#arquitectura constructivista

[artemartinpietro]

El Constructivismo en el Arte

Orígenes del Constructivismo

El constructivismo es un movimiento creativo y arquitectónico que tuvo su origen en Rusia alrededor del año 1914. Este movimiento tomó un papel particularmente relevante después de la Revolución de Octubre. Es importante resaltar que el término “construction art” fue utilizado por primera vez por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.

Principios del Constructivismo

Los principios fundamentales del constructivismo giran en torno a la idea del funcionalismo y a la sinergia entre la tecnología y el arte. Este movimiento también destacó por el uso de materiales industriales modernos. Los constructivistas, quienes se veían a sí mismos como ingenieros-artistas, tenían como objetivo redefinir la cultura visual general en la nueva sociedad soviética.

Representantes del Constructivismo

Entre los representantes más importantes de este movimiento, encontramos a figuras como Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Varvara Stepanova, László Moholy-Nagy, Gustav Klutsis y Valentina Kulagina. El corazón del constructivismo residía en Vjutemás, una escuela de arte y diseño establecida en Moscú en 1919. Los constructivistas exploraron todos los campos creativos y experimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar con la experimentación geométrica suprematista.

Identidad Visual y Objetivos del Constructivismo

El movimiento constructivista desempeñó un papel significativo en la formación de la estética y la imagen del comunismo soviético. Su principal objetivo era democratizar el arte, liberándolo de las restricciones de las élites y acercándolo al pueblo en general. Este enfoque en la explotación de todos los campos creativos y tecnológicos de la época se manifestó en la apariencia de las obras con estilo constructivista, y también en los edificios, que sufrieron cambios al incorporar elementos decorativos. En las esculturas constructivistas, se omitió la intención de que el arte fuera útil para la sociedad, y se prefirió buscar lo abstracto, lo tecnológico y lo nuevo en maquinaria.

Diferencias con Otras Corrientes Artísticas

El constructivismo se diferencia de otras corrientes artísticas de la época en aspectos como:

Funcionalidad: Se enfocó en la idea de que el arte debía ser útil para la sociedad, rescatando el arte de las élites y llevándolo al pueblo.

Exploración: El movimiento constructivista se caracterizó por su enfoque en la exploración en todas las disciplinas artísticas, el uso de diversas técnicas y la adopción de nuevas tecnologías. Además, se mantuvo fiel a la experimentación geométrica del suprematismo.

Propaganda: Se utilizó como una herramienta de propaganda para difundir los ideales comunistas y revolucionarios.

Abstracción geométrica: Los artistas constructivistas aplicaron principios compositivos del diseño arquitectónico, particularmente la geometría espacial y el estudio de los materiales en la pintura, la escultura, el diseño gráfico.

Técnicas y Materiales Utilizados

Los artistas constructivistas utilizaron diversas técnicas y materiales en sus obras de arte. Entre los más destacados se encuentran el uso de materiales industriales modernos y la experimentación con diferentes disciplinas y técnicas. En este sentido, no se limitaron a una sola disciplina o técnica, sino que exploraron todas las posibilidades creativas y técnicas disponibles.

Influencia y Legado del Constructivismo

La influencia del constructivismo se puede ver en una amplia gama de disciplinas artísticas, incluyendo la arquitectura, el diseño gráfico, la escultura y la pintura. Además, la filosofía subyacente del constructivismo de que el arte debe servir a un propósito social y político también ha influenciado a muchos movimientos artísticos posteriores.

Un ejemplo claro de la influencia del constructivismo es el diseño gráfico contemporáneo, que a menudo utiliza la abstracción geométrica y la tipografía audaz que caracterizaban al arte constructivista. El movimiento Bauhaus en Alemania también tomó prestado mucho del constructivismo, en términos de su énfasis en la utilidad y funcionalidad del diseño, y su enfoque en la integración del arte y la tecnología.

En la arquitectura, el constructivismo llevó a un enfoque en la construcción y la funcionalidad, lo que resultó en edificios que eran a la vez funcionales y estéticamente atractivos. Algunos de los ejemplos más famosos de arquitectura constructivista incluyen el Monumento a la Tercera Internacional de Vladimir Tatlin y el edificio Narkomfin en Moscú.

El constructivismo también ha tenido un impacto significativo en el arte contemporáneo, especialmente en movimientos como el arte conceptual y el minimalismo. En estos movimientos, la idea de que el arte debe tener una función y servir a un propósito social es una influencia clara del constructivismo.

En conclusión, el constructivismo, aunque breve como movimiento, dejó un legado duradero que sigue influyendo en el arte y el diseño hasta el día de hoy. A través de su énfasis en la funcionalidad, la experimentación y la integración del arte y la tecnología, el constructivismo redefinió lo que podía ser el arte y cómo podía interactuar con la sociedad.

Originally published at https://artemartinprieto.com/on June 21, 2023.

[el-artemoderno-y-contemporaneo]

Movimientos del Siglo XX Constructivismo Ruso

Nació en Rusia en el año 1914. Sin embargo, estuvo realmente presente luego de que terminó la Revolución de Octubre ( fue la segunda fase de la Revolución rusa de 1917, que acabó con el zarismo y que llevó a los bolcheviques al poder). El término construction art (arte para construcción) fue utilizado por primera vez, de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.  se basó en las enseñanzas que implantaron el comisariado del pueblo  para la educación, el cual pertenecía en ese momento al gobierno bolchevique.

supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites; Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en una unión de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura y escultura.

En las pinturas constructivistas estaban presentes las formas geométricas y otros tipos de elementos que tenían como objetivo generar una especie de sensación emocional. En ella los cuerpos y actores tienen un elevado nivel de expresividad, la cual transmitían a través de la escenografía y sus trajes que estaban en armonía con el espacio. 

En las esculturas de constructivismo se omitió la intención de que el arte fuera útil a la sociedad. La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Vladímir Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional de 1919, que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. El objetivo era hacer ver al proletariado que las mejoras tecnológicas del momento hacían más grande el país y esto debía plasmarse como una idea artística.

 Se usó la tecnología para hacer fotomontajes, collages y combinaciones de figuras para transmitir las ideas de manera solapada. Esto dejaba ver que la ideología del movimiento no era para que las masas en general las comprendieran, sino para transmitirles la idea de que se había alcanzado un avance histórico. 

Artistas representantes:

Alexander Rodchenko

 El Lissitzky

Varvara Stepánova

Gustav Klutsis

[jaquemc]

4.1.6.2 Asistentes

El Asistente para página Web, proporciona una manera para generar mediante páginas Web de miniaturas y vínculos a las imágenes originales para su publicación en Internet. El asistente le guiará a través de los pasos requeridos para crear un catálogo de imágenes en línea, y dispone de varias plantillas para obtener diferentes estilos de página Web. El catálogo puede constar de una única página o puede expandirse en varias páginas. Si selecciona más imágenes que las que caben en la tabla, automáticamente generará múltiples páginas; cada una de estas páginas contendrá un vínculo tanto a la página anterior como a la siguiente.

Anteriormente todo diseño de páginas Web exigía el conocimiento de los códigos propios del lenguaje HTML, DHTML, XML.

Actualmente la actualización de este lenguaje de programación esta al alcance de cualquier usuario, está herramienta se encuentra como programas gratuitos y otros de pagar. El diseño web es una actividad que consiste en la planificación, diseño e implementación de sitios web y páginas web. No es simplemente una aplicación del diseño convencional, ya que requiere tener en cuenta cuestiones tales como navegabilidad, interactividad, usabilidad, arquitectura de la información y la interacción de medios como el audio, texto, imagen y video.

CARACTERISTICAS DE ESTA HERRAMIENTA

Aprovechamiento de la inteligencia colectiva

Participación de los usuarios

Construcción voluntaria y cooperativa

Enfoque constructivista

Recurso didáctico

Carácter social

Modificación de la información, entre muchas más

[veredes]

Colección completa de la Revista CA Sovremennaya arkhitektura [Современная Aрхитектура]

[masonbuenosaires]

La Muralla Roja en Calpe (Alicante) España, es un edificio del arquitecto Ricardo Bofill Levi situado en la Urbanización La Manzanera. Su construcción se completó en el año 1973 aunque, según palabras del propio arquitecto, su diseño empezó diez años antes.

La configuración del edificio, en una evocación de la estética constructivista, engendra una serie de patios comunicados entre sí desde donde se accede a las viviendas. En las terrazas de cubierta se reparten los soláriums, una piscina y sauna.

Su composición responde a un plan geométrico basado en la tipología de cruz griega que se agrupa de diversas maneras dejando las torres de servicios en la intersección de las cruces. En sí mismo es una clara referencia a la arquitectura popular mediterránea y árabe, en particular a las torres de adobe norteafricanas y a la casbah. El criterio de aplicar al edificio una variada gama cromática arranca del propósito de dar un relieve determinado a los diferentes elementos arquitectónicos con arreglo a su función estructural

[duskofarcana]

Ubicación: San Francisco, California. Color: Cobre. De la familia del rojo, representa valores muy similares como la energía, la fuerza, la moral alta, la osadía y la seguridad.  Maestría: Hostigadores.

Pese a ser otra de las Maestrías más numerosas de la Orden, en disputa con los Guardianes, los Hostigadores fueron los últimos en escindirse de Arcana, a la que seguían usando como cuartel general. Cuando el alma máter de los cazadores se fue viendo obligada a reutilizar su espacio por el número creciente de niños que llegaban a sus puertas, se decidió reorganizar por completo el uso de los edificios. Lo que dio como fruto el traslado definitivo de todas las Maestrías. 

San Francisco había sufrido en 1906 un devastador terremoto en el que más de tres cuartas partes de la ciudad y sus edificios habían quedado en ruinas. La reconstrucción se inició poco después, de manera rápida y a gran escala. Las grandes mansiones devastadas se convirtieron en hoteles y fue durante este periodo en el cual la ciudad construyó algunas de sus más importantes infraestructuras, consolidándose como un importante centro financiero. 

Esa proliferación de nuevas construcciones, que culminaría en torno a 1915, y la presencia como en otros casos de un gran vórtice cercano a la ciudad, sirvieron como principal reclamo para erigir en ella la nueva Sede de los Hostigadores. Constituyéndose también como un supuesto hotel de los que empezaron a proliferar en la zona, el edificio siguió gran parte de la mentalidad de quienes iban a ocuparlo. Buscando una arquitectura organizada y lógica, alejándose de corrientes más recargadas, se optó por un estilo más constructivista. Un nuevo movimiento soviético que surgió como propaganda y necesidad de reflejar el cambio que se estaba produciendo en la sociedad. Un estilo en el que había un predominio claro de las formas geométricas simples y lineales. 

La Sede destaca por el color anaranjado-rojizo que recubre toda su fachada y a ojos mundanos continúa siendo un hotel cerrado al público, pues sus reformas no parecen terminar nunca. Su nombre, Astar, también referido como Attar o Athtar, lo recibe de una divinidad semítica que varía en género en función de la cultura. Una correspondencia habitual es con la diosa Astarte o Ishtar. Pero lo que es invariable es su función como deidad de la guerra, referida habitualmente como "el que es valiente en batalla". 

El edificio acoge en su interior la principal fundición de la Orden, donde se crean la mayoría de armas rituales y armaduras. 

HOSTIGADORES

Los hostigadores son la vanguardia de Arcana. Soldados impecables, versados y expertos en el uso de armas. Centran todas sus habilidades en los ataques físicos, la velocidad y destreza. Buscando siempre acabar con sus enemigos de la forma más fácil y precisa. Es una clase que está totalmente enfocada a la fuerza y el daño. Siendo su habilidad más destacada las acrobacias con las que pueden eludir con más facilidad los ataques que reciben. 

Esta maestría es la fuerza de ataque de Arcana. En momentos clave, como las ruinas, se organizan siempre como el primer opositor contra el enemigo. Y si bien muchos optan por una aproximación frontal, no se les debe subestimar en el campo de la estrategia. Dentro de los hostigadores existen tres subclases: 

Duelista: Guerreros volcados puramente en la fuerza que apuestan por enfrentamientos más directos. Su superioridad en combate es evidente y sus habilidades se centran principalmente en causar el mayor daño posible para salir victoriosos. Como parte de esas técnicas son capaces de sacrificar su propia vitalidad a cambio de incrementar sus ataques. 

Rastreador: Los expertos por excelencia en armas de rango o a distancia. Precisos, mortales y un poco individualistas. Se sirven de emboscadas y en trazar estrategias con las que atrapar a sus enemigos en la comodidad de un terreno seguro. El intentar mantenerse lejos de sus oponentes les aporta ciertas ventajas en combate, como el poder sacrificar parte de su defensa para causar más daño. 

Ejecutor: Asesinos letales y sigilosos. De los que prefieren no ir frente a frente, sino aguardar el momento oportuno para dispensar el golpe de gracia. Expertos en buscar los puntos débiles del enemigo y emplear diversas trampas en las que basan su estrategia de combate. Como expertos ejecutores no es de extrañar que una de sus habilidades más destacadas sea la de rematar enemigos.

[geralar]

Casa giratoria, 1921 por Paul Klee.

Paul Klee (1879-1940) fue un pintor alemán expresionista, aunque lo complementaba con el surrealismo y la abstracción. Llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, llegando a enseñar la teoría del color en la Escuela de la Bauhaus. Klee trabajaba el óleo, la acuarela, la titan y otros materiales combinándolos en un sólo trabajo que frecuentemente aludían a la poesía, la música y los sueños, incluyendo en varias ocasiones palabras o notas musicales.

La Casa Giratoria Thyssen-Bornemisza fue pintada durante los primeros meses de Klee en la Bauhaus, donde enseñó de 1921 a 1931. Durante esos años, influenciado por el ambiente constructivista en la escuela, Klee tendió a una mayor geometrización en su trabajo, aunque su temperamento y la espontaneidad creativa lo puso en guardia contra cualquier forma de constructivismo puro. En la pintura actual aborda el tema de la ciudad, que consideraba el lugar donde el hombre modifica la naturaleza, y donde prevalecen la ley y el orden. A primera vista, vemos una imagen deliberadamente ingenua que se asemeja a la pintura de un niño, en la que las formas arquitectónicas se han reducido a sus elementos esenciales. Además, Klee, en su rechazo persistente de la perspectiva tradicional, evita el punto de vista único y, como se encuentra con frecuencia en su trabajo, utiliza una gran cantidad de ángulos de visión que empapan la imagen en numerosas ambigüedades visuales. Como tendemos a considerar la arquitectura como algo estático, estable y constructivo, nos sorprende la introducción de Klee de un elemento dinámico en la concepción geométrica de las casas, haciendo que giren alrededor de un centro, como si imitaran la rotación de una rueda. Este dinamismo hace que sus arquitecturas vivan en lugar de ser estáticas; inestable en lugar de estable; e intuitivo en lugar de constructivo.

El celo incansable de Klee por la experimentación lo llevó a emplear medios artísticos no convencionales. En este caso, ha montado en el soporte de papel un trozo de tela fina de queso, que se ha recogido con bastante soltura para crear un efecto de tridimensionalidad que aumenta aún más por la irregularidad de los bordes de la tela. Los colores se aplican libremente y de manera desigual en capas finas, sin cubrir toda la superficie. El tejido de la tela es visible en algunas partes de la pintura y en otras, donde se absorbe la pintura, crea un efecto intencional de textura que, junto con el uso de una gama de tonos terrosos, imita las propiedades de la arena y la arena. cemento. Impulsado por su deseo de relacionar el tema representado con el medio empleado para explorar la naturaleza de las apariencias, el artista logra reproducir en la pintura los materiales con los que se construirían estas casas en la vida real.

La ambigüedad irracional de Klee fue aplaudida tanto por los dadaístas como por los surrealistas, pero su mundo mágico no era en absoluto onírico. Al mismo tiempo, su relación con la abstracción geométrica lo ha convertido en uno de los pioneros de la pintura abstracta, a pesar de que su obra no es en absoluto abstracta y siempre estuvo en constante "diálogo con la naturaleza". No debe olvidarse que para Klee el arte fue una "metáfora de la creación" y rechazó la aspiración artística tradicional de imitar la naturaleza a favor de intentar explicar cómo funciona la naturaleza. Su ensayo Creative Credo, escrito en 1918 y publicado en 1920, comenzó precisamente con la famosa declaración:

"El arte no reproduce lo visible: más bien lo hace visible ”

(paulklee.net)

[mujeresartistaseag-blog]

Futurismo

El futurismo es el movimiento de vanguardia más importante del S.XX en el arte italiano, a partir de la publicación del “Manifiesto Fundador del Futurismo” de Filippo Tommasso Marinetti, que nace en 1909 como propósito de renovación, para cambiar la vida y la sociedad.

Se define como un “cubismo dinámico” donde la finalidad es representar con el uso del color el dinamismo, un efecto que produce un objeto en movimiento. Para lograr este efecto se multiplican las posiciones de un cuerpo, de igual forma que en los inicios del cine. Algunos artistas, incluso, intentaron las artes sonoras del arte, inspirándose de ruidos para elaborar sus obras.

El futurismo surge gracias a un manifiesto en el que preconiza el triunfo de la velocidad en la pintura como símbolo y conquista máxima de la sociedad de la época. El nuevo ismo estaba inspirado en los grandes cambios de la 2º Revolución Industrial introducida en Europa, inspirad en las máquinas y la tecnología, queriendo plasmar la esencia del movimiento en las formas, la agresividad, la velocidad, la fuerza, el peligro y la energía.

También se presenta a la patria, la temática bélica y militarista como valoras a promover entre la sociedad a través de este movimiento artístico.

Aunque se desarrollo inicialmente en Italia, calo en mucho otros países y sirvió de influencia para movimientos posteriores y coetáneos, como el expresionismo abstracto o el neopositivismo, Rusia fue uno de los países donde más calo.

1. Natalia Goncharova

Ladýzhino, Rusia, 1881 - París, Francia, 1962.

En Rusia el futurismo tuvo una gran mole de artistas consagrados que ya habían experimentado en diferentes movimientos vanguardistas, y se sintieron atraídos por las ideas de una nueva forma irreverente de creación. Goncharova formo parte del grupo de expresionistas de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) desde 1911 y se alzo como una de las lideres del movimiento ruso con la representación del dinamismo, donde se inspiro en la obra de Boccioni, El Ciclista. Estudio escultura en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú, empezó a pintar en 1904. Sus obras se inspiraron en el arte folclórico ruso, añadiendo elementos fauvistas y cubistas. Junto a Mijaíl Lariónov desarrolló el rayonismo y fueron los padres del avant-garde ruso pre-revolucionario, realizando la exposición La cola del burro (1912). Esta exposición supuso la ruptura con el arte europeo y el surgimiento de una escuela independiente rusa de arte moderno. En las últimas obras de Goncharova observamos la influencia del futurismo ruso, donde se preocupaba por el iconos y el primitivismo del arte folclórico ruso. Sus obras no se limitaban únicamente a la pintura, dado que escribir e ilustro un libro de estilo futurista, realizando tareas típicas de una diseñadora gráfica. También diseñó trajes de Ballet y decorados en Ginebra y en París, como los decorados para los Ballets Russes de Sergéi Diáguilev.

2. Aleksandra Ekster

Belostok, Polonia, 1882 - Fontenay-Aux-Roses, Francia, 1949.

Artista rusa que pintaba y diseñaba obras dentro del cubofuturismo, el suprematismo y el constructivismo. Vivir estos estilos desde los diferentes lugares donde vivió, como son San Petersburgo, Moscú, Viena, Kiev y París. Nació en una familia rica bielorrusa, por lo que recibió una increíble educación privada, estudiando idiomas, música y arte, entre sus clases, se encontraban clases privadas de dibujo. Fue a la escuela de arte de Kiev y se graduó en pintura en el año 1906. En París acucio a la Academia de la Grande Chaumière en Montparnasse. Estuvo viviendo de forma discontinua entre Kiev, San Petersburgo, Odesa, París, Roma y Moscú. En Kiev tenia un estudio de pintura donde se reunía la elite entre los artistas, y realizo una exposición con el grupo Zveno en 1908. En París expuso seis obras en el Salón de la Section d´Or, Galerie La Boétie, en 1912. En 1914, participó en las exposiciones del Salon des Indépendants en París y con Archipenko, Koulbine y Rozanova en la Exposición Futurista Internacional en Roma. En 1915 se unió al grupo de artistas de vanguardia Supremus. Destaco cómo pintora suprematista y constructivista, así como que fue una gran influencia en el movimiento Art Déco. No se limitaba a un solo movimiento artístico y fue una de las artista de la vanguardia que más experimento. En 1919 decoró las calles y las plazas de Kiev y Odesa en estilo abstracto para las Festividades de la Revolución. Sus obras sn vibrantes, experimentales, dramáticas y teatrales en su composición, tema y color. Amplió las intenciones dinámicas de su trabajo por todos los medios, experimentando con la transparencia, el movimiento y lo vibrante de los tejidos. En 1924 emigro a París donde se convirtió en profesora en la Academie Moderne, y desde 1926 a 1930 fue profesora de la Académie D´Art Contemporain de Fernand Léger. En 1936 participo en una exposición de Cubismo y Arte Abstracto en Nueva York, también tuvo una exposición individual en Praga y en París.

3. Benedetta Marinetti Cappa

Roma, 1897 - Venezia, 1977.

Fue pintora, poetisa y literata. Fue una gran representante del Futurismo aunque también fue olvidada. Se caso con Filippo Tommaso Marinetti, creador del futurismo, y juntos crearon “il tattilismo” una evolución del futurismo. En 1929 fue una de las promotoras del Manifiesto de aeropittura. Participó en cinco ediciones de la Bienal de Venecia, y fue la primera mujer en tener un trabajo publicado en el catálogo de la Bienal, y en tres ocasiones en la Cuadrienal de Roma. Pintó frescos en el interior del edificio de Correos en Palermo, y además de realizar cuadros pictóricos, escribió algunas novelas y un poema experimental.

4. Valentine de Saint - Point

Lyon, Francia, 1875 - El Cairo, Egipto, 1953.

Valentine fue una mujer especial con una vida repleta de polémicas. Fue escritora, pintora, critica de arte, dramaturga, coreógrafa, conferenciante y periodista. Redacto un manifiesto futurista, la primera mujer en hacerlo, y fue muy reconocida por este hecho ademas de sus contribuciones al arte y al concepto de performance con sus Métachories. Sus obras se centran en el pensamiento de que tanto el individuo como la colectividad serán completos cuando se basen tanto en la feminidad como en la masculinidad. Pensaba en que todas las mujeres deberían compartir las virtudes femeninas con las viriles. La mujer, que se veía como una amante o una madre encantadora y tierna, y querían cambiar esta visión por la mujer guerrera, la heroina, etc. Creó la imagen de una feminidad fuerte, masculina, ni dócil ni reducible al estereotipo de la femme fatal. Llevó la noción de la maternidad y la ética sacrificio de la feminidad como la única misión apropiada para la mujer. Ponia como modelos a mujeres como Juana de Arco, las amazonas, Cleopatra, etc. Rechazo el feminismo como movimiento político por que pensaba que no podría producir el desorden o la destrucción que deseaban los futuristas. Por el contrario Valentine fue criticada por protofascista, antifeminista y antifemenina.

[ivangzama]

Nicolás Maduro @NicolasMaduro Acá les dejo un buen libro para que lo descarguen: “Los caminos del arte. Pintura y arquitectura constructivista”. El arte es esencia, inspiración y expresión para el ser humano, aflorando lo más bello de nuestros sentimientos. ¡Espero lo disfruten! ==> https://bit.ly/3PrxlR1 http://www.elperroylarana.gob.ve/wp-content/uploads/2018/05/los_caminos_del_arte.pdf ▶️ #MaduroPuebloTrabajador 🇻🇪😷¡Poder Popular a la vanguardia del desarrollo de la Patria! ▶️ #VivaLaPatriaGrande 🇻🇪😷 ▶️ #LeerIndependiza 🇻🇪🕊️😷💙📖📚

#PSUVEnRevoluciónConLasBases

[nibaldop]

Considerada como la escultura de mayor dimensión de Barcelona, esta "Media escultórica" (1985-89), de Agustí Roqué Gomara, escultor español, con obras públicas en Estados Unidos, Alemania, Francia y España, y quien trabajó en esta propuesta urbana junto a los arquitectos Carles Teixidor y Paloma Bardají, destaca por ser una obra de estilo contemporáneo, minimalista y constructivista, y austero en el uso de los materiales, de rigor compositivo, y sobriedad en el tratamiento de las formas y su relación con el contexto, propio de las llamadas obras de gran formato, ubicadas en áreas muy transitadas, y esta imponente obra compone un recorrido de más de 300 metros. Esta está ubicada en la avenida Río de Janeiro, próxima a la avenida Meridiana, a pocos metros de donde vivo. El conjunto obtuvo el premio FAD de 1989, concedido por la asociación ArquinFAD del Fomento de las Artes y del Diseño (FAD). ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀ ... Considered the largest sculpture in Barcelona, ​​this "Sculptural Media" (1985-89), by Agustí Roqué Gomara, a Spanish sculptor, with public works in the United States, Germany, France and Spain, and who worked on this urban proposal together to the architects Carles Teixidor and Paloma Bardají, It stands out for being a work of contemporary, minimalist and constructivist style, and austere in the use of materials, of compositional rigor, and sobriety in the treatment of forms and their relationship with the context, typical of the so-called large-format works, located in busy areas, and this imposing work composes a route of more than 300 meters. This is located on Rio de Janeiro Avenue, next to Meridiana Avenue, a few meters from where I live. The ensemble won the 1989 FAD award, granted by the ArquinFAD association for the Promotion of Arts and Design (FAD). ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀ ... #arte #art #arts #cultura #culture #escultura #sculpture #arquitectura #architecture #mediaescultorica #agustiroquegomara #carlesreixidor #palomabardají #AvingudaRiodeJaneiro #noubarris #bcn #ciudadcondal #igbarcelona #igersbarcelona #instabarcelona #barcelona #catalunya #cataluña #españa #spain (en Barcelona, Spain) https://www.instagram.com/p/CfPFlHiqD92/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[arquitecturas-digitalesedu30]

Teorías de Aprendizaje: Qué son y aplicaciones en el eLearning

See on Scoop.it - Arquitecturas digitales del aprendizaje para una educación 3.0

El desarrollo de la educación se vincula con el interés de conocer de qué manera aprendemos. Las teorías del aprendizaje son relevantes para la educación porque explican los mecanismos del proceso de aprendizaje. El proceso de aprendizaje es continuo y natural para los seres vivos. No se trata solo de aprender conceptos durante un período educativo. El aprendizaje también incluye la adquisición de valores, habilidades y destrezas mediante la práctica y las experiencias de vida. Las teorías del aprendizaje aportan a la educación distintos enfoques para comprender los procesos mentales, biológicos, fisiológicos y sociales involucrados en la adquisición efectiva de conocimientos.

Oskar Almazan's insight:

El enfoque conductista se puede integrar en la modalidad e-learning al programar aplicaciones educativas con secuencias formativas estructuradas y repetitivas. Mediante preguntas o test se verifica si el aprendiz ha adquirido el conocimiento deseado. Según el resultado, recibe mensajes de retroalimentación positiva o penalizaciones por sus errores. Las teorías constructivistas son utilizadas en el aprendizaje online para fomentar actividades reflexivas en el aprendiz. También para crear experiencias formativas en donde progresivamente construye su conocimiento, relacionando lo que aprende en el entorno online con la realidad. El cognitivismo educativo aplicado en el e-learning se utiliza para favorecer el desarrollo de capacidades y habilidades. Con el uso de aplicaciones informáticas se fomenta la participación activa del estudiante. Además, se desarrollan competencias de procesamiento de información y habilidades digitales.

[materiales-concretos]

EL FINAL DE LAS MANERAS: NUEVAS INTOLERANCIAS PARA DESPUÉS DE LA ERA DE LA POSVERDAD

Alejandro Zaera-Polo

AZPML, Instituto de Medicina Legal, Madrid, 2008.

El posmodernismo, la escuela de “pensamiento” que proclamaba “No hay verdades, solo interpretaciones”, se ha convertido en gran parte en un absurdo, aunque ha dejado detrás una generación de académicos en las humanidades discapacitados por su desconfianza en la idea misma de verdad y por una falta de respeto por la evidencia, que se conforman con tener “conversaciones” en las que nadie se equivoca y nada se puede confirmar, simplemente afirmar mediante cualquier estilo que se pueda concebir. Daniel C. Dennett en Wieseltier v. Pinker en The New Republic

Más allá de convertirse en una catástrofe global y una enorme perturbación para todos nosotros, la COVID-19 señala el comienzo de una era. Si bien los efectos combinados de los ataques del 11 de septiembre de 2001 y la crisis financiera mundial de 2007 ya habían dañado irreparablemente la integridad del llamado neoliberalismo, la COVID-19 no es sino la cara más brutal del cambio climático y la degradación ambiental, y marca el comienzo de un nuevo régimen cultural que requerirá de una mentalidad distinta.

La COVID-19 ha confirmado los efectos radicales de las poblaciones no humanas —virus en este caso— en el diseño y desempeño de las ciudades, y la abrumadora relevancia de las determinaciones científicas sobre la arquitectura y el urbanismo: el distanciamiento social, el confinamiento, la física de los compuestos orgánicos volátiles (COV) en el aire y otras despiadadas biopolíticas poshumanas sugieren lo que habíamos sospechado durante mucho tiempo: que las “culturas” arquitectónicas y urbanas son una eflorescencia irrelevante de las verdaderas fuerzas de su evolución.

La era de la posverdad y sus consecuencias políticas, el populismo y las políticas de la identidad, podrían ser el último estertor de la posmodernidad. El conflicto emergente entre los imperativos ecológicos y la justicia social, como queda tan bien ilustrado por la lucha de los chalecos amarillos contra los impuestos ambientales para defender el derecho fundamental de conducir un automóvil con motor de combustión interna, puede ser un ejemplo vívido de estas confrontaciones incipientes entre circunscripciones humanas y no humanas.(1)

Frente a los intentos fútiles de un renacimiento disciplinar por parte de algunos arquitectos contemporáneos, impulsados principalmente por discusiones bizantinas sobre el estilo y el lenguaje, y la pretensión demagógica de los constructivistas sociales y los activismos políticamente correctos, impulsados en la arquitectura a través de políticas identitarias (de clase, género, raza, etcétera) que hemos visto florecer en los últimos años, la COVID-19 nos ha devuelto repentinamente a las cuestiones más fundamentales: las consideraciones más relevantes en el diseño de edificios y ciudades, ahora y en un futuro próximo, no están relacionadas tanto con los humanos sino con procesos y poblaciones no humanas, tales como las emisiones de carbono, la contaminación ambiental, la computación generalizada (pervasive computation), la sensórica, la concentración de componentes orgánicos volátiles, o las poblaciones de virus, bacterias o los ratios de biomasa...

Como resultado de estas consideraciones, quisiera proponer aquí el retorno a la inteligencia técnica, a la exactitud y a la evidencia científica como la base misma de nuestra práctica, como la forma de terminar de una vez por todas con el asombroso diletantismo que el discurso disciplinario en arquitectura ha promovido durante cuatro décadas. La exactitud puede convertirse en la alternativa ese imperativo moral hacia la construcción artificial de la diferencia que ha envuelto las prácticas arquitectónicas especulativas en las últimas décadas, y cuya versión final está en esos activismos que han ocupado la discusión arquitectónica en la última década. A través del rigor constructivo y la física de la construcción, el episodio de la COVID-19 podría desencadenar todo una nueva gama de intolerancias en nuestras prácticas y discursos, sobre las que podemos construir quizá un nuevo canon desde las ruinas de la posmodernidad.

Si el posmodernismo promovió una arquitectura inmaterial basada en la autoría, las nuevas intolerancias podrían constituirse en torno a lo físico y lo concreto. Las distancias sociales, los megajulios por kilo de energía incorporada, las transmitancias térmicas, el dióxido de carbono emitido por kilo de construcción, el peso por metro cuadrado, las concentraciones de PM2,5 y los componentes orgánicos volátiles han convertido aquella autoría posmoderna en una ambición fútil.

La compulsión posmoderna de producir “interpretaciones” originales y diferentes de la realidad parece bastante inútil para abordar la biopolítica de la COVID-19 y la evidencia innegable del calentamiento global. Como ya escribió Nietzsche preconizando el mundo de la posverdad, en un mundo donde todo es una interpretación, la verdad es una mera función del poder.(2) La intensificación de la diferencia y la movilización de los afectos sobre las que se construye la estética posmoderna ya no constituyen un acercamiento efectivo a la ciudad del futuro próximo. En el Antropoceno, cuando la arquitectura necesita abordar problemas que trascienden las sensibilidades humanas, los afectos aparecen como un esfuerzo miope. El incremento exponencial de una sensibilidad medioambiental artificial sugiere que la noción misma del sujeto humano debe revisarse y conectarse a los procesos ambientales, como Jennifer Gabrys ha descrito tan brillantemente en su libro Project Earth.(3)

La COVID-19 señala el final de las maneras: la representación y la escenografía posmodernas pronto serán reemplazadas por coreografías despiadadas de distancia proxémica y reconocimiento biométrico, donde la mensurabilidad y la cuantificación —las cuestiones de hecho, no de preocupación— se vuelven cruciales, y donde la simple vista es insuficiente. Es el detalle minucioso del rostro, más que los gestos y representaciones obvias, lo que importa. La medición y la cuantificación son el antídoto más poderoso contra la posverdad, contra el populismo y las políticas de identidad, e introducen nuevas sensibilidades de alienación, en el mas puro sentido brechtiano.

La “máquina de la diferencia” frente a la alienación poshumana

Somos genéticamente iguales en un 99,5%. Pero dedicamos el 99,5% de nuestro tiempo a ocuparnos de ese 0,5% que es diferente. Bill Clinton en el Centro de Vida Sostenible del Instituto Omega, 5 de octubre de 2013 (4)

Los Demócratas, cuanto más hablen sobre políticas de identidad, más les controlo. Quiero que hablen de racismo todos los días. Si la izquierda se centra en la raza y la identidad, y nosotros seguimos con el nacionalismo económico, entonces podemos aplastar a los Demócratas. Steve Bannon, entrevistado por Robert Kuttner, en The American Prospect, 16 de agosto de 2017 (5)

Estas dos citas ilustran vívidamente el dilema político contemporáneo. La referencia de Clinton al proyecto del Genoma Humano ofrece una perspectiva poshumana sobre la cuestión de la diferencia, mientras que el proyecto de Bannon se basa en la intensificación de la diferencia a través de la raza y el nacionalismo, y busca que similares intensificaciones ocurran desde el lado contrario. Si la cultura posmoderna arranca del incremento de tolerancia a las “diferencias,” para promover la democracia, ahora se ha convertido en un motor para producir o intensificar diferencias. Y si bien la tolerancia es un rasgo de cultura democrática, puede ser que también esté en el origen del mundo de la posverdad, como sostiene Lee McIntyre en su libro Post-Truth.(6) Al igual que en la cita de Dennett que abre este artículo, todo aquel relativismo cortés ha acabado por producir una desconfianza endémica hacia la verdad y la evidencia, en el que las preocupaciones han desplazado a los hechos. Los “hechos alternativos” de Kellyanne Conway se citan a menudo como uno de los ejemplos paradigmáticos de la posverdad, que divide progresivamente la realidad en universos múltiples, paralelos e inconexos. Ni siquiera la teoría de la evolución o el cambio climático se consideran probados, y mucho menos el desempeño ambiental de la arquitectura…

AZPML, Instituto de Medicina Legal, Madrid, 2008.

Y, sin embargo, los efectos ambientales de la arquitectura parecen ser no solo un dominio natural de la disciplina y un esfuerzo honorable, sino también un modelo en el que múltiples entidades están necesariamente vinculadas entre sí a través de un sistema que las trasciende como clases, tipos e identidades. ¿No es acaso la ecología política la verdadera alternativa a las políticas de identidad y al populismo? ¿Deberíamos suspender las preocupaciones humanas para poder recuperar un hilo conductor entre los múltiples universos divergentes de las políticas identitarias? ¿Pueden las ciencias naturales convertirse en nuestra lingua franca planetaria?

¿No son acaso los valores culturales más cuantificables que nunca en el mundo de las redes sociales? La idea de que la cultura es irreductible a la cuantificación es totalmente errónea y reaccionaria: la identidad cultural ya no puede utilizarse como excusa para el excepcionalismo. Tenemos acceso a tecnologías cada vez más capaces de capturar —y manipular— valores y opiniones colectivas: Amazon sabe lo que vamos a comprar mañana a través de sus algoritmos de micro-focalización, psicografía y minería de datos. Steve Bannon y Dominic Cummings pueden predecir cómo vamos a votar con un grado asombroso de precisión. El comportamiento social, cultural y político es cada vez más predecible. Y esto no es exclusivo de las culturas occidentales.

Y si ahora el comportamiento social y cultural pueden medirse, no deberíamos poder trascender las divisiones culturales, religiosas, raciales y de género? Y, sin embargo, el porcentaje de académicas negras que trabajan sobre la negritud, académicas que trabajan en la crítica feminista y académicas no occidentales que trabajan en el poscolonialismo y el Gran Sur es abrumador. Como si el conocimiento estuviera inevitablemente delimitado por las determinaciones biológicas y culturales: los administradores académicos se ven cada vez más impulsados a la creación artificial de la diferencia. Hemos visto recientemente en las controversias sobre las traducciones de los versos de Amanda Gorman al holandés y al catalán la emergencia de un mundo formado por un conocimiento y una sensibilidad identitaria.(7) ¿No es el propósito mismo del conocimiento y la ciencia liberarnos de estas determinaciones biológicas, territoriales y culturales?

Creo que, a diferencia de esas prácticas basadas en la identidad, la alienación y el distanciamiento (Verfremdungseffekt en el lenguaje de Brecht) la flexión del género y otras formas de borrado de la identidad tienen un potencial liberador mucho mayor. Las políticas de la identidad contemporáneas condenan el ejercicio de la arquitectura —y la disciplina— a una fragmentación irremediablemente provinciana y a la perpetua representación de clichés y estereotipos —de género, raza, origen, creencia, cultura, etcétera. Esto cierra las posibilidades de que la arquitectura construya nuevos mundos en lugar de simplemente representarlos. Pero como bien dice el adagio latino, Nemo propheta in patria.

Más que la política de la identidad, prefiero las políticas del devenir que desafían las duras segmentaciones entre identidades que los populismos intentan imponernos. Como Jessica Krug, la profesora que se hacía pasar por negra(8); como Paul B. Preciado (antes Beatriz Preciado) cambiando de género mediante inyecciones de testosterona “molecular”.(9) Como Rudyard Kipling convirtiéndose en hindi, convirtiéndose en paria... Hay una larga historia de criollización e hibridación que considero es verdaderamente productiva en términos culturales: es precisamente la posibilidad de operar fuera de identidades definidas la que ha sido atacada por los populismos y las políticas de la identidad, las extrapolaciones de la diferencia cultural.

Incluso sucumbir a los imperios podría ser más liberador que el diluvio del relativismo, el populismo y la política basada en la identidad, porque a pesar de sus formas explotadoras, racistas y represivas, los imperios a veces liberaron a sus súbditos de formas tribales de poder basadas en la tierra, la tradición cultural y la religión, ya que necesitaban reducir las leyes a su mínimo común denominador para someter a poblaciones grandes y geográficamente diversas.(10)

Tanto los populismos como las políticas de la identidad promueven un oficio basado en la representación y las percepciones “molares”. En cambio, me interesan las políticas del devenir y la arquitectura que de ellas se deriva, que se basa en las intensidades materiales, como en el devenir-intenso, el devenir-animal, el hacerse imperceptible de Deleuze y Guattari...(11) Una arquitectura que evita los clichés de la representación y el lenguaje y sus drásticas reducciones de la realidad, para comprometerse directamente con el mundo material y sus intensidades, mirando la materia a un nivel molecular e imperceptible. La exactitud científica, el análisis cuantitativo, implican también el desarrollo de una escala diferente de percepción y sensibilidad: la atención cercana al detalle y una percepción alienante adquieren aquí un potencial liberador mucho mayor que las políticas de la identidad.

Contra las gesticulaciones obvias y la polarización de los populismos y las identidades humanistas, podemos movilizar una arquitectura exacta e intolerante que mira a lo imperceptible, lo químico y lo molecular: los remolinos turbulentos en un flujo en lugar de su comportamiento laminar, las reacciones en un compuesto químico o en los umbrales de percepción que permiten que un algoritmo de reconocimiento facial reconozca una identidad que ya no es grupal sino individual. Identidad individual para las masas que anhelan el reconocimiento. Los escépticos dirán que el análisis científico y los datos están siempre manipulados. Quizá, pero estoy dispuesto a correr el riesgo: es menor que los riesgos que entraña la posverdad. En última instancia, estoy con Babbage cuando afirma que “los errores cometidos usando datos inadecuados son mucho menores que los que se producen cuando no se usa dato alguno”.(12)

Una de mis historias favoritas sobre el papel de la arquitectura en las políticas de la identidad tuvo lugar en el Berlage Institute alrededor de 1990, más de una década antes del 11 de septiembre, cuando las grietas del sistema neoliberal comenzaron a aparecer con la violenta erupción del fundamentalismo islámico, una de las formas más agresivas de las políticas identitarias.(13) Alvaro Siza acababa de terminar un proyecto residencial en el barrio de Schilderswijk en La Haya. Hermann Hertzberger invitó a Siza a presentar el proyecto en el Berlage Institute. Tanto Siza como Hertzberger se autoproclamaban progresistas: Siza es un veterano de la Revoluçao dos Claveles y Hertzberger es el paladín del Estado de Bienestar holandés. Siza presentó su proyecto y explicó que le habían dicho que la mayoría de los inquilinos eran de origen norteafricano y creyentes musulmanes estrictos. El proyecto giraba en torno a una reinterpretación de las tradiciones residenciales holandesas, muros de ladrillo y escaleras sin ascensor, pero también diseñó una puerta corredera que permitía que se pudiera dividir la sala de estar en una zona pública y otra privada donde las mujeres pudieran retirarse, preservando la tradicional etiqueta de los habitantes musulmanes.

Después de la presentación de Siza, Hertzberger elogió el proyecto pero dijo que la vivienda pública en los Países Bajos no debería apoyar hábitos sociales que van en contra de la moral holandesa y su creencia en la igualdad de género. ¿Era la exfoliación del umbral público/privado al interior de un espacio una decisión políticamente avanzada, apropiada para una sociedad tolerante y multicultural? ¿O era una señal de un comportamiento político inaceptable que desafiaba las definiciones más básicas de los derechos humanos universales y la democracia? Si bien Hertzberger tenía, políticamente hablando, razón, el proyecto de Siza era una demostración de cómo las complejidades materiales a veces pueden articular complejidades sociales que no pueden resolverse a través de la representación de políticas identitarias. Hertzberger representó una perspectiva política decididamente cruda, mientras que Siza se involucró oportunistamente en un proceso de organización espacial que rechazaba la política de la identidad biempensante. Este evento es anterior en casi quince años al asalto al multiculturalismo británico por Trevor Phillips, entonces presidente de la Comisión para la Igualdad Racial en el Reino Unido, en su famosa entrevista en The Times el 3 de abril de 2004, y la ley francesa de Chirac sobre la laicidad y los símbolos religiosos visibles en las escuelas (también conocida como laïcité) que entró en vigor el 2 de septiembre de 2004. Creo que tanto Chirac como Phillips estaban atacando una violencia emergente impulsada desde la identidad, al igual que Hertzberger una década antes. Me pregunto si el enfoque de Siza no habría sido más efectivo para resolver los conflictos que eventualmente desencadenaría el 11 de septiembre. Quizá la arquitectura, la materia y la geometría demuestran ser más dúctiles que la política: ¡por eso las políticas identitarias producen siempre una arquitectura tan rígida!(14)

Quizá sea demasiado optimista, pero creo que la arquitectura como disciplina podría ser clave para poner fin al mundo de la posverdad, precisamente porque trata fundamentalmente preocupaciones físicas y medioambientales. La física de la construcción funciona en todas las culturas. Un radiador o una sombrilla operan con los mismos principios en todas partes: simplemente reaccionan de manera diferente a los climas locales. Por supuesto, existen diferencias, al igual que existen diferencias en el comportamiento de un enfriador entre el noreste de Estados Unidos y el sur de China. Tampoco se puede practicar el mismo tipo de democracia en China y en Estados Unidos. Pero aún así, existe un régimen político llamado democracia donde la gente puede participar en diferentes grados en los regímenes de poder. Y existen relaciones de emisión de carbono y valores de transmisión térmica o ventilación que se aplican por igual a los géneros y razas. Y creo que es importante defender estos valores como universales, o incluso mejor, planetarios.

Me parece que los arquitectos estamos en una posición óptima para impulsar esa necesaria reducción de tolerancias para escapar de la posverdad. Hay algunas verdades innegables en la arquitectura que desafían el constructivismo social: por ejemplo, me temo que la gravedad no puede ser construida socialmente, aunque uno pueda fingir ingravidez. Pero no importa cuán ligero queramos que parezca el edificio, este tendrá un peso, tal y como dijo Fuller. Y un buen arquitecto debería saberlo, mas allá de querer darle un afecto de ligereza o pesantez. Yo iría aún más lejos que Fuller: un buen arquitecto debe conocer también el ratio de la envolvente, de las aperturas, el valor de la transmitancia térmica, el consumo medio de energía por metro cuadrado y la energía incorporada y las emisiones de carbono por metro cuadrado de sus edificios. Y debe ser capaz de mantener estos parámetros bajo ciertas tolerancias.

Puede que tengamos que volver a estas arcanas cuestiones arquitectónicas, que cada vez son más medibles e inteligibles. Y producir un conjunto de valores que podamos demostrar al público en general, de modo que podamos cambiar la sensibilidad pública y alejarla de los gestos teatrales, predominantes tanto en los regímenes neoliberales como en su némesis populistas e identitarias. Como hicieron los modernos con sus moralinas quizá haya llegado el momento de producir un nuevo conjunto de intolerancias en la arquitectura: edificios con ratios de fachada inadecuados, materiales con alta energía incorporada o rendimiento ineficiente, estructuras complejas que aumentan el peso del acero, edificios sellados que requieren ventilación forzada o aire acondicionado tienen que ser excluidos de las prácticas significativas por una nueva ola de intolerancia progresiva, vuelta a las cuestiones de hecho.

Nueva autenticidad, poshumanismo, cuantificación radical y arquitectura Neo-Con

AZPML, Túnel de viento robótico para el modelado del aire urbano, 2015.

La COVID-19 señala el retorno de la “verdad” y la competencia experta después de los fracasos catastróficos del relativismo y la interpretación, y su flagrante resonancia con la desconfianza respecto de los hechos y evidencias que alimentan las ideologías de los negacionistas climáticos, promotores del diseño inteligente, “patriotas” y demás tarugos de la posverdad. La extravagancia, el excepcionalismo extendido en la arquitectura de las últimas décadas –la ciudad de las singularidades– ha consolidado esta disciplina como una de las prácticas posmodernas, artísticas y humanistas. Y, sin embargo, la arquitectura es una práctica hiperconcreta y cuantificable en lo que respecta a sus prestaciones más determinantes. Frente a la creciente fragmentación cultural, creo que la arquitectura se encuentra idealmente situada para promover la idea –peligrosa pero necesaria– de que existe una “verdad única” que podemos aproximar a través de la cuantificación (el peso, los niveles de iluminación natural, el aislamiento, las emisiones de carbono, la energía incorporada…). Aunque sea difícil capturar los hechos reales, tenemos instrumentos suficientemente potentes como para acercarnos a ellos en lugar de centrarse en la producción de “verdades alternativas” en el teatro de la diferencia.(15)

Una nueva autenticidad es curiosamente una de las demandas centrales de los populismos: tras la artificiosidad del universo neoliberal, algunos arquitectos ya están explorando con éxito esta vía mediante la búsqueda de alineamientos o sinergias con los imaginarios locales, el bagaje cultural y otros rasgos identitarios. El activismo, el multiculturalismo y la diversidad han desarrollado sus propias formas de representación arquitectónica para reemplazar el significante vacío del arquitecto-estrella neoliberal: la arquitectura sirve para establecer vínculos con las comunidades locales y representar a “la gente” en lugar de al capital global. Alejandro Aravena, Liu Jiakun, Wang Shu y otros apóstoles de la nueva autenticidad en arquitectura predican una crítica a la extravagancia arquitectónica neoliberal y, al mismo tiempo, un retorno a la comunidad o a la construcción como las reservas morales de la sinceridad arquitectónica.

Alternativamente, también está emergiendo un retorno radical a la mensurabilidad y la cuantificación como método alternativo para la autenticidad. Desde Forensic Architecture a Carlo Ratti, pasando por prácticas como la de Kieran Timberlake o Bjarke Ingels, hasta nuestra propia práctica, un número creciente de arquitectos explora la mensurabilidad aumentada como alternativa a la representación (quizá como forma de representación?): la geolocalización, los sensores y las nubes de puntos del LiDAR son las nuevas herramientas disponibles para dar forma a esencias arquitectónicas tras la era de la posverdad. Estas prácticas están más interesadas en explorar las sensibilidades artificiales derivadas de las nubes de puntos, del reconocimiento facial, de las imágenes térmicas y el machine learning como alternativas a la representación y la interpretación posmodernas. Un retorno radical a la verdad única, a la mensurabilidad y la cuantificación, en su sentido más arcano, verídico y modernista, es nuestra alternativa preferida para desarrollar una sensibilidad para la era de después de la posverdad.

Por supuesto, este posicionamiento implica riesgos: los posmodernistas, los relativistas y los constructivistas sociales clamarán inmediatamente que la lente científica siempre está sesgada y no es fiable. Ese es exactamente el argumento que plantean sistemáticamente los defensores de los “hechos alternativos”, los negacionistas del cambio climático, los defensores del diseño inteligente y todos aquellos que se dedican a explotar la duda (16) y la “interpretación” para fabricar la verdad a través de poderosas herramientas computacionales: la verdad es múltiple, la verdad es cultural, la verdad es humana… Y, sin embargo, esos políticos poshumanos como Steve Bannon, Robert Mercer o Dominic Cummings usan bots y minería de datos para construir sus bases electorales. Las nuevas precisiones de la geolocalización, la sensibilidad artificial, el big data y el aprendizaje maquínico perfilan la producción de nuevas formas de evidencia que pueden reducir sustancialmente la necesidad de interpretación a través de meras correlaciones. Cantidades masivas de “datos suficientemente buenos” (17) pueden agregarse para producir inteligencia que no es accesible desde una perspectiva humana desnuda y sin amplificación técnica, y donde podemos descubrir verdades arquitectónicas nuevas e inesperadas para inaugurar las sensibilidades poshumanas después de la posverdad.

Entonces, la pregunta es ¿cómo fundamentamos las nuevas “verdades” arquitectónicas? A diferencia de las redes sociales, la retirada de la arquitectura hacia la representación y la identidad no es del todo posible. La manipulación de los afectos arquitectónicos solo puede alcanzarse parcialmente, ya que está –al menos en su forma habitual– inevitablemente ligada a la construcción física de lo real. Todos hemos visto esos afectos de las arquitecturas PoMo y sus derivaciones deconstructivistas y estelares, que aparecen como materialmente falsos. Si hay algo que la arquitectura puede hacer para confrontar el mundo de la posverdad tal vez sea abandonar el relativismo posmoderno y la tolerancia de los “hechos alternativos” para comprometerse con la “verdad” como en los más rancios manifiestos modernos sobre la sinceridad constructiva, los ladrillos felices, el hormigón bruto, la transparencia estructural, la eliminación de poché… Es precisamente la falta de corporeidad material la que hace posible convertir a la arquitectura en una pura representación, de la misma manera que es la creencia de que el género es una pura construcción social la que anima algunas de las más virulentas discusiones contemporáneas: Richard Dawkins despojado de sus honores por cuestionar la desconexión entre identidades sexuales y códigos genéticos, JK Rowling cancelada por distinguir entre el sexo y el género, etcétera. No sé bien a qué nos lleva, políticamente hablando, reafirmar que los principios físicos de la edificación no pueden construirse socialmente, y que esos principios físicos son particularmente importantes en la era del calentamiento global, la degradación medioambiental y la COVID-19. Implica la vuelta a la materia, incluyendo la escala química, molecular, de los cromosomas, las cadenas de ADN, y la testosterona, una política conservadora que pone un límite a la construcción humana –y humanista– de la realidad. ¿O es esta implicación con la materia una necesaria expansión poshumana que es de hecho progresista e inclusiva, como en el ejemplo de las viviendas de Siza en Schilderswijk?

Si la optimización de la materia y el espacio se hicieron redundantes en los años setenta, cuando las tecnologías de la construcción quedaron determinados por el acceso masivo a la energía y la materia barata, de repente es importante volver a economizar las cantidades de material, y la energía que usamos en el mantenimiento de los edificios y las ciudades, y cómo interfieren con los ciclos naturales del agua, del carbono, del nitrógeno, de la biodiversidad... El cálculo preciso y la optimización de los procesos de transformación material vuelven a tener sentido.

Si el orden mundial neoliberal asoció lo progresista con lo nuevo, con lo extravagante y lo excesivo, ahora nos encontramos en una época en la que el agotamiento de los recursos naturales, la contaminación y el calentamiento global se han convertido en una preocupación universal, donde el exceso ya no está justificado en aras de la representación: el metabolismo urbano necesita ser reducido al mínimo. La conservación —de la energía, la biodiversidad, el tejido urbano, el medioambiente— se ha convertido en una preocupación creciente que supera con creces la “conservación de los valores culturales” que los arquitectos abrazamos ya hace algún tiempo con gran aceptación pública. La conservación ya no puede reducirse a los valores culturales sino a los ciclos biológicos, geológicos y atmosféricos.

AZPML, Fundación Cerezales Antonino y Cinia (FCAYC), León, 2017.

En esta nueva tesitura, las narrativas progresistas parecen alinearse ahora con un enfoque conservador, o quizá podríamos llamarlo conservativo. Muchos arquitectos se han alejado de la experimentación formal mientras buscan refugio en modelos arquitectónicos tradicionales, tipologías, geometrías, tectónicas, convenciones lingüísticas... En la escena política, la emergencia de una neo-vanguardia de fundamentos culturales, anti-comerciales y políticamente correctos, ha llegado a proponer un retorno a la autonomía disciplinar y al compromiso político en su sentido tradicional, como una forma de resistencia ante los excesos neoliberales. La revista San Rocco es probablemente uno de los mejores ejemplos de esta tendencia contemporánea hacia la convención, la indiferencia, el eclecticismo, el historicismo… y la alta cultura. En el otro lado del espectro tenemos a esos críticos populistas y anti-estelares como Oliver Wainwright o Michael Kimmelman que predican una alternativa a los excesos neoliberales a través de arquitecturas políticamente correctas, sensibles y modestas, socialmente construidas y físicamente conservativas.

En resumen, parece que la conservación ha venido a reemplazar la novedad como objetivo disciplinar: en lugar de la transformación radical y la tabula rasa, los valores arquitectónicos contemporáneos se están retirando hacia la convención, la continuidad y la historia. ¿Es posible escapar a la regresión de una neo-vanguardia historiográfica y culturalista? ¿Es posible escapar de la preservación cultural y la representación identitaria, de la construcción comunitaria o participada, e incluso de la tectónica y la fenomenología como únicas alternativas a la “ciudad de las excepciones” y al apetito neoliberal por la novedad?

Es este reciente neoconservadurismo, en particular, sus versiones vanguardistas posmodernas –sean de corte populista o elitista–, que requiere de una crítica capaz de discernir sus dimensiones históricas. La distinción es particularmente relevante en un momento en que los populismos de izquierda y derecha están reclamando la ideología y la identidad como un componente necesario de la práctica. ¿En que momento pasa el conservadurismo desde un enfoque evolutivo a uno involutivo? ¿Cómo podemos definir en términos arquitectónicos los equivalentes al derecho consuetudinario, la adaptación, la evolución y quizás incluso a los valores Republicanos o True Blue? Tanto si comulgamos con estos valores o no, la naturaleza orgánica y evolutiva de la política de derechas tradicional es ciertamente un precedente a considerar si la arquitectura necesita apuntar hacia la lentitud y la conservación, en lugar de hacia la transformación rápida impulsada por la ideología. Es una camino difícil de transitar ante un público que ya se ha acostumbrado a los gestos estridentes y las maneras artísticas, que ha perdido la sensibilidad para los matices –o que se está retirando hacia una arquitectura conservadora tras experimentar el vértigo. ¿Es posible un conservativismo progresista?

Fueron los arquitectos modernos quienes intentaron emanciparse de los poderosos y trabajar para “el pueblo”. Pero sus dispositivos eran primordialmente representativos y lingüísticos: “el pueblo” podía percibir la arquitectura progresista como un lenguaje con afectos democratizadores como ventanas rasgadas, pilotes, plantas libres o saludables ciudades jardín… La arquitectura moderna estaba cautivada por estos juegos lingüísticos. Entonces, los críticos posmodernistas decidieron que la disciplina consistía en jugar con esos elementos, vaciándolos de sus prestaciones originales. La disciplina devino autorreferencial y puramente representativa perdiendo el lado virtuoso de la modernidad. Avanzando rápidamente a través de la historia, llegamos al deconstructivismo y su ruptura con los tropos o las antinomias modernistas. La disciplina giraba en torno a desafiar a la autoridad a través de la representación: los arquitectos continuaron torciendo las cosas para desafiar la gravedad, la simetría, el orden, la estabilidad, convertidos en símbolos del poder.

En algunas críticas arquitectónicas recientes —notablemente la de Pier Vittorio Aureli— podemos encontrar el resurgimiento de esta idea de lo disciplinar como forma de resistencia contra el sometimiento al orden neoliberal y al final de la historia. La disciplina históricamente construida se constituye en el ancla de resistencia a la sumisión de las prácticas arquitectónicas a los designios del neocapitalismo global neoliberal. Desafortunadamente, creo que esto es fundamentalmente un teatro de la resistencia fingido, porque no solo el auténtico juego de poder, sino también las verdaderas posibilidades de transformar el medio ambiente construido ocurren ahora fuera de estos juegos disciplinares.

Recuperar algunos de los rasgos de la arquitectura “conservadora” —como la simetría, la compacidad, la gravedad, la regularidad y el orden— separados de sus asociaciones simbólicas y disciplinares podría suponer un avance significativo en la época de la posverdad. Veamos por ejemplo el caso de la simetría: ya después de la Segunda Guerra Mundial quedaban muy pocos de sus defensores, si es que había alguno: académicos como Arnheim, Gombrich y Zevi habían cooptado la simetría como la cara visible del fascismo, un orden que se impone a una realidad “orgánica” caracterizada fundamentalmente por la asimetría “creativa”. La simetría se volvió banal, aburrida y estática, encarnando una forma primitiva de orden que ofrecía una visión limitada de la realidad. Zevi la criticaba habitualmente como una contundente representación del autoritarismo. Y, sin embargo, las organizaciones simétricas tienen propiedades extraordinarias cuando se analizan desde una perspectiva performativa, más que representativa. De hecho, tienden a superar a las organizaciones asimétricas en muchas de sus funciones. ¿No es hora de mirar estos rasgos espaciales, materiales y organizativos desde un punto de vista performativo y desarrollar así sus agencias?

Me parece que en la era de la COVID-19 una arquitectura de la exactitud y la cuantificación que opere “bajo el radar” —a veces incluso a nivel químico, molecular— puede ser más efectiva para conectar el entorno construido con ecologías materiales más amplias, para obtener agencia para la práctica arquitectónica. También puede constituir una alternativa tanto a los gestos tectónicos y fenomenológicos como a los clichés identitarios, abriendo la práctica a una nueva sensibilidad material. La COVID-19 como índice de degradación climática y medioambiental, y nuestra capacidad aumentada para medir y simular, podría abrirnos el campo de la física constructiva conservacionista como alternativa a la tectónica extravagante y “socialmente construida”. Es esta arquitectura que llamo irónicamente Neo-Con —más por neo-conservativa que por neo-conservadora— la que quizá podría recuperar la simetría, la jerarquía, el orden, la regularidad, la compacidad, la estabilidad y la repetición como rasgos arquitectónicos progresivos, desafiando la sabiduría contemporánea establecida.

Mi hipótesis es que debemos abrazar un nuevo virtuosismo material y moral, desarrollar nuevas intolerancias y resistir la pulsión representativa de la disciplina: es posible que tengamos que diseñar edificios compactos y simétricos para reducir las envolventes y su adaptabilidad; tal vez necesitemos emplear sistemas constructivos ligeros, prefabricados y repetitivos para reducir la energía incorporada y los residuos generados en los procesos de edificación, o usar madera para convertir a nuestros edificios en trampas de carbono. Esta autocontención nos parece cada vez más excitante.

Los Gilets Jaunes, o los chalecos amarillos, es un movimiento social de protesta popular por la justicia económica que comenzó en Francia en octubre de 2018. Los manifestantes demandaban una bajada del impuesto sobre el carbono, impuestos sobre el patrimonio, el aumento del salario mínimo y la organización de un Refrendo de Iniciativa Ciudadana (RIC). Los chalecos amarillos reflectantes, que la ley francesa exige portar a todo conductor en caso de emergencia, fueron elegidos como “hilo unificador y llamada a las armas” debido a su conveniencia, visibilidad, ubicuidad y asociación con las industrias características de la clase trabajadora. Véase https://en.wikipedia.org/wiki/Yellow_vests_movement

Friedrich Nietzsche, Daybreak: Thoughts on the Prejudices of Morality, (Cambridge: Cambridge University Press, 1995).

Jennifer Gabrys, Program Earth. Environmental Sensing Technology and the Making of a Computational Planet, (Minneapolis: University of Minnesotta Press, 2016).

http://www.honeybeecapital.org/20131006/what-president-clinton-taught-me-about-empathy-this-weekend/

http://transcripts.cnn.com/TRANSCRIPTS/1708/17/sitroom.02.html

Véase capítulo 6: Did Postmodernism Lead to Post-Truth? En Lee C. McIntyre Post-Truth, (Cambridge, MA: MIT Press, 2018).

Véase https://www.theguardian.com/books/2021/mar/01/amanda-gorman-white-translator-quits-marieke-lucas-rijneveld y https://www.theguardian.com/books/2021/mar/10/not-suitable-catalan-translator-for-amanda-gorman-poem-removed

https://www.theguardian.com/world/2020/sep/03/jessica-krug-white-professor-pretended-black.

https://www.ellenjames.net/blog/interview-with-beto-preciado

En The Places in Between, Rory Stewart –ex diputado Toriebritánico, despedido por el político populista Boris Johnson, espía, explorador, caminante y ahora académico en Yale– describe los esfuerzos de los gobernantes británicos colonialistas para comprender a sus súbditos (a diferencia de los fundamentalistas contemporáneos, quienes creen que la democracia occidental puede imponerse universalmente).

Véase 1730: Becoming-Intense, Becoming-Animal, Becoming-Imperceptible en Gilles Deleuze y Félix Guattari, A Thousand Plateaus: Capitalism and Schizophrenia, (Minneapolis & London: University of Minnesota Press, 1987).

En el capítulo 17, Of Price as Measured by Money de Charles Babbage On the Economy of Machinery and Manufactures, (London: Charles Knight, Pall Mall East, 1836), p. 156.

Véase The Politics of the Envelope en Alejandro Zaera-Polo The Sniper’s Log. Architectural Chronicles of Generation X, (Barcelona: Actar, 2012), p. 530-531.

Xi Jinping “No more weird architecture” o Donald Trump “Executive Order on Promoting Beautiful Federal Civic Architecture from Dec 21st, 2020” son ejemplos interesantes en un alto nivel de arquitectura esclerótica, pero hay muchos otros paradigmas de la crudeza física de la arquitectura “activista...”

Esto es lo que afirmaba Bruno Latour en su crítica del paradigma crítico y la reafirmación de las cuestiones de hecho, tras haber sido el paladín de las cuestiones de preocupación y la ciencia socialmente construida. Bruno Latour, Why Has Critique Run Out of Steam? From Matters of Fact to Matters of Concern, en Harper’s Magazine, abril 2004 pp.15-20.

“La duda es nuestro producto, ya que es el mejor medio para competir con el ‘conjunto de hechos’ que existe en la mente del público en general”. De un memorándum infame de 1969 enviado por un ejecutivo de Brown & Williamson Tobacco, una subsidiaria de R. J. Reynolds Tobacco Company.

Jennifer Gabrys, Helen Pritchard y Benjamin Barratt. “Just Good Enough Data: Figuring Data Citizenships through Air Pollution Sensing and Data Stories”, Big Data & Society, 3(2), 2016, pp.1-14.

DESCARGAR PDF

[veredes]

Brodski y Utkin

[violentmyth]

Tatuajes Minimalistas

Los tatuajes minimalistas son los que se reducen a sus elementos necesarios. El objetivo del minimalismo es reducir todo a lo esencial y lograr la simplicidad.

El minimalismo es un movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por su extrema simplicidad. El minimalismo, en Tattoo Filter, se refiere a obras de arte autónomas y tangibles.* Estos diseños se centran en la eliminación de todos los elementos no esenciales, a veces incluso intentando borrar la presencia del artista. Sin embargo, podría decirse que el artista nunca puede ser eliminado por completo de la obra, ya que está eligiendo lo que es subjetivamente "esencial".

El espacio negativo es un componente clave del minimalismo. Al omitir la mayoría de los detalles de un tema o idea, el vacío sirve para priorizar y enfatizar detalles específicos.

El minimalismo surgió formalmente después de la Segunda Guerra Mundial en Nueva York, primero con esculturas y pinturas que utilizaban esquemas de color simples y formas geométricas sin adornos. Las raíces del minimalismo contemporáneo se encuentran en los movimientos soviéticos Constructivista, Bauhaus y De Stijl.

Los tatuajes mínimos se refieren al contenido de la pieza, no al tamaño. Un tatuaje muy pequeño pero complejo, sin tatuajes complementarios a su alrededor, puede llamarse erróneamente "mínimo". A pesar de la gran cantidad de espacio negativo disponible en este caso, una composición sigue siendo mínima si utiliza la versión más deconstruida posible del tema.

En el arte, el "minimalismo" también puede describir motivos musicales deconstruidos, poesía y literatura simplificadas, o una tendencia a la escasez en el diseño de interiores y la arquitectura. Estas formas de arte se denominan a veces "postminimalistas", inspiradas en la filosofía minimalista pero que, en última instancia, ocupan un tipo de espacio diferente y producen un tipo de compromiso único por parte del espectador. Aunque reducen los elementos no esenciales, ofrecen experiencias temporales y/o de inmersión, en lugar de ser un conjunto fijo de elementos en un espacio tangible y controlado.

En la sociopolítica y geopolítica seculares, el "minimalismo" puede referirse al anticonsumismo y al anticolonialismo. Puede describir una preferencia filosófica por la inacción, la no expansión y la no adquisición. Estos puntos de vista pueden pertenecer a una persona que disfruta o crea arte minimalista, pero no están totalmente entrelazados con el movimiento de arte minimalista.

Para trabajos de diseños siempre puedes visitar  el estudio invictus, en leon guanajuat

[mariodavid7u7]

Frases con fuentes tipográficas adecuadas para:

-Medicina

-Deportes

-Educación

-Arquitectura

-Constructivista

[arrobanosoyyo]

Muy constructivista, aprendiendo a fotografiar arquitectura y pensando en Rodchenko sin lo pólítico.