundo como especialista en la interpretación del repertorio barroco, clásico, romántico y del siglo XX para clave, pianoforte y órgano. Ha grabado más de 120 discos y, además de con su propio conjunto -Anima Eterna-, ha trabajado como director invitado con otras orquestas, como la Orquesta del Festival de Budapest, la Akademie für Alte Musik de Berlín, la Academia de Viena, la Orquesta del Mozarteum y la Orquesta Beethoven de Bonn. Van Immerseel posee una colección única de pianos históricos, que utiliza en sus conciertos y grabaciones en CD. Se le concedió la más alta condecoración por el trabajo de toda su vida al servicio de la música clásica en Flandes.

 

Contenido Max Reger (1873 - 1916)

1. Mit Fried und Freud ich fahr dahin, No.8 from Der evangelische Kirchenchor, WoO VI/17

Text: Martin Luther (1483-1546)

2. Es waren zwei Königskinder, No. 8 from Acht ausgewählte Volkslieder, WoO VI/11

Text, melody: 16th century

3. Der Mensch lebt und bestehet nur eine kleine Zeit, No. 1 from Acht Geistliche Gesänge, Op. 138

Text: Matthias Claudius (1740-1815)

4. Ich sehe dich in tausend Bildern, No. 1 from Zwei geistliche Lieder, Op. 105

Text: Novalis (Georg Friedrich Philipp Freiherr von Hardenberg (1772-1801) )

With Jos van Immerseel, piano

5. Abendgang No. 3 from Drei Duette, Op. 111a

Text: Maximilian Brantl (1881-1951)

With Jos van Immerseel, piano

6. Zur Nacht, No. 2 from Drei Chöre, Op. 6

Text: Fritz Engel (?)

With Jos van Immerseel, piano

7. O Tod, wie bitter bist du, No. 3 from Geistliche Gesänge, Op. 110

Text: Apocryphal Gospel, Jesus Sirach chapter 41, verse 1-4, translation by Martin Luther

8. Das Sternlein, No. 2 from Sechs ausgewählte Volkslieder, WoO VI/10

Text: Matthias Claudius (1740-1815)

9. Lass mich dein sein und bleiben, No. 3 from Vier Kirchengesänge, WoO VI/20

Text: Nikolaus Selnecker (1532-1592)

10. Ich hab‘ die Nacht geträumet, No. 4 from Acht ausgewählte Volkslieder, WoO VI/11

Text: August Zarnack (1777-1827)

11. Meine Seele ist still zu Gott, No. 2 from Zwei geistliche Lieder, Op. 105

Text: psalm 62, verses 1-4 & 9-11 translation by Martin Luther

With Jos van Immerseel, piano

12. Trost, No. 1 from Drei Chöre, Op. 6

Text: Anton Müller (1853-1897)

With Jos van Immerseel, piano

13. Abschiedslied: Was ist es, das so traurig klingt? WoO VI/27

Text: Margaret von Seydewitz (1871-1960)

[lempiredeslumieres]

Musikverein, Viena

La Wiener Musikverein de Viena, Austria, es un edificio que alberga varias salas de conciertos y otras instituciones musicales, que se abrió al público el 6 de enero de 1870. La sala principal es famosa por su acústica, que la sitúa entre las tres mejores salas del mundo en lo que respecta a la sonoridad, junto con el Symphony Hall de Boston, y el Concertgebouw de Ámsterdam. La sala acoge conciertos de las principales orquestas sinfónicas del mundo, destacando los conciertos de abono de la Orquesta Filarmónica de Viena.

El edificio fue construido por la Gesellschaft der Musikfreunde (Sociedad de Amigos de la Música), a la que pertenece. El lugar en el que se encuentra fue donado por el Emperador Francisco José I, y el proyecto se encargó al arquitecto danés Theophil Hansen , que se inspiró en el clasicismo griego. Al cabo de poco tiempo, el edificio recibió el nombre de Musikverein (lit., club de música).

Musikverein

Las salas de conciertos

La Goldener Saal (Sala dorada) tiene 48 m de longitud, 19 m de anchura y 18 m de altura. Cuenta con 1.744 asientos y unas 300 plazas de pie. Desde el momento de su inauguración hasta la actualidad, su calidad acústica ha sido considerada como excepcional, como resultado de la forma rectangular, el recubrimiento de madera, el espacio hueco bajo el suelo de madera, que actúa como caja de resonancia, el falso techo, también de madera, colgado del forjado, etc.

Goldener Saal

La sala de cámara, conocida desde 1937 como Brahms-Saal, con unas 600 plazas, fue muy pronto reconocida como un lugar ideal para conciertos de música de cámara y recitales. 

Brahms-Saal 

La Gottfried von Einem Saal, conocida hasta 1994 como "Kammersaal" se utiliza como sala auxiliar de la Brahms Saal. 

Gottfried von Einem Saal 

Desde 2004, el edificio dispone de otras cuatro salas más pequeñas, construidas bajo tierra, en las que se programan distintos tipos de actuaciones, recitales, conferencias, cursos, etc, y que disponen de modernas instalaciones técnicas para estos fines.

Magna Auditorium, o Gläsener Saal ("sala de cristal"), con 380 plazas.

Metallener Saal ("sala de metal"), con 126 plazas.

Horst Haschek Auditorium, o Steinerner Saal ("sala de piedra"), con 70 plazas.

Hölzener Saal ("sala de madera"), con 80 plazas

Les dejamos adjunto el enlace del concierto de año nuevo de 2017, es largo pero merece la pena

Fuentes:

[biobioadicto]

Eduardo Meissner (1932 - 2019) "Eduardo Meissner es un personaje destacado dentro de la comunidad pencopolitana. Hijo del ex – decano de la escuela dental de la Universidad de Concepción, el Dr. Erico Meissner Vyhemeister y de la concertista en piano, sra. Laura Grebe Gunkel, nació el 9 de Julio de 1932 y tuvo estudios formales en la Universidad de Concepción en Odontología. Paralelamente se dedicó a la Pintura, siendo cercano a artistas locales de la época como Tolé Peralta y Julio Escámez. A su vez, también participó como flautista en el grupo de músicos que dio vida en 1952 a la Orquesta de la Universidad de Concepción, actual Orquesta Sinfónica. Permaneció en la agrupación musical hasta 1956, año en que parte a estudiar un doctorado en Ortodoncia en la Universidad de Bonn, Alemania. En abril de 1959, viaja a Viena para estudiar grabado y pintura en la Escuela de Bellas Artes de esa ciudad. En la capital austríaca, complementó sus conocimientos de xilografía con estudios de litografía y grabado en metal, aproximándose, a la vez, a la técnica cromoxilográfica propia del grabado japonés. Más tarde, Meissner realizó estudios de semiología y se acercó a la teoría del expresionismo alemán, en la Escuela Internacional de Verano en Salzburgo donde fue alumno de Oskar Kokoschka. A su regreso a Concepción, Meissner protagonizó otros dos importantes hechos: la fundación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Bio Bío en 1969 (donde se hizo cargo de la asignatura de Composición Arquitectónica) y de la Escuela de Arte de la Universidad de Concepción en 1972 (donde se hizo cargo de la asignatura de gráfica). Meissner es además socio fundador junto a su esposa Rosemarie Prim del Centro Cultural Casa Poli, junto a los arquitectos Mauricio Pezo y Sofía Von Ellrichhausen. Sus diferentes méritos intelectuales en los campos del Arte, la Arquitectura y la Odontología le han hecho merecedor de varios reconocimientos, entre los que se cuenta el premio Bicentenario de Arte y Cultura 2010 de la ciudad de Concepción, así como también ser Profesor Emérito tanto de la UdeC como de UBB ." (Texto: @dostercioseditorial / Foto: Archivo @farcodiubb) https://www.instagram.com/p/B5DBQ_sgHE1/?igshid=ojb7tmob5ded

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#Catolima #felizDomingo #CinecoAlt#Schillercine #ElMilagrodeViena #Beethoven #Ibague @catolima2 @cinecoalt te invitan hoy a la sala de cine 📽 🇨🇴 a que Disfrutes las fiestas del folchor #micasaestadefiesta con #AndrésOrozcoEstrada llega a nuestras salas junto a la Orquesta Sinfónica de Viena para interpretar la #NovenaSinfonía de Beethoven desde el emblemático Konzerthaus de Viena.Únicas funciones 22 y 23 de junio🎵 #La9SinfoníaEnCines @viennasymphony Boletas👉https://t.co/pLanNBE1fb https://t.co/wv7Am5HuxA (en Ibagué, Tolima) https://www.instagram.com/p/BzDeI1mAkrb/?igshid=1t6e3u0ae45az

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La música al mediodía

Conciertos de música clásica y popular a cargo de intérpretes del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Domingos, 12 horas

Entrada libre / cupo limitado al aforo del recinto

12 de febrero, 12 horas Programa: Compositores mexicanos

Manuel Sumaya (ca. 1680-1755)

Alegres luces del día

Vicente Ortiz de Zarate (1650-1699)

Quae ist ista

Reducción de Raúl Banderas

Silvestre Revueltas (1899-1940)

Cinco canciones para niños

Caballito

Las cinco horas

Canción tonta

El lagarto y la lagarta

Canción de cuna

Carlos Chávez (1899-1972)

Dos canciones

  Todo

  North Carolina Blues

 Intermedio

 José Luis González (1937-2013)

Melancolía

Carlos Vidaurri

Seis aljófares

Gozos

San José

Dolores

Azul

Humanidad

Perfume

Julio César Oliva (1947)

Yo no lo sé de cierto

No es que muera de amor

Poemas de Jaime Sabines

Gratia Plena

En paz

Poemas de Pablo Neruda

Intérpretes:

Ana Caridad Acosta, contralto

Józef Olechowski, piano

 Ana Caridad Acosta

Nació en Guanajuato. Estudió la licenciatura en canto en el Instituto Cardenal Miranda; tuvo como maestros a Enrique Jasso y Olga Baldassari. Estudió el posgrado en la Hochschule für Musik de Viena, Austria, y tomó cursos de perfeccionamiento en San Francisco y el Grand Opera de Houston y en el Instituto de Artes Vocales de Israel en Tel Aviv; además de clases con Sherril Milnes, Ileana Cotrubas, Bruno Rigacci y John Fisher, entre otros.

Entre los premios que ha recibido podemos citar el Nacional de la Mujer en Arte y Cultura, el de la Unión de Cronistas de Teatro y Música, el de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles, el primer lugar en el Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli y en el Concurso Internacional Voces del Pacífico, en Estados Unidos; además de ser finalista en los concursos Belvedere de Austria y Shizuoka en Japón.

Poseedora de grandes facultades vocales, histriónicas e interpretativas, ha abordado e interpretado gran cantidad de géneros musicales respetando los estilos y dificultades de cada uno de ellos. Sus papeles incluyen estelares en: Carmen, Aida, Werther, Nabucco, Un baile de máscaras, Sansón y Dalila, Madama Butterfly, Cavalleria rusticana y otros. Se ha presentado en los teatros y salas de concierto más importantes con los más notables directores de orquesta y de teatro del país, además de cantar en América y Europa. Es la primera contralto del grupo Solistas Cantantes de Ópera del INBA.

 Józef Olechowski

Pianista de origen polaco con una trayectoria de 36 años en México, país que lo ha inspirado a grabar más de cuarenta discos exclusivamente de música mexicana. Entre ellos destacan cuatro volúmenes con la obra completa para piano de Ernesto Elorduy, así como Las más bellas Mazurcas mexicanas y Valses mexicanos de concierto. Grabó la obra de cámara de Manuel M. Ponce en dos volúmenes que le merecieron el premio de la Unión de Cronistas de Teatro y Música. 

Colabora continuamente como solista con las mejores orquestas de México. En 2001 estrenó en México el Concierto para Piano y Orquesta del compositor polaco Witold Lutoslawski con la OFUNAM. Ha tenido una labor relevante con los jóvenes músicos mexicanos al participar en los más importantes festivales, talleres y clases maestras que organizan los principales conservatorios e universidades de todo el país.

Recientemente el Fonca lo reconoció por segunda ocasión como Creador Escénico con Trayectoria y gracias a esto lleva a cabo su proyecto Dirigiendo desde el piano las orquestas juveniles de México. En su natal Polonia realizó estudios de piano, recibió por dos años consecutivos la beca que otorga por concurso la Sociedad Federico Chopin de Varsovia. En la Universidad Veracruzana concluyó, con mención honorífica, la maestría en composición. Cada año realiza giras por, Estados Unidos, Japón, Europa y Latinoamérica, incluyendo en sus programas obras de compositores mexicanos. Desde 1990 es fundador y director artístico de la Sociedad Cultural Federico Chopin de México A.C.

  19 de febrero, 12 horas Programa

Lewis Granom (Reino Unido, ca. 1700-1777)

Siciliane

Allegro

George Philipp Telemann (Alemania, 1681-1767)

Cantabile et allegro

Johann Sebastian Bach (Alemania, 1685-1750)

Sonata en do mayor para flauta y clave

Andante-Presto

Allegro

Adagio

Menuetto

Georges Bizet (Francia, 1838-1875)

Menuet

Claude Debussy (Francia, 1862-1918)

En bateau

François-Joseph Gossec (Francia, 1734-1829)

Tambourin

Joachim Andersen (Dinamarca, 1847-1909)

The Mill, Op. 55 núm. 4

 Intérpretes

Consuelo Negrete, flauta

Consuelo Luna, piano

 Consuelo Negrete

Realizó estudios en el Conservatorio Nacional de Música y en la Escuela de Perfeccionamiento Ollin Yoliztli; en el National Music Camp de Interlochen, en Stratford-Upon-Avon y en el Conservatorio de Rueil-Malmaison. Trabajó con el flautista Luis Cuevas y participó como ejecutante y traductora en los cursos de perfeccionamiento de Alain Marion. Formó parte de la Orquesta Sinfónica de Alientos de la Delegación Cuauhtémoc y de la Orquesta Sinfónica de Coyoacán. Ha dedicado especial atención a la música de cámara, realizando una actividad ininterrumpida con diversos ensambles.

De forma paralela, desarrolla una intensa actividad pedagógica, al presentar recitales y conciertos didácticos dirigidos a niños, jóvenes y adultos; en el Conjunto Cultural Ollin Yoliztli ha impartido clases y talleres de solfeo, flauta, historia de la música e historia de la música en México. Es miembro del cuerpo académico de la Escuela de Iniciación Artística núm. 2 del INBA.

 Consuelo Luna

Egresada del Conservatorio Nacional de Música con el título de maestra especialista en la enseñanza de piano, en la actualidad, es miembro del grupo Concertistas de Bellas Artes. Asistió, en calidad de ejecutante, a los cursos de perfeccionamiento de Angélica Morales y György Sándor. Con el apoyo del INBA, trabajó con Bernard Flavigny, sobre todo el repertorio impresionista, así como con Hartmut Krones y en Francia, con Christa Ludwig el vocal de cámara y ópera.

Ha ocupado los cargos de coordinadora de los cursos internacionales de verano de la Escuela de Perfeccionamiento Vida y Movimiento, subdirectora de la Dirección de Música del INBA y responsable de la programación nacional del XIII Festival Internacional Cervantino. Ha presentado recitales de piano solo y música de cámara en México, Austria, Francia e Italia. En el XXV Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez interpretó el estreno mundial de la obra Liberación de Ulises Gómez, al lado de la soprano Claudia Negrete, con quien se presenta con regularidad.

26 de febrero, 12 horas   Programa 

Wolfgang A. Mozart (Austria, 1756- 1791)

Pequeña serenata

Antonio Vivaldi (Italia, 1678-1741)

Otoño de Las cuatro estaciones

Ignacio Fernández Esperón (México, 1894-1968)

Gavota

R. Soutullo (España, 1880-1932) - J. Vert (España, 1890-1931)

La leyenda del beso

Sergei Rachmaninov (Rusia, 1873 – Estados Unidos, 1943)

Temas de amor de la película Romeo y Julieta

C. Gardel (Argentina, 1890-1935) – A. Lepera (Argentina, 1900-1935)

Por una cabeza

El día que me quieras

José Alfredo Jiménez (México, 1926-1973)

Serenata huasteca

Popurrí italiano

Arreglo de Higinio Velázquez 

Camerata Blas Galindo

Salvador Macías Juárez, director artístico

 Camerata Blas Galindo

Fue formada el 28 de abril de 1993, poco después del fallecimiento del insigne maestro el 19 de abril de ese año. A solicitud de sus integrantes y como homenaje perenne a su memoria, se le dio su nombre a esta Asociación Civil, autorizado por la señora Ernestina Mendoza, viuda de Galindo. Este grupo tuvo el apoyo del doctor Gerardo Estrada, entonces director general del Instituto Nacional de Bellas Artes, quien brindó su apoyo al otorgarles conciertos anuales.

Se ha presentado en la ciudad de México y localidades cercanas a ella, con un repertorio que incluye música clásica, popular y latinoamericana. Los jubilados del INBA proceden de las orquestas Sinfónica Nacional, del Teatro de Bellas Artes y de Cámara de Bellas Artes, músicos con tal experiencia que la mayoría de ellos están concentrados en diferentes orquestas. La Camerata Blas Galindo ha recibido diversos reconocimientos por su labor artística, siempre a favor de la difusión de la música.

Integrantes

Alan Lerma, Óscar Zenobio, Alejandro Sánchez, violines primeros; Apolo Martínez, Francisco Pichardo, violines segundos; Carlos Sánchez, violonchelo; Oscar Leal, piano

[elmartillosinmetre]

La ROSS toca al Mahler más popular

[Bertrand de Billy en un ensayo con la ROSS. / MARINA CASANOVA]

En su cuarto programa de abono de la temporada, la Sinfónica de Sevilla ofrecerá jueves y viernes la 5ª sinfonía de Mahler, una de las obras más populares de todo el repertorio orquestal

Vuelven los conciertos de abono de la ROSS, esta semana con la segunda cita de las cinco programadas la presente temporada en torno a la música de Gustav Mahler. Será Bertrand de Billy (París, 1965) el encargado de dirigir al conjunto para la ocasión. Se trata del debut al frente de la orquesta sevillana de un maestro bien conocido en España por los años en que fue Director musical del Liceo de Barcelona (1999-2004) y que también ha tenido titularidades en conjuntos de renombre europeos como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena o la Filarmónica de Dresde.

En atriles, una única partitura, la 5ª Sinfonía en do sostenido menor de Gustav Mahler (1860-1911), una obra que tiene una duración estimada de entre 70 y 75 minutos y que se ha convertido en la sinfonía más difundida de Mahler, porque su cuarto movimiento, un Adagietto escrito para cuerdas y arpa, se popularizó extraordinariamente cuando en 1971, en una época en la que el compositor no tenía ni la fama ni el prestigio de los que goza hoy, Lucchino Visconti lo empleó como el motivo sonoro esencial de su Muerte en Venecia. Desde aquel momento, esos poco más de diez minutos de música han trascendido no sólo la sinfonía de la que forma parte, ganando cierta independencia, sino todo el conjunto de la obra de su creador, para convertirse casi en un icono del recogimiento y la melancolía puestos en música.

Mahler compuso su 5ª sinfonía entre los veranos de 1901 y 1902, en un tiempo en que era Director Artístico de la Ópera Imperial de Viena. Como solía hacer, llegada la estación veraniega se tomaba un período de vacaciones en que se retiraba a algún refugio cercano a la capital y allí se dedicaba a componer. El gran especialista en el compositor, Henry-Louis de La Grange piensa que los dos primeros movimientos de la obra fueron esbozados en el verano de 1901 en Maiernigg y su carácter trágico tienen que ver con la hemorragia intestinal que el músico había sufrido en febrero de aquel año, que lo puso al borde de la muerte, aunque es cierto que las marchas fúnebres eran habituales en su música, hay una ya en la 1ª (que la ROSS interpretó en septiembre en la apertura de esta temporada) y la 2ª empieza con otra.

Con la 5ª, Mahler volvía a las sinfonías puramente instrumentales, después de que 2ª, 3ª y 4ª tuvieran importantes pasajes vocales. La instrumentación es la típica de sus obras anteriores e incluye la tradicional cuerda en cinco partes, maderas a tres (salvo flautas, que son cuatro), seis trompas, cuatro trompetas, tres trombones, tuba, arpa, timbales y un variado set de percusión, es decir, la gigantesca orquesta sinfónica característica de la música centroeuropea del posromanticismo.

La sinfonía se abre con una marcha fúnebre ("Con paso mesurado. Severo. Como una procesión fúnebre", escribe el compositor) de un tono más patético que verdaderamente trágico y se continúa con un segundo movimiento ("Tempestuoso y animado. Con la mayor vehemencia") violento y angustioso. Construido en la clásica forma sonata, la música parece conducir a un final victorioso, pero se retrae y se cierra en clave oscura, casi desesperada. Y de repente, un extenso Scherzo radiante como tercer movimiento, en el que por una vez el compositor prescindió de esos toques grotescos tan habituales de estos momentos de sus sinfonías.

Para cuando en el verano de 1902, Mahler terminó la sinfonía, su vida había cambiado de forma importante, pues el 9 de marzo se había casado con Alma Schindler y con su esposa llegó a finales de junio a Maiernigg. Es entonces cuando escribe el Adagietto, especie de romanza sin palabras de la más alta inspiración, y concluye la sinfonía con un quinto movimiento, un rondó de una brillantez y una variedad temática inusitadas. Mahler siguió trabajando en su obra hasta su estreno en octubre de 1904 en Colonia, pero la sinfonía, que fracasó cuando el propio autor la presentó en Viena al año siguiente, tardó en ser entendida y valorada. Como tantas veces, décadas después, el cine vino en su rescate.

[Diario de Sevilla. 17-03-2022]