#bonne visconti

[histoireettralala]

The Maid was born inside the borders of the kingdom since the Meuse river traditionally separates France from the Empire. "If you search for her nation, she is of the kingdom, if you search for her country, she is from Vaucouleurs." Domrémy is divided in two feudal obediences, part of the village being directly in the kingdom, the other, where Jeanne's house is, is attached to the Barrois mouvant. But during Jeanne's childhood the village is mostly torn between the rival ambitions of two political parties. The Valois Duke of Burgundy rules over the countries of here (the duchy) as well as over the countries of there (Flanders) and the strategic road which links them crosses the Meuse Valley. Louis of Orleans, count of Porcien and Valois, advances his pawns in the region in order to cut the States of his adversary in two, and has been trying to unite Lorraine to the kingdom. Metz or Neufchâteau go under a royal safekeeping ensured by Orleans troops.

Jeanne's father is an Armagnac notable. The Maid's childhood is scarred by lootings from Burgundian troops, which really scared her. Jeanne denies any paternal influence in her political formation, which she attributes to her voices who love the king of France. From this moment, she hates the Burgundians. It is in her village that she hears about the imprisonment of the duke of Orleans after Azincourt, about the murder in Montereau (a disaster for which she doesn't believe the dauphin to be responsible), and about the treaty of Troyes (which she doesn't know too well, it doesn't deny the legitimacy of Charles VII). In Domrémy, everybody is Armagnac, except for Gérardin d'Epinal, whose head she would have gladly cut off if they hadn't been companions. The little boys of the village often go together to confront the children of Maxey, in Burgundian land, but little girls don't go.

Her mission starts during the Lent of 1429 at the moment when Orleans, besieged for eight months by the English, risks assault or capitulation. As the actual capital and symbol of the party, Orleans is the other body of Duke Charles, prisoner in England. Can it be fathomed that the English could hold both the body and the city ? The capture of Orleans would be the end of the party, because the duke would never be able to pay the ransom. In a way, the fall of Orleans would have greater consequences for the Duke's partisans than for the kingdom. Jeanne's mission is made of two to four parts. The first is the liberation of Orleans (proving she is sent by God), the third is the liberation of Duke Charles. In other words, Jeanne's mission is equally shared between the king (two duties: the Sacre and the expulsion of the English) and the duke. Charles is the "good Duke of Orleans", a title that isn't universally acclaimed at the time […] She envisions, on various occasions, to exchange him against English lords, to have him brought back by miracle, even to wage war in England to recover him. She has good will for him and for his interests.

A medieval party is first based on the clients of a prince whom they want to bring to power in fortunate times, or else defend. Jeanne's relationships with the prince's biological family are numerous. Dunois, Charles of Orleans' bastard half-brother, is the king's lieutenant in the Loire Valley. Some chroniclers, especially in Burgundy, think Baudricourt sent Jeanne to Dunois in order to save the city. The Maid likes even more the handsome Duke of Alençon, Charles's son-in-law. She goes to Saumur to visit his young wife Jeanne (daughter of the former queen of England who was a daughter of Charles VI) and promises her the safe return of her husband. She will indeed save his life during the campaign. Finally, she enters the cities of the apanage at their side. Duke Charles had married a second time with Bonne of Armagnac in 1410. Jeanne frequented the count of Armagnac and Thibault of Armagnac lord of Termes, who was a witness of the second trial in 1456. Also, Bonne Visconti, Charles's cousin, wrote to "the devout Jeanne sent by the King of Heaven" in order to recover her Milanese lordship.

(Dunois)

Blood and alliance structure the party. But spiritual parentage also play a part. Jeanne has excellent relations with the Laval family, whose grandmother is the widow of Du Guesclin, who was godfather of Louis of Orleans. She gives her a gold ring, a link between the first saviour of the kingdom and the second one. She herself is the godmother, in the Orleans lands of Château-Thierry, of children of loyal subjects (of the king or of the duke ?) whom she names Charles. It is the name of the duke as well as that of the king.

Colette Beaune- Jeanne d'Arc

[eurydicenomadsoul]

Portrait d'un Acteur

Portrait d'un Acteur majeur

Sous un borsalino Yeux bleus et cheveux noirs Le guépard sans un mot trace sa trajectoire

Le voyou de Paname fit ses classes en prison

où il apprit du drame quelques bonnes leçons

La guerre du Vietnam a forgé son armure

de futur Samouraï qui pense ses blessures

De toutes les épreuves il sortira vainqueur

Sa beauté et son style le sacreront Acteur

De retour de la guerre à Saint-Germain -des-Prés

l'indocile félin est vite repéré

Femmes et objectifs Tout Paris se l'arrache

Le gamin instinctif travaille sans relâche

Il jouera désormais dans la cour des géants auprès de Visconti et de René Clément des rôles de gangster d'amant intransigeant Deux duels au soleil en mer ou en piscine Après la tragédie jouée avec Christine

L'amour avec Alain n'est jamais mince affaire Les femmes de sa vie sont toutes légendaires Crooner avec Dalida Fiancé de l'Europe avec Romy Marié avec Nathalie apaisé avec Mireille Rajeuni par Annette il eut aussi ses Delonettes dont Maddly la Clodette il choisit Rosalie nostalgie de Romy et la dernière... Hiromi

Les félins sont un peu farouches et ont souvent des escarmouches jouant au chat à la souris et gare au chaton qui grandit!

[the-golden-ghost]

Fandoms: IADWW and the Jules Verne Literary Universe?

IADWW:

character i first fell in love with; Considering I read the book entirely for the sake of Charles... Charles.

ultimate favorite character; I mean, probably Charles. Dunois is pretty rad too though.

favorite female character; VALENTINE MOTHERFUCKING VISCONTI, WHO DESERVED BETTER AND FOR WHOM I WOULD DIE

favorite male character: We just covered this

least favorite female character; I mean I know this book did her slightly dirty but Isabeau

least favorite male character; Jean the Dickweed of Burgundy comes to mind. Not a huge fan of Louis d’Orléans either cause he didn’t appreciate Valentine enough but he also got murdered so RIP

ultimate OTP; Charles x Marie, actually. I know Charles x Bonne is like the kinda obvious romantic one but like... they were barely together for their entire marriage? 

favorite m/m ship; I don’t know that I have one for this? I mean I know in the Shakespeare canon there’s the ever-popular Charles/Constable but that’s Shakespeare canon, it doesn’t work as well with this.

favorite f/f ship; N/A 

favorite m/f ship; See above

BROTP(s); All the Orléans siblings together. Also Dunois and Jeanne d’Arc. Also Valentine and Charles VI.

NOTP; Louis x Isabeau was a hecking nightmare

most aesthetically pleasing character; Valentine, obviously. Canon would suggest Louis but canon is WRONG. 

character you’d totally hug; Charles, for one. Also Valentine.

character you’d totally date; Valentine and I’d treat her right this time. Except she’s in love with Louis so alas. Also Dunois. Also possibly Jeanne d’Arc cause... well, you know.

overall opinion of the show/game/book/etc; Quality! Especially for being a lengthy, historically-dense novel about an obscure historical figure who most people barely remember except for a minor part in Shakespeare’s Henry V and also maybe for his Valentine’s Day poem. It takes some time to get into just cause it starts from so early on, before Charles is even born, but boy is it worth every page! And the fact that it ends so happily after all the bad stuff that goes on in it...

JVLU:

(Okay disclaimer, I’ve only actually read two books from it. I really need to read more. Nonetheless, here’s what I got!)

character i first fell in love with; That would be Nemo, when I was like 7 or so.

ultimate favorite character; Probably Aronnax

favorite female character; Martha! I mean she was only in the book for a total of probably nine seconds but she was a good soul and honestly shouldn’t have had to put up with that nonsense, either.

favorite male character: See above?

least favorite female character; There’s only been like two...? I mean, provided the ray that stung Conseil in that one scene was female, than That Ray. Curse you, ray. 

least favorite male character; Probably Lidenbrock because he has zero redeeming qualities and spends the entire book acting like a dick. And he also learns nothing from this behavior and does not change, so RIP

ultimate OTP; That would be Nemo/Aronnax

favorite m/m ship; see above. I’m also a fan of most of the TKLUTS ships, though. When it comes to that book I like the dynamics between everyone so I’m not picky. I’m quite fond of Aronnax/Ned especially.

favorite f/f ship; N/A due to having not read enough books with actual women in them, and Verne not writing enough actual women

favorite m/f ship; Probably Axel/Graüben. I mean we see exactly none of it but what else?

BROTP(s); Again, all of the TKLUTS squad. They all rock.

NOTP; I don’t really have one? I mean there aren’t many ships for these books anyway. I guess shipping anyone from JTTCOTE would be super weird cause the main group consists of a guy and his uncle and their Icelandic guide who doesn’t speak more than one word at a time and therefore lacks much obvious personality? 

most aesthetically pleasing character; I mean, if we’re to trust Aronnax, it’s Nemo. The most admirable specimen of human ever to be seen. 

character you’d totally hug; Aronnax, he seems like the type to give excellent hugs.

character you’d totally date; I dunno. I guess Conseil. I’d date Conseil, I think that would be entertaining.

overall opinion of the show/game/book/etc; The JVLU is a really wild ride. I mean it’s got all this Real Science(tm) in there but then also a lot of Stuff Verne Just Completely Got Wrong or Stuff Verne Muddled The Timeline For To Fit His Story Better so dates and everything are a huge mess, names make no earthly sense, (the fact that he couldn’t come up with a realistic-sounding French surname despite being French kills me) and yet there’s all this real world accurate knowledge of fish and how tides work. Plus, you know. Epic Adventures. People can simply Do More in this timeline, such as ride volcanoes, and battle squids hand-to-hand. It’s a lot to take in. But it’s fun, and I appreciate it. 

[marlenecollineau]

Brune, je te fais une lettre que tu liras peut-être, si tu as le temps

Tu sais quoi, meuf, faut que t’arrêtes.

On n’est pas amies et, pour être tout à fait honnêtes, je crois que rien dans nos parcours ne nous permettra un jour de nous croiser. Mais voilà, j’aimerais que tes ami∙e∙s te le disent : arrête. Le dimanche 28 juillet 2019, tu as tweeté : « Demain, c’est le #jourdudépassement. Avec @Elisabeth_Borne et @EmmWargon nous travaillons quotidiennement pour reculer cette date. » Mais genre… tu y crois ? Nan, c’est pour comprendre, tu vois. Tu crois sincèrement travailler chaque jour pour que la nature regagne du terrain ? Pour que les femmes et les hommes vivent mieux ? Tu crois te battre contre la finance, le capitalisme, le consumérisme ? Je t’ai dit, c’est pour comprendre...

Tu vois, ton problème, c’est ta sincérité. Je veux dire, si tu es sincère. Ta naïveté. Parce que, quand même, au-delà de l’idéal macroniste qui reste le libéralisme économique, on ne manque plus d’exemples précis, concrets, de décisions qui vont à contre-sens de l’impératif écologique, environnemental. Tu te rappelles, Hulot est même parti du ministère où tu « travailles quotidiennement à reculer la date du jour du dépassement » à cause de ça. À cause des arbitrages perdus, des couleuvres avalées. Au besoin, je peux te citer pêle-mêle : abandon de l’objectif de 50 % de production non nucléaire pour l’électricité ; poursuite de l’exploitation du soufre du bassin de Lacq ; autorisation accordée à Total pour l’importation massive d’huile de palme ; confirmation du projet Cigéo ; baisse de la place du rail, notamment en matière de transport de marchandises ; pas d’inscription dans la loi d’échéance s’agissant de l’interdiction du glyphosate ; refus d’inscrire l’interdiction d’épandage près des lieux de vie… Pas besoin d’y ajouter le bilan de Rugy : force est de constater que libéralisme et écologie se marient mal. Mieux, ils sont ennemis. En fait, c’est une évidence et une nana aussi brillante que toi le sait nécessairement. Ça ne veut pas dire que tu ne fais rien là où tu es mais tu ne fais pas de l’écologie. Ce n’est pas ton projet de société. Et je vais te confier un secret : tu as le droit de défendre autre chose que l’écologie. Tu as le droit de défendre le capitalisme financier. J’entends déjà rabat-joies* dire « l’écologie ce n’est pas une option, on va droit dans le mur si on ne comprend pas cette urgence ». Certes, mais on a le droit d’aller dans le mur. Le capitalisme envoie dans le mur des générations entières de moins bien né∙e∙s, qu’ils soient nos voisin∙e∙s, qu’ils soient des habitant∙e∙s de régions moins favorisées, qu’ils soient des victimes du manque de tout aux quatre coins du globe. Ce n’est pas nouveau que les habitant∙e∙s de cette planète se meurent, pas besoin d’attendre la fin de la disponibilité des ressources naturelles, qu’on aura lessivées, essorées, au profit de quelques un∙e∙s. Ce que je veux donc te dire, c’est que tu peux nous dire que, de la même manière que tu n’es pas pour le partage des richesses, tu n’es pas davantage pour l’économie des ressources. Je crois cela intimement lié : « les fins de mois et la fin du monde », tu as dû entendre le slogan.

Donc, s’il te plaît, ne fais pas semblant. C’est hyper mesquin. L’écologie n’est pas une mode. Pas plus que le socialisme. Ne t’érige pas en défenseure de notre quotidien. La lutte « pour le recul du jour du dépassement » ne peut avoir sa place dans un gouvernement libéral. L’écologie politique est une rupture qui nécessite d’ébranler le système capitaliste, de le combattre. C’est une volonté de mettre l’économie au pas, de privilégier les gens. Et de privilégier leur environnement. Ça nécessite réglementation et planification. Ça aurait assurément nécessité de repousser le CETA de toutes tes forces. Ça t’obligerait à prendre position contre la productivité sans limite du secteur agroalimentaire. Ça pourrait prendre corps dans la baisse du temps de travail, hebdomadaire comme sur la vie. Ça annoncerait un bras de fer avec les forces de l’argent dont la priorité n’est que la fructification d’un capital financier. Je ne te ferais pas l’affront de dire que tu n’es pas prête. Tu vois, je sens que tu n’en as juste pas envie. Que ça n’est pas ton combat. Et que l’écologie n’a pas sa place, aujourd’hui, au gouvernement. Pas davantage que les libertés collectives ou les droits du travail. Et je pense que sous couvert de pragmatisme, tu es une des tenantes de l’ordre établi. Comme dans Le Guépard de Visconti, tu veux nous duper, en ripolinant la façade, en tweetant ta bonne volonté alors qu’au fond, tu es mue par une volonté de moins en moins cachée : « pour que tout reste comme avant, il faut que tout change ». Ainsi, avec toi et tes allié∙e∙s, le jour du dépassement n’est pas près de reculer.

*que j’aime beaucoup et dont je partage nombre des combats

[nanshe-of-nina]

WOMEN’S HISTORY † ISABELLE DE FRANCE, QUEEN OF ENGLAND and DUCHESSE d’ORLÉANS (9 November 1389 – 13 September 1409)

Isabelle de France was the eldest surviving daughter of Charles VI de France and Elisabeth von Bayern. In 1392, when Isabelle was quite young, her father had his first attack of madness outside of Le Mans in Anjou and had to be subdued. Her father’s illness undoubtedly hung over Isabelle’s life, as it did for her other siblings.

On 31 October 1396, seven-year-old Isabelle married the 29-year-old widower, Richard II of England, as part of a peace treaty between France and England. Not surprisingly, the marriage was not consummated because of Isabelle’s young age, though they were reported to have enjoyed each other’s company. However, in 1399, Richard was overthrown by his cousin, who took the throne as Henry IV. The imprisoned Richard was murdered or died the following year and Isabelle’s family demanded that Henry return her to France. He refused at first, considering the possibility of arranging for Isabelle to marry his eldest son, the future Henry V, but he eventually relented and let Isabelle return to France. Henry continued to angle to arrange a marriage between Isabelle and his son, but his wishes were ignored. Instead, on 29 June 1406, Isabelle, age 16, married her 11-year-old first cousin, Charles d’Orléans. In 1407, Isabelle’s uncle and father-in-law, Louis d’Orléans, was assassinated by his cousin, Jehan sans-Peur de Bourgogne, which did nothing to alleviate the growing factionalism among the French aristocracy. Her grief-stricken mother-in-law, Valentina Visconti, died of an illness on 4 December 1408 after demanding that Charles and his brothers avenge their father’s murder. Isabelle herself died 13 September 1409 shortly after giving birth to a daughter, Jehanne d’Orléans.

Two years later, Charles remarried to Bonne d’Armagnac for political reasons, but was captured after the Battle of Agincourt in 1415 and spent the next 25 years of his life in captivity England due to the fact that he would be the heir to the French throne if his cousin, Charles VII, died without surviving sons. Their daughter, Jehanne, married Jehan II, duc d’Alençon in 1424 shortly before he was captured by the English after the Battle of Verneuil. Jehanne died childless in 1432, eight years before her father’s release from English captivity.

[collection81]

Le théâtre contemporain, au Festival d’Avignon

Hier c'était la demi-finale de coupe de monde, mais aussi un événement culturel majeur et l'avènement d'un jeune artiste Français. Mardi 10 Juillet, 23h15, La France est qualifiée et Thomas Jolly, jeune metteur en scène Français vient de faire sensation au Festival d’Avignon avec son spectacle inspiré d'une tragédie Romaine de Sénèque, Thyeste. Récit sombre sur fond de cannibalisme familiale. Pourquoi fait-il autant de bruit? Parce que le Festival d'Avignon, ce n'est pas rien. C'est la plus grande et prestigieuse manifestation d'art dramatique au monde. Si un jour vous en avez l'opportunité, allez au Festival d'Avignon. L'espace de quelques jours la ville se transforme, en plus d'être magnifique, des troupes itinérantes investissent les rues, il y a de l'art, du théâtre partout,  l'ambiance y est singulière et très bonne . Il y a même de la peinture! Ronan Barrot était présent l'année dernière, cette année c'est Claire Tabouret, elle est d'ailleurs l'auteure de l'affiche. Il y aussi une scène mythique de ce festival, connue dans le monde entier pour sa beauté et son éloquence, la cour d'honneur du Palais des Papes. Chaque année un metteur en scène la prend d'assaut, le boulot n'est pas aisé, même plutôt titanesque. Il est attendu au tournant. Mais si l'oeuvre est réussie, elle devient un spectacle inoubliable pour les chanceux ayant pu y assister, un grand moment de théâtre pour les spectateurs et la consécration d'une carrière pour son metteur en scène.

Ca me rappelle avec nostalgie la fois ou j'étais parti au festival d'Avignon avec mes ami(e)s. On a eu l'opportunité de voir Les Damnés d'Ivo van Hove dans la cour d'honneur du Palais des Papes, de tout ce que j'ai pu voir, ressentir, c'est de loin la plus belle et intense expérience artistique que j'ai vécu. Le théâtre et surtout le théâtre contemporain a cette particularité héritée de la tragédie Grecque d'avoir un effet cathartique puissant, en plus joué dans un écrin comme celui-ci, sublime. Le syndrome de Stendhal n'était pas loin. Les Damnès, d’Ivo Van Hove .

Pièce de théâtre tiré d’un film de Visconti, Les Damnés.

L'histoire d'une famille d'aristocrate en 1933, propriétaire de la plus grande entreprise d'aciérie d’Allemagne. La famille est réunie ce soir pour fêter l’anniversaire du grand père, malheureusement cette soirée ne se passera pas comme prévue, le Reichstag brûle, ce soir la famille et l'Allemagne basculeront dans le totalitarisme. 

Cette pièce est intéressante pour plusieurs raisons, la mise en scène résolument moderne d'Ivo van Hove qui mixe les médias, utilisant des écrans géants, des caméras, plusieurs scènes pour retranscrire le délitement progressif de la famille et du pays.

Une famille qui devra coopérer avec les nazis, bien sûr des voix (enfin une, celle du fils) s'élèveront pour protester, en vain, il sera condamné à l'exile (ou plus). La famille sera déstabilisée par ce basculement, mais en son sein déjà le pouvoir attire et des manigances amplifiées par l'état du pays se font sentir, des membres veulent soustraire la présidence de l'entreprise au grand père. Soustraire, étant la meilleure solution, car d'autres encore pense juste à une élimination sommaire.

On va suivre la descente aux enfers de cette famille, tout comme l'émergence de la doctrine nazi. Les deux se feront échos et seront liés, le gouvernement à besoin de l’entreprise pour fabriquer des armes et s'évertuera à éliminer chaque membres qui s'y opposent, utilisant à ses fins l'oncle ou d'autres personnes, le pouvoir est un thème récurrent de la pièce, celui qui empoisonne le cœur des hommes, aussi bien présent au sein de la famille que chez les politiciens. Chacun leur tour, ils rejoindront la mort, en fait ils étaient déjà condamnés, une scène à part ou est disposé des cercueils le signifie très bien, vu qu'elle est présente dès le début.

On jouera beaucoup avec les différentes scènes d'ailleurs, il y a aussi un écran géant posé en plein milieu, il montre de temps à autres les exactions Allemandes (Reichstag brûlé, déportation, discours d'Hitler...), il montre aussi les acteurs en gros plan comme pour mieux capter leurs émotions ou les mettre face à eux même et leurs actions, mais surtout et c'est là que c'est ingénieux, il sera utilisé pour filmer le public à la toute fin, car ici tout le monde est coupable.

Coupable d'avoir coopérer avec l’Allemagne nazi. C'est véritablement troublant, le spectateur est acteur de la pièce et du drame qui s'y déroule. Acteur par sa passivité, cette ultime moment nous le rappelle, j'en suis sorti hébété.

Je ne connais pas les codes du théâtre, encore moins ceux du théâtre contemporain, je suis persuadé que quelques petites choses m'échappe, comme le rôle du petit fils, j'ai juste suivis les conseils d'ami(e)s, la mise en scène d'Ivo van Hove est inventive et moderne, portée par les acteurs de la comédie française (23 ans qu'ils n’étaient pas venues à Avignon!). Un sujet d'actualité (la monté des extrêmes), tout cela fait des Damnés une très grande pièce, un très bon moment dans un décor époustouflant, que l’on pourra revoir sur Paris à la rentrée, si vous avez l'occasion n'hésitez pas,  vous en sortirez soufflé!

La pièce ne traite pas uniquement de l’Allemagne nazi, mais aussi de la famille, des liens qui les unis, du pouvoir, de la manipulation, de l'idéalisme au travers du membre qui aspire à ne jouer que de la musique, les affaires et la politique ne l'intéressant pas, de l'autorité parentale, de l'éducation...

----------------------------------------------------------------------------------

Avant d'entamer la critique de la pièce de Thomas Jolly, j'aimerais expliquer ce qu'est le théâtre contemporain et les différences par rapport au théâtre classique, ainsi que sa familiarité avec le théâtre antique. Pour résumer grossièrement, le théâtre classique c'est la primauté du dialogue sur le reste, il y a très peu de mise en scène, le metteur en scène est quasi inexistant. C'est la forme théâtrale que l'on a peu près tous en tête. Le théâtre contemporain est différent, les dialogues sont relégués au second plan et la mise en scène est beaucoup plus mise en avant. Il n'est pas rare de trouver sur scène des animaux, des véhicules, des décors gigantesques, mais aussi des écrans géants, des jeux de lumière élaborés, les costumes aussi changent, une pièce de Shakespeare peut très bien être jouée en costard, cela permet d'intégrer les pièces anciennes à notre époque et à l'actualité. Le basculement du théâtre classique au théâtre contemporain s'est opéré au siècle dernier. Le concept a été théorisé par Antonin Artaud avec son livre intitulé “Le Théâtre de la Cruauté”. Derrière « cruauté » il faut entendre « souffrance d'exister ». L'acteur doit brûler sur les planches comme un supplicié sur son bûcher. Selon Artaud, le théâtre doit retrouver sa dimension sacrée, métaphysique et porter le spectateur jusqu'à la transe.

Selon Antonin Artaud, pour pouvoir échapper à ce « monde qui glisse, qui se suicide sans s’en apercevoir » et à l’ « atmosphère asphyxiante dans laquelle nous vivons », il faut que le théâtre redevienne « grave » et qu’il abandonne le primat de l'auteur pour celui du metteur en scène. En effet, Artaud remplace « la vieille dualité entre l’auteur et le metteur en scène (…) par une sorte de Créateur unique, à qui incombera la responsabilité double du spectacle et de l’action ». Au-delà de l’abrogation du rôle d’auteur, il souhaite « en finir avec cette idée des chefs-d’œuvre réservés à une soi-disant élite, et que la foule ne comprend pas ». Son idée de « Théâtre de la Cruauté » s’élabore à l’opposé du « théâtre psychologique » qu’il définit comme « purement descriptif et qui raconte ». A l’inverse d’un « art détaché », « fermé, égoïste et personnel », « le Théâtre de la Cruauté se propose de recourir au spectacle de masses », pour produire une « action immédiate et violente ». Le Théâtre de la cruauté est un « théâtre qui nous réveille : nerfs et cœur ». Cependant, cette cruauté n’est pas celle du sang et de la barbarie : « il ne s’agit pas de cette cruauté que nous pouvons exercer les uns contre les autres (…) mais (…) celle beaucoup plus terrible et nécessaire que les choses peuvent exercer contre nous. Nous ne sommes pas libres. Et le ciel peut encore nous tomber sur la tête. Et le théâtre est fait pour nous apprendre d’abord cela. » Avec ce concept, Artaud propose « un théâtre où des images physiques violentes broient et hypnotisent la sensibilité du spectateur ». A la vue de cette violence naît la « violence de la pensée » chez le spectateur, violence désintéressée qui joue un rôle semblable à la catharsis. En effet, le théâtre devient une fonction qui fournit « au spectateur des précipités véridiques de rêves, où son goût du crime, ses obsessions érotiques, sa sauvagerie, ses chimères, son sens utopique de la vie et des choses, son cannibalisme même, se débondent, sur un plan non pas supposé et illusoire, mais intérieur » ; en d’autres mots, ces rêves exaltent ses pulsions pour produire une « sublimation »10, sorte de purgation des mauvaises passions. Le faible risque d’inciter le spectateur à reproduire ce qu’il voit – s’il ne comprend pas que le théâtre lui apprend « l’inutilité de l’action » et qu’« un geste fait ne se recommence pas deux fois » – vaut tout de même la peine d’être pris, selon Artaud, « dans les circonstances actuelles » d’un monde en déclin. Artaud aimerait retrouver la force que les tragédies antiques pouvaient exercer en leur temps et donc reconstruire un théâtre « autour de personnages fameux, de crimes atroces, de surhumains dévouements », avec des « thèmes historiques ou cosmiques, connus de tous » mais « sans recourir aux images expirées des vieux Mythes». En d’autres termes, il aimerait « pouvoir extraire les forces » de ces images cruelles et tirer parti de la violence pour créer une sorte de catharsis tout en installant un nouveau langage qui puisse s’adresser à la masse des spectateurs contemporains, et tout en créant de nouveaux moyens scéniques.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9%C3%A2tre_de_la_cruaut%C3%A9

Le meilleur mot pour désigner le théâtre et surtout le théâtre contemporain, serait catharsis. C'est aussi un élément que l'on retrouve dans le théâtre antique/Grecque, ou le peuple se réunissait pour voir des tragédies et ainsi expier leurs passions et émotions. Ces manifestations avaient beaucoup de succès et faisaient parties intégrante de la vie du citoyen Grecque. Ils se rendaient au théâtre comme on se rend chez un psy, pour alléger la lourdeur de l'âme.

« La tragédie est donc l'imitation d'une action noble, conduite jusqu'à sa fin et ayant une certaine étendue, en un langage relevé d'assaisonnements dont chaque espèce est utilisée séparément selon les parties de l'œuvre; c'est une imitation faite par des personnages en action et non par le moyen d'une narration, et qui par l'entremise de la pitié et de la crainte, accomplit la purgation des émotions de ce genre. »

- La poétique, Aristote

Thyeste, Thomas Jolly

Plusieurs protagonistes feront leur apparition dans la pièce. Tantale fils de Zeus, père de Thyeste et Atrée. Tantale est condamné à la soif et à la faim éternelle pour avoir offert son propre fils à manger aux Dieux. La première partie le concerne. Le fantôme de Tantale , avec l'aide d'une furie (esprit infernal qui tourmente les hommes et les damnés) va entrer par inadvertance dans sa maison, ou réside son fils Atrée, Roi de Mycènes. Par ce geste il contaminera la demeure et le cœur de ses résidents, la mort, le pouvoir, la vengeance, le sang, l'autorité, la folie, le meurtre y ferra son office. La seconde partie nous présente Atrée fils de Tantale, Roi de Mycènes. Son frère vient de l'humilier en prenant sa femme et en ambitionnant de s’octroyer le trône en volant la toison d'or, symbole des rois. Atrée rumine sa colère, son cœur devient de plus en plus sombre. Il projette de se venger et cela de la plus inhumaine et cruelle façon qui soit, en tuant les fils de Thyeste et en servant leurs entrailles à manger à celui-ci. Atrée devenu fou, ivre de pouvoir veut asseoir son autorité par la crainte, rien de mieux que cette expérience macabre pour dissuader d'éventuel prétendant. La troisième partie est centré sur Thyeste. Actuellement en exil, malheureux et sans le sous, a été rappelé par Atrée pour partager le pouvoir. Ce qu'il ne sait pas, c'est qu'il court à sa perte, mais, crédule, il part avec ses fils à la rencontre de son frère et du pouvoir promis par celui-ci. D'abord hésitant, ses enfants finiront par le convaincre. La paix revient sur Mycènes, les deux frères se sont retrouvés et règnent en harmonie. Ce n'est qu'une façade. Le plan machiavélique d'Atrée se met doucement mais surement en place, la vengeance bouillonne en lui alimenté par un feu ardent. Thyeste naïf, ivre de pouvoir au sens propre comme au figuré, ne voit pas venir le malheur sur lui et sa famille. La quatrième partie nous est raconté par un messager. Il décrit avec une extrême précision le meurtre barbare des fils de Thyeste par Atrée, l'éviscération des jeunes garçons sur l"autel, le plaisir d'Atrée pendant l'acte, la jouissance de transpercer la chair, de sentir le sang chaud couler, la joie d'évider le corps de leurs entrailles et d'en faire du vin, et un repas de roi. Mais après l'acte, d'un coup le soleil se couche, pour ne jamais plus se relever, les oiseaux ne voleront plus, les plantes ne pousseront plus, les Dieux s'en sont allés. Atrée par ce geste inhumain dépassant n'importe quelle barbarie, va condamné les hommes et leur monde. Lui ne s'en rend pas compte, obnubilé qu'il est par sa vengeance.

Dernier acte. Lors d'un repas Atrée sert le vin, la viande mêlé à la chair, aux boyaux des enfants de Thyeste. Celui-ci s’enivre du nectar, goûte et apprécie la viande. Atrée regarde, ne rate pas une miette de ce qui se passe, il sait, il jubile. Il annonce à Thyeste qu'il vient de boire le sang et manger le corps de ses fils. Thyeste est sonné, il ne comprend pas, il ne conçoit pas qu'on puisse être aussi méchant, que l'on puisse ainsi tomber dans l'horreur, il pleure ses fils et son ignorance.

Thyeste maudit son frère. Atrée célèbre son ignoble dessein, il est satisfait. Dehors le monde des hommes s'effrite, il sombre lui aussi.

Une pièce qui nous parle de la spirale vengeresse sans fin, de la violence, mais aussi de pouvoir et son ivresse, au point de vouloir voir sa propre famille (ici Thyeste le frère) souffrir d'une façon extrêmement cruelle. On a généralement pour nos proches beaucoup plus d'affections que pour un individu lambda et c'est aussi pour ça que ce crime est odieux, mais le pouvoir et l’humiliation subie par Atrée est plus fort, il n'en a que faire. Tantale par erreur empoisonnera le Château et son fils par la même occasion, là aussi on constate que l'héritage violent du père a débordé sur ses fils (un cycle sans fin), par son geste, Atrée fera à son tour plonger dans les ténèbres le monde des hommes. Une pièce qui trouve un écho dans nos sociétés contemporaines, plus que jamais d'actualité. La mise en scène de Thomas Jolly est impressionnante. Le visage d'un homme bouche grande ouverte sortant un cri silencieux mais strident trône sur l'espace, sa main voulant agripper quelque chose tout aussi imposante, est aussi présente. Autour de lui s'articuleront l'histoire et ses protagonistes.

Il utilise aussi très bien son environnement, grâce entre autre à de nombreux jeux de lumière pour signifier une présence par ex, il projette aussi des textes de la pièce sur la façade de la cour du Palais des Papes, elles restent ici un certain moment, comme gravée dans la roche du fait de leur importance. Il y aussi un groupe de musiciens de blanc vêtu, ils seront là pour jouer quelques mélodies et accompagner la pièce, mais à partir du moment ou Atrée tuera les enfants, leurs yeux seront masqués d'un voile rouge, celui du sang, leur musique s’éteindra après ça. Ce groupe, la musique, représente les hommes. Le metteur en scène coupe sa représentation de passage chanté, la première fois du rap, ça fait bizarre mais cela s’intègre parfaitement bien, ça influe une certaine dynamique et une modernité bienvenue, les costumes sont eux plutôt modernes.

Thomas Jolly a fait de l'excellent boulot! La pièce est extrêmement noire et sombre comme un jour d'orage, l'expérience cathartique est palpable, de la vraie bonne tragédie. Seule petite ombre au tableau, l’accessibilité. La pièce du fait de son ancienneté n'est pas très accessible, il y a quelques passages très longs et il faut avoir le texte ou au moins le résumé sous les yeux pour situer les personnages et leurs liens. Perso j'ai utilisé Wikipédia, ce qui était largement suffisant. Quoi qu'il en soit l'effort vaut le coup. Si vous désirez en connaitre un peu plus sur le théâtre contemporain et ses metteurs en scène, il y a ces deux documentaires d’Arte à ce sujet, sur Joel Pomerrat metteur en scène Français reconnu et celui sur Thomas Ostermeier. Les deux docs sont une immersion dans leur travail, avec des méthodes différentes, une troupe de comédien différent, un véritable plaisir. Si vous avez aimé et que vous êtes curieux, vous pouvez retrouver leurs pièces sur Youtube.

[schneiderbrothers]

VOGUE HOMMES: Rencontre avec Niels Schneider

C’est tremblant d’émotion, le nœud papillon légèrement de travers, qu’il a reçu en 2017, le César du meilleur espoir masculin pour son rôle puissant et sombre dans le polar d’Arthur Harari, "Diamant noir". Révélé par Xavier Dolan en objet de désir incandescent, il semble renaître des cendres où une inquiétude viscérale l’avait plongé.

Quel genre de séducteur êtes-vous ? Pas très confiant. Je ne suis pas un mâle alpha, c’est sûr! Ma manière de séduire est très inconsciente. Jamais calculée. Une fois que je suis séduit, quelque chose en moi se met en route, une énergie, un éveil et je me sens vivre. Je ne suis pas un dragueur. C’est organique. Bien sûr que je me plante. Je rencontre des murs souvent. Mais normalement je sens quand même assez vite quand ça colle ou pas, quand on est sur la même longueur d’ondes, que ce soit avec un metteur en scène ou avec une femme. Je suis très sensible à l’envie, au désir de l’autre.

Et qu’est-ce qui vous séduit ? L’humour, l’intelligence mêlés à de très beaux yeux, une très belle bouche. Le romanesque. Sentir chez quelqu’un une promesse de grandeur, la possibilité d’une belle histoire.

On sent chez vous un rapport inquiet à votre physique, à votre beauté. Ça n’est pas la beauté qui me fait peur. Quoique au cinéma, je pense que ce sont les défauts qui sont intéressants. Ce qui m’a fait du mal, c’est d’être enfermé pendant un moment dans le personnage que j’incarnais dans Les Amours imaginaires de Xavier Dolan, un fantasme, un objet de désir… Je ne me trouve objectivement pas beau. Quand on me fait la remarque, ça me surprend toujours. On m’a comparé, après ce film, à Björn Andrésen, le Tadzio de Mort à Venise. Je sais que pour lui, l’après Visconti a été très dur. Il a voulu arrêter de jouer, a sombré dans l’alcool. C’est un métier où quel que soit ton physique, on ne va parler que de ta gueule. Il faut s’y faire. On n’a pas le choix. C’est pour cette raison qu’il faut être un petit peu égoïste et penser à soi, à ses propres goûts, pour ne pas être baladé par le désir des autres. Être réinventé par le regard d’un réalisateur, c’est agréable, mais c’est aussi dangereux. Il ne faut pas le prendre trop au sérieux.

Qu’avez-vous fait de plus fou pour une femme ? J’allais vous dire que je n’étais pas du genre à m’acharner mais en même temps, c’est faux. Si j’y crois très fort, je suis prêt à faire beaucoup de choses. Je peux attendre très longtemps. Mais je ne suis pas du tout un conquérant ou un Don Juan. Si je m’obstine, c’est parce que je sais que ça en vaut la peine.

«Les acteurs sont tous des actrices» s’amuse à dire Vincent Cassel. Qu’y a-t-il de féminin en vous ? Qu’est-ce que c’est le féminin? Pourquoi les actrices ne seraientelles pas toutes des acteurs ? Depardieu a dit : si j’étais un homme, je serais Catherine Deneuve. Pas mal, non ?

Dans votre musée imaginaire, quelles sont les actrices qui vous ont fait fantasmer ? À l’adolescence ? Neve Campbell, j’avais beaucoup de désir pour elle. Et Alicia Silverstone, vous vous souvenez ? J’étais aussi un peu amoureux de Taylor Hanson. J’ai eu beaucoup de chagrin quand j’ai appris que c’était un homme. Et Natalie Portman, un grand grand amour. À 12 ans, je lui ai écrit et elle m’a répondu, enfin c’était peut-être son assistante. Je lui disais : aujourd’hui, ça va être compliqué parce que je suis très jeune mais quand j’aurai 18 ans, la différence d’âge se fera moins sentir. D’ailleurs je lui expliquais que mes parents avaient sept ans de différence… Mais, plus sérieusement, si on oublie les années ados, j’ai toujours été amoureux d’Isabelle Adjani.

Vous avez joué au théâtre à ses côtés ? Oui. Je n’ai même pas lu le texte avant d’accepter. C’est une des plus grandes actrices du monde toutes générations confondues. On ne peut même pas dire qu’elle est hors norme. Elle est exceptionnelle. Il y en a une comme elle tous les cent ans. Travailler avec elle, c’est tout sauf professionnel. C’est une expérience unique. Elle n’a pas de méthode, c’est très mystérieux. Elle m’impressionne beaucoup, beaucoup, beaucoup, par son intelligence, sa richesse intérieure, sa beauté.

Vous observez beaucoup les femmes ou les hommes dans la rue ? Bien sûr. Pour m’en nourrir. Comme un écrivain prend des notes dès qu’il voit ou entend quelque chose, quand on est comédien et qu’on voit un regard, une réaction, on se dit : c’est ça, c’est exactement ça ! Il faut l’attraper et le mettre dans un tiroir. Jusqu’à l’âge de 20 ans, j’étais très timide. Je ne parlais pas mais j’observais beaucoup. Dans ma bande de copains, j’étais le confident, la bonne oreille. J’ai l’impression que j’ai stocké beaucoup de choses et que j’ai développé mon sens de l’observation.

Une voix qui vous trouble ? Leonard Cohen, Dylan, Neil Young, Joe Strummer. Je suis extrêmement sensible aux voix. Celles de Depardieu, d’Adjani. La voix de Valeria Bruni-Tedeschi, de Birkin, de Charlotte Gainsbourg. Le parfum de la peau, mais encore plus la voix, ont un effet très séduisant sur moi. La voix raconte quelque chose sur l’identité de la personne beaucoup plus que son physique. On peut mentir avec les yeux mais pas avec la voix. On est toujours trahi par sa voix.

Vous accordez beaucoup d’attention à votre apparence ? Oui et non. Disons que si je suis dans un vêtement qui ne me ressemble pas je peux me sentir très mal. J’aime aussi le glamour des cérémonies. Les smokings, les femmes en robes sublimes. J’ai l’impression que la plupart des acteurs détestent ou disent qu’ils détestent. Si tu fais ça avec sérieux, c’est terrible. Il faut garder l’aspect ludique, festif, magique. L’esprit La La Land !

Est-ce que vous avez un vêtement fétiche ? Après un tournage, je garde toujours un vêtement. Là, par exemple, je porte les chaussures de Diamant noir. Sur Tout est parfait, j’ai gardé une chemise, sur J’ai tué ma mère, le T-shirt à manches rouges que portait Xavier (Dolan), sur Les Amours imaginaires, sur tous mes films…

Votre définition de l’élégance ? Quelque chose d’épuré, de sobre, de simple. L’élégance, c’est quand chaque élément est à sa place. Ça vaut pour une mise en scène. Par exemple aux échecs – j’adore les échecs – quand on dit qu’un coup est élégant, c’est qu’il est rapide et précis.

Un vêtement que vous voudriez voir éradiquer du dressing féminin? Je ne sais pas… Des fois, je me dis : alors ça, c’est pas possible et je vois une femme très belle le porter et je change d’avis. Pendant un moment, je n’aimais pas les leggings… Ah si, les Doc Martens, je ne trouve pas ça très beau.

«Je me suis souvent moqué des gens qui avaient trop d’émotion…», disiez-vous dans une interview. Vous aviez l’air bouleversé en recevant votre César. Vous avez changé d’avis ? Quand tu es derrière ta télé, tu te dis : bon, ça va ! Il y a des guerres dans le monde, pourquoi être en larmes pour un morceau de cuivre. Déjà, le principe même de mettre des films en compétition, c’est discutable. Tu n’as pas gagné le Tour de France ! Il y a eu un vote, c’est très arbitraire. Et puis ce César est arrivé. Il faut dire que je me préparais tellement à ne pas l’avoir. Mon père était dans la salle, il était venu pour moi de Montréal. Je me disais : si je ne l’ai pas, désolé papa, je te rembourse ton billet. Quand ils ont donné les noms des nominés, je me répétais : je ne l’ai pas, je ne l’ai pas, peu importe qui l’a, sois très heureux. Et quand j’ai entendu mon nom, j’étais séché. Il y a un truc lié à l’enfance, aux rêves que j’avais, au chemin parcouru, à l’époque où je ne voyais rien venir, où je n’attendais plus rien de la vie. J’ai repensé à mon adolescence, je me croyais tellement incapable de monter sur une scène. J’ai repensé à mon grand frère [Vadim, de quinze mois son aîné, comédien. Il s’est tué en voiture à 17 ans en se rendant sur un tournage, ndlr] qui était si doué, que j’admirais tant. Je pensais qu’il était le seul à avoir du talent. L’émotion a tout emporté. La vie réserve parfois de belles choses. Peut-être ai-je eu raison de me faire un peu confiance.

Par Anne-Laure Sugier le 07 Août 2018

Vogue.fr

[nirindahouse]

Le succès semble venir pour #davidbowie avec la chanson Space Oddity, qui raconte l’histoire d’un astronaute, le major Tom. Sorti début de juillet 1969, et choisie par la BBC pour accompagner les programmes télévisés consacrés à la mission Apollo 11, qui pour la première fois voit des humains marcher sur la lune. Elle figure en bonne place dans le deuxième album du chanteur, lui aussi intitulé David Bowie, qui sort en novembre 1969 et sera réédité en 1972 sous le titre Space Oddity, Bowie étant depuis devenu une vedette. Les compositions de Bowie s’affinent, comme sa présence vocale. Il va s’installer dans une grande demeure, à l’automne 1969, avec celle qui sera sa femme durant une dizaine d’années — mariés en mars 1970, ils divorcent en janvier 1980 —, Mary Angela Barnett, dite Angie. La maison s’appelle Haddon Hall. Le couple Bowie y est rejoint par Tony Visconti et son amie, puis par des musiciens, dont le guitariste Mick Ronson (1946-1993). C’est là qu’est ébauchée la matière du troisième album de Bowie, The Man Who Sold the World. Electrique, flirtant presque avec le hard rock, il est le résultat d’un travail collectif — Visconti et Ronson en particulier —, la première trace aussi du futur groupe de Bowie, The Spiders from Mars. Sur la pochette originale, #Bowie pose vêtu d’une robe #art #artwork by @nirin_da_house #nirindahouse #nirin #popart #popmusic #poprock #glamrock #bowielicious #rock #punk #collage #artist (à Paris, France) https://www.instagram.com/p/CRErZK5loxk/?utm_medium=tumblr

[secretradiobrooklyn]

SECRET RADIO | 11.14.20

Secret Radio | 11.14.20 | Hear it here.

Artwork by Paige, liner notes by Evan except * for Paige

1. The Wizard of Oz - “Ding Dong” Suite

We were looking for a proper song to get this party started, and damned if it didn’t involve a bunch of delighted munchkins! As much as our hopes for the coming years are muted, the relief at not having to contend with a headlong dictator enjoying full-on democratic support just cannot be overstated. DING DONG Y’ALL!

2. David Bowie - “Look Back in Anger”

I’ve been practicing drums a ton during the pandemic, and I just realized that I’m going to have to spend some time trying to get at this pattern. It’s some of my favorite drumming ever, from one of my top 20 albums ever. In fact, this comes from a very special edition of Lodger, via Brian McClelland, wherein Tony Visconti took the original tapes and completely remixed the album as he always felt it should have been mixed if they weren’t be rushed. To someone who has listened to that record many many times, it sounds like I’ve been next door the album all this time, and I’m finally allowed into the room where it’s playing. So clear and focused and modern!

3. Frank Alamo - “Ma Biche”

A “biche” is a doe, we believe. “It’s something about ‘pretty eyes,’” Paige says, “which would make sense.” Further research, though, reveals that the song is about how much he likes her pretty dark eyeliner. I know the feeling!

4. (Not) Rom JongVak - “Monkey”

Well, this has been a learning process. There’s this great song that I thought was called “Twist (Dance Twist)” by Rom Jong Vak, that we played like a month ago — and then tonight I thought I was playing “Monkey,” by Rom JongVak. Buuut, as I look further, I’m learning that the first song was “Rom Jong Vak Twist,” by Pan Ron… And the song here is I guess called “Rom Jong Vak Monkey,” and I have no idea who it’s by! All of the text on the page is in just boxes where Cambodian text would go, so it’s bound to remain lost. Whoever it is, I sure do enjoy that first aggressive drum fill and the whole weird texture of this recording.

5. Luiz Visconde - “Chofer de Praça”

Paige: “The first times that I listened to this Angolan collection, I really just listened to Os Kiezos, because they did “Muxima.” But then I eventually spread out and found this song. It’s from Angola, between ’65 and ’75.”

6. The Velvet Underground - “European Son”

P: We would go to the Beechwood a little bar around the corner from us in Wicker Park, down the street off Milwaukee Avenue. They had a real jukebox, not a TuneBlast or whatever. It was just a great little dive. They had this record in the jukebox, and we would always put on this song. I suppose that could have been read as an aggressive thing to do, but we’d put on other songs too! It was a good way to stretch your quarters, and it loosens the bar up. And I figured, if they didn’t like this song they wouldn’t put it in the jukebox.

     Once when we were there on a busy weekend night, something was wrong with the jukebox. It was broken. And the bartender opened it up and put like a hundred bucks on it and said, “Everybody play whatever you want, three songs each. It was awesome. Everybody did take turns too, three songs each, all around the bar. It was a really cool night.

7. Fred Astaire - “No Strings (I’m Fancy Free)”

What a lovely piano intro! This song is from the 1935 film “Top Hat.” It’s one of those movies where the clever protagonist pursues a girl he has a crush on — or terrorizes a stranger until she submits to his will, depending on whose perspective you take. There are a lot of those — “An American in Paris” is another — and they’re fascinating to watch just by flipping that switch back and forth in your own head. Meanwhile, both movies are chock full of beautiful shots, fabulous scenes, gorgeous songs, and glowing stars. 

     Something about the quality of this recording — a new master or something? — makes it sound like it was JUST recorded. It feels so alive and contemporary, with a lovely little vibrophone solo in the middle. I just 

Martial Solal, “Breathless” soundtrack - “L’amour, la mort”

Note: I remember this story in the reverse, where the truckers announced this gleefully to each other as they marched merrily OUT the door and into the late afternoon, headed towards… what? Whatever it is, I hope they found it and everyone had a great time.

8. Johnny Hallyday - “Nous quand on s’embrasse”

Have you seen “The Wild One”? Can’t you see how much trouble could have been avoided if those leathered-up motorcycle dudes were able to rock out to songs like this one instead of trying to jazz their way forward? They should have been twisting the night away! Alas, instead they had to tear up bars and beat people up to get their kicks. Tough break, kid.

9. Lokassa Ya M’bongo - “Bonne année”

I found this while searching for something else, but it was labeled “l’Instant Vinyl” in the same format as our Assa-Cica record, so had to check it out. M’bongo is a Congolese guitarist — a rhythm guitarist specifically, which doesn’t normally get the love that lead guitar gets in this soukous form. Lokassa Ya M’bongo means “Lokassa the money man,” and he became a session man in demand. He was a big part of the “Congolo-Paris sound,” a phrase I just read that I’m going to have to look more into.

    Bonne année indeed! Still feeling that relief about hopefully getting out from under the thumb of that giant dummy.

10. Velly Joonas - “Stopp, Seisku Aeg!”

The image of Velly Joonas is pretty heart-stopping: she’s absolutely beautiful, in giant glasses and a striped shirt. The song is so confident and strange in its instrumentation, with keys, organ, fiddle, and a super-tight bass/drum combo. I feel like this could have been a big US underground hit in the ‘90s.

11. Eko Roosevelt - “Kilimandjaro”

Such a sincere song! Eko Roosevelt is kind of hit and miss with me, but when they hit, they get completely stuck in my head! The horn parts on “Me To a De Try My Own” do that to me, and so does the eternal chorus of this song. I love the notes in the bridge as they drop further and further down the scale like they’re descending from the mountaintop. And when he gets to the declarations of love at the end — “I love you, my home! I really do, I really do!” — that’s it, that’s the best.

12. Tonetta - “Yummy Yummy Pizza”

I warn you: look up this video (after you listen to the “broadcast” of course) at your own peril. Not because it’s terrible, but because it is fascinating, and it is just one of SO many. They tease you with tiny shreds of information about this Tonetta person, but never enough that you can get a sense of what the hell is going on with… him? Them? Maybe ask Matt and Brian from Tok about it — they got obsessed enough to record an EP of Tonetta songs, which is how I heard about this all in the first place.

13. Prewar Yardsale - “AU Base”

Paige: I was loading a five-disc changer at Jeffrey’s and something about the cover, the name sounded interesting. I put it on and it’s pretty freakin rad. It stood up to my blind listen expectations. I think this is produced by our friend Matt Mason. 

14. Eugenius - “Mary Queen of Scots”

Matt Mason and Jeffrey Lewis make me think of Schwervon!, which makes me think of the Vaselines who they toured with several times, and that brings me to Eugenius, headed by Eugene Kelly. This was a mainstay in Sean’s room when we all lived together, singing the harmonies and air-drumming along. It remains as satisfying as ever, I’m happy to say.

15. Wednesday Campanella - “Aladdin”

This song is sung in Japanese, not that you’d know from context clues. Tim Gebauer introduced us to this strange Japanese shapeshifter. It was hard to tell if I liked her music or was just amazed by her videos (which you should totally check out). Now I believe it’s safe to say we dig this song. I like how many elements of ‘70s international disco it has, while still sounding super modern. What is weirder to me is that I cannot tell if I would like this song if it was sung in English.

Breathless soundtrack

16. Letti Mbulu - “Mahlalela”

Originally South African, Mbulu managed to escape to the US in 1965 and had a hell of a career. She worked with Cannonball Adderley, Hugh Masakela, Harry Belafonte and Michael Jackson. Quincy Jones said this amazing thing about her: “Mbulu is the roots lady, projecting a sophistication and warmth which stirs hope for attaining pure love, beauty, and unity in the world.” Um, that’s really impressive.

17. Christophe - “Aline”

*Really dig this song, partially I think because it’s in a decent range for me to sing along. I love his desperate delivery and tone of voice. We just learned tonight that Christophe passed away this year at 74 after complications with COVID-19. 

18. Zap Mama - “Brrlak!”

Credit to my dad, Larry Sult, for bringing Zap Mama to our attention. He’s been heavily into marimba music, and played in a marimba band in Bellingham for many years; in fact, he spent many years making the instruments for the band in his woodshop in the basement of their home. Zap Mama is adjacent to that music, though certainly very different. This band comes from all over the world. The main gal was born in &&&&& but found herself in a Pygmy society for awhile, which seems to be where she developed some of those low-high yodels. We saw some footage of her playing, and she did this awesome thing where she held empty airplane bottles just below her lips as she sang, creating a resonance that you can hear here. I love that this whole composition is a cappella.

19. The Buzzards - “High Society”

Years ago, I was whiling away my time in Seattle and stopped into Orpheum Records, right there at the corner where Broadway turns into 10th Ave E. After a half hour of flipping through records I had to know what all the killer albums were that had been playing overhead. Turns out they were all from “The Sympathetic Sounds of Detroit,” a collection of Detroit bands put out by Sympathy for the Record Industry. It was recorded by Jack White and Jim Diamond and it’s full of topshelf tracks, but after all the years, this is the one that we turn out to actually enjoy, and quote, the most. 

    As far as I could tell, there isn’t a version of this song anywhere online, which I personally find disGRACEful!

20. Sleepy Kitty - “Buzzards & Dreadful Crows”

My favorite part of this recording is that I got to sing a couple of guitar parts that I reflexively sing along to on the original.

*This was from a 20th anniversary of “Bee Thousand” tribute show, and we made this recording with Jason Hutto at this studio off Cherokee Street and we recorded a couple others that we did that night. A small run of screenprinted downloads were made. 

Teddy Afro, “Mar Eske Tuwa” credit music

21. Ata Kak - “Moma Yendodo”

Some corrections to what I said in the broadcast: Ata Kak is indeed Ghanian, but I think he might have recorded this in Germany. His is a fascinating little story of determination. This recording comes from a tape that he made about 50 copies of total. It was found by Brian from Awesome Tapes From Africa at a roadside stand in Ghana. He loved it so much that he spent years trying to track Ata Kak down. When he finally did, they found that the original master tapes were all ruined, and Brian’s copy was the only one that they could make a new version from! So that’s what you’re hearing here. 

22. Spoon - “30 Gallon Tank”

Early Spoon is some of my favorite music ever. This is from “A Series of Sneaks,” an album that changed my life pretty much as soon as I heard it. Harvey Danger stopped at a lot of record stores on tour, and at one of them I managed to stumble upon both “A Series of Sneaks” and (I think) Guv’ner’s “Spectral Worship” — what a day! I put this album on in headphones in the van and just listened over and over and over again. Eventually, when our manager announced that we should spend a few weeks between radio festivals headlining a tour with a couple of support acts and asked if we had any ideas, I had a list with Spoon on top and Creeper Lagoon right below that. The tour that resulted was rough for Spoon — they’d just been dropped by their label and were having an understandably rough time — but a fucking thrill for me, because I got to see one of my favorite bands each night. That still stands as one of the absolute highlights of my time in Harvey Danger. Jim Eno is one of the top drummers in my pantheon because he’s such a great composer for the song, and Britt Daniels plays guitar the way I truly wish I did — which he did at the time all on distorted acoustic guitar! 

23. Patrick Coutin - “Fais-moi jouir”

*I meant to put on a different Patrick Coutin song but put this one on by accident and I was like, this is cool, and then I was like “I think he’s saying. . .I think this is pretty. . . explicit. Like Serge and Jane cranked.” As far as I can tell, it definitely is. They don’t teach you these words on Duolingo though. Ha! 

24. Dur Dur Band - “Yabaal”

I mean no disrespect to Dur Dur Band when I say that we didn’t dig the first several songs we heard by them, but this song is undeniable. The groove just digs in and doesn’t stop for anything.

25. Mel Brooks - “High Anxiety”

We’re stepping out on a mixed emotional note, but: we’re not out of the woods yet. I hope we can get through the next couple of months as a nation peacefully and productively, but Paige and I are both in a state of high anxiety about what still seems to be happening daily. Stay safe!

*yet staying optimistic! ’Cause we gotta. À plus tard!

[histoireettralala]

Louis Alexandre Berthier & Maria Elisabeth in Bavaria & Giuseppa Carcano (2/2)

“La soumission de Berthier à sa maîtresse vieillissante était la fable des salons et de l’armée. Il la quittait le moins possible et bien des fois il se trouva dans des positions qui n’avaient rien de plaisant [...] Le bon Alexandre était assez mal récompensé de tant de dévouement. Tout Paris savait que la marquise ne laissait jamais attendre bien longtemps ses faveurs aux jouvenceaux qui les demandaient avec grâce. [...]

Le plus cher désir de Berthier était d’associer légitimement son amie à son éclatante carrière. Napoléon peut-être eût cédé. L’obstacle majeur était la présence du discret Visconti qui, pour n’être pas gênant, n’en était pas moins vivant et peu disposé à divorcer. L’Empereur profita de cette circonstance pour essayer d’arracher définitivement son plus intime collaborateur à la vie canaille qui le déconsidérait. Il venait de l’élever au rang de chef d’Etat en lui donnant la principauté de Neuchâtel, et il pensa le décider à changer d’existence en posant le mariage comme une condition à la continuation de ses largesses. C’était en 1806. On connaît la fameuse lettre du 1er avril, par laquelle le maître mi-sévère, mi-familier, exprimait sa volonté: “Votre passion a duré trop longtemps; elle  est devenue ridicule et j’ai droit d’espérer que celui que j’ai nommé mon compagnon d’armes, que la postérité mettra partout à côté de moi, ne restera pas plus longtemps abandonné à une faiblesse sans exemple. Je veux donc que vous vous mariiez; sans cela je ne vous verrai plus. Vous avez cinquante ans, mais vous êtes d’une race où l’on vit quatre-vingts, et ces trente années sont celles où les douceurs du mariage vous sont le plus nécessaires.”

Berthier résista encore pendant de longs mois, puis il dut se rendre aux instances de Napoléon qui faisait miroiter à ses yeux une alliance plus brillante qu’aucune de celles contractées par les hommes de la Révolution. Il s’agissait d’introduire le maréchal dans une véritable famille régnante. Le choix de l’Empereur s’était porté sur une nièce du roi de Bavière, la princesse Marie-Elisabeth de Bavière-Birkenfeld. Pressé de toutes parts, sermonné, tantôt menacé, tantôt couvert de titres et de richesses nouvelles, le malheureux amant de la Visconti donna, le désespoir dans l’âme, son acquiescement à ce projet. La vieille marquise elle-même, convaincue qu’elle garderait sur lui son pouvoir, l’avait engagé à ne pas prolonger une résistance qui pouvait devenir dangereuse.

Napoléon mena les choses rondement. Le 9 mars 1808, la cérémonie nuptiale fut célébrée devant l’impératrice et lui. La jeune femme n’était pas jolie - quoique de belle taille- mais elle possédait des qualités morales qui lui furent utiles dans son triste ménage. Au début, elle trouvait qu’elle avait fait un bon mariage, ce qui était vrai au point de vue matériel. La grande faveur de son époux rejaillissait sur elle. Dès l’abord elle fut à la Cour une très grande dame devant qui la moquerie n’aurait pas osé s’exercer. Son caractère lui fut d’un plus grand secours encore que son rang. Bonne, bienveillante et simple, elle n’eut bientôt que des amis qui admiraient son tact et sa sagesse. Il en fallait certes, dans la situation où elle se trouva dès les premières semaines de sa vie conjugale. Le sort avait été cruel pour Berthier. Quinze jours après le mariage, l’incommode marquis Visconti était mort, laissant, mais un peu tard, la place libre près de sa trop fameuse épouse. Le maréchal ne se gêna pas pour exprimer les regrets que lui causait cet événement; et, pour réparer dans la mesure du possible l’injustice de la destinée, il installa la veuve dans une maison voisine de son palais.

Ainsi commença une existence à trois dont Paris connut les moindres détails. Faute de pouvoir s’éliminer l’une l’autre, les deux femmes prirent le parti de se supporter, et même, rapprochées par leur commun attachement au prince de Neuchâtel, elles finirent par s’entendre assez bien. La princesse jouait au whist avec la marquise qui avait toujours eu un faible pour le roi de pique, et se faisait raconter les potins dont l’Italienne avait toujours une ample provision. Cette intimité était parfois troublée par des querelles, car, en vieillissant, la Visconti n’avait rien perdu de sa pugnacité. C’était malheureusement tout ce qu’il lui restait [...] Pour dissimuler son excessif embonpoint, elle imagina de se comprimer les cuisses dans des fourreaux serrés “à tour de bras” par des lacets. A ce jeu, elle gagna des troubles de la circulation et une attaque de paralysie qui la rendit entièrement infirme du côté gauche. Dès lors, elle ne fut plus qu’un pitoyable débris sur qui Berthier continua de veiller avec tendresse.

La princesse de Neuchâtel bénéficia dans une bonne mesure de la disparition de sa rivale en tant que maîtresse effective. Berthier avait fini par s’accommoder d’elle et la naissance de trois enfants avait amené dans le ménage un élément de concorde. Lors du retour de Napoléon en 1815, la Visconti resta à Paris dans son fauteuil d’impotente, non sans avoir eu la précaution de remettre à Berthier tous ses diamants en échange d’une rente viagère de quarante mille francs. Quant à la maréchale, elle se retira auprès de son père, à Bamberg, précédant son mari qui n’avait pas eu le courage de prendre parti dans ce grand drame. La mort brutale du maréchal ne la laissa pas inconsolable, car elle se remaria secrètement à un Français, le colonel Lherminier. Elle fut victime de l’épidémie de choléra de 1832. La marquise Visconti lui survécut et mourut dans l’oubli à un âge très avancé.”

Louis Chardigny, Les Maréchaux de Napoléon, Bibliothèque Napoléonienne, P. 227-231.

Le Prince de Wagram et sa fille Malcy by Winterhalter

(Berthier’s son Napoléon Alexandre 1810-1887 and granddaughter Malcy, who would later become Princess Murat by marriage)

                                                      *****

"Berthier's submission to his aging mistress was gloated over in the salons and the army. He left her as little as possible and many times he found himself in positions that were not pleasant [...] The good Alexandre was rather badly rewarded for so much dedication. All Paris knew that the Marquise never let youngsters who gracefully asked for her favors wait long. [...]

Berthier’s dearest wish was to legitimately associate his friend with his brilliant career. Perhaps Napoleon would have given in. The major obstacle was the presence of the discreet Visconti who, although not embarrassing, was none the less alive and unwilling to divorce. The Emperor took advantage of this circumstance to try to permanently tear away his most intimate collaborator from the shady life that discredited him. He had just raised him to the rank of head of state by giving him the principality of Neuchâtel, and he thought he would make him decide to change his life by posing marriage as a condition for the continuation of his largesse. It was in 1806. We know the famous letter of April 1, by which the half-severe, half-familiar master expressed his will: “Your passion has lasted too long; it has become ridiculous and I have the right to hope that the one whom I have named my comrade in arms, whom posterity will put everywhere by my side, will not remain any longer abandoned to an unprecedented weakness. So I want you to get married; otherwise I will not see you again. You’re fifty years old, but you’re from a race that lives eighty, and those thirty years are the years when you need the comfort of marriage most. ”

Berthier still resisted for many months, and then he had to yield to Napoleon's entreaties, who dangled in front of his eyes a more brilliant alliance than any of those contracted by the men of the Revolution. He was about to introduce the marshal into an authentic ruling family. The Emperor’s choice had settled on a niece of the King of Bavaria, Princess Marie-Elisabeth of Bavaria-Birkenfeld. Urged from all sides, lectured, sometimes threatened, sometimes covered with new titles and riches, the Visconti's unfortunate lover gave in despair his assent to this project. The old Marquise herself, convinced that she would keep her power over him, had persuaded him not to draw out a resistance which might become dangerous.

Napoleon efficiently carried things out. On March 9, 1808, the nuptial ceremony was celebrated before him and the Empress. The young woman was not pretty - although of good height - but she had moral qualities which were useful to her in her sad couple. At first, she thought she had made a good marriage, which was true from a material point of view. Her husband's great favor spilled over onto her. From the outset she was at Court a very great lady whom people would not have dared to mock. Her character was even more helpful to her than her rank. Kind, caring and down-to-earth, she soon had only friends who admired her tact and wisdom. It certainly was necessary, in the situation in which she found herself in the first weeks of her married life. Fate had been cruel for Berthier. Fifteen days after the marriage, the inconvenient Marquis Visconti was dead, making way, but a little late, for someone else near his too famous wife. The marshal did not hesitate to express the regrets which this event caused him; and, to repair as far as possible the injustice of destiny, he installed the widow in a house near his palace.

Thus began a ménage à trois of which Paris knew the smallest details. Unable to eliminate each other, the two women decided to support each other, and even, brought together by their common attachment to the Prince of Neuchâtel, they ended up getting along fairly well. The princess played whist with the marquise who had always had a soft spot for the king of spades, and was told about the gossip which the Italian always had a large supply of. This intimacy was sometimes disturbed by quarrels, because, as she got older, the Visconti had lost none of her pugnacity. Unfortunately, that was all she had left [...] To hide her excessive overweight, she began compressing her thighs in sheaths "tightly" wrapped with laces. At this game, she gained circulation problems and a paralysis attack which made her entirely disabled on the left side. From then on, she was nothing more than a pitiful wreck Berthier lovingly kept on watching over.

The Princess of Neuchâtel benefited to a large extent from the disappearance of her rival as an effective mistress. Berthier had come to terms with her and the birth of three children had brought an element of harmony into the household. When Napoleon returned in 1815, the Visconti remained in Paris in her chair, not without having taken the precaution of handing over all her diamonds to Berthier in exchange for a life annuity of forty thousand francs. As for the maréchale, she retired to her father's estate in Bamberg, preceding her husband who had not had the courage to take sides in this great drama. The marshal's brutal death did not leave her inconsolable, because she secretly remarried secretly a Frenchman, Colonel Lherminier. She was a victim of the cholera epidemic of 1832. The Marquise Visconti survived her and died in oblivion at a very advanced age. "

[benvolioworld]

     Colette revient du music-hall. Elle en ramène…   

     “Mitsou”, 1919.

     “Un mois de mai de la guerre..

     L’Empyrée-Montmartre, pour jouer sa grande Revue de printemps ‘Ça gaze !’ a engagé dix-huit jeunes femmes, un petit compère ‘faible du poumon’, un tragédien octogénaire pour les rôles indispensables du ‘Père la Victoire’, du ‘Grognard de Raffet’ et du Général Joffre.

     La loge de Mlle Mitsou, première  vedette. Papier qyu imitait la toile de Jouy blanche et rose, quand il était blanc et rose. Mitsou n’a pas connu ce temps-là. Un tréteau en guise de table, nappé de serviettes-éponge. Toilette, seau et broc de chambre de bonne. La poudre de riz dans des boîtes de carton. Un très beau brillant, monté en bague, parmi les crayons gras et les boîtes de rouge. Petit divan, moelleux comme un banc de square, deux chaises cannées peintes au Ripolin. Allure générale de ‘c’est bien assez bon comme ça’.

     L’entr’acte. Mitsou, seule, se repose, vêtue de bas couleur de fraise cousus par l’ourlet à son maillot de jambes, d’une paire de souliers d’or et d’un kimono de crépon mauve. La nature a paré Mitsou des beautés que requiert la mode actuelle : point de nez, – ou si peu, – l’œil très grand, noir comme le cheveu, la joue ronde, la bouche étroite, boudeuse et fraîche, voilà pour le visage. Pour le corps, il le fallait mince, avec la jambe longue et noble, le sein bas et petit : nous avons tout cela, sans autre défaut qu’un peu de maigreur au-dessus du genou. Mais la trentaine rembourrera cette cuisse de page, et aussi ce dos de nymphe anémique : Mitsou n’a que vingt-quatre ans.

     Mitsou est seule, assise à sa table de maquillage. Les deux jambes, ouvertes en V, demeurent rigides pour ne point ‘pocher’ les bas au genou, mais le jeune dos ploie, et le cou se tend comme celui d’une gazelle altérée. Mitsou, immobile, n’aurait presque pas l’air vivante, si de temps en temps elle ne se poudrait la joue, n’avivait de rouge sa bouche, ou n’aiguisait au crayon l’angle de l’œil. La main diligente ne pense à rien, ni le grand œil sombre et poli, ni la jeune figure morne et sereine…

     Bruit, dans le couloir, de pas boiteux. Un vieux doigt sec frappe à la porte, celui de Boudou l’avertisseur.

     Boudou, entr’ouvrant la porte. (Il a soixante-douze ans et paraît plus âgé.) – La fin de l’entr’acte. Ça va être à vous, mademoiselle Mitsou.”

     Henri Jonquières et Cie, Éditeurs, 21 rue Visconti, Paris, 1926 ; p. 3-5.

[skeleton-richard]

A quick word on why I do not recommend using Wikipedia as a source: from a semi-regular Wikipedia editor

I'm probably going to be called a snob for saying I don't agree with people saying that Wikipedia is okay for more research than, say, finding out if that really was Leonardo DiCaprio in that movie, but hear me out.

I edit Wikipedia on occasion, mostly on articles relating to Charles d'Orléans (big surprise). My future projects are finishing the page for In a Dark Wood Wandering, which is basically useless, and expanding the page on Rangda, which has only two sources and two further readings, one of which is a broken link to something that only mentions her once. It also does not mention the work of any of the major ethnographers and theorists who have written about her like Bateson and Mead (1942), Geertz (1975) or Belo (1949), all of which are very important in regards to her.

I've found minor factual errors. The article on Trevor Nunn's Twelfth Night said it takes place in a late 20th century setting, which sure as heck wasn't right, and I can't remember which article it was (I think it was on Bernard VII Armagnac or Bonne de Armagnac) said that Armagnac became the protector of Charles and his mother Valentine Visconti, which was impossible, because Valentine had died by the time the houses of Armagnac and Orléans were linked through Charles' marriage to Bonne.

That's why I don't recommend thinking Wikipedia is an okay source (I've seen posts arguing that). Just because experts edit it doesn't mean everything is going to be edited by experts. Heck, I'm a bachelor's student who frequently misspells his name editing articles on medieval poets. It also does not mean articles will be free of small but possibly crucial mistakes, like the one on Valentine, and it also can easily lack sources or substantial information. I know it's a work in progress but it's not nearly as rigorous as a source should be.

[papillesetpupilles]

Coucou 😘 Petit.retour sur Milan où j'étais la semaine dernière ❤. J’adore l’Italie 󾓩, je suis venue souvent en vacances et ce depuis toujours: d'abord avec mes parents puis ensuite avec mes enfants. J’aime la langue, la culture, la nourriture. J'y ai retrouvé @megandcook @thepineapplechef et @sliceofpai pour 2 journées avec @Nespresso.fr . Nous avons eu un peu de temps libre pour nous balader et nous avons pu voir quelques incontournables comme le Duomo et la Galerie Vittorio Emanuele. 🤩 Nous avons mangé quelques gâteaux chez @marchesi1824 , l’une des pâtisseries historiques de la ville où le temps semble s’être arrêté. On se croirait dans un film de Luchino Visconti. Le soir nous avons assisté à la soirée de lancement d’une nouvelle gamme de cafés Nespresso ☕ appelée « Ispirazione Italiana ». Composée de 7 cafés, elle met à l’honneur les villes italiennes et en fonction de la torréfaction réalisée, les profils aromatiques sont complètement différents : plus rond, plus acide, plus amer etc. On y retrouve la diversité des régions de la péninsule. 󾓩 Et puis le lendemain matin, nous avons pris le train pour Rome pour la suite du programme. Il faisait un temps magnifique mais froid, j’avais hâte de redécouvrir la capitale Italienne. La dernière fois que j’y étais allée pour les vacances il faisait 40°C et on avait cru mourir de chaud. Je vous raconte cela bientôt. Bonne journée à tous 😘❤ #PapillesetPupilles #NespressoIspirazioneItaliana #collaboration #Milan #Milano #Italie #igersMilano #Duomo #café #instacafé #instacoffee #coffee #Nespresso #Lombardia #coffeelovers #instacafé #Ispirazioneitaliana #igersItalia #igersMilan #Italie #IloveItaly #coffeetime #visitlombardia #milano 󾓩 #cafestagram #instacafe #cafe #duomomilano #piazzadelduomo @nespresso.fr #RitualeNespresso https://ift.tt/318Q24C

[rollingstonemag]

Un nouvel article a été publié sur https://www.rollingstone.fr/david-bowie-space-oddity-50/

David Bowie vous donne rendez-vous sous la lune pour les 50 ans de "Space Oddity"

Premier succès de la carrière de David Bowie, le morceau « Space Oddity » fête cette année son cinquantenaire – un peu comme une certaine mission lunaire…

Le 11 juillet 1969, David Bowie se propulsait dans les étoiles de la pop music en sortant ce qui allait être son premier single fort, « Space Oddity », annonciateur d’un second album prévu pour la fin de la même année. Ode à l’exploration spatiale, à l’isolement et à tout ce qui poussait le monde de l’époque à regarder le ciel avec espoir, inspiré par 2001 : L’odyssée de l’espace de Kubrick, le titre devint l’hymne officieuse de l’alunissage d’Apollo 11, événement historique survenu le 20 juillet 1969.

Une avancée majeure tant pour l’Humanité que pour l’histoire de la pop, qui découvrait tout le talent de ce jeune David Bowie, promis à un brillant avenir. Et le succès du morceau parle pour lui : d’abord n°5 au Royaume-Uni à sa sortie, il se hissera à la tête du classement en 1975, après être passé par le top 20 américain en 1973 – une prouesse à l’époque. Un morceau qui restera très lié à l’histoire de son auteur, dont le personnage Major Tom réapparaîtra à travers divers morceaux (dont « Ashes to Ashes ») jusqu’à l’ultime « ★ » (« Blackstar »), peu de temps avant sa disparition au début de l’année 2016. En outre, « Space Oddity » servira de thème au premier clip musical tourné dans l’espace par l’astronaute canadien Chris Hadfield, alors à bord de la station spatiale internationale ISS.

Aujourd’hui, Warner rend hommage à ce morceau culte en annonçant la sortie d’un coffret exclusif regroupant deux vinyles 45t, l’un contenant les mix mono originaux des morceaux « Space Oddity » et « Wild Eyed Boy from Freecloud », l’autre des versions entièrement retravaillées par Tony Visconti, producteur privilégié de David Bowie avec qui il confectionna une bonne partie de sa discographie, du fameux album éponyme de 1969 (qui contiendra « Space Oddity ») jusqu’à Blackstar en passant par The Man Who Sold the World, « Heroes », Heathen ou encore The Next Day.

Envie de découvrir le nouveau mix de « Space Oddity » ? Avant de vous jeter sur votre service de streaming privilégié, Warner vous donne rendez-vous sous la Lune pour écouter le titre dans les conditions les plus parfaites. Pour cela, rendez-vous sur cette app (de préférence sur mobile – mais elle semble marcher sur ordinateur également), en espérant que l’astre brille comme il se doit ce soir.

[jean-camille-blog]

La mort de la psychiatrie dans les bras de sa mère

 O saisons, ô châteaux…

Je pris la décision d’écrire un livre où je parlerais des fous que j’avais rencontrés : ce livre commençait dans ma salle de bains. Plus précisément devant la glace, ou à l’intérieur, si l’on peut parler de l’intérieur d’une surface, de l’autre côté de la fenêtre embuée qui fait mine d’ouvrir le mur, où l’on ne distingue que du flou, où rien ne promet qu’il y ait autre chose. Alice n’y retrouvera ni  son pays, ni  ses merveilles et certainement pas ses petits. Elle cherche toujours. Elle n’est pas la seule. Le problème c’est qu’il y en a qui croient avoir atteint le pays merveilleux : ce qui les attend là-bas, c’est d’une certaine manière, la vie de château.

Il était une fois, au milieu de la ville, à cheval sur une rivière  souterraine, le Peugue, un château ceint de ses murs et de ses grilles comme un livre fermé. Les lignes de ce très vieux bouquin étaient illisibles. Les noms y étaient ceux d’inconnus. On y voyait  des présences mortes. Les gens traînaient dans les allées, en robe de chambre comme s’ils rêvaient tout éveillés. Des personnages nus y parcouraient indifféremment l’hiver. Des seigneurs étranges passaient en régnant dans les couloirs de marronniers.  Le lieu était en lui-même une fantasmagorie. Tout y différait du reste de l’espace urbain. D’où cette idée qui avait pu venir à certains que la folie était un effet secondaire du lieu où on la traitait. La conséquence du château. Ceux qui étaient passés par là s’en vantaient rarement une fois « relâchés ». Mais on les reconnaissait comme si  le pays avait déteint sur la peau de ses habitants.

Il y en avait un, il avait les cheveux longs, le professeur Choukranski, un psychiatre romantique, un thérapeute ollé ollé, qui vous regardait le fond de l’œil en y cherchant loin derrière. S’il avait pu, si je l’avais laissé faire il aurait arraché les miens, car il n’aimait pas le petit personnel. Je n’étais pas modeste, j’avais lu Antonin Artaud et je me prenais pour un fou en blouse blanche. Je prétendais guérir les docteurs…

Quelle âme est sans défaut ?

Je débarquai, navigateur sans bagage et désarmé sur des territoires curieux où les indigènes n’étaient pas accueillants. Mon laissez-passer était la Lettre aux Médecins Chefs des asiles, d’Antonin Artaud :

« Sans insister sur le caractère parfaitement génial des manifestations de certains fous, dans la mesure où nous sommes aptes à les apprécier, nous affirmons la légitimité absolue de leur conception de la réalité, et de tous les actes qui en découlent. »

Mais avant d’en arriver là, entre les murailles de l’asile et du « Château-Picon » qui n’avait pas encore été promu « Centre Hospitalier Spécialisé Charles Perrens », du nom d’un « médecin aliéniste », comme Artaud les appelait, il faut que je remonte le temps, sinon on n’y comprend rien, moi le premier, à cette histoire de barjot  telle qu’elle présente les symptômes cliniques d’un destin, mon « anamnèse » pour causer en psy. Pourtant, je n’ai jamais été assez fou pour me prendre pour le psychiatre. Car je me suis, de toujours, méfié des vocations. Ce sont des voix qui vous appellent contre toute volonté à un destin et parfois au sacrifice : des voix sans issue, pour risquer  un mauvais jeu de mots La vocation de la rencontre, celle d’aller vers les autres est peut-être ce dont je me méfie le plus. Sa position naturelle est le surplomb, son régime spontané la condescendance. Je veux dire que j’ai, de toujours, méprisé le mépris. De là à en faire profession… Or il sera ici question d’une profession, d’un métier, d’un « gagne »-pain. Il faut bien vivre.

Je crois en un seul dieu : le Hasard. C’est lui qui préside à la nécessité rétrospective des rencontres importantes. Quand il danse on l’appelle « Providence » et « Fatalité » lorsque les cartes sont abattues. En tout cas, c’est lui qui décide. C’est une divinité monothéiste des carrefours. Il choisit lorsque nous choisissons, ce qui n’enlève rien à la responsabilité, ni à la légitimité de nos choix. Le hasard est une expérience efficace. Il est l’inconscient de l’événement. Ainsi, le jour où toute ma vie devait basculer dans la psychiatrie, rien sinon mes « folies douces » ne le laissait prévoir. Une amie infirmière me dit incidemment, à l’instant où je me penchais pour l’embrasser : « Je te verrais bien à Picon ». Le « Château-Picon » était, à une époque où on ne l’avait pas encore rebaptisé « Centre Hospitalier Spécialisé Charles Perrens », l’asile des fous. J’étais donc, si j’en croyais son diagnostic, bien fou de tenter le baiser. Je reculai et j’allais la remercier tout de même de son vœu implicite mais peut-être après tout sincère  d’une guérison quand elle précisa : « en tant qu’infirmier », ce qui tombait à pic. On disait familièrement  des gens de l’asile qu’ils étaient « siphonnés »… - Ce type est complètement siphonné ! C’est exactement ce qui m’est arrivé : j’ais été siphonné, mais au sens propre, jusque dans ces fonds de baignoire auxquels ressemblaient certains pavillons de l’asile… Et au-delà, par la canalisation secrète du Peugue dans la Garonne. Car à Bordeaux tout finit par le fleuve. Surtout les catastrophes.

Comme si vivre n’était pas assez fatiguant en soi, il fallait travailler. J’ose dire que j’ai travaillé par paresse. La paresse de faire la Révolution, celle d’être un artiste (peintre) ou un intellectuel (aux pieds nus), d’installer un nid de coucou chez les bourgeois. Comme l’école n’avait rien donné, je fus envoyé d’office au boulot. J’avais du mal avec la vie et tout le reste. Je me souviens de cette première journée qui dura 9 heures, des heures sans fin,  sept heures du matin, sept heures du soir dans une scierie de la rive droite de la Garonne.  Chez Visconti, aucun lien avec le cinéaste… C’était pas du cinoche. C’était ma vie : j’avais  les deux pieds dans la sciure et pour longtemps. Comme c’est au mousse de briquer le pont,  je me suis retrouvé le balai en main, à pousser la poussière…

- Il sait même pas balayer !rigolait l’O.S. qui m’avait à l’œil et dans le nez.

Plus tard, à l’hosto, j’ai appris et même la serpillère, mais en attendant, l’ouvrier de la scierie me prenait pour un étudiant, sous prétexte que j’avais dix sept ans et que je n’étais pas sérieux. « Les maos sont partout », l’avertissement était en rouge sur le mur de l’usine. On était catalogué d’entrée, à la longueur des tifs et nos coiffures de pédés. J’ai compris. « Travail » était  l’autre nom plus réaliste, du mot « vie ».  « La classe ouvrière va au paradis », c’était un film à l’époque, encore du cinéma italien. En fait, elle y était déjà, au paradis des prolos. Bon, il y a paradis et paradis. Maintenant, elle ne va plus  nulle part. En attendant, j’enfournais  des lattes dans une dégauchisseuse (pas mal pour un « gauchiste ») à l’autre bout de laquelle un personnage tragi-comique  les récupérait pour les lier entre elles. « Tragique » puisqu’il en avait l’air. C’était marqué sur sa gueule cassée en deux. On m’avait prévenu qu’il était également « fêlé » à l’intérieur. Le working class heroe et l’handicapé mental comme on disait encore alors,  étaient vis a vis. Ils jouaient au pingpong de la production-destruction, à coups de latte (de plancher). Mais c’était lui qui maîtrisait la manœuvre et moi qui faisais l’innocent. Je n’en conçus aucune gène mais au contraire une sorte de topos du monde renversé où le prince était le pauvre, idem les princes d’esprit. Pendant la pause, il faisait le guignol: – Je suis un drôle de Polichinelle! C’était son expression. Les autres se foutaient de lui. Les travailleurs que nous croyions aimer, lui et moi,  eux ne nous aimaient pas. Ni lui ni moi n’étions de la tribu du travail. Ça n’empêchait pas de trimer pire que des esclaves. Mais j’étais d’une tribu contraire : les peaux rouges.

 A la "Bastoche" (le quartier de Bastide), on était les parigots et les paysans de Bordeaux.  Ce n'était pas encore ou déjà plus le pouvoir des soviets mais la classe ouvrière dominait la rive droite du fleuve, entre les remparts de briques, le baroque industriel des monuments du travail. On humait le soufre dont on voyait pointer au-dessus des toits, les pyramides citron : le terril jaune. A présent, les murs  des Grands Moulins règnent toujours sur les quais de la rive droite du fleuve Garonne, mais les vieux croyants  ont quitté les cathédrales de fer. - Qu'est ce qu'un lundi? A fini par se demander un chômeur au long cours. La Bastide devint en quelques années, la friche d'elle même, soit un cliché des places  abandonnées. Fantôme d'une classe disparue, à  force d'avoir voulu quand j'étais un jeune révolutionnaire,  retourner au populo, m'en voilà le zombie à la dérive dans sa cité perdue. Les anges mélancoliques se sont éclipsés, le prolétariat avec eux. Les lieux sont devenus bourgeois, leurs occupants petit-bourgeois ont digéré les prolétaires, et les échoppes  recherchées pour  y creuser leurs lofts, par une middle class, une mittel klassen chochottes phagophages. D'une tour à l'autre, j'erre en  ville par-delà les ombres qui sont l'encre des bâtiments et qui projettent sur les plans de notre  étrange modernité, l'architecture composite d’un  romantisme industriel où le chômage et le regret sont des synonymes qui se toisent avec une méfiance certaine. Je fus pendant longtemps Ouvrier Spécialisé, donc spécialisé en rien du tout. Rien n’y faisait, rien ne me tenait. J’ai été tour à tour banquier, ajusteur et même correcteur de textes pornos, du cul par centaines de pages, des myriades de mots, les bites à tire larigo (ou plutôt l’haricot) …  Non, le travail ne m’avait pas. J’ai connu des hauts et  vendu des bas au porte à porte ! « C’est un feignant, avait jugé mon père. – Un instable, nuançait-il quand il était de bonne humeur… - Mai 68 l’a gâché, concluait-il par contumace ca j’étais déjà loin et 68 avec… Les gens ressemblent à leur pays : j’étais un gars de la Bastide où les usines de produits chimiques fermaient les unes après les autres, où les chômeurs et les spectres rêvaient de skier, intoxiqués par l’odeur jaune sur les pentes des derniers monts du soufre. Chômage technique. Un peu plus, je fermais moi aussi.