#pintura surrealista

[pittipedia]

#Painting ''Flier and Red Roof' by Rob Browning (2022)

[gertrudeabercrombie]

coruja e tornado .

owl and tornado .

. 1956 .

[artemartinpietro]

Remedios Varo: La Grandeza de una Artista Visionaria

Si hay un nombre que resuena con reverencia en el mundo del arte contemporáneo, ese es el de Remedios Varo. Esta mujer extraordinaria dejó una huella imborrable en la historia, convirtiéndose en una de las artistas más grandes de todos los tiempos. Con su creatividad desbordante y su libertad estilística, nos transporta a un universo mágico lleno de enigmas y maravillas. ¡Prepárate para adentrarte en el apasionante mundo de Remedios Varo y descubrir sus obras maestras!

Remedios Varo Obras: Un Despliegue de Genialidad

Cada una de las obras de Remedios Varo es un testimonio de su genialidad y su capacidad para trascender las barreras de la realidad. Con una paleta de colores vibrantes y una técnica impecable, sus cuadros nos invitan a sumergirnos en un mundo onírico, lleno de simbolismo y misterio. Aquí te presento algunas de sus obras más destacadas:

La Llamada En “La Llamada”, la artista nos presenta una escena enigmática donde una mujer se encuentra en un espacio desconocido, rodeada de símbolos alquímicos y objetos intrigantes. La obra transmite una sensación de búsqueda interior y revela la fascinación de Varo por los misterios del universo.

Bordando el Manto Terrestre “Bordando el Manto Terrestre” es otro ejemplo impactante de la maestría de Varo. En este cuadro, vemos a varias mujeres trabajando juntas en una laboriosa tarea de bordado. Pero a medida que nos adentramos en los detalles, descubrimos que están creando un tejido que va más allá de lo material, representando la conexión entre el mundo terrenal y el espiritual. Es una metáfora visual que destaca la importancia de la labor creativa y la trascendencia del arte.

El Gato (El Gato Helecho) El Gato, también conocido como “El Gato Helecho”, es una obra emblemática de Varo que representa a un gato en una posición inusual y rodeado de elementos surrealistas. Esta pintura evoca la presencia misteriosa y enigmática de los felinos, y nos sumerge en su mundo simbólico, donde la realidad y la fantasía se entrelazan.

Hacia la Torre Otra obra destacada es “Hacia la Torre”, donde Varo nos muestra una figura femenina que asciende por una escalera en espiral hacia una torre misteriosa en lo alto. Esta obra simboliza el viaje interno hacia el autoconocimiento y la búsqueda de la libertad. La imagen evoca una sensación de esperanza y valentía al enfrentar los desafíos y superar los obstáculos en la vida.

Creación de las Aves No podemos dejar de mencionar “Creación de las Aves”, una pintura que retrata a un grupo de aves emergiendo de un huevo gigante. Esta obra nos invita a reflexionar sobre el proceso creativo y la capacidad de dar vida a nuevas ideas y posibilidades. La pintora surrealista presenta una visión poética de cómo el arte puede ser una forma de liberación y transformación.

Cada pincelada de esta visionaria surrealista nos envuelve en una atmósfera mágica y nos permite explorar los rincones más profundos de nuestra imaginación. Su obra es un legado que continúa inspirando a generaciones de amantes del arte y la creatividad.

Remedios Varo: Una Vida de Búsqueda y Creatividad

El 16 de diciembre de 1908 marca la fecha de nacimiento de Remedios Varo en Anglès, Girona, España. Desde temprana edad, manifestó un profundo entusiasmo por el arte y la filosofía, lo que la condujo a emprender sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Allí, se relacionó con otros artistas importantes de la época, como Salvador Dalí y Federico García Lorca, quienes influyeron en su desarrollo artístico.

En 1937, durante la Guerra Civil Española, la artista surrealista se mudó a París, donde se unió al movimiento surrealista. Allí conoció a su esposo, el poeta Benjamin Péret, con quien se trasladó a México en 1941 debido a la Segunda Guerra Mundial. México se convirtió en su hogar permanente y tuvo un impacto significativo en su obra.

En México, esta destacada artista se unió al grupo de artistas e intelectuales conocidos como los surrealistas mexicanos, que incluían a Leonora Carrington y Frida Kahlo. Estos artistas compartían una fascinación por lo místico, lo mágico y lo esotérico, y encontraron en México un entorno propicio para explorar sus ideas y expresar su creatividad.

A lo largo de su carrera, la artista desarrolló un estilo único que fusionaba elementos surrealistas, simbolismo y referencias alquímicas. Sus obras están llenas de objetos enigmáticos, figuras femeninas poderosas y escenarios surrealistas que desafían la lógica. A través de su arte, incursionó en temáticas como el autoconocimiento, la liberación y la búsqueda de identidad.

Tristemente, la vida de Remedios Varo fue truncada prematuramente. Falleció el 8 de octubre de 1963 a los 54 años en la Ciudad de México. A pesar de su corta vida, dejó un legado perdurable que continúa inspirando a artistas y amantes del arte en todo el mundo.

El Legado Eterno de Remedios Varo

La herencia de esta artista va más allá de fronteras y épocas. Sus obras continúan emocionando y cautivando a espectadores de todas las generaciones. Su influencia en el arte contemporáneo es innegable, y su capacidad para transmitir emociones e ideas a través de la pintura es simplemente asombrosa.

La obra de Varo ha sido reconocida por su originalidad, su maestría técnica y su profundo contenido simbólico. A través de sus pinturas, nos invita a cuestionar nuestra percepción de la realidad y a explorar los misterios de la existencia humana. Su legado perdura como una invitación a adentrarnos en los laberintos de nuestra propia imaginación y a descubrir nuevas posibilidades.

Hoy en día, sus se encuentran entre las obras más valoradas y buscadas en el mercado del arte. Su influencia se extiende más allá de la pintura y ha inspirado a escritores, cineastas y artistas de diversas disciplinas.

Originally published at https://artemartinprieto.com/on August 10, 2023.

[afranciscomiradiezblr-blog]

Christian Schloe- ¿Surrealismo cotidiano?

[portalurania]

O Melhor Caminho, 1944. (Período Luz do Sol de René Magritte).              “Desde o começo dessa guerra, eu tenho um grande desejo de alcançar uma nova capacidade poética que nos traga a nos dois encanto e prazer. Eu deixo para os outros a função de causar ansiedade e terror”.

Magritte, em uma carta para o artista belga Pol Bury, 1945

.

.

. The Best Way, 1944. (Sunlight period of René Magritte).  “Since the beginning of this war, I have a strong desire to achieve a new poetic effectiveness which would bring us both charm and pleasure. I leave to others the business of causing anxiety and terror.” 

Magritte, in a letter to Belgian artist Pol Bury, 1945

[negreabsolut]

Aŀlegoria musical.

[caostalgia]

-Onthesilkroute

¿Y si un día…

despertara como el loco de Salvador Dalí?

En lugar de un pincel,

tendría una pluma entre mis dedos.

Invadido por provocadores puntos, comas,

guiones y con los más surrealistas

signos de admiración,

les escribiría a mis amores

una pintura,

quizás muy atroz e insensata,

con los más intrincados

y retorcidos sentimientos.

Como cualquier desesperado corazón,

derretido por el amor o la decepción,

derramaría tinta aquí y allá,

cual ola que revienta impetuosa

contra las rocas de un malecón;

eso sí,

lo haría con mucha gracia y color.

[magicdreamspoetry]

Salvador Dalí algunas de sus obras.

 Fue conocido por su arte salvaje y su personalidad pública por igual, y estos dos facetas le ayudaron a sobreponerse al resto de los surrealistas. Esta cita lo refleja: “la diferencia entre yo y los surrealistas es que yo soy el surrealismo”.

Es conocido por ser pionero en el movimiento. Se involucró en todos los aspectos de la creación artística de la pintura, escultura, diseño, dibujo, películas, moda, etc. Aplicó el concepto de surrealismo a todo lo que creó

[arsenal-le-comte]

Michel Parkes

Es un artista estadounidense nacido en 1944, reconocido por sus pinturas surrealistas que fusionan elementos mágicos, fantásticos y misteriosos. Parkes es conocido por su habilidad para crear obras que transportan al espectador a un mundo de ensueño y fantasía.

Sus pinturas suelen presentar figuras humanas, a menudo mujeres, en escenas oníricas y evocadoras, acompañadas de animales fantásticos, elementos naturales y simbolismo esotérico. La técnica detallada y la paleta de colores vibrantes son características distintivas de su estilo.

Las obras de Michael Parkes han sido exhibidas y admiradas en galerías y museos de todo el mundo, ganando reconocimiento por su originalidad y belleza atemporal. Su arte sigue cautivando a espectadores de todas las edades, invitándolos a sumergirse en un universo de magia y maravilla.

[huellas-poeticas]

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, Ciudad de México, 6 de julio de 1907-13 de julio de 1954),​ conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. También es considerada como un icono pop de la cultura de México.

Su vida estuvo marcada por el infortunio de sufrir un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse a hasta 32 operaciones quirúrgicas.​ Llevó una vida poco convencional. ​La obra de Frida y la de su marido, el pintor Diego Rivera, se influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton, Marcel Duchamp, Tina Modotti y Concha Michel, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, especialmente a finales de los años de 1980 y principios de 1990 por coleccionistas.

[spirit-of-art]

Marie Laurencin (1883-1956)

Marie Laurencin (1883-1956) nació en París, descendiente de una familia criolla. A los quince años empezó sus clases de pintura sobre porcelana en l’Ecole de Sèvres y a los dieciocho empezaría a exponer sus primeros trabajos. En 1904 volvería a París y continuaría sus estudios en la Académie Humbert. Allí conocería al poeta Paul Éluard, un autor surrealista que también cultivaría el dadaísmo. A…

[bitacorart]

UN NARCISISTA?

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. fue bautizado como Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad. Su padre era José Ruiz, pintor y profesor de Dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, y su madre fue María Picasso.

Durante 1897-1898 estudió en Madrid, en la Academia de San Fernando. Y se deleitó con el Museo del Prado. Regresó a Barcelona. Allí concurría al Café "Els Quatre Gats", lugar de reunión de intelectuales y artistas, y en 1900, en una de sus salas realizó su primera Exposición individual. Luego viajó a París, pues uno de sus cuadros, "Últimos momentos" había sido seleccionado para representar a España en la Exposición. Fue subyugado allí por el Louvre y el Luxemburgo, así como por las pinturas de Toulouse-Lautrec, Renoir, Degas, Manet, Van Gogh.

Después de esta etapa del cubismo inspirado en Cézanne, sobrevino en 1909 el cubismo analítico, en que Picasso y Braque descomponían las imágenes en pequeños elementos hasta llegar a hacer irreconocibles los objetos; y a partir de 1912 comenzó el cubismo sintético. Picasso logró un desahogo económico que le fue permitiendo vivir más confortablemente.

En 1918, estando en Italia se casó con la bailarina rusa Olga Koklova. También en esta época Picasso abandonó el cubismo y se inspiró en la tradición clásica. Sus cuadros ya se cotizaban muy bien, y En 1921 nació su hijo mayor, Paul, al que pintó en "Paúl de arlequín".

Alrededor de 1925 comenzó a participar en el movimiento surrealista, pero se apartó para continuar su propia expresión artística.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia.

Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte, el 8 de abril de 1973.

ÉPOCA AZUL

Este es el primer periodo de madurez del artista, aunque no hay ninguna referencia posterior dentro de su propia obra a esta etapa, a diferencia de por ejemplo la época rosa, cuyos temas fueron mas o menos tratados a lo largo de sus prolíficos años de carrera; no obstante en estos años pintó sus primeras obras maestras, como "La celestina", "Pobres a orillas del mar" o "El viejo guitarrista ciego" y "El viejo judío.

[afranciscomiradiezblr-blog]

Christian Schloe- ¿Surrealismo cotidiano?

Christian Schloe es un magnifico artista austriaco que de forma magistral combina la pintura, la ilustración, la fotografía y el arte digital. En sus escenas surrealistas en las que representa extrañas situaciones, atrapan inmediatamente al espectador, le abstraen de la realidad y le conducen al mundo de la ficción y los sueños.

[gonzalez00]

"La belleza es a menudo encontrada en los lugares más inesperados y distorsionados, si tenemos la mente abierta para verla" - Edward Kinsella III

Las ilustraciones de Edward Kinsella se caracterizan por una técnica meticulosa y detallada, sobria en su composición pero cargada de sentido. Sus obras están inspiradas en la naturaleza y en la fauna, y otras se centran en temas humanos y culturales, teniendo el elemento de la distorsión siempre cómo algo característico de su estilo.

Sus imagenes le apuestan a la representación surrealista y abstracta de la "desorganización corporal", para ello el artista utiliza una amplia gama de técnicas como la acuarela, el lápiz, la tinta y la pintura digital. Sus composiciones son ampliamente conocidas por su estilo revelado en el juego de luz y sombra, de plano y profundidad.

Sus retratos son especialmente llamativos por el aura que capturan y por el dinamismo que presentan; un aura medio oscura, medio reveladora: cómo la experiencia de mirar al vacío. Kinsella tiene una habilidad especial para crear monstruos, usando solo unos pocos tonos y trazos, el artista crea inquietantes retratos e ilustraciones que tienen su propio universo y que son aparentemente simples, pero totalmente cerebrales.

El uso de una morfología similar a la del rostro humano, pero distorsionada o reorganizada, produce una sensación de extrañeza y de similitud al mismo tiempo, pues al ser contemplado el rostro en mutación y en nueva organicidad, se pone en tensión el asunto del cuerpo y la percepción sensorial. Es un rostro distribuido distinto, pero rostro al final.

Sus retratos presentan rostros humanos que han sido estirados, comprimidos o distorsionados de alguna manera para crear un efecto visual que inquieta y desconcierta al espectador. Al ver estas imágenes es casi inevitable tener la sensación de estar mirando hacia adentro, como si ese ser estuviese suspendido en su emoción, o incluso estarse mirando a uno mismo en estadios psicológicos diversos.

Kinsella ha explicado que su interés en los retratos distorsionados se inspiró en la forma en que las emociones y la experiencia pueden alterar nuestra percepción de los demás. Al distorsionar los rasgos faciales en sus ilustraciones, Kinsella busca crear una sensación de extrañeza y desconexión con la forma natural o reconocida del cuerpo, para así evidenciar corporalidades afectivas y emocionales.

Su estilo a menudo incluye elementos fantásticos y surreales que movilizan la realidad y nos invitan a imaginar otro mundo y en el caso del cuerpo, nuestro cuerpo emocional, el cual cambia, y de acuerdo a ese cambio, percibimos el afuera

Algunas de las técnicas que utiliza para crear estos retratos incluyen la superposición de capas, la manipulación digital y el uso de patrones y texturas. En general, sus retratos distorsionados son un ejemplo de su estilo distintivo y su habilidad para crear imágenes que desafían las expectativas sobre la representación y estimulan la imaginación sobre las posibilidades del cuerpo y la dimensión emocional.

Para finalizar esta nota, me parece importante mencionar la similitud de su arte con los retratos de Francis Bacon: en ambos artistas se ve un interés por la representación de la psique humana y la experiencia emocional. Bacon, a mi juicio, representa instantes de transformación y de catarsis: reorganización absoluta, contracciones de sentido, nacimiento y movilización. Por su parte, los retratos de Kinsella representan un cuerpo actual e incluso cómodo, asentado, un cuerpo suspendido y conectado con sus emociones: Es la emoción la que se vuelve rostro, la que define como se ve, cómo se escucha, cómo se siente y se percibe el mundo.

[blogdojuanesteves]

FORMA REFORMA > Fernando Santos

O fotógrafo paulista Fernando Santos, após experiências passadas com pintura, marchetaria, cerâmica, escultura, conservação e restauro de obras de arte, como escreve o editor e curador paulista Eder Chiodetto "segue criando instâncias de reflexão sobre a faculdade do olhar, desta vez centrado na forma como deciframos a ilusão construtiva das imagens pelos aparatos fotográficos." É o que ele mostra em seu primeiro livro Forma Reforma (Fotô Editoral, 2022). Explica também o curador, que o artista busca fundar novas percepções visuais ao rearranjar a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.

Forma Reforma é uma síntese de imagens que nos levam diretamente ao corolário modernista brasileiro, com certa dose construtivista, entre outros movimentos, onde podemos encontrar filigranas de autores como o carioca José Oiticica Filho (1906-1964) entomólogo e fotógrafo, Geraldo de Barros (1923-1998), fotógrafo, pintor e designer paulista ( a nos lembrar de sua série Formas e Fotoformas. leia aqui review  https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/150170667411/geraldo-de-barros-fotoformas-e-sobras) igualmente nos aproximando dos clássicos surrealistas como o americano Man Ray (1890- 1976) com suas experiências sem câmara e arranhando as projeções e sombras da artista gaúcha Regina Silveira, além do húngaro László Moholy-Nagy (1895-1946), mestre da Bauhaus  e também construtivista, artista ao qual Chiodetto faz referência em seu texto.

Na perspectiva do curador, esmiuçando alguns de seus detalhes:  " Uma apara de papel fina, longa e com dobraduras imprecisas, interceptada a caminho do lixo pelo artista, ganha o protagonismo num plano horizontal monocromático - esse local inerte, o ponto zero a partir do qual espocam os gatilhos criativos de Santos. A apara, amparada pelo plano, vê seu corpo esguio e desleixado sensualizar-se. Formas rebeldes que ora tocam, ora se distanciam do plano reto, ganham volume e volúpia. Figura e fundo criam artífices e segredam deleites formais. O artista entra em jogo e habilmente lança um foco de luz."

Fernando Santos com seu belo livro consegue manter um perfil autoral, ainda que identifiquemos estas inúmeras referências, o que é intrínseco à boa arte fotográfica. Em seu progresso enxergamos uma função ontológica calcada nos metadados que insere em suas imagens, ora com papéis cortados em formas geométricas, esculturas de arame, certas assemblages ou fusões quiméricas.

É preciso lembrar que a retomada mais ampla dos modernos  dá-se a partir de 2006, com a exposição Fotoclubismo Brasileiro, no Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo, que mostrou recortes como a Retrospectiva Fotoclubistas Brasileiros dos anos 1940 a 1970, a exposição do acervo do Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB) no Museu de Arte de São Paulo (MASP) em 2016 com curadoria da artista mineira Rosângela Rennó e seu respectivo livro; o aumento da coleção Moderna para sempre do  Itaú Cultural, depositados no livro Foto Cine Clube Bandeirante: Itinerários globais, estéticas em transformação publicado pela Almeida & Dale Galeria de Arte,em 2022,  com curadoria do paulistano Iatã Cannabrava e o curador cubano José Antonio Navarrete, fundamentais para a legitimação da fotografia mais abstrata, distante dos perfis mais convencionais e essencialmente como prática artística. 

Neste sentido o trabalho de Santos dá continuidade a este movimento adicionando outras interpretações de sua lavra trabalhando com suas próprias referências e mantendo sua independência autoral, "investigando as fissuras das representações imagéticas visando desconstruir um jogo ilusório" como bem escreve Chiodetto em seu texto no livro. Uma busca por novas percepções visuais que rearranja a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.

Na sua performatividade enxergamos o mover e ser movido por pulsões espaciais, entre matéria em movimento e imobilidade, amoldando-se a  princípios somáticos, uma espécie de alegoria quando o autor cria suas abstrações primárias, como a formatação da escultura de arame para depois ser fotografada. O elemento estático destes que ganham movimento em suas estruturas, refletidas nas fotografias ou nas inúmeras representações gráficas que compõem o livro, onde vemos certo pluralismo proposto pelo autor.

Para Santos, escreve o editor,  a fotografia é um veículo paralisante que visa cristalizar os movimentos que ele impulsiona entre eventos escultóricos e gestos performáticos. Por meio do jogo fotográfico, o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc.) e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos. Movimentos esses que surgem na ressurreição dos objetos já cancelados em seus usos na sociedade e findam, sem acabar, no momento em que são iluminados na ribalta planificada do artista para, assim, saltarem do ordinário para o extraordinário."

Mesmo não sendo mais possível considerar a natureza em si como um objeto da fotografia, a necessidade de discuti-la e manuseá-la engendra o caminho do autor. O que nos leva a pensar no livro Ponto e linha sobre o plano (WMF Martins Fontes, 2012)  publicado em 1926 pelo artista moscovita Wassily Kandinsky (1866-1944) não somente por algumas imagens de Fernando Santos serem assemelhadas a do autor russo, mas porque está conectado a sua teoria da Forma, que concebia, como necessidade, a elaboração de uma estrutura lógica para atingir a ressonância interior na construção da abstração. Embora o genial artista não tenha pensado exatamente na fotografia, podemos fazer esse paralelo com a pintura e suas referências que deságuam nas suas significâncias subjetivas.

Voltando a Chiodetto, "Ainda que as câmeras fotográficas tenham desde sua origem adotado os parâmetros da perspectiva renascentista e com isso criando ilusões especulares que nos levam a intuir distâncias entre planos e pontos de fuga em um suporte bidimensional, as fotografias são um constructo que tentam em vão mimetizar a experiência do olhar." Entretanto é notável que o autor subverte essa ordem ao propor uma diferente ótica em suas construções, como suas figuras que formatam camadas óticas sustentadas por um diacronismo expresso em suas tessituras cujos elementos plásticos são o resultado mais evidente.

Por meio do jogo fotográfico, escreve o curador, "o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc. e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos."

Mas, estas experiências mais do que interessantes, ainda assim propõem ao leitor o lugar do fotógrafo: testemunhar suas cenas ou ceder à ilusão de contemplar a proposta do autor e seus efeitos. Se no conceito abstrato a representação das imagens é distanciada da realidade, interpretamos aqui a "forma" como a capacidade da obra permitir observações diversas em relação a sentimentos e emoções. Vemos no livro elementos cuja formatação é regida pela figuração, com objetos reconhecíveis e uma proposta mais objetiva, que paradoxalmente nos levam ao modelo renascentista ressignificado por artistas na vanguarda de escolas como Vkhutemas e Bauhaus, com artistas que reconhecemos neste livro, como o russo Aleksandr Rodchenko (1891-1956) ou na obra do já citado Moholy-Nagy.

Imagens © Fernando Santos.   © Juan Esteves

Infos básicas:

Concepção e fotografias: Fernando Santos

Edição: Eder Chiodetto e Fabiana Bruno

Coordenação: Elaine Pessoa

Projeto gráfico; Rafael Simões

Tratamento de imagens: José Fujocka

Impressão: Ipsis Gráfica e Editora

Edição de 500 exemplares

como adquirir: https://fotoeditorial.com/produto/forma-reforma/

[labitacoradelhombresolitario]

Del cuaderno... (IV)

LAS ETAPAS DEL ARTISTA

Leo y releo, tomándolos al azar, poemas sueltos del volumen Dios deseado y deseante, de Juan Ramón Jiménez, y siento que de algún modo me dejan flotando en el vacío. No es infrecuente que me ocurra esto con la obra más crepuscular del vate de Moguer (con cuya presunta pieza cumbre, «Espacio», no he podido nunca, quién sabe si por no haberme esforzado lo suficiente). Este posible «ángulo muerto» de mi sensibilidad me suele llevar a considerar las dos etapas establecidas por la crítica en la poesía de Juan Ramón: la modernista y la de la lírica «pura», que da comienzo —esta segunda— hacia 1916, con su famoso libro Diario de un poeta recién casado. A mí la verdad es que me gusta bastante más la primera que la que vino después.

Con Picasso me sucede algo parecido; no es que Picasso en general me vuelva loco, y nunca he sido víctima de la universal fascinación que su pintura y su persona o personaje parecen ejercer, pero si algo de él me atrae son las obras de sus diversas «primeras épocas» (y no soy ni mucho menos experto. Hablo de la época azul, de los saltimbanquis, de las señoritas de Aviñón). A partir de la década de 1920, Picasso es ya pura «marca»; de la etapa surrealista en adelante, su producción está para mi gusto desprovista de interés. El Picasso maduro y tardío es commodity para inversores y especuladores artísticos.

Pablo Picasso: La familia de saltimbanquis (1905)

Yo he dicho más de una vez —afirmándolo en poemas, incluso— que lo mejor de un poeta o escritor nos lo encontramos en las últimas publicaciones de su carrera, cuando al autor se le han caído todos los complejos y ya no tiene nada que perder, ni necesidad real o imaginada de andar mirando por encima del hombro a la hora de ponerse a crear. (Quien dice un poeta o escritor, y habla de publicaciones impresas, dice artista de cualquier otra disciplina, y las obras que le caractericen.) Eso contradice un poco mis anteriores observaciones sobre Juan Ramón Jiménez y Picasso, aunque sigo pensando que no deja de ser cierto.

W. H. Auden es un caso que en este sentido se me viene a la cabeza: algo tiene el Auden primero que desaparece más adelante en su obra y ya no vuelve a asomarse a ella. Es la brillante —y autosuficiente— audacia del artista joven, dispuesto a comerse el mundo y convencido de que puede hacerlo y salirse con la suya. Después, tenemos al Auden viejo, el del tramo final, que vuelve a resultar interesante, pero precisamente por todo lo contrario: nos encontramos ante la amena bonhomía de aquel a quien, no teniendo nada que demostrar, se le da todo una muy provechosa higa.

Sería una posible regla (que siempre habría que adoptar con las debidas precauciones): vete a los comienzos, vete a los finales. A las primeras cosechas, y a las postreras. Son las más dulces.

[25-26/01/24]

ROGER WOLFE