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Notation

Bonjour à toutes et tous, comme évoqué lors du dernier cours, et n'occupant plus mes fonctions au sein de l'association SIANA, les notes ne pourront vous être communiquées qu'à compter du 10 mai.

Mme Lucas, administratrice de production actuellement à SIANA, n'aura les notes qu'à partir du 10/05, et c'est elle qui sera en charge de la surveillance des examens de rattrapages de juin.

Mme GIRAUX

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Quand Big Brother inspire l'Art Numérique

"1984" Inspire l'Art Numérique : Exploration des Thèmes de Surveillance et de Résistance

Le monde décrit par George Orwell dans son roman "1984" révèle une société terrifiante où la surveillance omniprésente et la manipulation de l'information sont utilisées comme outils de contrôle. Alors que nous sommes confrontés à des défis similaires dans notre propre société, des artistes numériques contemporains ont pris le relais pour explorer ces thèmes complexes à travers leur art. On se demande donc :

Comment les artistes contemporains utilisent-ils leur art pour explorer les thèmes de surveillance et de résistance, tels que présentés dans le roman dystopique "1984" de George Orwell, et comment ces œuvres résonnent-elles avec notre réalité moderne ?

1. La Surveillance Comme Outil de Contrôle

Dans "1984", la surveillance est utilisée par le gouvernement pour maintenir son pouvoir sur la population. Cette thématique résonne fortement dans notre société actuelle, où la technologie de surveillance devient de plus en plus sophistiquée. Un exemple frappant est celui de **Trevor Paglen**. Son œuvre "The Other Night Sky" cartographie les satellites gouvernementaux secrets, révélant ainsi l'étendue de la surveillance dans notre ciel. Cette installation immersive invite les spectateurs à réfléchir sur l'invisibilité de la surveillance qui nous entoure.

2. Manipulation de la Réalité et Dissimulation de la Vérité

La manipulation de la réalité et la dissimulation de la vérité sont des éléments clés de "1984". Dans notre ère numérique, ces concepts prennent une nouvelle dimension. L'épisode "Haine virtuelle" de la série "Black Mirror" offre un aperçu saisissant des dangers de la manipulation de l'information et de la réalité augmentée. **James Bridle** explore également ces thèmes, mettant en lumière les risques de la désinformation et de la manipulation numérique dans ses œuvres. Son projet "Dronestagram" utilise des images satellites pour révéler les lieux de frappes de drones, mettant en lumière la dissimulation de la vérité dans un monde hyper-connecté.

3. Expression Individuelle et Résistance

Malgré la répression dans "1984", le protagoniste Winston Smith cherche à préserver son intégrité et son autonomie. Dans notre société actuelle, où la surveillance est omniprésente, l'expression individuelle devient un acte de résistance. L'œuvre "How Not to Be Seen" de **Hito Steyerl** incite les spectateurs à réfléchir sur leur propre rapport à la surveillance et à la visibilité en ligne, offrant ainsi une perspective critique sur notre société numérique. Cette installation interactive encourage les participants à explorer les moyens de rester invisibles dans un monde où la visibilité est souvent synonyme de vulnérabilité.

En explorant ces thèmes à travers l'art numérique, ces artistes offrent des perspectives profondes sur les enjeux contemporains de la surveillance et de la résistance. Leur travail rappelle aux spectateurs l'importance de la vigilance et de la résistance contre les abus de pouvoir, tout en offrant des espaces de réflexion et d'expression dans un monde de plus en plus surveillé et contrôlé.

À travers leurs œuvres, ces artistes continuent le dialogue entre la fiction dystopique de "1984" et notre réalité numérique, offrant ainsi des réflexions critiques sur notre société moderne.

Gachi Anissa

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L'art engagé et crise climatique

Dans un contexte où la crise climatique menace de devenir la plus grande menace pour notre génération, une collaboration inédite entre Ken Bromley Art Supplies et Lacuna 5 émerge pour sensibiliser à cette urgence cruciale à travers le pouvoir de l'art. À travers des images générées par intelligence artificielle, les deux entités proposent une vision saisissante de la façon dont les grands artistes de l'histoire pourraient représenter les enjeux environnementaux contemporains, allant de la déforestation à la pollution plastique et à l'élevage intensif.

Cette initiative, menée dans le cadre du sommet COP26, vise à renforcer la conscience collective sur les défis climatiques tout en inspirant l'action citoyenne pour protéger notre planète. En associant les noms renommés d'artistes tels que Van Gogh, Yayoi Kusama ou Claude Monet à des œuvres d'art uniques générées par intelligence artificielle, Ken Bromley Art Supplies et Lacuna 5 parviennent à créer un dialogue visuel percutant sur l'urgence climatique.

À travers cette collaboration, les deux entités démontrent comment l'art peut transcender les frontières traditionnelles pour devenir un puissant vecteur de sensibilisation et d'action face à la crise climatique. En unissant leurs forces, elles offrent une nouvelle perspective sur les enjeux environnementaux et appellent à une mobilisation collective pour protéger notre planète pour les générations futures.

Cette démarche innovante illustre également comment l'intelligence artificielle peut être utilisée pour amplifier le message environnemental à travers l'art. En imaginant comment des artistes emblématiques du passé pourraient représenter la crise climatique si ils étaient parmi nous aujourd'hui, cette collaboration offre une réflexion profonde sur notre responsabilité collective envers la planète.

Dans un monde où l'urgence climatique devient de plus en plus pressante, des initiatives comme celle-ci nous rappellent le pouvoir de l'art à catalyser le changement et à inspirer des actions significatives. Ken Bromley Art Supplies et Lacuna 5 nous montrent que chaque contribution, aussi petite soit-elle, peut faire une différence dans la lutte pour un avenir plus durable.

https://www.designboom.com/art/ai-generated-paintings-famous-historic-artists-would-illustrate-climate-crisis-11-27-2022/ (consulté le 28/03/24)

Clara BAPTISTA

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La génération Z VS les préjugés de son époque sur le ring de l’art numérique.

Dans un monde imprégné de préjugés et de stéréotypes, la génération Z émerge comme « la génération du changement » naissant à l’époque de la technologie, elle use d’un art qui la représente ; l'art numérique comme un moyen puissant de défier les normes et de remodeler les perceptions. À travers une combinaison de créativité, technologie et d'engagement social, cette génération repousse les limites de l'expression artistique pour aborder les questions sociales et culturelles de son époque.

Ici, nous explorerons comment la génération Z utilise l'art numérique comme une plate-forme de protestation, de réflexion et de résilience contre les préjugés persistants dans la société actuelle.

L’Usage bénéfique de l’art numérique et la technologie par les jeunes.

Très souvent, le premier préjugé donné par les générations passées revient à « Les jeunes ne savent plus quoi faire aujourd’hui à force d’être sur leurs écrans », « Les jeux vidéos ne servent à rien, appart les rendre violents ! » en plus d’être redondants, ces préjugés sont facilement réfutables. On oublie fréquemment que l’art n’a pas de limites et s’étend au fil du temps, l’art peut être numérique et cela est très convenable même si certains ont du mal à l’accepter : les jeux vidéos rentre dans la catégorie d’art numérique et contemporain. En effet, pour le créateur comme les utilisateurs les jeux vidéos sont un moyen de s’exprimer avec beaucoup de créativité, de nombreux jeux vidéos ont une conception virtuelle et auditive digne d’une œuvre d’art, certains sont construits autour d’une narration élaborée. Comme devant un tableau du Musée du Louvre, de nombreux jeux nécessitent une réflexion particulière. Par ailleurs, des scientifiques et des enquêteurs ont prouvé ces faits et trouvent que «  la pratique de jeux vidéo d’action modifie tout un ensemble de capacités visuelles » (selon le magazine Sciences Humaines.)

Caricature provenant du site papynet.eklablog.com.

D’autres aspects positifs de la technologie sont remarquables. En effet, il est important de rappeler l’importance des nouvelles technologies, aujourd’hui utilisées banalement, mais qui permettent notre évolution culturelle chaque jour. Que ce soit avec des moteurs de recherche ou les réseaux sociaux, la jeunesse peut apprendre davantage et de manière bien plus rapide. 

(Et oui ! même les réseaux sociaux comportent des avantages !😲)

Image provenant du site suivant Soiocal.com.

Pour reprendre le préjugé suivant ; « Les jeunes ne savent plus quoi faire aujourd’hui à force d’être sur leurs écrans » contrairement aux anciennes générations, les jeunes d’aujourd’hui bénéficient d’un accès instantané à une abondance de ressources éducatives sur des plateformes comme YouTube ou TikTok, ce qui leur permet d'apprendre rapidement grâce à des tutoriels (à noter que ces tutoriels, comme les jeux vidéos, permettent davantage le partage et la communication entre les jeunes.) Par ailleurs, contrairement aux méthodes d'apprentissage traditionnelles, les vidéos sur YouTube offrent une expérience immersive et interactive, permettant aux jeunes de visualiser et de comprendre facilement des concepts complexes grâce à des démonstrations visuelles et des explications claires.

Quelques exemples de tutoriels vidéos se trouvant sur Youtube.

Nous avons pu voir que l’art numérique, et donc l’usage de la technologie, ont permis à la jeunesse une évolution et un soutient intellectuelle. Mais nous allons aussi préciser l’importance de cet usage comme soutient morale pour les jeunes. La technologie permet aux jeunes de rester connectés avec leurs pairs, leur famille et leur communauté, même à distance. 

Cette connectivité sociale peut jouer un rôle crucial dans le maintien du bien-être mental en offrant un soutien émotionnel et en réduisant le sentiment d'isolement. Pour émettre un exemple concret, la crise de la covid 19 a réellement impacté la santé mentale des adolescents et l’utilisation des réseaux sociaux, des jeux vidéos, mais également le visionnage de films et séries ont permis aux jeunes de se sentir moins seuls et de maintenir une stabilité mentale. Comme appuie, vous pouvez trouver des témoignages d’adolescent qui explique comment ils ont dû vaincre la solitude ressentit durant cette période.

Vidéo TikTok du compte officiel du journal Brut.

Cependant, la génération Z sait-elle user des bienfaits de la technologie en étant consciente de ses dangers ?

Encore une fois, nous allons combattre les préjugés sur la génération future !

Cette fameuse génération Z s’est développée et a grandi à l’ère de la technologie, elle est donc très consciente des menaces potentielles pouvant être associées à une utilisation excessive de la technologie. Ce groupe de jeunes dispose d’une vaste gamme d’appareils numériques depuis leurs premières années, acquérant ainsi une compréhension approfondie des dangers qui accompagnent une utilisation non réglementée. Ils connaissent la dépendance aux écrans ainsi que le cyber-harcèlement qui existe sur les plateformes Internet, ainsi que de nombreux autres aspects négatifs comme la perte de vie privée et la surexploitation des médias sociaux, pour n'en citer que quelques-uns. 

La prise de conscience autour de ce problème a amené de nombreux membres de la génération Z à considérer la technologie de manière réfléchie et équilibrée, en visant à maximiser ses avantages tout en minimisant les risques. Certains vont même user de ces technologies afin de montrer qu’ils sont conscients des répercussions tout en faisant de la prévention pour ceux qui ne seraient pas assez conscient des risques (après tout, si il y a bien des personnes qui seraient aptes à prévenir sur les dangers de ces technologies sont ceux qui le maîtrise et le vivent !)

Quelques extraits de la musique « Réalité augmentée » de Nekfeu issu du site azlyrics.com.

De nombreux autres artistes du monde de la musique vont décider de militer à l’aide la technologie musicale et de leur talent pour dénoncer les enjeux de celle-ci. Actuellement, le danger qui pèse sur l’industrie de la musique est l’IA. De jeunes artistes tels que Billie Eilish, Nicki Minaj, Katy Perry, Camila Cabello, Elvis Costello, Imagine Dragons, Jonas Brothers, Pearl Jam et bien d'autres appelle directement les entreprises technologiques et les plateformes musicales à cesser « cesser d'utiliser l'intelligence artificielle (IA) pour enfreindre et dévaloriser les droits des artistes humains » selon le site phonandroid.com.

Article provenant du site phonanandroid.com.

Par ailleurs, la génération Z, sans parler d’artiste reconnu mondialement, exploite l'art numérique comme un puissant outil de prévention en créant des campagnes de sensibilisation comme des affiches faites d’un design numérique, ou bien des réels œuvres d’art comme des dessins en 2D/3D qui sert à dénoncer et sensibiliser. C’est également en construisant des communautés de soutien en ligne, par exemple, les réseaux sociaux qui permettent aux jeunes de faire perpétuer leur passion. Sur TikTok, il y a la communauté des « booktok » c'est-à-dire ceux qui aiment lire et se retrouve pour en discuter, mais également pour créer, écrire leur propre roman.

En conclusion, la génération Z se positionne dans la lutte contre les préjugés envers leur époque à travers l'expression artistique sur les plateformes numériques tout en essayant de ne pas négliger les méfaits de celle-ci. Leur utilisation créative de l'art numérique ébranle les fondements des normes sociales discriminatoires et met en lumière les avantages saisissant de la technologie. De plus, les jeunes savent que c’est en s’encouragent et en se soutenant que la prévention peut fonctionner, et ainsi, l’utilisation de la technologie peut être utilisé de manière élaborée et intelligente. L’art numérique peut permettre d’user des nouveaux moyens que nous offre notre époque tout en s’inspirant des créations passées pour leur permettre de se perpétuer.   

Rédigé par Lilya Bensaada.

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Artiste ? Robot ? Comment au cœur de l’art la technologie se fait une place ?

Les recours des nouvelles technologies au cœur de l’art se fait une grande place, effectivement dans un monde hyperconnecté la place de la technologie dans l’art se fait de plus en plus ressentir. Utilisé le plus souvent dans les œuvres, elle est presque maintenant indispensable, et surtout permet une plus grand ouverture dans celle-ci, elle est le plus utilisé dans l’art contemporain, et souvent critiqué par les grands artistes qui considère que l’utilisation abusive de celle-ci fait perdre toute l’authenticité des œuvres.

Même si les avis sont très divisés, ici dans cet article je vais aborder le sujet de la technologie sous une nouvelle forme et un nouvel aspect mêlant la technologie et l’art sous un nouvel point de vue, celle de l’art contrôlé par la technologie.

Je vais donc parler de AI DA, une artiste différente des autres, qui mêle l’art et la technologie dans un renouveau.

AI DA est une artiste robot basé sur l’intelligence artificielle (IA), plus précisément, Ai-Da est une gynoïde (robot humanoïde sous l’apparence d’une femme), achevée en 2019 qui intègre des algorithmes issus de l'infographie et de l'intelligence artificielle et qui réalise des dessins, de la peinture et des sculptures. Equipé d’un algorithme, elle intègre des œuvres déjà réalisé et crée à partir de celle-ci ses propres œuvres.

Pour réaliser ses œuvres, Ai-Da regarde d’abord ce qui se trouve devant elle grâce aux caméras qui se cachent dans ses yeux, l’intelligence artificielle développée par les scientifiques des universités d’Oxford et de Leeds (Royaume-Uni) interprète ensuite cette image pour envoyer des ordres à son bras robotisé, sa main se met à bouger petit à petit pour créer une image qu’on peut jamais prédire à l’avance.

Portant le nom de Ada Lovelace, qui était une grande mathématicienne, informaticienne, programmeuse, mais qui malheureusement par son statut (noblesse) et son genre ne fut jamais reconnu de son temps, notre gynoïde conçu par le professeur/directeur de la BARN GALLERY AIDAN MELLER,  peut donc peindre, sculpter, dessiner et même écrire, tout ça grâce a une grande panoplie de données qui sont intégrées puis remanier pour créer de nouvelle œuvres.

Mais quel est donc le but de cela ? Que permet-il de comprendre ?

Il faut savoir que les œuvres que conçoit notre robot, permet de s'interroger sur le rôle de l’IA dans l’Art, et même si cela parait très paradoxale elle est réellement la personnification de l’Art et de la technologie, et surtout elle permet de créer un pont entre notre monde et celui de l’IA, "Nous voulions explorer les usages et les abus de l’IA aujourd’hui, parce que nous sommes préoccupés par la prochaine décennie qui arrive brutalement et les questions éthiques qu’elle pose", explique Aidan Meller à l’agence Reuters, lorsque l’on lui demande le but de cette humanoïde en tant qu’artiste.

Lorsque l’on demande l’avis de Ai Da sur la question de l’utilisation des technologies dans l’art, elle répond ainsi : "Les nouvelles technologies peuvent être source du meilleur comme du pire. Tenter de freiner leur utilisation négative est une grande responsabilité dont nous devrions tous prendre notre part."

Je vais donc vous présenter certaines de ses ouvres qui vous permettront de comprendre un plus l’art de cette artiste.

Ses œuvres sont un peu partout, répartis dans le monde entier et notamment exposées a « la biennale du design » à Londres.

Ai Da a déjà à son active plusieurs autres expositions faites, donc notamment celle dont nous allons parler, « Portrait of a Robot », cette exposition soulève plusieurs questions, mais revient toujours à celle du début, l’Art et la technologie, effectivement dans cette exposition on a donc un paradoxe entre le mot « moi » et le mot « portait », comment un robot, qui n’a pas de conscience peut avoir un « moi » ?

Et bien justement cette exposition permet se faire un avis à chacun, tandis que certains pourront trouver cela totolement normal d’autres diront qu’ils trouvent cela très étonnant et surtout pas très commun, ce qui est le but rechercher car à travers ces questionnements on permet aux humains de comprendre un peu plus cette grande place qu’a pris la technologie et comment elle modifie nos sens et nos perceptions.

Voici quelques ouvres de cette exposition que vous pouvez voir dans cette vidéo :

Pour conclure, je dirais que le plus important est de s’informer, je pense que vous devriez chacun vous faire votre avis, en étudiant le sujet par vous-même pour vous faire votre propre avis et surtout de comprendre le but de cette grande œuvre, car oui n’oublions pas que avant d’être une artiste, Ai Da est d’abord avant tout une œuvre, elle permet de comprendre de l’impact de la technologie dans l’art mais elle est avant cette même technologie dans son Art.

Je pense que le fait de nous montrer l’impact de celle-ci par un artiste robot permet de mieux comprendre, si nous arrivons a créer des robots capable de si grande choses en ayant seulement une base de données sur l’art comment savoir comment si la technologie ne va pas prendre contrôle de tout l’humanité ? Et bien il ne faut pas oublier sans humains cela n’est pas possible, alors n’ayant pas peur, cela ne se passera surement pas comme ça.

Malgré tout je pense que sans la technologie beaucoup d’œuvres n’aurait pas pu voir le jour, elle est avant tout primordiale et prend une grande place dans notre monde, que ca soit dans le monde de l’art ou dans la vie de tous les jours.

Elodie Aktil.

sources :

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L'Art robotique , un renouveau de la créativité contemporaine

 

Pour le thème "Art et numérique", j'ai choisi comme sujet l'Art robotique. L'Art robotique désigne ici l'utilisation de robots ou d'autres objets électroniques afin de parvenir à une création artistique. J'ai choisi d'aborder plus précisément les robots, car je trouve que cela était en parfaite concordance avec le thème. De ce fait, c'est à partir des années 1960 et 1970 qu'a émergé l'utilisation robotique. Les pays notamment à forte utilisation du numérique sont le Japon et les États-Unis. Afin d'illustrer l'Art robotique, j'ai décidé d'évoquer différents artistes : Sun Yan et Peng Yu, Paul Tresset, et Charlie Brooker. Tout d'abord, Sun Yan et Peng Yu sont deux artistes chinois qui aiment transmettre leur art à travers l'utilisation du numérique et des médias. Par la suite, Paul Tresset, quant à lui, est un artiste bruxellois qui aime utiliser les robots pour démontrer les évolutions technologiques et leurs atouts. Enfin, nous avons Charlie Brooker, scénariste et animateur britannique, connu notamment pour sa célèbre série "Black Mirror". 

Nous pouvons ainsi nous demander : en quoi l'Art robotique permet-il un enrichissement et un engagement de l'Art contemporain ? 

Dans un premier temps, nous avons les artistes Sun Yan et Peng Yu. Ils ont réalisé une œuvre très célèbre à New York, nommée "Can't Help Myself", signifiant en français "Peux pas m'en empêcher". Cette œuvre célèbre nous présente un robot se situant dans une pièce en verre, qui balaye un liquide de couleur rouge. Les auteurs ont voulu démontrer à travers cet instrument robotique la surveillance des populations dites "incontrôlables". Le liquide rouge ferait ici référence à du sang, et le robot aux instruments numériques.  

Ce que j'aime beaucoup dans cette œuvre, c'est le message qu'elle renvoie. Elle permet de montrer la dépendance de l'homme et de notre société aux outils numériques. L'être humain devenu accro aux nouvelles technologies ne pourrait presque plus vivre sans cela. On constate ici une perte de contrôle avec une impression de tourner en boucle face aux évolutions technologiques croissantes. Je trouve ainsi cette œuvre très enrichissante et constructive. Cela nous permet notamment de réfléchir sur les conséquences du numérique et les évolutions futures. 

Nous avons ensuite la seconde œuvre qui est tout aussi enrichissante. 

En effet, par la suite, nous pouvons évoquer le robot "Paul". C'est également ici une œuvre très célèbre réalisée par Paul Tresset. Paul est ici un instrument robotique qui réalise des portraits sur papier.  

https://www.ouest-france.fr/normandie/calvados/paul-un-robot-qui-vous-dessine-bien-4329774

Ce que j'aime beaucoup dans cette œuvre, c'est que c'est assez troublant. On a en effet l'impression d'être face à un véritable être humain, notamment grâce à la créativité que Paul renvoie. On remarque également que l'auteur a donné son propre prénom à sa création robotique, donnant l'impression que ce serait lui, mais dans une autre dimension, autrement dit sous un autre angle. Il permet de fonctionner grâce à une caméra qui va venir scanner les visages à illustrer, puis un algorithme qui va donner l'ordre à Paul. J'ai ainsi choisi cette œuvre qui, pour moi, permet de présenter les effets positifs des nouvelles technologies. On comprend ici l'évolution majeure et grandiose de la technologie. De ce fait, le robot serait presque prêt à surpasser l'homme dans tous les domaines. On verrait ici comme un clone humain. La créativité et l'inspiration seraient ici d'une folie sans nom. On remarque ainsi que l'homme peut utiliser les nouvelles technologies à son avantage, en exprimant sa créativité et en apportant une nouvelle réflexion et une nouvelle autonomie à l'Art. C'est ici une interaction assez spéciale et surprenante entre l'homme et le numérique. 

Puis nous avons aussi une œuvre qui exprime d'autres aspects de l'Art robotique. 

Finalement, la série dystopique "Black Mirror" de Charlie Brooker. De ce fait, cette série nous démontre un monde parallèle au nôtre, avec l'utilisation numérique. J'aimerais évoquer notamment l'épisode 5 de la série intitulé "Metalhead", signifiant "tête en métal". Dans cet épisode, nous remarquons notamment des robots, qui sont des chiens de couleur jaune, qui ont été créés pour surveiller, traquer et tuer les humains. Ce serait ici un épisode symbolisant le désespoir total, mais qui démontre la volonté de s'en sortir. 

Ce que j'ai beaucoup aimé dans cet épisode, donc dans cette œuvre, c'est que cela permet de démontrer les conséquences du numérique sur notre société. Comme pour la première œuvre que j'avais évoquée, c'est ici l'aspect incontrôlable des nouvelles technologies. En effet, l'homme en voulant montrer sa supériorité et sa créativité en vient à créer tout ce qu'il peut, mais en vient également à perdre le contrôle et à ne plus se retrouver. 

Pour conclure, la robotique permet de démontrer un nouvel engagement artistique de l'homme. On remarque ainsi que l'homme, du fait de sa créativité, peut réussir à dépasser ses engagements et à enrichir les nouvelles technologies. Le numérique, bien qu'il laisse la place à une nouvelle autonomie et de nouveaux aspects, ne doit néanmoins pas être utilisé à des fins abusives. 

Bensal Sarah

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LA PROJECTION UN MOYEN D'EXPRESSION

De l'anglais Projection mapping, video mapping ou spatial augmented reality. Le mapping également appelé en français projection architecturale, fresque lumineuse ou fresque vidéo, est une opération qui consiste à appliquer une image de remplissage sur la représentation filaire. Le mapping est aussi une technique qui consiste à projeter à grande échelle des éléments visuels tel que les images, les vidéos, les jeux de lumière, les rayons laser.

HeavyM, Région Hautes-de-France, Sonovision, la Voix du Nord.

Commencer au XVIe siècle jusqu’à la fin du XIXe siècle. Cette période est une période de développements des trois techniques sur lesquelles repose le mapping: l’anamorphose, la projection et l’animation des images. Le XIXe siècle et XXe siècle impliquent aussi d’importantes évolutions dans le domaine de l’éclairage électrique qui permettra d’illuminer les espaces extérieurs, et l’invention de l’ampoule, qui remplacera peu à peu les autres sources lumineuses dans les appareils de projection. C'est au XXe siècle que le premier enregistrement connu de projections sur des objets 3D apparaît avec la production du Haunted Mansion, réalisé par Disneyland, qui est une attraction à la fois humoristique et divertissante, auquel ils ont utilisé de fausses têtes désincarnées comme objets pour projeter sur eux en 16 mm afin de leur donner un aspect réel par des illusions d’optiques.

Dad Logique, D23, stlukes-glenrothes.org, Disney Parks.

L'utilisation des logiciels spécifiques permettent aux volumes d'être dessinés et reproduits, afin d'obtenir des projections vidéo à grande échelle qui adhèrent le plus près possible aux endroits choisis.

Le mapping qui était utilisé pour sublimer les performances artistiques dans les concerts et le théâtre, crée une atmosphère pour le lancement d'un produit animer, des évènements d'entreprise, des festivals.

Actu.fr, Vidéo Mapping Festival, Playtime Animation, Sonovision.

Aujourd'hui le mapping est utilisé pour s'exprimer, pour transmettre des messages, de l'émotion tel que la joie transmise pendant plusieurs événements afin de clôturer les durs moments traversés pendant le COVID.

La Voix du Nord, la Gazette Nord-Pas-de-Calais.

Le mapping est aussi utilisé pour dénoncer les fléaux tel que les crimes contre l'humanité,la population, l'injustice, des violences.

L'artiste Caillou Michaël Varlet et son équipeCie Enlight ont utilisé un mapping vidéo comme moyen d'expression afin de dénoncer certains maux contre l'humanité, la nature. Cet mapping vidéo architectural a été réalisé et projeté sur la façade ouest du bâtiment Pl de l'Université de Toulon le jeudi 28 Mars 2019.

Université de Toulon Spectacle Nature Misses You Live TV 2019

Le mapping a soulevé des réflexions autour de la projection : la projection peut-elle vu comme moyen d'expression ?

De plus en plus répondu dans le monde sous diverses formes, le mapping ne s'arrête pas qu'à projeter des images ,des vidéos ,des jeux, le mapping ne s'arrête plus qu'à présenter les évènements, le mapping est à présent utiliser pour s'exprimer.

Aujourd'hui le mapping est un moyen d'expression dans le monde entier. Permettant l’expression des individus. Le mapping permet à chacun d’entrer en communion d’esprit avec d’autres individus, la nature et la monde, d’avoir l’impression de partager des moments, des sentiments et des émotions avec eux, de comprendre la nature,de la respectée et la protégée.

Manuela Sarah NGANTSUI

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Les Dessins Animés Disney : Une évolution entre tradition et modernité

Disney a été à la pointe de l'animation depuis sa fondation dans les années 1920, créant des univers magiques qui ont captivé des générations entières à travers le monde. Au fil des décennies, l'évolution du dessin animé Disney témoigne non seulement des progrès technologiques, mais aussi des évolutions dans la mentalité de la société et des valeurs transmises par ces films.

La croissance technologique :

Les films d'animation Disney les plus anciens, tels que Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), Cendrillon (1950) ou encore La Belle au Bois Dormant (1959) ont été créés à la main, image par image, une tâche longue et laborieuse appelée ’animation cellulo". Ces animations sont réalisées dans des feuilles celluloïds à l'aide de crayons, de stylos et de pinceaux.

Ces images superposées, connues sous le nom de "cellulos" ou "cells", sur des décors ou des arrière-plans permettent de créer une séquence animée.L'animation cellulo se déroule en plusieurs étapes :

En premier lieu, l'histoire est élaborée et organisée en utilisant un storyboard, qui consiste en une série de croquis ou de dessins qui illustrent les actions principales et les scènes du film.

Ensuite, les animateurs créent chaque image essentielle de l'animation, qui illustre les principales poses ou actions des personnages impliqués. Ces illustrations sont imprimées sur des feuilles en cellulo transparentes ou sur du papier spécial.

La coloration consiste à envoyer les images clés aux coloristes,qui les colorent en utilisant de la peinture acrylique ou d'autres matériaux de coloration.Ensuite, on superpose les cellulos colorés sur des décors ou des arrière-plans, puis on prend une photo de chaque image individuellement à l'aide d'une caméra spéciale afin de créer une séquence animée.

Une fois que toutes les images ont été capturées par la caméra, elles sont assemblées pour former le film final.

Dessin de Blanche Neige sur une Feuille Celluloïd Transparente

Feuille Celluloïd

Cependant, avec l'avancement de nouvelles technologies, Disney a élaborer des techniques plus avancées, telles que l'animation par ordinateur, l’algorithme et l’illustration 3D, des films comme Toy Story (1995), qui était le premiers film entièrement réalisé en numériques produit par Pixar, a ouvert la voie à une nouvelle ère d'animation numérique grâce à des des développement de logiciels et d’outils spécialisés afin de créer des personnages et environnement numérique comme “La Reine des Neiges” qui  été entièrement réalisé aussi en numérique grâce à des artistes et techniciens qui ont utilisé des logiciels 3D pour créer les personnages ,les décors ,les effets de glace et neige dans le film.Toute ces belles créations de Disney inspire d’autre studios d’animations à explorer les possibilités de l’animation numérique qui est très diverses .

Mais les premiers films Disney notamment Aladin,La belle et la Bête etc étaient souvent critiqués pour leur représentation stéréotypée des genres et des rôles sociaux,Cependant, au fil du temps, Disney a progressivement adapté ses personnages et histoires pour refléter une société plus diversifiée et inclusive. Des films comme :

La Princesse et la Grenouille" (2009), Ce film met en scène Tiana, la première princesse afro-américaine de Disney, et se déroule dans la Nouvelle-Orléans. Il célèbre la culture afro-américaine et met en avant des thèmes tels que le travail acharné, les rêves et la réalisation de soi.

Vaiana, la légende du bout du monde - Le personnage principal, Vaiana, est une jeune fille polynésienne courageuse et déterminée, ce qui représente une diversité culturelle importante dans le monde des princesses Disney. Le film célèbre également la culture et les traditions polynésiennes.

Raya et le dernier dragon - Ce film met en avant une héroïne guerrière d'Asie du Sud-Est, Raya, et met aussi en avant les personnages et cultures inspirées de la région. Il célèbre la diversité culturelle et promeut des thèmes tels que la confiance, le pardon et la coopération.

Coco - Ce film célèbre la culture mexicaine et met en avant des personnages latino-américain. Il offre une représentation positive de la culture hispanique et célèbre les traditions familiales et l'importance de se souvenir de ses ancêtres.

Raiponce - Ce film met en lumière la quête de la liberté,son désir de explore le monde au delà de sa tour,l’idée que la véritable beauté est dans la générosité et la compassion et montre le pouvoir de la persévérance face à l’adversité.

La Reine des Neiges (Frozen) - Cette histoire met en avant la valeur de l'amour familial et l'acceptation de soi. Anna et Elsa apprennent à s'aimer et à se soutenir malgré leurs différences, montrant ainsi l'importance des liens familiaux.

Mulan - La morale de ce film est centrée sur le courage et l'émancipation. Mulan défie les attentes traditionnelles en se faisant passer pour un homme pour sauver son père et sa nation, démontrant ainsi que une femme peut être aussi courageuse et déterminée qu'un homme.

Ces films continuent d'apporter de l'inspiration et de l’art culturelle aux spectateurs de tous âges du monde entiers .Les films Disney ont toujours véhiculé des messages moraux et des leçons de vie importantes.Mais dans la plupart des films Disney, les personnages étaient généralement masculins, les héroïnes féminines étant souvent des princesses en détresse. Toutefois, de récents films tels que Ralph 2.0 (2018) ont mettre en avant des personnages féminins autonomes, tout en proposant une représentation équilibrée des genres.En plus de divertir les spectateurs, Disney a joué un rôle important dans la promotion des avancées technologiques qui ont façonné la société moderne. Des innovations telles que la réalité virtuelle et la réalité augmentée , utilisées dans des attractions Disney et des expériences interactives, ils ont transformé la manière dont nous interagissons avec le divertissement et le monde qui nous entoure.Les progrès dans l'animation par ordinateur et les effets spéciaux ont permis à Disney de créer des mondes fantastiques et des personnages plus réalistes que jamais. Cela a ouvert de nouvelles possibilités créatives pour les films d'animation et a captivé le public avec des expériences visuelles.Avec le lancement de Disney +, Disney s'est adapté aux changements dans les habitudes de consommation de contenu en offrant un service de streaming qui donne accès à plusieurs de films, séries et documentaires, ainsi qu'à du contenu original exclusif.

Selon moi, l'évolution des dessins animés Disney est un reflet de l'évolution de la société.De l'animation traditionnelle (en celluloïd) à l'animation numérique (ordinateur, illustration 3D), des leçons morales intemporelles aux avancées technologiques, Disney continue d'inspirer et de divertir les spectateurs du monde entier, tout en adaptant ses histoires pour répondre aux besoins changeants d'une société en évolution constante.

WILLIAMS Christiana

Sources

https://www.adobe.com/fr/creativecloud/animation/discover/cel-animation.html

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L'immersion du corps dans l'oeuvre.

Le recours aux nouvelles technologies, l’introduction du virtuel sont des caractéristiques qui décrivent l’ « art immersif » . L'essor de la technologie a ouvert de nouvelles portes pour l'expression artistique, on retrouve la réalité virtuelle et la réalité augmentée. Ces avancés offrent de nouveaux moyens d'expression artistique et transforment la manière dont le public interagit avec les œuvres d'art. Cependant, une question importante se pose sur l'accessibilité.

 La différence subtile entre la réalité virtuelle et la réalité augmenté.

  La réalité virtuelle plonge les spectateurs dans des mondes nouveaux, où ils peuvent interagir avec l'art. Des expériences artistiques utilisent la réalité virtuelle comme par exemple le musée du Louvre qui propose une visite de son musée en réalité virtuelle. On retrouve aussi des installations interactives et des expositions virtuelles.

D'un autre côté, la réalité augmentée superpose des éléments numériques à notre environnement réel, créant ainsi des expériences artistiques qui s'intègrent à notre quotidien. On la retrouve dans les espaces publics, des performances artistiques en temps réel et des applications mobiles d'art augmenté transforment les espaces urbains en terrains de jeu artistiques et invitent le public à interagir avec l'art.

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Tilt Brush est l’exemple parfait, c’est une application qui permet de créer des œuvres en 3D dans un espace virtuelle de notre environnement.

Ou peut-on vivre l’expérience entre l’Art et la réalité virtuelle ?

Des artistes renommés explorent également de nouveaux territoires créatifs. Marina Abramovic, artiste serbe célèbre à l’échelle mondiale pour ses performances et actions radicales. En utilisant la technologie, elle crée des environnements virtuels où les spectateurs peuvent interagir avec ses œuvres.

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"Rising " est une expérience artistique immersive en réalité virtuelle. Cette œuvre transporte les participants dans un espace où ils prennent contact avec l’artiste qui se noie petit a petit et qui doit prendre la décision de la sauver en s’engageant a protéger l’environnement. Cette expérience aborde les effets du changement climatique avec la montée du niveau de la mer.

La réalité augmentée dans nos Palais.

Au Palais Lascaris à Nice, l’exposition « Metamorphoses architecturales et Chambre des Sphères » de l’artiste Caroline Challan Belval est visible qu’a travers notre telephone, à l’aide d’une application.

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On peut voir « le souffle humain » qui est cohérent avec la réalité augmenté a cause de son immatarialité.

Est ce que tout le monde peut-il en profiter ?

Malgré les possibilités offertes par la réalité virtuelle et la réalité augmentée, l'accessibilité reste une préoccupation. Ces technologies sont souvent cher, environ 200 euros par casque virtuelle, et nécessitent un équipement spécialisé, que tout le monde ne possédent pas forcément, ce qui limite l'accès. De plus, tous les individus ne sont pas techniquement compétents pour utiliser ces outils de manière efficace, ce qui crée une différence dans l'accès aux expériences artistiques utilisant cette technologie.

Finalement, la réalité virtuelle et la réalité augmentée proposent des expériences artistiques uniques en leur genre. Elles ouvrent de nouveaux horizons passionnants pour l'art contemporain, offrant des expériences immersives et innovantes qui captivent. Cependant, pour que ces technologies aient un véritable impact, il est important de résoudre la question de l'accessibilité. En rendant l'art numérique plus accessible à tous, par la création d'installations artistiques qui ne nécessitent pas d'équipement spécialisé. On peut aussi se demander si on vit la même expérience que de regarder par exemple un tableau dans la réalité et à travers un casque de réalité virtuelle ? Est-ce qu’on a les mêmes détails ? Est ce qu'on profite de la même mani��re?

Ecrit par BOURHALEB Imane

Sources:

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L'Art Numérique face à la Pandémie de Désinformation

Dans un monde hyperconnecté où les informations circulent à une vitesse vertigineuse, la désinformation est devenue un fléau majeur. Avec l'avènement de la technologie numérique, les défis posés par la propagation de fausses informations sont plus complexes que jamais. Cela nuit à la confiance du public envers les sources d'information. Dans ce contexte, l'art numérique devient un moyen de refléter les problèmes et les questions de notre société contemporaine.

Face à cette réalité, se pose la question suivante : Comment l'art numérique peut-il jouer un rôle crucial dans la sensibilisation aux enjeux de désinformation et dans l'inspiration d'un changement social positif ?

La Désinformation à l'Ère Numérique : Un Défi Sans Précédent

Dans son ouvrage "The Wretched of the Screen" (2012), Hito Steyerl plonge au cœur de la culture visuelle contemporaine à l'ère de l'Internet et des médias numériques. Elle explore notamment les mécanismes de désinformation, la surcharge d'informations et la manière dont les images influencent notre perception du monde. À travers des montages visuels sophistiqués et des narrations complexes, l'artiste allemande met en lumière les rouages de cette ère numérique, où la vérité semble souvent se perdre dans un océan d'images et de discours contradictoires.

Hito Steyerl souligne notamment la manière dont les algorithmes des médias sociaux favorisent la viralité des contenus sensationnalistes et trompeurs, reléguant souvent les faits vérifiés au second plan. Dans un monde où chaque individu est constamment connecté à Internet, la désinformation peut se propager à une vitesse fulgurante si les individus ne sont pas dotés des outils nécessaires pour distinguer le vrai du faux. La montée en puissance des deepfakes, ces vidéos truquées ultraréalistes, ne fait qu'accentuer ces problèmes, semant la confusion et la méfiance parmi le public.

Les conséquences de cette désinformation peuvent être dévastatrices, allant de la manipulation des opinions publiques à la remise en question de faits scientifiques établis, comme cela a pu être observé lors de la pandémie de COVID-19. Ainsi, Hito Steyerl souligne l'importance cruciale d'une éducation aux médias critique et appelle à une vigilance accrue de la part des individus pour contrer efficacement la désinformation à l'ère numérique. De plus, elle plaide en faveur d'une responsabilisation des plateformes en ligne et des régulateurs pour mettre en place des mesures visant à limiter la propagation de fausses informations tout en préservant la liberté d'expression.

Art Engagé et Engagement Politique Responsable

Dans cette période troublante, l'affiche "Hope" de Shepard Fairey montre quelque chose d'important. Connu pour son implication politique à travers son art reconnaissable, Fairey montre qu'on peut s'engager politiquement tout en restant honnête et vrai dans les messages qu'on transmet. L'affiche, qui montre Barack Obama pendant sa campagne présidentielle de 2008, symbolise l'espoir et le changement. Son image, avec Obama regardant vers l'avenir, donne confiance et promet quelque chose de mieux, contrairement à beaucoup de la politique qui est souvent pessimiste.

Ce qui rend "Hope" si puissante, c'est qu'elle peut toucher les gens de tous horizons, sans se soucier de leurs opinions politiques. En évitant les pièges de la désinformation et en montrant des messages d'espoir et de progrès, Fairey montre qu'on peut faire une différence même dans un monde où règnent la confusion et le doute. Cette affiche devient alors un symbole pour ceux qui veulent un changement positif, rappelant qu'il y a toujours une possibilité de s'améliorer, peu importe les difficultés.

De plus, "Hope" montre comment l'art peut être utilisé pour mobiliser les gens autour de causes sociales et politiques. Avec son design accrocheur et son message clair, Fairey a réussi à créer une œuvre qui parle à tout le monde, peu importe leur langue ou leur culture. Ainsi, l'affiche montre le pouvoir de l'art à inspirer un changement positif et à influencer les attitudes et les comportements des gens dans le monde entier.

"Hope" de Shepard Fairey est bien plus qu'une simple affiche politique. C'est un symbole du pouvoir de l'art à élever les esprits, à encourager le changement et à incarner les valeurs importantes de la société. Dans un monde où règnent la désinformation et la confusion, cette affiche nous rappelle qu'on peut surmonter les obstacles et travailler vers un avenir meilleur, guidé par l'espoir et la conviction pour un monde plus juste et équitable.

Vers une Nouvelle Conscience Critique

En fin de compte, les œuvres de Hito Steyerl et Shepard Fairey nous invitent à réfléchir sur notre rôle en tant que consommateurs d'informations dans un monde numérique en constante évolution. Face à la expansion de la désinformation, il est impératif de cultiver une conscience critique et de remettre en question les contenus que nous rencontrons en ligne. En utilisant l'art comme un moyen de sensibilisation et de mobilisation, nous pouvons aspirer à un avenir où la vérité et la transparence dominent sur la confusion et la manipulation.

Charpente Urielle

Sources:

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Avatar: the songcord of artistic technology.

Kaltxì alu kop à tous les cinéphiles! Aujourd'hui, nous allons parler d'un film qui a complètement changé la donne dans l'industrie du cinéma: "Avatar" de James Cameron. Ce film, sorti en 2009, a non seulement captivé les spectateurs du monde entier avec son univers époustouflant, mais il a également redéfini les frontières de l'art numérique et influencé les technologies futures.

Comment l'art numérique dans "Avatar" a-t-il révolutionné l'industrie cinématographique et influencé les technologies futures ?

Comme l'a dit James Cameron :"La technologie doit servir l'histoire et non l'inverse”

Et dans "Avatar", plusieurs technologies ont été utilisées pour créer l'univers remarquable du film.

L'une d'entre elles est la capture des mouvements, qui permet d'enregistrer les mouvements des acteurs et de les transposer sur des personnages virtuels. Le système de capture de mouvement utilisé dans "Avatar" impliquait pas moins de 132 caméras infrarouges et permettait une précision au millimètre près dans la reproduction des mouvements des acteurs.

Cela a permis d'apporter vie aux Na'vi et de rendre leurs expressions et actions plus authentiques. De plus, la capture des expressions faciales a été utilisée pour enregistrer les expressions et les émotions des acteurs et les transférer sur les personnages virtuels. Cela a contribué à créer une connection émotionnelle plus forte avec les personnages du film. Zoe Saldana, l'actrice principale qui joue le rôle de Neytiri, a partagé son expérience sur le processus de capture de mouvement, décrivant comment elle devait porter un costume spécial et comment elle devait apprendre à bouger comme un Na'vi.

"C'était un défi, mais aussi une expérience incroyablement enrichissante. J'ai vraiment eu l'impression de repousser mes limites en tant qu'actrice."

Ensuite, parlons de la création de l'environnement de Pandora. Pour donner vie à cet univers fantastique, les équipes de production ont utilisé des logiciels de modélisation 3D avancés tels que Autodesk Maya et Softimage XSI. Un autre élément clé du succès de "Avatar" est le rendu 3D stéréoscopique. Cette technique a permis de donner au film une profondeur et une immersion sans précédent, rendant l'expérience visuelle encore plus captivante. Et derrière cette prouesse technique, il y a Joe Letteri, le superviseur des effets visuels du film, qui a joué un rôle crucial dans l'intégration de cette technologie, assurant que le rendu 3D stéréoscopique était utilisé de manière innovante et efficace.

"Le but était de créer une expérience immersive, où les spectateurs se sentent vraiment transportés dans le monde de Pandora."

Outre Maya et Softimage, d'autres logiciels comme RenderMan ont été utilisés pour le rendu final, créant un univers visuel époustouflant !

User interface of Softimage 2011

User interface of Maya 2024

Et pour repousser encore plus les limites, James Cameron a collaboré avec des entreprises technologiques telles que Weta Digital et Autodesk pour développer des outils sur mesure qui ont permis de repousser les limites de ce qui était technologiquement possible. Mais au-delà de la technologie, c'est l'art numérique qui a vraiment fait la différence. Il a été utilisé de manière stratégique pour renforcer la narration et créer un monde cohérent et immersif.

James Cameron a d'ailleurs déclaré : "L'art numérique n'est pas seulement un outil, c'est une extension de l'art traditionnel et une nouvelle façon de raconter des histoires."

La capture de mouvement est désormais utilisée dans de nombreux autres domaines, de la médecine à la réalité virtuelle, témoignant de l'impact durable du film sur les technologies futures. ( exemple : detroit become human )

Pour finir "Avatar" de James Cameron a non seulement révolutionné l'industrie cinématographique mais a aussi influencé les développements technologiques dans les années suivantes. En repoussant les limites de la technologie et de la narration, le film a créé un univers qui continuera à inspirer !!!

"Ngenga lefpom, ulte plltxe nìwotx. Ngaru oe!"

"Kiyevame, ulte tsun nìtxan. Oel ngati kameie!"

traduction : Au revoir tout le monde passe une bonne journée ou une bonne soirée

Britney Mukanda-Faila / 20231271

Source :

5 Steps to Avatar: Reinventing Moviemaking | WIRED

Producer Jon Landau on 'Avatar's' New Technology

Zoe Saldana | Film | The Guardian

https://youtu.be/woO2dzt2y4o?si=BQNnUncHzcEbYQyM

Avatar: The Way of Water uses new cameras, new algorithms, and a ton of other new tech - The Verge

https://youtu.be/HmPitTWKudI?si=UcAEzfaDo8d-Gi-a

https://techcrunch.com/2009/11/30/10-minutes-of-avatar-footage-for-your-viewing-pleasure/

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L’Art interactif permet-il un engagement ?

Dans le monde de l’art contemporain, une évolution importante est apparue au cours des dernières décennies : l’arrivée de l’art interactif. Loin des peintures accrochées aux murs des galeries, l'art interactif invite le public à devenir partie intégrante de l'œuvre elle-même. L’essentielle dans l’art interactive  c’est de transformer les spectateurs en Co-créateurs.

Contrairement à l’Art traditionnel ou les œuvres sont souvent appréciées à distance, l’art interactif supprime cette distance car il incite les spectateurs à interagir avec l’œuvre d’une manière qui engage leur aspect émotionnel, physique et intellectuel.

Mais la vrai question est : L’œuvre meurt si il y’a personne qui interagies avec ? l’Art interactif permet-il un engagement ? …

Il y’a plusieurs œuvres interactives qui ont pu marquer les esprits, par exemples :

Rain Room :

Random International est un groupe d'art post-digital connu pour ses installations interactives utilisant divers médias tels que la lumière, la cinétique, l'impression et le son. Le but du groupe, est d'étudier l'impact que le progrès technologique a sur la vie humaine et de créer des liens avec diverses formes de vie.

            Random International :

Lien: https://images.squarespace-cdn.com/content/v1/5a944dffe17ba3e1028384c2/1519756779106-GGD69MNIFIE0QRT927XI/IMG_1697+2.jpg

En 2015, le Los Angeles County Museum of Art a obtenue en prêt l’installation artistique Rain Room pour une durée de 15 mois, qui a su attirer pas moins de 190 000 visiteurs, ceci a attiré l’institution culturelle de l’ouest des États-Unis a acheté l’œuvre, en 2017.

Rain Room met en scène une pièce sombre où il pleut sans interruption ainsi que des détecteurs sont installés pour capter la présence d’un individu, l’eau s’arrête au dessus du spectateur mais continue de l’entourer.

Il faut avancer lentement pour que cette installation puisse déceler le mouvement du spectateur.

                     Rain Room :

Lien : https://media.beauxarts.com/uploads/2017/01/digitalmeetsculture.jpg

Vidéo de l’œuvre :

The Treachery of Sanctuary :

L’artiste: Chris Milk est un artiste numérique américain, c’est un entrepreneur, photographe et innovateur. Il avait commencé sa carrière dans les vidéos de musiques, Milk avait cofondé Within et Here Be Dragons, une société de technologie virtuelle.

Les œuvres de Milk ont été exposées dans des musées du monde entier, comme le Musée d'art moderne de New York, le Tate Modern de Londres, Cent Quatre à Paris et le Barbican Centre à Londres …

Lien : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Chris_Milk_-_Headshot.jpg#/media/File:Chris_Milk_-_Headshot.jpg

Il a été nommé parmi les 100 personnes les plus influentes par WIRED, un des joueurs numériques les plus puissants de Los Angeles, et l'un des 100 plus créatifs de Fast Company.

The Treachery of Sanctuary: est une œuvre d’art interactive créée par Chris Milk, elle a été  présentée à l'exposition "Digital Revolution" à Londres(2014). Cette œuvre transforme l’ombre des spectateurs en une volée d’oiseaux.

Milk voit son œuvre comme un tableau qui représente les trois stades de la création :

le corps se désintègre en oiseaux, le moment de la naissance.

Représentation de la réaction critique, de l'allègement par soi-même ou par la force extérieure.

représente la transfiguration, lorsque vous surmontez la mort et que l'idée se transforme en quelque chose de plus grand (il vous pousse des ailes géantes).

Chris Milk avait déjà créé pour le groupe canadien Arcade Fire un très beau film interactif,  qui jouait sur la mémoire des lieux du spectateur.

         The Treachery of Sanctuary

Lien : https://d3atsf3fgek2rw.cloudfront.net/content/uploads/2012/05/Chris-Milk-The-Treachery-of-Sanctuary-photo-Bryan-Derballa.1.jpg

Vidéo YouTube :  

Sur ces deux exemples nous remarquons que sans la participation du publique l’œuvre meurt, donc pour que ces œuvres existent pleinement il faut oser, sans la tentation l’œuvre n’existe plus (sur ces deux exemple l’Art interactif permet un engagement aux spectateurs).

Il y’as aussi d’autre exemples sur l’Art interactif ou l’engagement avec les spectateurs n’est plus nécessaire, ce sont des œuvres avec ou sans interaction par exemple : Dora l’exploratrice (Dessin animés) qui pose des questions directement aux enfants, les encourageant à participer en répondant à ses questions, l'interaction est encouragée mais non essentielle pour le déroulement de l'histoire. Même si les enfants ne répondent pas aux questions de Dora, l'œuvre continue sans interruption.

Sources:

Wikipédia

Farahat Laroussi Malak

20224905

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Au-delà des frontières de la communication: la télépathie numérique bouleverse nos interactions 

Imaginez un monde où les frontières entre nos pensées et la technologie s'estompent, où la communication devient une fusion d'idées entre l'humain et la machine. Nous allons découvrir ici la télépathie numérique, un concept fascinant qui émerge à l'intersection de l'art et du numérique.

La télépathie numérique va au-delà  des limitations du langage et de la communication traditionnelle Elle nous permet de partager nos pensées, nos rêves et nos émotions de manière directe . C'est une expérience profondément personnelle et collective à la fois, où chacun peut se connecter avec les autres à un niveau plus profond, au-delà des mots et des images. C'est une exploration de l'esprit humain, de sa capacité à créer, à communiquer et à se connecter avec les autres. 

Comment la télépathie numérique a émergé dans notre société actuelle ? 

Cette fusion entre l'art et le numérique ouvre de nouvelles perspectives sur notre relation à la technologie et à nous-mêmes. Elle nous invite à réfléchir sur la nature de la communication, sur la façon dont nous percevons le monde. Elle nous mène a nous questionner sur plusieurs problématiques.

Comment la télépathie numérique influence-t-elle nos interactions sociales et notre perception de la communication ? Quel est l’impact de la télépathie numérique sur notre société actuelle? 

La télépathie numérique influence notre société à travers des avantages. En effet, elle  pourrait permettre une communication instantanée et directe entre les individus, sans avoir besoin de mots ou de langage. Cela pourrait faciliter la transmission d'informations complexes et de pensées profondes. 

Par exemple, Grâce à une équipe de chercheurs en Californie, Une petite fille sourde, muette et aveugle parvient pour la première fois à échanger des mots avec son enseignante grâce au langage des signes tactile.Elle peut désormais communiquer à nouveau, malgré les lésions neurologiques causées par un AVC. Elle a retrouvé l'usage de la parole grâce à un avatar. Ce sont des électrodes placées sur le cerveau détectant l'activité neuronale, puis des algorithmes la transforment en mots. Elon Musk possède une start-up « Neuralink » qui travaille sur la connexion du cerveau à un ordinateur via un implant cérébral. Son objectif est non seulement de pallier les défaillances, mais aussi d'offrir au grand public une amélioration des capacités cognitives. À nous de réfléchir collectivement aux limites que nous souhaitons fixer à ces avancées technologiques pour nos cerveaux traditionnels. 

Je trouve ce concept bénéfique et révolutionnaire pour améliorer la qualité de vie de certaines personnes avec un handicap ainsi que leur autonomie et leur inclusion dans la société. 

De plus , de nombreux artistes explorent ces significations profondes derrière des oeuvres captivantes tel que l’oeuvre d’art: "Telepathic Dreams" par Rafael Lozano-Hemmer qui est un artiste multimédia . Cette installation interactive utilise la technologie de l'EEG (électroencéphalographie) pour permettre aux visiteurs de visualiser et d'interagir avec leurs propres ondes cérébrales. Les participants portent un casque EEG qui capte leurs signaux cérébraux et les transforme en motifs visuels projetés sur un mur. Cela crée une expérience artistique immersive où les participants peuvent littéralement voir leurs pensées prendre forme devant eux.

Mais encore, il a crée une autre oeuvre nommé « Third Person » (Shadow Box 2) qui est la deuxième pièce de la série ShadowBox d'affichages interactifs avec un système de suivi informatisé intégré. Cette pièce montre l'ombre du spectateur révélant des centaines de petits mots qui sont en fait tous les verbes du dictionnaire conjugués à la troisième personne. Le portrait du spectateur est dessiné en temps réel par des mots actifs, qui apparaissent automatiquement pour remplir sa silhouette. Le collectionneur peut choisir d'afficher les mots en anglais, en espagnol ou en français, ou une combinaison des trois langues.

Nous avons aussi, "Pulse Spiral" qui est une installation artistique en forme de spirale tridimensionnelle composée de 400 ampoules. Ces ampoules sont disposées selon les équations de Fermat, ce qui crée une distribution spatiale efficace le long de la surface de l'installation. Cela rappelle l'arrangement des feuilles et des cellules dans les plantes. Ce qui rend cette pièce encore plus intéressante, c'est qu'elle enregistre et réagit à la fréquence cardiaque des participants. Ils peuvent tenir un capteur en dessous de l'installation pour interagir avec elle. L'installation a été commandée pour l'ouverture du Centre de culture contemporaine à Moscou, dans le garage de bus du constructiviste Bakhmetevsky. C'est une manière unique de mêler art, science et histoire architecturale. 

C'est vraiment fascinant de voir comment la technologie peut permettre une communication sans paroles et à distance. On a l’exemple de l'homme paralysé qui a pu contrôler un ordinateur, un téléviseur et un robot par la pensée grâce à une micro-puce implantée dans son cerveau est incroyable. L'article du New York Times mentionne le professeur John P. Donoghue et ses sondes contenant des électrodes minuscules. Une fois implantées dans la région du cortex moteur responsable du mouvement du bras, le patient était connecté à un ordinateur. En imaginant le mouvement de son bras, il pouvait déplacer le curseur d'une souris, lire ses e-mails, jouer à des jeux vidéo, dessiner à l'écran, contrôler un robot, changer les chaînes et régler le volume d'un téléviseur. Je trouve que c'est un bon moyen pour explorer ces modes de communication et d'interaction pour permettre aux personnes "emprisonnées" dans leur propre corps de s'exprimer enfin. C'est une perspective passionnante qui pourrait ouvrir de nouvelles possibilités pour la communication humaine. 

Fred Murie et Flavien Théry ont élaborés une création appelé « La mer est ton miroir ». Ils travaillent sur le développement d'une installation  qui permettra aux visiteurs de plonger leur esprit dans un océan virtuel. Pour cela, ils ont combinés des données électro-encéphalographiques avec une modélisation informatique des mouvements de la mer. Les visiteurs porteront un casque EEG qui leur permettra d'animer la surface de l'eau en fonction de leurs différentes ondes cérébrales. Les ondes inconscientes créeront une houle, tandis que les ondes conscientes se traduiront par des vagues rapides et de faible amplitude. Ils auront la possibilité de maîtriser cette expérience ou simplement se laisser porter par la contemplation. Chaque pensée aura instantanément un effet sur la surface projetée, créant ainsi une boucle immersive et interactive. Je trouve cette idée vraiment fascinante et  unique pour explorer notre monde intérieur de manière visuelle.

Cependant, il existe aussi des inconvénients. La télépathie numérique soulève des questions de vie privée et de sécurité, car nos pensées les plus intimes pourraient être exposées. De plus, l'utilisation constante de la télépathie numérique pourrait entraîner une dépendance excessive à la technologie. Cela pourrait nous rendre moins aptes à communiquer de manière traditionnelle et à développer des compétences sociales essentielles. Il est important de noter que ces inconvénients sont seulement des hypothèses car la télépathie numérique n’est pas expérimenté totalement.

Par exemple, Sherry Turkle dans son livre "Seuls ensemble", explore l'impact des technologies de communication sur nos relations et notre capacité à être vraiment présents les uns pour les autres. Elle souligne comment notre dépendance excessive à la technologie peut nuire à notre capacité à nous connecter authentiquement et à communiquer de manière significative. Bien que Turkle ne parle pas spécifiquement de la télépathie numérique, ses idées peuvent être appliquées pour réfléchir aux implications sociales et psychologiques de cette technologie. Elle met en évidence les risques de perdre notre intimité et notre capacité à communiquer de manière profonde. Elle constate également que les individus sont de plus en plus isolés dans nos sociétés en raison des nouvelles technologies. Son livre "Seuls ensemble" explore comment les nouvelles technologies ont redéfinies nos vies  et de notre intimité. Turkle a étudié pendant quinze ans nos relations avec les objets technologiques et a observé chez les utilisateurs de robots de compagnie une tendance à les considérer comme vivants, ce qui peut conduire à se laisser duper par leurs réactions programmées. Personnellement, j'ai trouvé très intéressant les questions soulevaient sur notre relation avec la technologie et comment elle peut impacter nos relations humaines. Cela m'a fait prendre conscience de l'importance de déconnecter de temps en temps pour vraiment être présent dans nos relations.  

Également, recevoir des pensées et des informations directement dans notre esprit pourrait entraîner une surcharge de savoir. Cela pourrait être accablant et perturber notre capacité à traiter et à filtrer les informations de manière efficace ou encore de la manipulation et piratage comme toute technologie. Des individus malveillants pourraient essayer de manipuler ou de pirater les pensées des autres, ce qui pourrait avoir des conséquences néfastes sur la vie quotidienne et les relations.

Ce phénomène peut mener à de la « technophobie ». C’est le fait que certaines personnes ne peuvent pas se passer de leur téléphone portable, tandis que d'autres paniquent à l'idée d'en avoir un. Ce sont souvent les mêmes qui détestent les ordinateurs, les tablettes numériques et les nouvelles technologies en général. On les appelle les technophobes. Ils ont peur du progrès et de l'inconnu, et pensent que les technologies aliènent l'homme et détruisent les liens sociaux. Leurs craintes peuvent être très spécifiques, comme la peur des ordinateurs pour les cyberphobes ou la peur des appels téléphoniques pour les téléphonophobes.

Personnellement, je pense que chacun a le droit d'avoir ses propres préférences et opinions. Les technophobes ont leurs raisons de craindre les technologies, même si cela peut sembler étrange pour certains. Il est important de respecter les choix même si nous ne les partageons pas. L'essentiel est de trouver un équilibre entre l'utilisation des technologies et le maintien des relations sociales et du bien-être.

Personnellement, je trouve que la télépathie numérique est une idée fascinante. Pouvoir communiquer instantanément avec les autres à un niveau plus profond pourrait vraiment renforcer les liens entre les individus. Cependant, il est important de trouver un équilibre entre les avantages de cette technologie et les préoccupations liées à la vie privée et à la manipulation de l'esprit. En fin de compte, je pense que la clé est d'utiliser cette technologie de manière responsable en veillant à ce qu'elle améliore notre vie tout en préservant notre humanité. 

Hamidi Inès

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Quand les jeux vidéo se mêlent à l'art

Quand les jeux vidéo se mêlent à l'art

Le jeu vidéo est un jeu électronique sous forme de logiciel avec lequel le joueur va interagir. On peut y jouer sur différents appareils comme : une console, un ordinateur, un téléphone, ou encore des bornes d'arcade. Lorsqu'il y joue, le joueur est propulsé dans un univers virtuel dans lequel il devra généralement compléter différents niveaux pour gagner et/ou être en compétition avec un ou plusieurs autres joueurs. L'art est une discipline qui a pour but de transmettre ses idées et émotions au travers de nos créations. Il existe sous plusieurs facettes comme : la peinture, la sculpture, l'architecture, la musique, la littérature, ou encore le cinéma.

Les jeux vidéos sont-ils une nouvelle forme d'art ?

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S'exprimer au travers des jeux vidéo L'une des caractéristiques de l'art est qu'il permet l'expression de ses sentiments et le partage de ses idéaux. Ce qui est aussi le cas de certains jeux vidéo, qui derrière leur apparence divertissante peuvent faire passer plus ou moins subtilement un message. Nous pouvons prendre l'exemple d'"Undertale"

https://cdn.akamai.steamstatic.com/steam/apps/391540/header.jpg?t=1579096091 Undertale est un jeux vidéo, développé par Toby Fox, prenant place dans un monde où des monstres vivent dans un monde souterrain séparé des Hommes. Le joueur incarne le personnage de Frisk , un enfant qui s'est retrouvé dans le monde souterrain après être tombé dans une grotte. Dans sa quête pour retourner à la surface, le joueur devra faire le choix entre tuer ou épargner ses "ennemis", qui sont donc les monstres. Vers l'un des derniers niveaux, le joueur se retrouve face à un ennemi qui sera plus ou moins facile à battre dépendamment de la route qu'il a décidé de suivre. Si nous n'avons fait de mal à personne, notre ennemi (devenu notre ami) nous laisse passé sans aucun souci, mais si au contraire nous avons décidé de tuer, notre ennemi devient plus fort, voir quasiment impossible à vaincre dans le cas où nous aurions causé un "génocide". La morale de ce jeu est que la diplomatie, l'empathie et la gentillesse sont des atouts permettant une vie plus facile et d'avoir de bonnes relations, alors que la cruauté nous isole et ne mène à rien.

Nous pouvons donc remarquer grâce à cette exemple que le créateur de ce jeu a bel et bien exprimer ses idéaux et les partage aux joueurs. Les joueurs sont plongés dans le monde du créateur, dans lequel ils seront confrontés à la morale du jeu. Cela prouve que les jeux vidéos permettent l'expression de valeurs et idées.

La représentation des jeux vidéos dans l'art Bien que certains sont contre l'idée, les artistes sont de plus en plus nombreux à s'inspirer des jeux vidéos pour créer leurs œuvres. En effet, il n'est pas rare de voir des artistes reproduire certains personnages et univers de jeux vidéos. Certaines expositions sont d'ailleurs basée sur les jeux vidéos, ce qui est le cas de l'exposition "Worldbuilding. Jeux vidéo et art à l’ère digitale", située au Centre Pompidou-Metz du 10 juin 2023 au 15 janvier 2024.

C'est une exposition réalisée par Hans Ulrich Obrist, un artiste qui se considère comme un "gamer" chevronné. Le nom "Worldbuilding" vient de l'idée que le jeux vidéo pourrait "répondre à l'extinction de masse", en effet le jeux vidéo est ici vu comme un moyen permettant de changer d'environnement et de prendre du recule pour voir les choses sous un autre angle. Ici, le jeu vidéo n'est pas vu comme étant néfaste. Dans cette œuvre l'artiste implante les jeux vidéos dans l'art dans l'espoir de créer un univers où l'Homme serait capable de vivre sainement en harmonie avec le monde qui l'entoure Les jeux vidéos sont donc représentés dans l'art. Nous pouvons d'ailleurs remarquer qu'au travers de cette exposition un message écologique est transmis, ce qui revient sur le point 1, les jeux vidéos permettent l'expression de soi.

La beauté des jeux vidéos Bien qu'il ne le soit pas toujours l'art est beau, il est esthétique. Lorsque l'on admire une œuvre il arrive souvent que l'on éprouve du plaisir à la regarder. Il est aussi possible de ressentir des émotions semblables lorsque nous jouons à des jeux vidéo. Nous pouvons le remarquer dans le jeux vidéos "Elden Ring", développé par FromSoftware et édité par Bandai Namco Entertainment, issu de la collaboration entre le créateur de jeux vidéo Hidetaka Miyazaki et l'écrivain George R. R. Martin.

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Elden Ring est considéré comme l'un des plus beau jeu de FromSoftware, les images tirées de ce jeux vidéo sont objectivement magnifiques, que ce soit au niveau du design, des jeux de couleurs et de lumières, ou encore des détails. Le joueur prend plaisir à les regarder et à plonger dans l'univers du jeu.

Nous pouvons donc en conclure que les jeux vidéos sont bels et bien de l'art. Ils sont beaux, transmettent des idéaux et sont acceptés par une partie de la communauté artistique. Néanmoins certains ne les considèrent pas comme tels, mais plutôt comme un loisirs.

Sources:

https://www.connaissancedesarts.com/arts-expositions/exposition-worlbuilding-jeux-video-et-art-a-lere-digitale-11182014/

https://www.beauxarts.com/grand-format/le-jeu-video-un-art-tres-politique-expose-au-centre-pompidou-metz/#&gid=1&pid=2

https://fr.wikipedia.org/wiki/Wikip%C3%A9dia:Prise_de_d%C3%A9cision/Le_jeu_vid%C3%A9o_est-il_un_art

CHERY Ketsia

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La Réinvention de l’art par la réalité virtuelle: une immersion dans l'art véritable

Dans les sphères éclairées de l'art contemporain, une mutation silencieuse mais profonde émerge, portée par l'avènement de la réalité virtuelle (VR). Cet essor technologique révolutionnaire ouvre un horizon d'opportunités inédites pour les artistes, étirant les limites de leur expression bien au-delà des conventions traditionnelles. De la toile à la sculpture, en passant par les installations et les performances, la VR transcende les limites traditionnelles de l'expression artistique.

haptic.al

La VR, véritable innovation des temps modernes brise les chaînes de l'art conventionnel en offrant aux spectateurs non seulement une tout autre forme ; mais aussi une tout autre conception de l’art. La VR plonge les spectateurs dans une immersion totale, ils ne sont plus de simples observateurs devant un tableau ou une sculpture statique ; mais deviennent les explorateurs de mondes en plusieurs dimensions. Cette immersion sensorielle tisse des liens profonds entre l'œuvre et son public, transformant la contemplation en une expérience vivante et participative, un véritable d’émerveillement.

artfutura.org

Par ailleurs, ce nouvel art révolutionnaire semble intéresser une catégorie de spectateurs assez variée en quête de nouvelles expériences diverses et variées. En outre, la majorité des seniors semblent figés dans leur époque et n’adhèrent pas à cette nouvelle forme d’art. Cette opposition hargneuse pourrait susciter d’énormes débats sur la question même de l’art. Cependant, depuis quelques années , une grande majorité de passionnés d’art ont pris goût à cette nouvelle forme d’art ce qui a vraisemblablement entraîné une pseudo prépondérance en termes de préférence de cette nouvelle forme d’art révolutionnaire sur une forme plus traditionnelle de l’art. Alors cette nouvelle forme d’art ne serait-elle pas la seule forme d’art capable de faire réellement ressentir la puissance d’une œuvre chez les spectateurs ?

De nombreux artistes ont concentré l’essence même de leur art autour de la VR à travers le monde. Rosie Summers est une artiste qui combine l’art et la réalité virtuelle qui a été inspiré en 2016 par la carrière d'artiste VR à travers une vidéo de Glen Keane peignant Ariel dans Tilt Brush elle raconte qu’elle était enchantée par la façon dont elle a donné vie à la petite sirène, à tel point qu’elle a décidé d’acheter un casque de réalité virtuelle HTC Vive le lendemain. Il était fourni avec l’application Tilt Brush, un outil qu’elle utilise depuis lors.

virtual-guru.com

Summers s’est fait un nom dans ce créneau en pleine expansion du monde de l’art, elle encourage les spectateurs ainsi que les artistes à s’intéresser à la VR, car la réalité virtuelle change l’expérience d’un artiste avec l’art. Dans la VR, dit-elle, elle peut se perdre dans son propre petit monde virtuel avec rien d’autre que ses œuvres d’art. Il n’y a pas de distractions dans l’espace virtuel, contrairement au monde physique. Grâce à la nature immersive de la VR, Summers peut alors s’amuser à peindre des royaumes où elle peut exister à l’intérieur, comme des forêts.

Virtual Reality Artist - Live clips

Et surtout à travers son art elle vise à inspirer les autres artistes à apprécier le médium de la réalité virtuelle et aussi espère que ses spectateurs prendront en considération l’énorme potentiel des médias immersifs et la fabuleuse expérience que ces derniers peuvent offrir.

Il est donc évident que L'aspect le plus saisissant de l'art en VR réside dans sa capacité à défier les lois de l'espace et du temps. Les artistes jouent les magiciens, créant des univers virtuels où les rêves deviennent réalité, où les impossibles se matérialisent. Des paysages surréalistes aux architectures folles, la VR ouvre les portes d'un monde infini de possibilités créatives.

fabiogiampietro.com

Tout comme Rosie Summers, Fabio Giampietro est également un artiste qui utilise de la VR dans ses créations qui sont le plus souvent des villes à gras de ciel, paisibles et stoïques que l’on peut observer à l’aide de casque de réalité virtuelle. En général, ces œuvres apportent un sentiment profond de quiétude et de tranquillité ce qui est accentué avec l’effet visuel à travers le casque qui donne l’impression d’être réellement dans cet espace.

a-n.co.uk

fabiogiampietro.com

Aussi, cet art révolutionnaire permettrait aux artistes de créer des œuvres hors du commun à la fois tellement réelles et inconcevables dans une réalité palpable. Depuis 2018 en Australie au sein de La Galerie nationale d’Australie, le principal musée de Canberra est proposé une expérience hors du commun dans l’exposition Terminus, fruit de la collaboration entre deux artistes néo-zélandais, l’illustratrice Jess Johnson et le vidéaste Simon Ward. Cette œuvre reflète l’impossible en termes d’art traditionnel car elle reflète l’idée selon laquelle la réalité est malléable, et qu’il est possible de trouver des sortes de trous noirs ou des portails pour accéder à différents mondes », D’après Jess Johnson.

www.jessjohnson.org

Il sied de dire que l’essence même de cette œuvre serait inconcevable dans un art traditionnel à travers des tableaux ou autres, mais la VR a permis la concrétisation de cette idée pour le moins plus qu'extraordinaire.

En conclusion, l'alliance entre l'art et la réalité virtuelle redéfinit les frontières de la créativité. De la création d'environnements virtuels immersifs à la narration émotionnelle, la VR offre aux artistes un champ d'expression sans précédent. Alors que la technologie continue de progresser, il est fascinant d'envisager les possibilités futures de l'art en réalité virtuelle et son influence sur la culture contemporaine.

sources:

Virtual-guru.com ; bing.com ;fictionrelle.fr ; nga.gov.au.

ATIPO-IBARA Sahara

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Quelle place à la surveillance de masse dans le monde de l’art ?   

La surveillance de masse des états est un sujet très représenté dans les œuvres d’art d'autant plus depuis que la Chine a mis en place son système de surveillance de masse et de notation de sa population ainsi que la surreprésentation de ce phénomène dans les séries de science-fiction. C'est donc tout naturellement que les artistes ont choisi ce sujet pour leurs œuvres pour dénoncer des actions immorales. 

L'artiste londonien Gilles Walker en a fait le sujet d'une de ces œuvres “robots sexy” pour dénoncer la surveillance de masse instaurée à Londres via l'installation de caméras dans les rues il y a une dizaine d’années. Cette œuvre se présente sous la forme de robot danseuse avec des caméras de survenance a la place de la tête elles ont été exposer au CES 2018 à las Vegas (la plus grande convention sur les innovations technologiques). Puis elle, on fait leur apparition à Nantes en France le 29/08/2019. Cette œuvre est très particulière, car elle a tendance à mettre mal à l'aise au premier abord. Cette sensation est celle qui est recherchée par l'artiste qui va dénoncer le voyeurisme constant Vécu à Londres ainsi que les décisions prises pour le bien commun. Cela pose un gros problème au niveau de la sécurité et des fuites de ces images sur les réseaux sociaux. 

Photo prise par Stéphane MAHE à Nantes le 29/08/2019  

Dans le même registre, nous avons “nids de caméras” qui est un projet créé par l'artiste Jakub Geltner en 2011, qui est tchécoslovaque ces œuvres consistent à mettre plusieurs caméras de surveillance au même endroit. Pour montrer là sur la présence des caméras dans le paysage et la surveillance de masse subit. On en a de plusieurs styles, l'un des plus connus s'appelle “NEST” Nids en français. Elle porte ce nom, car de loin, nous pouvons confondre cette œuvre par des oiseaux qui se sont perchés sur des rochers. Mais en regardant de plus près, nous voyons que ce sont des caméras de surveillance.

Photo prise par jakub Geltner  

Nous avons une deuxième œuvre de sa part. Qui est sensiblement la même à une différence à la place d'avoir des caméras, nous avons des antennes sur un bâtiment pour représenter la sur écoute de sa population dans son pays.  

Photo prise par jakub Geltner  

Je vous conseille d'aller sur son site pour voir toutes ces œuvres car je vous en ai présenté que deux mais il a plus d'une trentaine d'œuvres à son actif qui sont tous très intéressantes. 

La dénonciation de la surveillance de masse n'est pas présente que dans l'univers de l'art plastique, mais aussi dans l'univers télévisuel. Avec de nombreuses séries et de nombreux films qui en ont fait leur sujet principal. 

 Dans le lot on peut citer Black Mirror qui a un épisode spécialement consacre à ce sujet on n'y voit pas un monde spatialement surveiller mais une dystopie ou l’on note tout le monde cette note est tellement importent qu'elle influence la vie et les relations des gens avec leur entourage dans leur travail comme dans un café. Cet épisode nous rappelle la notation mise en place en Chine allant même jusqu'à afficher le visage des personnes sur les panneaux dans la rue et à leur enlever des services publics comme la priorité sur la recherche d'un appartement. 

Image de la série Black Mirror 

Pour conclure, nous pouvons voir que la surveillance de masse a un impact très puissant sur le monde de l'art, car elle inspire beaucoup d'artistes à dénoncer les dérives et les injustices que peut subir la population. Les possibilités de création sont infinies car ce sujet peut être représenté sur n'importe quelle plateforme artistique possible. Et nous pouvons voir que depuis quelques années et depuis que les artistes ont repris ce sujet on a un changement dans les mentalités des gens qui n'acceptent plus cette situation de surveillance constante. 

GUL Enzo 

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En quoi la technologie a-t-elle fait évoluer la musique ?

La musique est un art qui permet à chacun de se libérer, se développer, et de s’exprimer, celle-ci connaît plusieurs catégories afin que chacun puisse trouver ce qu'il lui plaît, mais aussi ce qui lui correspond, récemment le monde de la musique a un connu une très grande évolution qui amenait à se réinventer, mais aussi qui a permis de proposer de nouvelles expériences, en effet la technologie a permis de mettre en place :

La musique est un art qui permet à chacun de se libérer, de se développer et de s'exprimer, elle est divisée en différentes catégories afin que chacun puisse trouver ce qui lui plaît et ce qui lui correspond. Récemment, le monde de la musique a connu une évolution significative qui a permis de se réinventer et de proposer de nouvelles expériences, car la technologie a permis de mettre en place de nouvelles formes de musique, comme par exemples :

Des hologrammes 

Des sites de streaming 

Des IA 

…

Les hologrammes sont très courants dans le domaine de la musique depuis peu de temps. Ils permettent de créer des images à partir d'archives ou d'images des chanteurs afin de les visualiser en 3D. Cette technologie a même permis de faire revivre des chanteurs décédés, comme Michael Jackson lors des Billboard Music Awards en 2014. En 1998, le groupe Gorillaz a présenté cette technologie qui utilise des personnages fictifs en 2D. Ces technologies permettent à de nombreux artistes de se produire simultanément à plusieurs endroits tout en évitant la pression et le stress tout en restant anonymes. Avec ces nouvelles technologies, il est possible pour beaucoup de faire revivre un artiste pendant une soirée et de ressentir une nostalgie en jouant de la musique.

Johnny Hallyday en hologramme

La volonté de faire renaître les chanteurs a également été rendue possible grâce à la technologie de l'intelligence artificielle (IA), qui est une intelligence artificielle capable de produire des musiques et d'autres créations musicales. Les IA ont toujours joué un rôle important, en particulier en Corée du Sud, où elle avait déjà un membre de la K-pop avec une idole virtuelle en 1990. Cependant, la popularité de la K-pop dans le monde a augmenté grâce à la découverte de plusieurs groupes de K-pop ayant des idoles virtuelles, tels que le groupe féminin K/DA, le chanteur Saejin du groupe SUPERKIND et le groupe Eternity 

La musique a pu se diffuser sur toutes les plateformes, mais surtout dans le monde, grâce à la technologie comme les réseaux sociaux.

La musique a connu une évolution significative qui lui a permis de se transformer complètement. En juin 1999, Napster, une plateforme en ligne pour acheter des musiques, est apparue. À la suite de ce changement, de nombreux sites de streaming comme Deezer et Apple music ont commencé à apparaître. Selon la National Music Publisher’s Association, Spotiify comptait près de 44,4 millions d’abonnés en 2023 , tandis qu’Apple Music comptait 32,6 millions d’abonnés , malgré une augmentation des prix

Le streaming est devenu le mode de consommation préféré dans le monde, ce qui a conduit à une forte baisse des ventes de CD physiques. En France, ces ventes ont été considérées comme « démodées », et cette baisse a également été causée par les nouvelles voitures, qui ont décidé de ne plus inclure de lecteur cd dans leurs voitures, ce qui oblige les conducteurs à utiliser les sites de streaming. Selon CB News, près de cinquante-cinq pour cent des conducteurs de voitures utilisent le streaming, tandis que vingt-et-un pour cent préfèrent les CD physiques.

Les technologies ne créent-elles pas une barrière entre les artistes et le public? 

Pour moi, les nouvelles technologies ont beaucoup d'avantages car elles permettent de produire des feat qui n'auraient jamais pu être aussi excitants, comme celui de Justin Timberlake et Michael Jackson en 2015 ou encore les concerts de Whitney Houston en 2021. La technologie surpasse les limites du possible en créant de grandes choses et en faisant vivre de nouvelles choses, mais aussi des choses que l'on aimerait revivre.

Mais elle a aussi des inconvénients, car si le chanteur n'est pas réel, le public qui lui réel ne peut pas ressentir les mêmes émotions. Malgré les avancées spectaculaires en matière d'IA et d'hologrammes, elles ne pourront jamais remplacer les vraies émotions humaines, donc elles ne peuvent plus transmettre les mêmes messages, il n'y a plus aucune interaction et le public est délaissé. En écoutant une musique créée par une IA ou des hologrammes sans jamais pouvoir poser un visage sur la musique, cela peut être un frein pour beaucoup car cela crée un mur entre le fan et le créateur de la musique. Notre cerveau a besoin de visuel réel.

Émilie Tromeur-Navaresi, musicologue

Malgré les avis divergent, la musique, avec ou sans la technologie, permet de réunir tout le monde des quatre coins du monde afin de vivre la même chose, comme disait Émilie Tromeur-Navaresi, musicologue « La musique nous réunit quelles que soient nos cultures, notre histoire ou nos origines. C’est quelque chose que l’on a en commun, qui nous rassemble. Elle permet de nous sentir vivant, de nous rapprocher, même si on est physiquement loin les uns des autres, même si on est confinés. C’est une façon de ne pas se sentir seul, ni isolé. »

Da Silva Clara