#rock concert mort

[1morteveryday]

310/365 👣

[findurmuse]

Rock et Femmes badass

Style : Grunge, Punk, Punk-Rock, Pop-Punk

A la fin des années 80 dans l'état de Washington au nord ouest des USA il y avait peu de concert de groupe connue L'état était considéré comme vide et les groupe préférais d'autre destinations pour leur tournées.

Dans ce contexte à vue le jour une scène très local notamment autour de Seattle avec de nombreux groupes qui se connaissent et se supporte entre eux.

Et après ça a explosé. Grâce au Label SubPop et des petits groupe genre Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden ou Nirvana deviennent mondialement populaire et la scène local trouve son nom : le grunge.

Mais a côté des super groupe y'a tous plein de pépites et moi je vais vous parler d'une facettes trop oublier du grunge a savoir les groupe de meuf badass.

Des femme engagée dans la musique il y en avais déjà dans les décennies précédentes bien sûr mais la scène de Seattle a permis l'émergence d'un vrai mouvement autour de sujets politique, des inégalités, des violence, du racisme qu'elles rencontrais dans leur vie mais aussi simplement le fait qu'elle avait autant leur place sur scène que leurs homologues masculins.

Voilà pour l'intro, maintenant place à la musique avec tous d'abord les groupe plus populaire, puis des deep cut qui méritent d'être plus connues et dans la et enfin des groupes actuelle parce que les femmes ont pas arrêté de faire de la musique badass en 1994.

I. Les groupes les plus populaires

Et on commence par celles qui est clairement plus connue pour son mari que pour son très bon groupe de musique : Courtney Love. Parce que celle qui fût la femme de Kurt Cobain (Nirvana) est aussi la frontwoman de Hole.

Des guitares bien saturé et une voix tantôt mélodique tantôt rauque dans les cris de rage de Violet ou Pretty On The Inside. Je conseil aussi Celebrity Skin dont le riff rentre en tête très vite.

Ensuite place a la leader du mouvement riot grrrls : Kathleen Hanna et Bikini Kill Je vais me répéter a ce sujet mais avec sa voix inimitable sur un rythme très punk avec des chansons qui dépasse rarement 2m30 elle parle d'émancipation et de féminisme comme dans Jet Ski, Alien She ou ma préférée de leur disco : Rebel Girls

Si les cris c'est moins votre trucs mais que vous voulez quand même du bon punk rock engagé, écoutez The Gits un de mes préféré de ce genre notamment pour sa guitare dont j'adore le ton et sa chanteuse Mia Zapata a la voix reconnaissable entre milles et au paroles souvent personnel et sombre comme dans Second Skin ou Bob - Cousin O. Malheureusement le groupe n'a pas duré longtemps a cause de la mort de Mia dans des conditions absolument ignoble . Je rajouterai Drinking Song parce que la terre a besoin de plus de chanson d'amitié.

Un petit dernier pour la route ? L7 est aussi un groupe connue et le seule de cette liste encore en activité. C'est moins "punk" mais tous aussi bon avec des mélodie entraînente et des paroles acide. Je conseil Shitlist, Fighting The Crave et surtout Pretend We're Dead

II. Quelques autres groupe de cette époque à connaitre

Pour la suite de cette série de recommandation je vais vous parler d'autre groupe de cette période. Elles sont moins connues mais mérite sans hésitation leur place dans cette liste.

Et je commence tous de suite avec 7 Years Bitch. C'est un de mes groupes préférés de cette période, leur son punk sans concession et leur parole franche qui attaque directement les problèmes de la société (souvent les mecs lol) me donne envie de renverser des gouvernements et de tuer le patriarcat.

Elles n'ont sortie que deux albums mais il sont excellents, notamment Viva Zapata dédié à la chanteuse de The Gits, tous comme M.I.A que je recommande vivement. J'ajouterai Icy Blue et le grand classique Dead Men Don't Rape.

Groupe suivant, Hammerbox, Ici on a des grosse guitare bien grasse presque métal elle la voix profonde et rauque de Carrie Akre dont j'adore le timbre.

Vraiment du grunge a l'état pur et un groupe qui mérite une meilleure reconnaissance ! Je vous recommande Bred, Hole et Hed en particulier.

Je pourrais continuer très longtemps mais je vais terminer avec un dernier groupe, Bratmobil. Que j'aime beaucoup pour la manière dont Erin Smith joue sa guitare de manière aussi simple qu'entrainante et efficace.

C'est un autre groupe qui n'a pas une longue discographique mais leur appartenance au mouvement riot grrrls et leur paroles féministe leur valent entièrement une place ici. Écoutez notamment What's Wrong With You, Cool Schmool et Bitch Theme.

III. Récents et toujours badass

Dernière partie de cette trilogie de recommandations grunge/punk/punk-rock et cette fois je veux vous parler de quelque groupe plus récents, qui continue d'être badass avec des grosse inspirations des groupes citée plus haut.

Et d'abord le groupe qui sort peut-être le plus des sonorité de ces recommandation : Meet Me @ The Altar. Iels sont tous récents et on sorties leur premier album cette année (sur le même label que Paramore soit dit en passant)

C'est du pop-punk avec des airs de la scene 2007-2013 et les paroles tournent autour des émotions de la chanteuse Edith Victoria souvent avec un son assez joyeux qui donne envie de chanter à tue tête avec un peigne en tant que micro. Je vous conseil Say It (To My Face), Kool et T.M.I en particulier.

Deuxième groupe de cette liste : The Royal They. On retourne dans un son plus punk avec de la grosse distorsion et une voix entre chant et crie sur des paroles acerbes et super bien écrites et un rythme effréné ça a vraiment l'air d'être le genre de groupe qui peut mettre le feu à un bar. Vraiment une petite perle qui je suis bien contente d'avoir découvert. Écoutez notamment C.N.T., Full Metal Black et Kamikaze

Et enfin le dernier groupe de cette looooonnnnggggguuuuuee liste que je veux vous faire découvrir, Destroy Boys C'est un espèce d'entre deux des deux groupe ci-dessus, moins vénèr et engagé que The Royal They mais plus punk que MM@TA et à mon sens c'est vraiment le descendant direct des mouvement grunge, riot grrl et tous ce dont on à déjà parler. Je trouve les paroles toujours très drôle, c'est bourré de sarcasmes et de refrain qui reste dans le crane dès la première écoute je recommande vivement Escape, Locker Room Bully et B.F.F.

Voila pour toutes ces recommendation sur mon intérêt spécifique du moment j'espère que ça vous plaira autant que ça m'a plus de vous envoyer ces pavés.

Je vous ai même fait une petite playlist avec tous les groupes dont j'ai parlé et quelques autre qui aura pu me faire écrire un post encore plus long https://open.spotify.com/playlist/1oXvDxiiiJ9FKsD8DtXO1O?si=065ab65f140c47e4 - A 🤘

[mywifeleftme]

59: Nass El Ghiwane // Nass El Ghiwane

Nass El Ghiwane Nass El Ghiwane 1976, Plein Soleil

The job of a label press release is to pique interest in a record, and when you’re in the ~*world music*~ reissue business that usually means trying to find a parallel between your artist and a familiar touchstone, angling for the off chance an openminded shopper will take a shot and throw your record into the day’s stack. This is the ship that launched a thousand “the [western artist] of [non-western country]” blurbs (“The Hendrix of Turkey!” “The Joni Mitchell of Zambia!” “The Mort Garson of Brunei!” etc.). It worked on me when a somewhat younger, much callower version of myself snagged Nass El Ghiwane (1976) from a shop that’d taped an excerpt of the press release to the sleeve. Here it is in full:

“Formed in 1971, Nass El Ghiwane's five members first performed in the avant-garde of Morocco's underground theater scene. Following their debut performance as a band in Rabat at Tayeb Seddiki's Mohammed V Theatre, their songs became the 1970s anthems of Moroccan youth -- nationalist, rebellious, experimental, and bygone all at once. They are Morocco's most enduring musical legacy. They modernized the way music was transmitted to the disenchanted and rebellious youth of their country. Their concerts would turn into riots as their music and lyrics incited deep affection from their virulent fan base. Their music echoes medieval Moroccan oral traditions; coming from the Gnawa trance music of their ancestors, they sang tales of Sufi mystics and wrote lyrics that criticized the conservative monarchy of Mohammed V. They were the first to introduce the banjo, guembri, and colloquial Moroccan Arabic in their version of the shaabi genre. Nass El Ghiwane were a huge influence on Algeria's modern Raï movement, as Cheb Khaled started his career covering Nass El Ghiwane's songs. This is exemplary trance music and the foundation of the modern era in Moroccan music. Martin Scorsese has called them "‘The Rolling Stones of Morocco.’" It could be argued that Scorsese's claim would be more accurate if the Stones were fronted by Bob Dylan. This is the first ever vinyl reissue of their third album from 1976, one of the most desired LPs in their legendary discography. Fully remastered sound.”

It's a near platonic ideal of its kind—rife with dope-sounding references (Gnawa trance music! Sufi mystics! Concerts breaking out into riots!), and intriguing bold-type names.* I might have had no idea who Cheb Khaled was, but the wording insinuated I should and would like to, and the references to the Stones and Dylan suggested I was holding some kind of wicked fusion of Arabic folk music and heavy rock. Which anyone who knows anything about Gnawa trance music, or shaabi, or Raï, probably could’ve told me it wasn’t, but none of those people were in Sonic Boom Records at that time, so they didn’t, and I ended up with a record I really didn’t know what to make of for quite a while.

To paraphrase writer Ralph Wiley’s rejoinder to Saul Bellow’s (allegedly) dismissive question, “Who is the Tolstoy of the Zulus?”, the Rolling Stones are the Rolling Stones of Morocco, and Dylan is the Dylan of Morocco. Nass El Ghiwane are similar to these acts in the sense that they were famous and countercultural in their own society, but what that meant in a Moroccan context, and in musical terms, is very different. “Nass El Ghiwane isn’t a pop group in the classical sense, but more of a theatre group that sings,” noted Tayeb Seddiki, a theater director who helped launch their career. He continues:

“They’re sort of troubadours. In the Atlas Mountains, we have three or four poets who travel from souk to souk, from village to village, singing stories from a political, economic or sociological viewpoint that deeply interests people. […] Nass El Ghiwane were the first, and they still are. Moroccans recognize themselves in the group. They see their problems reflected in their songs, their daily lives and all their issues.”

This is something close to a working definition of the appeal of any ethnic or national folk music, music that seems to concentrate the experience of living within one’s culture into song. Like many American and British folk revival artists of the ‘50s and ‘60s, Nass El Ghiwane began by performing and reinterpreting traditional songs. In their case, this was romantic poetry that had been preserved through oral traditions going back generations. Once thoroughly steeped in the scales and structures of these familiar songs, they began to also create original material that felt to Moroccans like an organic outgrowth of their proud musical lineage.

Though I eventually grew to appreciate the insistent rhythms and passionate group vocals of the LP I’d purchased, it wasn’t until I watched the 1981 documentary/concert film Trances (الحال) by director Ahmed El Maânouni that I got a better handle on what made Nass El Ghiwane such a profound experience to their fans. (I highly recommend this 88-minute film, which Criterion re-released in the 2000s. I was able to easily find a high quality rip on the Internet Archive, and this YouTube version is decent.) Nass El Ghiwane’s performances alternated between dramatic spoken word monologues and incantatory rave ups which left audiences in exhausted, cleansed heaps. The film makes explicit the connections between the ecstatic healing rituals of the Gnawa and the wild dancing of the band’s young fans:

Here, at last, comes the time of ecstasy, of trances

Those who refuse to their senses the gift of trances shall wither

Trances also gives welcome insight into each member’s personality and role in the band. There is virtuosic banjo player Allal Yaâla, a quiet Black Moroccan with a mastery of Arabic, Berber, and occidental scales who taught the others much of their original repertoire. Tabla drummer and frequent lead singer Larbi Batma was their soul, a lanky, intense poet whose seriousness was offset by the sly humour of bendir (handheld frame drum) player Omar Sayed, the strongest actor of the troupe and perhaps its most gifted singer. The longest-running version of the band was rounded out by Abderrahmane "Paco" Kirouche on sintir (a sort of bass lute) and daadoua (a shoulder-held goblet drum), a robust man who’d been a woodcarver before finding musical success.

Nass El Ghiwane is an LP I appreciate more as I discover more of its context, knowing not only who these men are but how their talents fit together; some notion of where their music came from, and how audiences of their time received it. It benefits from being played as loudly as you’re comfortable with and being listened to in a meditative frame of mind. Nass El Ghiwane were “the Nass El Ghiwane of Morocco” just as they are the Nass El Ghiwane of Canada, Cambodia, and Fiji—but if a Scorsese quote comparing them to the Stones is what got me listening to them, I reckon that’s fair enough.

59/365

* Also, bless the Plein Soleil press release writers for bolding Mohammed V’s name, in case there were any real Alawi-dynasty heads out there in record-land. Worth noting they got the wrong king though, as it was actually Mohammed V’s son Hassan II who was in power during NEG’s heyday!

[des-paroles]

Mort de François Hadji-Lazaro, figure du punk-rock et fondateur de Pigalle et des Garçons Bouchers

Très bel article.

Je me souviens : de l'émoi et de l'énergie de cette fameuse et (trop) courte période rock alternatif français. Pigalle, les garçons, Los Carayos, joyeux. Les concerts...

🩶

[basilepesso]

"Avant ses 25 ans, au coeur des années 1960, il fut l'un des fondateurs de The Byrds, groupe mêlant le rock venu d'Angleterre au folk traditionnel américain. En 1967 et 1968, écarté des Byrds pour mésentente, il avait retrouvé Stephen Stills, des Buffalo Spingfield, et Graham Nash, des Hollies, dans le chalet de Joni Mitchell, légende du folk et un temps sa petite amie. Le groupe est rejoint de temps en temps par le Canadien Neil Young. L'année suivante, le 17 août 1969, au mythique festival de Woodstock, Crosby a déjà sa moustache et ses cheveux longs pour le second concert des Crosby, Stills, Nash & Young." Article de la RTS : “Pionnier du folk-rock, l'Américain David Crosby est mort à 81 ans“ Crosby, Stills and Nash, Judy Blue Eyes

[chansonsinternationales]

SPECTACLE. Rodolphe Burger rend hommage à Rachid Taha : un concert rock and raï entre copains

[mirthe-en-musique]

LE VENT NOUS PORTERA (Noir Désir) interprétée par MIRTHE, guitare-voix, ...

LE VENT NOUS PORTERA est une chanson du groupe Noir Désir. Elle est sortie le 28 août 2001 en single et a été publiée sur l'album "Des visages des figures" le 11 septembre 2001. En me réveillant ce matin, j'ai eu envie de faire une vidéo de cette très belle chanson et de vous l'offrir. Cette chanson, je la chante de temps en temps lors de mes concerts ; elle est une des reprises en français que je chante et joue, parmi "Ma dernière volonté" de Reggiani que je chante aussi en néerlandais, "Le plat pays" de Brel, (cela va de soi...), Les feuilles mortes de Prévert chantée par Montand etc. Evidemment "Le vent nous portera" est plus récente et moderne que ces dernières d'un autre âge et éternelles en même temps. Le vent nous portera est moins rock que ce à quoi nous avait habitué Noir Désir. Je me suis donné comme objectif d'enregistrer ainsi toutes les reprises en français que je chante habituellement et ceci dans les mois qui viennent. Voilà, donc, plein d'autres vidéos à venir...... Pour le moment, Le vent nous portera, je la chante en m'accompagnant à la guitare acoustique, en picking puis en strumming. Il y a encore quelques petits réflexes de la langue française qui m'échappent alors ne m'en voulez pas trop pour quelques défauts de prononciation et quelques petites variations peut-être pas voulues.... Quant à mon accent du sud-ouest*, ça je ne peux pas l'atténuer plus et je suis certaine que ça ajoute un p'tit truc pas trop désagréable, non ? Vidéo captée en novembre 2023, aux Studios Aphrodite Musique à Trémorel 22, France,. Rémy était derrière la caméra pour les prises de vue et devant l'ordi pour le montage et les quelques réglages. Un perpétuel merci à lui ! 

 A bientôt 

Mirthe 

 Vidéo visiblécoutable aussi sur : 

 - Youtube : https://youtu.be/6GPnEov6P0A 

 - Bitchute : https://www.bitchute.com/video/I7lspIPz4CbD/ 

 - Daily Motion : https://dai.ly/x8q3vi3

 - Vimeo : https://vimeo.com/889930227

 - Facebook :  - Linkedin : https://www.linkedin.com/posts/remyverneuil_le-vent-nous-portera-noir-d%C3%A9sir-interpr%C3%A9t%C3%A9e-activity-7135995585857298432-UCnG

 - Reddit : https://www.reddit.com/r/Musiques/comments/187jc3z/le_vent_nous_portera_noir_d%C3%A9sir_interpr%C3%A9t%C3%A9e_par/ 

 - TumblR : https://www.tumblr.com/mirthe-en-musique/735421926321864704/le-vent-nous-portera-noir-d%C3%A9sir-interpr%C3%A9t%C3%A9e-par?source=share 

 - Pinterest : https://www.pinterest.fr/pin/1073264154933540517/ 

 - Twitter / X : https://twitter.com/MIRTHE_MUSIC

[xpoken]

Pour enregistrer de nouveaux tubes, le chanteur a attiré des stars mondialement connues:

Eric Clapton, Mark Knopfler et Andy Summers.  Les albums du début des années 90, Soul Cages et Ten Summoner's Tales, avec les succès All This Time et Fields Of Gold, ont placé le nom de Sting au sommet des tabloïds musicaux du monde.

 Les disques de musique de la seconde moitié des années 90 - Mercury Falling et Brand New Day - sont redevenus platine dans le pays natal du chanteur et aux États-Unis.  La chanson Desert Rose du deuxième de ces albums a été interprétée par Sting avec le musicien algérien Cheb Mami, et la vidéo créée pour ce single est devenue une sorte de publicité pour la jeep Jaguar de type S, dans laquelle les musiciens se déplaçaient à travers les dunes de sable. du désert dans le cadre.

La voix de Sting devient reconnaissable dans le monde entier et, dans son pays natal, le musicien reçoit l'Ordre de l'Empire britannique et le titre de monsieur.  Avec son travail, Sting essaie toujours d'exprimer une position sociale active.  Après les attentats terroristes très médiatisés du 11 septembre 2001, le chanteur a sorti l'album Sacred Love, dans lequel il a exprimé sa douleur et son empathie pour les morts et leurs proches.

 Dans la seconde moitié des années 2000, The Police s'associe pour des concerts commémoratifs.  En seulement deux ans, 150 représentations ont eu lieu, dont la plus populaire au festival de rock de l'île de Wight a réuni 70 000 fans.  Deux ans après la sortie de The Last Ship, le musicien a collaboré avec la pop star française Mylène Farmer Sting pour sortir le tube Stolen Car, une reprise d'une chanson de l'album de compilation 2003 Sacred Love.

[rufatto]

"Stonewall Celebration Concert", Renato Russo.

Ouvi “Stonewall” pela primeira vez em 1997, pouco após a morte de Renato Russo. Entre 1997 e 2000 ocorreu um movimento saudosista entre os fãs da Legião urbana alimentado por discos póstumos, o lançamento do acústico MTV da Legião e o retorno “triunfante” do Capital Inicial. No meio de tudo isso o Stonewall e o disco de canções italianas “Equilíbrio Distante” me pareciam produtos complexos demais para os jovens do final dos anos 90. Era um disco auto afirmativo, cheio de canções obscuras de artistas que não eram conhecidos no Brasil, um verdadeiro quebra-cabeça sobre quem era Renato Russo – um artista que estava muito a frente de grande parte de sua audiência roqueira e eu era um deles. Toda vez que colocava o CD para tocar me ocorria uma questão: que canções são essas? A pergunta só pode ser respondida daqui do futuro com a chegada da internet, do MP3, do streaming e a possibilidade de encontrarmos as canções originais com dois ou três cliques.

Recentemente “Stonewall” foi relançado em vinil duplo, comprei e ouvi o álbum pela primeira vez em mais de 20 anos. Foi revelador, tive a sensação de estar olhando para um farol, um guia rodoviário que me trouxe até aqui mesmo que eu nunca tenha dado o devido credito à ele.

Me parece hoje que, sem eu perceber, as escolhas musicais de Renato Russo me influenciaram à navegar para muito além do rock e pesquisar a poesia do folk e do country dos anos 60 e 70. Me apaixonei por Dylan, Nick Drake (músico de nenhum sucesso que veio a ser redescoberto pela geração do Renato Russo), Emmylou Harris (e Neil Young e Joni Mitchel no unplugged), mas não apenas por eles. Estes eram apenas o topo de uma montanha de cantores e compositores que entregaram o melhor de si em discos autorais que foram completamente perdidos no curso da historia da música pop. É com esses artistas menores que me identifico e me sinto próximo na maior parte do tempo, escrevendo para o vento, para o futuro, para acalmar as coisas em mim mesmo.

Hoje é possível visitar o passado e encontrar informações que preenchem as lacunas em reflexões que tivemos por anos como, por exemplo, as origens de Stonewall. Por baixo de um álbum feito basicamente de violão e piano existiam varias camadas, um discurso existencialista sobre o amor, muito além do assunto do homossexualismo que o titulo do álbum sugere e que deixava a mensagem principal em segundo plano. Em entrevista para a Folha de São Paulo, Renato menciona que o Stonewall surgiu como um contraponto ao ressurgimento do Fascismo no Brasil. Ele já via as coisas que presenciaríamos nos últimos anos neste país e fez um disco sobre amor que resiste ao ódio. “Eu fiz esse disco para mostrar que a gente tem dignidade, que tem pessoas legais trabalhando pelas diferenças. O fascismo é muito perigoso, daqui a pouco se você não for macho, adulto e branco, você está perdido."

Você pode ler a entrevista realizada em junho de 1994 neste link aqui.

[pdj-france]

Robbie Robertson, cinq fois nominé aux Grammy Awards et célèbre auteur-compositeur, chanteur, guitariste et compositeur de films, est décédé, d'après une annonce envoyée par son agence de publicité Costa Communications, Inc à CNN. Il avait 80 ans et est décédé des suites d'une longue maladie.Dans une déclaration, le manager de Robertson depuis 34 ans, Jared Levine, a affirmé "Robbie était entouré de sa famille au moment de sa mort, dont sa femme, Janet, son ex-femme, Dominique, son partenaire Nicholas, et ses enfants Alexandra, Sebastian, Delphine et le partenaire de Delphine, Kenny."Il laisse aussi dans le deuil ses petits-enfants Angelica, Donovan, Dominic, Gabriel et Seraphina. Robertson a récemment terminé son quatorzième projet de musique de film avec son collaborateur fréquent Martin Scorsese, "Killers of the Flower Moon".Le musicien Robbie Robertson, photographié en 2015, est décédé à l'âge de 80 ans. (Evan Agostini/Invision/AP)Né à Toronto, en Ontario, Robertson avait des racines à la fois dans la communauté mohawk de la réserve des Six Nations et dans l'enclave juive du centre-ville de sa ville natale.Il a démarré à jouer de la guitare à l'âge de 10 ans et six ans plus tard, il a rejoint le batteur Levon Helm dans les Hawks, le groupe d'accompagnement de la star du rockabilly Ronnie Hawkins. C'est là que Robertson a reçu son éducation rock 'n' roll, qui inclura éventuellement les futurs camarades du groupe Rick Danko, Richard Manuel et Garth Hudson.Robertson continuerait à jouer avec Bob Dylan durant ses légendaires tournées "Going Electric" en 1965 et 1966.Déménageant à Woodstock en 1967, Robertson et ses compagnons de groupe ont enregistré les "cassettes de sous-sol" révolutionnaires avec Dylan avant de changer leur nom pour The Band et de sortir leur album séminal "Music from Big Pink" l'année suivante. L'album, contenant la chanson classique "The Weight" écrite par Robertson, est toujours considéré comme un point d'inflexion à travers l'histoire du rock.Robbie Robertson, à gauche, et Elvis Costello jouent ensemble sur scène. (PA)En 1969, The Band s'est produit au légendaire Woodstock Festival avant de sortir un album éponyme qui comprenait "Up On Cripple Creek" composé par Robertson et "The Night They Drove Old Dixie Down", tout aussi classique (et très repris).Témoignage de leur nouvelle renommée, The Band est devenu le premier groupe de rock nord-américain à apparaître sur la couverture du magazine Time.D'autres albums ont suivi, dont "Stage Fright" en 1970, "Cahoots" l'année suivante qui comprenait "Life Is A Carnival", et le double live "Rock Of Ages" en 1972."L'année suivante, The Band s'est produit devant ce qui est devenu le plus grand public de concerts de rock de l'histoire avec environ 650 000 personnes au Watkins Glen Festival à New York.Robertson sur scène en 1971. (Michael Putland/Hulton Archive/Getty Images)En 1976, The Band a fait ses adieux à la performance live avec le concert "The Last Waltz" le soir de Thanksgiving. Des invités tels que Dylan, Eric Clapton, Muddy Waters, Van Morrison, Neil Young et Joni Mitchell ont rejoint le groupe au Winterland de San Francisco et le film de concert, réalisé par Martin Scorsese, de même qu'un coffret de trois disques sont sortis en 1978.Le septième et dernier album studio du groupe avec Robertson était "Islands", qui est sorti en 1977. Il a ensuite produit l'album live "Love At The Greek" de Neil Diamond, renforçant leur relation créative puisque Robertson avait dirigé "Beautiful Noise" de Diamond l'année précédente. .Robertson a aussi ouvert la voie en qualité de l'un des premiers rock'n'rollers à s'engager sérieusement dans la musique de film.Il a co-écrit, produit, joué et composé la musique source du film "Carny" de 1979 avec Gary Busey et Jodie Foster. Il continuerait à créer et à produire de la musique pour "Raging Bull" (1980), "King Of Comedy" (1983) et "The Color Of Money" (1986) de Scorsese, qui comprenait "It's In The Way That You Use It". ", co-écrit avec Clapton.

Robertson a travaillé fréquemment avec le réalisateur Martin Scorcese, à gauche. (PA)Robertson a fait ses débuts en solo en 1987 avec son album éponyme, avec les invités Peter Gabriel et U2.L'album comprenait le morceau "Somewhere Down The Crazy River", et a été certifié or, nominé aux Grammy Awards et a remporté plusieurs prix Juno dans son Canada natal.Son deuxième album solo, 1991'a "Storyville", mettait en vedette certains des musiciens les plus respectés de la Nouvelle-Orléans et a remporté deux nominations aux Grammy Awards.En 1994, The Band a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et s'est produit en direct durant la cérémonie.Robertson a poursuivi son travail au cinéma, marquant "Jimmy Hollywood" de Barry Levinson et jouant dans "The Crossing Guard", avec Jack Nicholson et réalisé par Sean Penn. Il a aussi produit l'album de la bande originale de "Casino" de Scorsese.L'ex premier ministre du Queensland décède à l'âge de 81 ansL'artiste a continué à sortir de la musique solo et a rédigé les mémoires à réussite du New York Times, "Testimony", en 2016.Un long métrage documentaire basé sur le livre et intitulé "Once Were Brothers: Robbie Robertson And The Band" a été affiché en première au Festival international du film de Toronto en 2019 et diffusé sur Hulu.En 2019, Robertson a sorti son sixième album studio solo "Sinematic", et son travail avec Scorsese s'est poursuivi avec sa partition originale pour le film "The Irishman".Au moment de son décès, Robertson écrivait ses mémoires de suivi de "Testimony" et venait de terminer la musique de "Flower Moon" de Scorsese avec Leonardo DiCaprio et Robert DeNiro, qui devrait sortir en salles cette année.Au lieu de fleurs, la famille a demandé que des dons soient faits aux Six Nations de la rivière Grand pour soutenir un nouveau centre culturel Woodland.Inscrivez-vous ici pour recevoir nos newsletters quotidiennes et nos alertes d'actualité, envoyées directement dans votre boîte de réception.

[singeratlarge]

HAPPY BIRTHDAY to Lola Albright, drummer Tony Allen, Apollo 11, the Billboard Singles Charts (1940), music aficionado & influencer John Bonato, Tantoo Cardinal, Kim Carnes, Paul Cook, Chris Cornell, Omar Epps, Franz Fanon, Tim Ferriss, Jem Finer, Radney Foster, Mort Garson, Stone Gossard, Saginaw Grant, Sir Edmund Hillary, Sally Ann Howes, Iron Butterfly’s 1968 IN-A-GADDA-DA-VIDA album, Buddy Knox, John Lodge, Mick MacNeil (Simple Minds), Cormac McCarthy, Gregor Mendel, Sandra Oh, Petrarch, Diana Rigg, T.G. Sheppard, the 1961 musical STOP THE WORLD I WANT TO GET OFF, songwriter Cindy Walker, Natalie Wood, Dennis Yost, and the visionary guitarist and band-leader Carlos Santana. His music has been in my orbit ever since I saw Santana’s sizzling performance in the WOODSTOCK movie. I marvel at his fusion of Latin and world music, jazz, psychedelic rock, and pop, and he’s King of the Long-Sustained Note, milking the full potential of a tone. I didn’t grasp the depth of his music till recent years, amplified because I now live in the San Francisco neighborhood where Santana grew up and I worked with musicians who’ve played with Santana. 

In 2009 I was honored to participate in a Santana tribute concert produced by The Uptown Music Collective, performing Santana’s arrangement of “Oye Como Va.” Because of the song’s American, Cuban, Mexican, and Puerto Rican roots, it’s now a badge of interconnectedness and hybridity for Latin music in the USA and beyond. Here we are performing it at the Community Arts Center in Williamsport PA—with “more cowbell” and superb lead guitar by Scott Francis. Meanwhile, thank you Carlos for your years of music-making and bringing people together.

#Santana #CarlosSantana #TitoPuente #Cuba #Mexico #birthday #Latinmusic #worldmusic #jazzfusion #Latinpop #UptownMusicCollective #WilliamsportPA #DavidBrumbaugh #CommunityArtsCenter #oyecomova #chacha #mambo #chancullo #israelcachaolopez #cachao #morecowbell #cowbell #guitar #scottfrancis #xavier

[ousontlesfemmes]

Ethel Cain

Ethel Cain, de son vrai nom Hayden Silas Anhedönia, est une chanteuse et compositrice américaine. Sa musique aborde des thèmes nostalgiques et gothiques, comme la mort, la violence domestique et les traumatismes transgénérationnels. 

Elle a grandi dans le comté de Taylor, en Floride. Son père étant diacre, elle a été impliquée dans une chorale dès son plus jeune âge. Elle a aussi appris à jouer du piano très tôt, et a rejoint un groupe de théâtre musical qui a suscité son intérêt pour la musique. 

Elle a annoncé son homosexualité à 12 ans avant d’annoncer qu’elle est une femme transgenre pour son 20ème anniversaire. 

C’est en 2017 qu’elle commence à créer de la musique grâce à l’application Garage Band. Elle publie ses créations sur Twitter et Instagram, sous les pseudos de White Silas et Atlas. Elle sort ses deux premiers projets, Colossus et ArcaneVessels. 

En 2019, elle sort son premier single intitulé Bruises et son premier EP sous le nom de Cain. La même année, elle assure la première partie du concert de Nicole Dollanganger à Chicago. 

En janvier 2020, sur recommandation de Wicca Phase Springs Eternal, Cain a été découverte par le rappeur Lil Aaron. Alors qu'elle était en tête d'affiche d'un spectacle avec Edith Underground et Lil Bo Weep à Los Angeles, Cain a été invitée par Aaron à rencontrer sa société d'édition Prescription Songs et a signé avec eux peu de temps après.

Après le début de la pandémie de COVID-19, Cain est restée confinée à son domicile. En août 2020, elle a déménagé de Floride dans une église près de Richmond, dans l'Indiana, où elle a terminé l'enregistrement de son premier EP en tant qu'artiste non indépendante, intitulé Inbred. L'EP, entièrement écrit, produit et mixé par Cain, représentait un changement par rapport au son dream-pop plus lourd de Golden Age, et une avancée vers un son plus propre, inspiré du rock alternatif.

En février 2021, Cain a sorti son premier single sous le nouveau contrat d'édition, intitulé Michelle Pfeiffer en featuring avec Lil Aaron. La chanson a été présentée en avant-première dans Paper et a été présentée dans Pitchfork, Billboard, Nylon et The Fader. Elle a annoncé son troisième EP intitulé Inbred, avec une collaboration avec Wicca Phase Springs Eternal. Un deuxième single, Crush, est sorti le 18 mars, suivi d'un troisième, Unpunishable, en première sur Apple Music Radio 1 avec Zane Lowe le 15 avril 2021.

Le 17 mars 2022, Cain a sorti le single Gibson Girl, annonçant son premier album Preacher's Daughter, sorti le 12 mai 2022. L'album a été publié sous son propre label Daughters of Cain et comprend treize chansons. 

Top 3 des chansons préférées de l’auteur·e de cet article : 

A House in Nebraska (Preacher’s Daughter) 

Gibson Girl (Preacher’s Daughter) 

Ptolomeae (Preacher’s Daughter) 

Fun fact :

Elle a failli participer à l’émission America’s Got Talent en décembre 2019. 

SOURCE : Wiki  CRÉDIT IMAGE : PAS TROUVÉ

[unreveoccasionnel]

LA TOILE

Deyn n’a pas dormi depuis trois jours. La semaine a été rude. Le travail, sa récente séparation et cette toile qui l’obsédent. Le monde sort progressivement de la torpeur hivernale. Les premières feuilles ornent timidement les branches dénudées par l’hibernation de la végétation. Les griffures noires sur fond blanc s’effacent du paysage de gravure monochrome, laissant place aux couleurs printanières enveloppant l’atmosphère d’une de toile de Monet. L’artiste retrouve le plaisir de la solitude. Une brise fraîche lui caresse la nuque tandis qu’il se tient debout, imperturbable au dessus de son œuvre : un puzzle de couleurs et de courbes dansant sur un fond bleu-nuit, telle une nébuleuse à l’aube de sa création. Une étoile est morte libérant l’espace pour une entité plus vaste, plus profonde, plus lumineuse et expansive. Méditer sur les derniers événement survenus dans son existence, Deyn n’en a pas envie. A quoi bon ? Il ne veut pas gâcher son énergie à se remettre en question. Quelque chose de plus intense lui prend les tripes. Il doit l’exprimer. Seul, au milieu du royaume bitumineux de cet immense terrain vague, ces peintures, cette toile à ses pieds, il a la sensation de vivre un moment hors du temps. Les balbutiements d’un univers inexploré lui chuchotant ses premiers émois.

Le soleil descend sur l’horizon. La luminosité commence à manquer. Gilmore doit rentrer. Le crépuscule monte doucement, enveloppant le monde de son voile bleu argenté. Ses mains et ses vêtements maculés de peintures, le pans de lin à l’arrière de sa voiture, il éprouve une satisfaction emprunte d’une légère frustration. Il reste beaucoup à faire. Son œuvre n’est pas aboutie. Cependant il émane d’elle une promesse mystérieuse, une lucarne sur une dimension différente, dont il serait la clef. Sa frustration grandit à mesure qu’il s’approche de chez lui. Demain, après le travail, il devra racheter de l’acrylique et n’aura donc pas le temps de continuer son ouvrage.

La lune brille au dessus des bâtiments entourant le terrain. Le temps semble n’avoir aucun impact sur l’atelier improvisé de Deyn. Comme une image figée sur un écran. Une ombre surgit de nulle part traverse soudain la friche. La silhouette tourne quelques instants autour des traces laissées par l’artiste à l’endroit où il peint, puis disparait aussi soudainement qu’elle est apparue.

Une pluie battante s’acharne sur le pare-brise du véhicule de Gilmore qui rentre de l’usine, déçu de ne pouvoir continuer sa création. Deux jours se sont écoulés depuis qu’il a racheté de la peinture. Le climat ne semble pas vouloir s’appaiser. L’ambiance a été tendue au boulot, ce matin-là. Deyn, pressé de rentrer se reposer, a de plus prévu d’aller au Domino Sugar. Son groupe préféré y donne un concert ce soir-là dans le cadre de sa tournée européenne, pour la sortie de son nouvel album. Le goût amer laissé par la pression au travail s’atténue à l’idée de se détendre en écoutant du bon son, avec une bonne bière et quelques bons amis d’enfance. Domino Sugar, cette vieille fabrique de tissus transformée en pub-theater accueille la scène musicale de tous horizons. Son atmosphère particulière et chaleureuse où les stars se fondent dans la masse de fans, en toute simplicité. Un endroit où la célébrité retrouve son humanité, où le public se sent privilégié.

Oswin Osborne, chanteuse et leader du music-band Wild Anarchist adore mélanger les genres. Elle est particulièrement fière de leur troisième album. Un mix audacieux de Reggae et de space rock. Surprenant.

La foule est chaude ce soir-là. La jeune femme se sent quelque peu nerveuse de présenter son dernier « bébé ». Elle n’en est pas à sa première tournée. Cependant, cette fois-ci, Oswin se retrouve « de l’autre côté du miroir », nerveuse de jouer sur la scène mythique qu’elle a toujours rêvé de fouler. La jeune femme ayant passé son adolescence à fréquenter cet endroit à l’aura magnétique. Le public scande le nom de son groupe. Osborne se jette sous les projecteurs.

Deyn sirote sa bière, sourire aux lèvres. Une bonne soirée depuis longtemps bien méritée. Les Wild Anarchist se sont déjà produits sur les scènes les plus populaires du Royaume Uni, mais Gilmore vivait en Nouvelle Zélande, à cette période. Quelle surprise qu'à son retour à Edimbourg son groupe préféré donne un concert au Domino Sugar. Ce lieu mythique qui marqua la jeunesse de tous ceux de sa génération.

[lesombresdeschoses]

L'EVASION

Cette espèce d'idée de Paris « cité de la romance » que se font les étrangers sur la capitale de France... non, Paris c'est populo, Paris c'est joyeux, Paris c'est simple, Paris c'est intime... Le meilleur moment c'est tôt le matin, quand on prend son petit déjeuner après une longue balade nocturne dans les rues sinueuses de la ville... ou le retour du soleil après une pluie battante... la lumière redessine la silhouette des bâtiments et des ruelles mouillées. C'est magique ! Paris c'est un tête à tête avec le mystère d'une « vieille dame » en perpétuel changement... Pour les touristes aventureux seulement, pour ceux qui y vivent c'est une taule.

Lawrina prend le soleil à la terrasse d'un bistrot gastronomique en compagnie du patron. Un bel homme châtain, grand, fin, au visage sculptural. Il est sept heures du matin, il y a peu de clients, Lawrina Mortensen et Alexander Hennelly refont le monde.

— La musique, c'est mort. Le rock, c'est mort. Aujourd'hui c'est de l'indus et de la guimauve en boite ! Je suis obligé de me retaper les années 60-70 et quelques groupes des années 1980, si je veux écouter du bon son…

Alexander est agacé, la musique est un sujet épineux.

— Pink Floyd... ils font toujours des concerts ! David Bowie, tu oublies le meilleur, des meilleurs, quand même ! Il produit toujours ! Et du bon son.

— Tu me cherches Lawrina, lui répond Alex, sourire en coin.

Ce petit manège de séduction dure depuis quelques jours. Law aime cette vie normale, sans serial killer, sans inspecteur dépressif qui enchaîne les strip-teaseuses.

Syndrome du sauveur ou peur de s'engager ? Sans doute les deux.

Pas d’associée hystérique qui la gonfle à se prendre pour sa mère... Une existence normale. Une existence simple où l'on peut draguer un beau garçon. Avoir des conversations légères. Parler d'art, de musique. Passer ses après-midis dans les musées. Profiter d'un concert de Wild Anarchist - en tournée dans toute l'Europe, aujourd'hui à Paris - en compagnie de son nouvel amant... La vrai vie.

Law, plongée dans ses pensées, regarde intensément Alexander. Gêné, il lui demande :

— Tout va bien ?

— Oui. Je te trouve magnifique. Elle lui passe la main dans les cheveux et reprend : la musique n'est pas décédée, on a «Wild Anarchist» ! En plus c'est un groupe de Glasgow, comme toi.

— Je viens de Belfast.

— Mais t'as grandi à Glasgow.

— Effectivement.

— Irlandais, c'est pour ça !

Le jeune homme la regarde, ne comprenant pas sa réflexion. Law fait une petite grimace, l'air de dire : « laisse tomber », se rapproche de lui, puis l'embrasse.

Il faut en profiter temps que c'est possible, tout ceci ne durera pas.

Étrangement, son psy commençait à lui manquer. Ces séances lui faisaient du bien. Mortensen commençait à recouvrer la mémoire, des souvenirs perdus après son accident. Mais elle ne voulait pas partir.

Non je n'ai pas envie de quitter Alex, d'autant que je le connais depuis longtemps... Enfin, longtemps... Si avoir rencontré quelqu'un dans ses rêves peut être considéré comme une véritable rencontre. Quand je me suis installée à la terrasse de son petit restaurant, je l'ai reconnu aussitôt, lorsqu'il est venu me servir. Lui aussi semblait m'avoir déjà vu quelque part. Je ne pouvais cependant pas lui dire... J'ai parfois l'impression de rêver la vie d'une autre, comme si j'étais dans sa tête.

[frankloko]

No dia 27 de março de 1960 nascia, no Rio de Janeiro, Renato Russo, vocalista, baixista, compositor e líder da banda Legião Urbana, que fez muito sucesso nos anos 80 e 90. Ainda quando criança, Renato Russo deixou a capital fluminense e passou um curto tempo com a família em Nova York. A partir dos nove anos, viveu em Brasília. Na Capital Federal, fez parte da banda Aborto Elétrico, entre 1978 e 1982. Depois, integrou a Legião Urbana, onde gravou nove discos e permaneceu até sua morte. Renato Russo também realizou três trabalhos solo: The Stonewall Celebration Concert, Equilíbrio Distante e O Último Solo. À frente da Legão Urbana, ele se consolidou como um dos mais influentes músicos do rock nacional e deixou clássicos como “Será”, “Geração Coca-Cola”, “Que País é Este?”, “Eduardo e Mônica” e “Faroeste Cabloco”. Para alguns fãs, a paixão e a veneração pela banda chegava a ter um tom messiânico, sendo que alguns a chamavam de Religião Urbana. Renato Russo, contudo, sempre rejeitou este status. O líder do grupo morreu no dia 11 de outubro de 1996, no Rio de Janeiro, vítima de complicações da AIDS. Foto: Internet info: history.uol.com.br Colorização: @coresdopassado1 • • • • • #renatorusso #renatorussoeterno #renatorussofrases #renatorussoomusical #renatorussovive #renatorussopoeta #legiaourbana #legiãourbana #geraçãococacola #colorization #colorização #coloring #colorizationphotos #colorización #redeglobotv #restauracaodefotos #colorizaçãodigital #restauraçãofotográfica #brasil #brazil #brasil🇧🇷 #portugal🇵🇹 #deutschland🇩🇪 #germany🇩🇪 #argentina🇦🇷 #italy🇮🇹 #france🇫🇷 (em Brazil) https://www.instagram.com/p/CqTXVV9JPKl/?igshid=NGJjMDIxMWI=