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[elmartillosinmetre]

Mahler para tiempos de crisis

[La Camerata Gala]

La 2ª de Mahler interpretada por David Afkham al frente de los conjuntos de la OCNE en versión reducida por José Luis Turina, coincide con una 4ª en versión camerística de la Camerata Gala

Más allá de su vinculación oficial (tantos años al frente del proyecto artístico de la Joven Orquesta Nacional de España, JONDE) y aunque ya jubilado, la presencia de José Luis Turina (Madrid, 1952) en el acto de presentación de la ópera de Carnicer que se glosa en otro lugar de este diario (aquí) tiene que ver con la presentación simultánea de otro CD con la 2ª Sinfonía de Mahler, la Resurrección, una de las más populares de su autor. El compositor madrileño arregló la obra para una orquesta reducida, la que se empleó en una interpretación de octubre de 2021 (recuerden: las restricciones pandémicas mandaban) en concierto que servía de conmemoración del 50 aniversario de la fundación del Coro Nacional de España, ocasión aprovechada para el registro que aquí se publica.

Turina redujo los efectivos orquestales aproximadamente a la mitad (de unos 110 músicos que exige el original a 55), lo que lo obligó a introducir cambios importantes sobre todo en la sección de vientos (en la partitura de Mahler las maderas están a 3 o a 4, pero hay además 10 trompas y otras tantas trompetas, y dejó las maderas en 2, las trompas en 5 y las trompetas en 4). También añadió un piano (para contrarrestar en determinadas secciones la pérdida de instrumentos de registros graves y la ausencia del glockenspiel). Con dos solistas más que sobradas conocedoras del estilo y un coro de 80 voces convenientemente espaciadas entre sí gracias a las posibilidades que a este respecto permite el Auditorio Nacional, David Afkham defendió desde el podio la obra así arreglada con notable convicción.

EL DOBLE CD EN SPOTIFY

Casi a la par que el álbum de la Nacional, el sello granadino IBS Classical ha publicado otro Mahler reducido, este todavía más, pues Carlos Domínguez Nieto (Madrid, 1972), actual director titular de la Orquesta de Córdoba, arregló la 4ª Sinfonía para doce instrumentistas (solistas para cada una de las secciones de cuerda y madera de la orquesta, incluida la trompa, más arpa y percusión).

La versión, preparada para  la Camerata Gala que dirige el sevillano Alejandro Muñoz, es rematada por supuesto por el lied que ocupa el cuarto movimiento (Das himmlische Leben / La vida celestial) y que aquí (como otros tres lieder añadidos de la famosa colección Des Knaben Wunderhorn: Rheinlegendchen / Pequeña leyenda del Rin, Das iridische Leben / La vida terrenal y Wer hat dies Liedel erdacht? / ¿Quién ha escrito esta cancioncita?) interpreta la soprano Raquel Lojendio.

Bienvenidos sean estos dos nuevos Mahler para tiempos de crisis que no sólo amplían las posibilidades de los conjuntos para acercarse a una música que requiere en general efectivos muy nutridos, sino que ofrece perspectivas nuevas sobre la música de uno de los compositores más programados del repertorio clásico.

[Diario de Sevilla. 26-12-2022]

[d-criss-news]

Via David Afkham's Instagram Story (April 2nd, 2022)

[sociologyontherock]

An Introduction to Classical Music for Sociology Students

An Introduction to Classical Music for Sociology Students

By Stephen Harold Riggins

WEEK 1

Max Richter (composer) – This Bitter Earth. Diana Washington (singer), Christopher Wheeldon (choreographer), Tiler Peck and Tyler Angle (dancers).

https://www.youtube.com/watch?v=oIuFucW6vgw 

Length:6:59.

Arvo Pärt (composer) – Spiegel im Spiegel (Mirror in the Mirror). Documentary about nuclear testing. Angèle Dubeau and La Pieta (musicians).

https://www.youtube.com/watch?v=-41KR8VjsOg 

Length: 9:12.

Elliott Carter (composer) – Caténaires. Conrad Tao (pianist).

https://www.youtube.com/watch?v=gfUvbHPiulU 

Length: 2:53.

WEEK 2

George Frideric Handel (composer) – Overture – Atalanta, Henry Purcell (composer) – Sound the Trumpet; Handel (composer) – Eternal Source of Light Divine, Handel – Bourée – Water Piece in D Major . Alison Balsam (trumpet), Iestyn Davies (countertenor), Trevor Pinnock (conductor) and the English Concert Orchestra.

https://www.youtube.com/watch?v=Wa2vzx-aNrw 

Length: 9:42.

Johann Sebastian Bach (composer) – Andante from the Organ Sonata No. 4.

Vikingur Olafsson (pianist).

https://www.youtube.com/watch?v=h3-rNMhIyuQ&list=RDqTwqBVt2Clw&index=2

Length: 5:27.

 Sergei Prokofiev (composer) – Fourth movement from his Flute Sonata. 

Brandon Patrick George (flutist).

https://www.youtube.com/watch?v=K60S7FoRK18

Length: 7:10.

WEEK 3

Francis Poulenc (composer) – Concerto for Two Pianos. Alexander Malofeen and Sandro Nebieridze (pianists). Second International Competition for Young Pianists.

https://www.youtube.com/watch?v=HTOHxCpD6do 

Length: 20:04.

Gustav Mahler (composer) – Adagietto from his Fifth Symphony. 

Herbert von Karajan (conductor), Berlin Philharmonic Orchestra.

https://www.youtube.com/watch?v=Les39aIKbzE 

Length: 11:53.

Morten Lauridsen (composer) – O Magnum Mysterium. 

Anne Akiko Meyers (violin), Akira Eguchi (piano).

https://www.youtube.com/watch?v=nTr6a9ctTpI 

Length: 6:19.

WEEK 4

Antonio Vivaldi (composer) – Juditha Triumphans, RV 644: Armatae Face et Anguibus.

Léa Desandre (soprano). Jupiter Ensemble (musicians).

https://www.youtube.com/watch?v=ZxrBSad5FWQ&list=RD0vfkZRNigAI&index=4 

Length: 3:28.

George Frideric Handel (composer) – Tornami a Vagheggiar. Amanda Forsythe (singer). Apollo’s Fire (chamber orchestra).

https://www.youtu.com/watch?v=Nq_X1AcXwZY

Length: 5:45.

John Adams (composer) – Short Ride in a Fast Machine. Marin Alsop (conductor), BBC Symphony Orchestra. BBC Proms.

https://www.youtube.com/watch?v=5LoUm_r7It8 

Length: 4:39.

Maurice Ravel (composer) – Introduction and Allegro. 

Sivan Magen (harp), Israeli Chamber Project.

https://www.youtube.com/watch?v=V8o2zLtms64 

Length: 11:17.

WEEK 5

Richard Wagner (composer) – Isolde’s Liebestod. Jessye Norman (soprano).

https://www.youtube.com/watch?v=9680zhMmIqM

Length: 6:45.

Felix Mendelssohn (composer) String Quartet in F Minor. 

Alexi Kenny and Nathan Meltzer (violin), Hsin-yun Huang (viola), Nicholas Canellakis (cello).

https://www.youtube.com/watch?v=0s7A4Iy0Ba8 

Length: 27:41.

Sergei Prokofiev (composer) – Toccata. Yuja Wang (pianist). Performed as an encore.

https://www.youtube.com/watch?v=AVpnr8dI_50 

Length: 5:11.

WEEK 6

Earl Wilde (arranger and pianist) – Seven Virtuoso Etudes on Gershwin Melodies.

https://www.youtube.com/watch?v=cUhUf3rjspI 

Length: 19:53.

Aaron Copland (composer) – Concerto for Clarinet and String Orchestra. 

Martin Fröst (clarinet). Norwegian Chamber Orchestra

https://www.youtube.com/watch?v=9GnJBLwOjFo 

Length: 15:35.

Anoushka Shankar (sitar) and Patricia Kopatchinskaja (violin) – Raga Piloo, duet for violin and sitar.

https://www.youtube.com/watch?v=7F5HND4F6Fo 

Length: 17:03.

WEEK 7

Dimitri Shostakovich (composer) – Symphony Number 5. 

David Afkham (Iranian-German conductor). Frankfurt Radio Symphony.

https://www.youtube.com/watch?v=cg0M4LzEITQ 

Length: 55:37.

Ludwig van Beethoven (composer) – Sonata No. 18 in E Flat Major (“The Hunt”).

Conrad Tao (pianist).

https://www.youtube.com/watch?v=Ftj465Qlwpc&t=386s 

Length: 24:16.

WEEK 8

Erich Wolfgang Korngold (composer) – Violin Concerto.

William Hagen (violinist), Christopher Eschenbach (conductor), Frankfurt Radio Symphony.

https://www.youtube.com/watch?v=tdRmnjzpKT4&t=1090 

Length: 28:56.

Jean-Philippe Rameau (composer) – Les Boréades.  Vikingur Olafsson (pianist).

https://www.youtube.com/watch?v=qTwqBVt2Clw&list=RDqTwqBVt2Clw&start_radio=1

Length: 4:45.

César Frank – Sonata in A Major for Violin and Piano. 

Nathan Meltzer (violin), Evren Ozel (piano).

https://www.youtube.com/watch?v=ayc6o0vr7w8 

Length: 26:02.

WEEK 9

Igor Stravinsky (composer) – Pulcinella Suite. 

Yannick Nézet-Séguin (conductor), symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks.

https://www.youtube.com/watch?v=YqW3KGN29SI 

Length: 24:00.

Johann Sebastian Bach (arranged by Ferruccio Busoni) – Chaconne in D Minor, BVW 1004. Hélène Grimaud (pianist). 

https://www.youtube.com/watch?v=sw9DlMNnpPM 

Length: 16:46.

WEEK 10

Wolfgang Amadeus Mozart – Finale (a cenar teco) from the opera Don Giovanni. 

Samuel Ramey and Kurt Moll (singers), Metropolitan Opera New York. 

https://www.youtube.com/watch?v=hY_bQpmEBc0 

Length: 6:54.

Felix Mendelssohn (composer) – Octet in E-flat Major.

Composed by Mendelssohn at age 16.

Janine Jansen, Ludvig Gudim, Johan Dalene, Sonoko Miriam Welde (violin);

Amihai Grosz, Eivind Holtsmark Ringstad (viola);

Jens Peter Maintz, Alexander Warenberg (cello).

https://www.youtube.com/watch?v=Vw1kcQ-QbZw&t=102s  

Length: 33:36.

George Frideric Handel (composer) – Suite No. 5: The Harmonious Blacksmith. 

Gerard Aimontche (African-Russian pianist).

https://www.youtube.com/watch?v=IwjIiUNBiTk 

Length: 11:39.

Vincent Ho (composer) – Rejuvenation: A Taoist Journey. Long Yu (conductor), 

Wu Man (pipa). Mark Rowsell (narrator), Toronto Symphony Orchestra.

https://www.youtube.com/watch?v=Es7WvU1Ug6o 

Length: 16:28.

WEEK 11

Peteris Vasks (composer) – Distant Light, violin concerto. 

Marc Bouchkov (violin), Stanislav Kochanovsky (conductor), Frankfurt Radio Symphony.

https://www.youtube.com/watch?v=xtdFecPt92M

Length: 36:53.

Marjan Mozetich (Canadian composer) – Affairs of the Heart. Juliette Kang (violin), Nora Bumanis and Julia Shaw (harp), Mario Bernardi (conductor), CBC Vancouver Orchestra. https://www.youtube.com/watch?v=wWc62xO2O2c 

Length: 23:02.

WEEK 12

Pianists Demonstrate Proper Conducting Technique Part I.

https://www.youtube.com/watch?v=lQOMSPWOEqc 

Length: 6:11.

Antonio Vivaldi arranged by Johann Sebastian Bach – Concerto for Four Pianos.

https://www.youtube.com/watch?v=7OwQOb6bd1M&list=RD0vfkZRNigAI&index=6 

Multipiano Ensemble, Israel.

Length: 10:44.

Alessandro Marcello (composer) – Oboe Concerto in D Minor. 

Jose Antonio Masmano (oboist), Michael Thomas (conductor), Orquesta Ciudad de Almeria.

https://www.youtube.com/watch?v=87xObdbnBCg  

Length: 12:49.

Claudio Monteverdi (composer) and Giovanni Felice Sances (composer).

Philippe Jaroussky (countertenor), Marie-Nicole Lemieux (soprano), concert in Baden Baden. 

Performed as two encores.

https://www.youtube.com/watch?v=0vfkZRNigAI&list=RD0vfkZRNigAI&start_radio=1

Length: 9:12.

[soniaaristo]

Maestro stays: He reigns in Spain

Maestro stays: He reigns in Spain

The National Orchestra of Spain has upgraded David Afkham from principal conductor to artists director.

It’s enough of a status rise to keep the German baton in Spain for an extra term. Afkham, 35, has been with the orchestra since 2014.

  source https://slippedisc.com/2019/02/maestro-stays-he-reigns-in-spain/

[davyhawkins-blog]

Found Beethoven’s Concerto No.5 (Concerto Emperor) today on Radio 3, an extraordinary place for classical music lovers. I listened to it all the way back to my dormitory this night after my thought to study for another short while was consumed complelely. Though I didn’t find the orginal pieces conducted by David Afkham then, I discovered another album conducted by Arthur Rubinstein, who had done a very brilliant job in purposefully strenghtening, emphasizing some parts of the first movement (especially in the beginning), making it sound like a real powerful emperor ruling his country. Now I’m listening to the second and third movement, which are relatively more peaceful. His composition for me might be ambiguous for my lack of the ability to do some specialized appreciation, but his melody for me is always astounding. Don’t know why but it is so (regret so much finding it so late)

[elmartillosinmetre]

Breviario de directores

[El director rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) es el más ampliamente tratado del libro. / D.S.]

La editorial Fórcola publica un estudio sobre la evolución de la dirección de orquesta

Dos críticos bien conocidos de la prensa musical española, Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián, habituales de la revista Scherzo desde hace décadas, acaban de publicar en la editorial madrileña Fórcola un volumen en que radiografían el oficio de director de orquesta. En quince capítulos y un epílogo, en este libro se hace repaso a una amplísima nómina de maestros, desde Weber, Berlioz y Mendelssohn a los nacidos después de 1980, mediante un somero repaso a sus carreras y sus tendencias estéticas.

Tuve la oportunidad de hablar con Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) sobre este trabajo, del que no hay antecedentes en la bibliografía española.

–Se trata de un libro a dos, pero en él se encuentran muchas valoraciones, muchos juicios. ¿Cómo lo plantearon?

–Lo contamos en las consideraciones previas, se trataba de respetar lo que ha escrito el otro. Los capítulos están en general muy repartidos de manera casi íntegra, hay pocos en los que hayamos metido mano los dos, y además cuando lo hemos hecho cada uno se ha dedicado a una figura distinta. Por supuesto cada uno tiene su visión y no siempre coincidimos, pero asumimos los criterios del otro, porque tampoco se trataba de establecer un debate entre nosotros. 

–¿Podemos ver la historia de la dirección de orquesta como un eterno Toscanini vs Furtwängler, es decir, objetivismo frente a subjetividad o se trata de una simplificación excesiva?

–Yo creo que es simplificar demasiado. Hay una parte de eso que efectivamente se mantiene en cierto modo. Pero no afecta sólo a la dirección de orquesta, sino a la interpretación musical en general: hay una parte de los intérpretes que se decanta por lo analítico y racional y otra parte que lo hace por lo intuitivo y emocional. Lo vemos sobre todo en la música anterior a Wagner: la tendencia historicista rompe con una manera de dirigir ese repertorio muy furtwängleriana y retrocede, no a lo Toscanini, pero sí a unas maneras desprovistas de la parte poswagneriana. Pero en el caso de la dirección hay otros componentes. Las orquestas han evolucionado a grupos que están mucho mejor organizados y preparados profesionalmente, los directores también, pero han tenido que cambiar sus formas. El mundo ya no es el mismo, ya no hay posibilidad de ensayos determinados, el director tiene un poder más limitado, tiene que cuidar las formas… De repente se puede encontrar con una orquesta respondona, que es cosa que hace siglo y medio era impensable. A principios del siglo XX a nadie se le ocurriría pensar en un levantamiento orquestal contra un director más o menos ilustre, aquello no cabía en la cabeza, y sin embargo hoy, si un director se pasa de la raya, sea quien sea, la orquesta se levanta y se va. Eso ha cambiado mucho. Entran otros ingredientes.

–El modelo de dirección autocrática pasó a mejor vida, sustituido por el primus inter pares, ¿podemos poner una fecha a ese cambio?

–El cambio es muy evidente, pero progresivo. Es algo que a partir de finales de los 50 va cambiando progresivamente. Pero, ¿hemos abandonado del todo los modos autocráticos? Hay un componente de apariencia. Hoy ya no tienes a un Toscanini que se dirija a gritos a los músicos o a un Celibidache que pueda llegar al desprecio más absoluto en el trato. Está ese famoso documental de Celibidache ensayando la 7ª de Bruckner con la Filarmónica de Berlín, y ese tono con que se dirige a los profesores de la orquesta hoy es imposible de ver… Hemos perdido esos exabruptos, incluidos los tacos de Toscanini, y hemos dado con maneras más sutiles. Hay quien dice que Claudio Abbado, que parecía muy amable, muy dialogante, si en un ensayo se le atravesaba un músico al salir podía decírle tranquilamente al gerente de la orquesta: "A ese no me lo vuelvas a poner…". Así que el cambio es real, porque los directores saben que no pueden ir con el martillo pilón, pero también hay un componente de apariencia. Sobreviven directores que vienen de generaciones más antiguas, que tienen determinada formación y han tenido sus más y sus menos, pero los maestros de 70 años para abajo se tienen que manejar de otra manera porque si no, no tienen ningún futuro.

[Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) / D.S.]

–¿Es posible una democracia en una orquesta?

–Al final la dirección de orquesta, si dejamos la parte de teoría musical, es un liderazgo de grupos. El líder moderno en la orquesta, la empresa y cualquier sitio, tiene que liderar por convicción, por persuasión, pero es una persona que tiene que tomar decisiones. Tú tienes 100 músicos y cada uno tendrá su idea de cómo hacer esa música, y tú puedes convencerlo y crear cierto consenso, pero alguien tiene que tomar la decisión. Al final, por mucho que se intente vestir de alguna manera, esa decisión la tiene que tomar el director, eso es indiscutible. Cómo tomarla. Hay un punto de convicción, persuasión, carisma, pero también hay algo que choca con eso, es el tiempo que tienes, sobre todo cuando hablamos de directores invitados,  porque en las orquestas modernas, y no digamos ya si hablamos de las inglesas, tú qué puedes tener, siete, ocho, diez horas de ensayo, tirando por lo muy alto, doce. En esas horas tienes que preparar un programa y llevar al huerto a las orquestas. Hay veces que no tienes tiempo de enrollarte. Tienes que tener la capacidad de convencerlos de que tu camino es el bueno, pero no tienes mucho tiempo. El director de orquesta moderno tiene que tener mucho de psicólogo…

–¿Siguen existiendo las escuelas nacionales?

–Hay cuestiones de sonido que tienen que ver con los instrumentos: por ejemplo, los metales de las orquestas del Este no son como los de las occidentales, lo que genera diferencias de sonido. Pero estamos en un mundo global, hay muchos músicos españoles en orquestas alemanas y rusos o polacos tocando a mansalva en orquestas españolas, y eso hace que las diferencias se diluyan. No son las que eran antes.

–Hablando de dirección de orquesta, ¿cualquier tiempo pasado fue mejor?

–Uf, ese es un tema para otro libro. Habrá gente que piense que es así. Conozco muchos melómanos y críticos que piensan que es así. Otros que de ninguna manera. Y otros que pensamos que para algunas cosas, sí y para otras, no. Tengo una opinión muy personal al respecto. Para cuáles sí. Pues es verdad que en función de las presiones económicas y de las necesidades de tiempo, hemos perdido la capacidad de trabajar en profundidad un programa.

–Lo de las dos semanas que se dejaban a algunos directores para un programa es casi imposible hoy, claro…

–Eso es muy difícil. El último caso que he visto fue poco antes de la pandemia y fue excepcional. Semyon Bychkov vino a dirigir la ONE, que hacía una obra que no sé si en España se ha hecho íntegra alguna vez, Mi patria de Smetana. Pidió dos semanas, y se las dieron. El resultado fue una maravilla. Pero la realidad es que esto hace 40 o 50 años era habitual. Con Celibidache o Giulini era normal. Erich Kleiber pidió 120 ensayos para el estreno de Wozzeck en 1925. Esto hoy no puede ser. En el otro extremo están pasando cosas. En Bayreuth por ejemplo estaba previsto que Valery Gergiev dirigiera el Tannhäuser. Pero Gergiev se ha metido en tal dinámica de óperas y conciertos que lo cortaron porque no tragaban con un señor que estuviera presente en un ensayo de cada tres. La realidad es que hoy se ha dejado de trabajar con el tiempo y la profundidad de antes. Si hoy te dan tres días de ensayo ya vas que ardes; eso si no es una orquesta inglesa, que a lo mejor tienes día y medio. En esto cualquier tiempo pasado fue mejor. Sin duda. La precariedad de tiempos de ensayo se nota mucho. 

–Los músicos están mejor preparados...

–Sí, eso es verdad, pero por muy bien preparados que estén… En los conciertos con solista, por ejemplo, tienen un ensayo y el general, y eso se nota. Y por eso Sokolov, que es un señor muy riguroso, ha dejado de trabajar con orquesta, porque vio que las orquestas trabajaban con tanta premura que no había forma de conseguir el nivel al que él aspira. Los músicos y los directores están mejor preparados, sí, pero hay límites, sobre todo para las obras poco habituales. A lo mejor sacas una interpretación correcta, pero nada más. No te puedes tirar 20 minutos ensayando el trémolo inicial de la 7ª de Bruckner, como Celibidache en el concierto al que me refería antes.

–El mundo de los directores es un mundo donde abunda (o abundaba al menos) el divismo. ¿Es necesario un ego enorme para brillar como director o los que son muy humildes también pueden destacar en el oficio?

–El ego es un componente de cualquier artista. Cuando uno se sube a un escenario o está muy seguro de sí mismo o te tiemblan hasta las costillas. El ego es inevitable y hasta necesario. Y es que los directores además de enfrentarse al público tienen delante a una orquesta. Si no vas seguro con lo que haces te pueden comer. Sobre todo si la orquesta es de las gordas. Recuerdo uno de los muchos documentales que hay sobre Leonard Bernstein, en que contaba cómo fue la primera vez que se enfrentó a la Filarmónica de Viena. Y para entonces él era ya un director muy establecido, y sin embargo confesaba que le temblaban las canillas. Porque la Filarmónica de Viena era la Filarmónica de Viena. Y él explica que empezó a hablarles y se dio cuenta de que se estaba empezando a poner nervioso y estaba hablando demasiado. Y entonces se puso a ensayar y ya fue bien, pero también tuvieron sus momentos tensos, porque no le gustaba cómo tocaban a Mahler… Así que una parte de ego es imprescindible, pero donde está el secreto es en gobernar el ego de forma que la orquesta te perciba como alguien seguro pero no prepotente. Hay que poner límites a ese ego. Tú sabes lo que quieres hacer pero no puedes ir levantando la nariz por encima de la orquesta. Y eso ha cambiado. Hace 50 años daba exactamente igual que levantases la nariz, pero hoy no lo puedes hacer. Y eso es posible. Yo he conocido directores que pueden ser duros en el podio, pero luego en el trato son gente muy normal y pueden ser perfectamente humildes. Por ejemplo, Harnoncourt. Era un señor de una energía, una pasión y una seguridad contagiosas, pero luego hablabas con él y era un tipo encantador, y los músicos lo adoraban.

–¿Un gran director es capaz de rescatar a una orquesta mediocre?

–Lo que no puede hacer es milagros. ¿Es capaz de reconstruir y con el tiempo llevar a una orquesta mediocre a otro nivel? Sí. Un buen trabajador de orquestas, un buen discriminador de lo que necesita un conjunto, puede hacerlo. Por ejemplo, el señor George Szell, que ha sido muy machacado porque tenía un carácter de mil pares de narices, pues llega a Cleveland y le da la vuelta por completo. Con el tiempo y la libertad para hacerlo, un buen director puede transformar una orquesta discreta en una de primer nivel. Ahora bien, de la noche a la mañana, vengo como invitado a una orquesta discreta y la hago de primer nivel, mira, no, eso no. Sí puede ocurrir que una orquesta medianamente decente, aunque no grande, se eleve a un gran nivel por un director invitado muy bueno. En una semana la transforma no en algo excepcional, pero sí en algo mucho mejor. Eso lo hemos vivido en España con gente como Celibidache o Lorin Maazel. Yo a Maazel lo vi una vez con la Orquesta de la RTVE y aquello fue apoteósico. ¿La hizo excepcional? No, pero la transformó en algo mucho mejor de a lo que estábamos acostumbrados.

–¿Están bien dirigidas las orquestas españolas?

–Sólo conozco de cerca las madrileñas, del resto no me atrevo a hablar. La Nacional y la de RTVE están en muy buenas manos, que son las de David Afkham y Pablo González. La Sinfónica ha estado en situación rara, después de López Cobos. Creo que fue Mortier quien decidió que no hubiera un titular y eso fue un error. Y en la de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo hizo una labor excelente y ahora está la polaca Marzena Diakun, a la que todavía no conozco lo suficiente como para opinar.

Un compositor, un director

Propongo a Rafael Ortega Basagoiti un juego: el nombre del director idóneo para cada compositor sugerido... Este es el resultado: Mozart. Nikolaus Harnoncourt. Beethoven. El último Claudio Abbado. Mahler. Leonard Bernstein. Bach. Nikolaus Harnoncourt o Philippe Herreweghe. Shostakóvich. Kurt Sanderling. Brahms. Ahí está muy alto en mi lista el mismo Sanderling y también Claudio Abbado, pero luego está Carlo Maria Giulini, que es muy especial. Chaikovski. Eugene Mravinski, aunque también me ha sorprendido Semyon Bychkov en su ciclo con la Filarmónica Checa. Haydn. Harnoncourt otra vez. Wagner. Hans Knappertsbuch entre los antiguos; Christian Thielemann, hoy. Haendel. John Eliot Gardiner. Falla. Ataúlfo Argenta.

[Diario de Sevilla. 11-12-2022]

Música, maestro: De Mahler a Dudamel. Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián. Madrid: Fórcola, 2022. 425 páginas. 34,50 euros.

[mozart2006]

SWR Symphonieorchester - Abo-Konzert 6

SWR Symphonieorchester – Abo-Konzert 6

Foto ©swrclassic.de

Tra i direttori tedeschi della giovane generazione, David Afkham (more…)

[teleindiscreta]

Mozart en la radio

Fuente original: Mozart en la radio Puedes ver más visitando Teleindiscreta - Las mejores noticias de actualidad, famosos, salud, belleza, cocina, motor, música y mucho más.

El pasado domingo José Luis Pérez de Arteaga tenía que haber escrito la crítica de la OCNE y haber realizado los comentarios para Radio Clásica en la retransmisión en directo. Ninguna de ambas cosas era ya posible. Otra persona había de estar ante el micrófono para abordar la complicada suplencia y el lunes se celebraba el día mundial de la radio. Razones para escribir la crónica desde las ondas. Le correspondió a Juan Manuel Viana hacerse cargo de la locución y explicar, hasta que se le quebró la voz, que ya nunca volveremos a escuchar a José Luis los domingos. Se anunció que se le dedicaba el concierto y el público respondió con el mismo aplauso que cuando se recibe a un gran maestro. El «Concierto para flauta Op.39» de Lowell Liebermann responde a un encargo de James Galway, uno de los grandes flautistas del XX, quien la estrenó en 1992. Partitura que reúne lirismo y concluye rítmicamente desplegando un gran virtuosismo. José Sotorres, solista de la Nacional, superó la prueba con notable y encandiló al público con la endiablada técnica de la propina. David Afkham realizó una lectura de la «Misa en do menor, K.427» de Mozart irreprochable con la orquesta y más discutible en el apartado coral. Faltó empaste al coro y las sopranos no siempre lograron superar con afinación las dificultades que introdujo el compositor en una obra que dejó inconclusa. En cualquier caso, Mozart garantizaba el éxito de una jornada que llevaba consigo una despedida y que, por esas cosas del destino, se produjo con una misa.

Fuente: La Razón

La entrada Mozart en la radio aparece primero en Teleindiscreta.

from Mozart en la radio

[petesartclassicalmusic]

Brahms and Mozart

David Afkham - Conductor

Seong-Jin Cho - Piano

PROGRAM

Beethoven - Overture, Coriolan

Mozart - Piano Concerto No. 20 in D minor, K. 466

Brahms - Symphony No. 1

Thursday, November 1, 2018

7:30 PM

VERIZON HALL a pair of Philadelphia Orchestra debuts, by two rapidly rising stars: David Afkham on the podium and Seong-Jin Cho at the keyboard. Cho brings his prize-winning technique to Mozart's Piano Concerto No. 20. 

Beethoven's stirring Coriolan Overture was inspired by a play about war and peace in ancient Rome. Brahms was daunted by Beethoven's towering legacy; that may be why it took him so long to finish his majestic Symphony No. 1. For almost 150 years, audiences have agreed it was worth the wait.

[elmartillosinmetre]

El sello de la Nacional

[La OCNE en el Auditorio Nacional con su titular, David Afkham. / RAFA MARTÍN]

El errático sello de la Orquesta Nacional de España publica dos álbumes con música de Joaquín Rodrigo y Dmitri Shostakóvich

Durante mucho tiempo escuchamos la cantinela de que unos de los problemas básicos para colocar mejor a nuestros conjuntos en el concierto de la música clásica internacional era la ausencia de una industria fonográfica nacional. Faltaba músculo privado y las instituciones hacían algunos intentos (aquella benemérita colección antigua de Hispavox o los esfuerzos de las comunidades autónomas, Andalucía en primerísimo lugar a través del sello Almaviva), pero no era suficiente. La jeremiada se escuchaba periódicamente, ocupaba de vez en cuando un editorial en las revistas especializadas y después cada cual volvía a lo suyo.

En el cambio de siglo, la tecnología puso la grabación al alcance de casi cualquiera y aunque los hábitos de escucha cambiaron y el disco físico perdió prestigio e importancia, muchos teatros y orquestas del mundo civilizado aprovecharon para desligarse de la industria en crisis y sacar sus propios productos al mercado. En España la cosa fue más lenta. Surgió por suerte un sello privado con pujanza (andaluz también, IBS Classical), pero las primeras instituciones musicales del país no parecieron muy interesadas. El Teatro Real y el Liceo seguían comercializando algunas de sus producciones en marcas internacionales y las orquestas apenas se movieron.

En 2014 la Orquesta y Coro Nacionales de España pareció decidida a cambiar el paso publicando en una edición muy bella el regreso de Rafael Frühbeck de Burgos al podio de los conjuntos en diciembre de 2013 por su 80 cumpleaños para un Carmina Burana (el concierto incluyó también un estreno de Tomás Marco, que no se incluyó en el álbum), en la que a la postre resultaría ser la última grabación del director español, fallecido en 2014. Aquello se anunció como el nacimiento de un nuevo sello vinculado a los conjuntos nacionales. Llegaba en un momento muy oportuno, pues la ONE empezaba a recoger el fruto de la mejora en la formación de las últimas generaciones de jóvenes músicos españoles. Además aquel año se cerró el interregno creado con la salida de Josep Pons de la titularidad en 2011. El joven alemán David Afkham, que entonces contaba con 31 años, se hacía cargo, con el puesto de Director principal de un conjunto que empezó a crecer de forma imparable (lo que le valió a Afkham en 2019 el nombramiento de titular que aún ostenta).

Pero con el paso de los años aquel inicio ilusionante se fue disolviendo. En los tres años siguientes el nuevo sello sacó sólo tres discos, uno por año: en 2015, una serie de conciertos para acordeón de compositores españoles vivos tocados por Iñaki Alberdi con la batuta de Nacho de Paz; en 2016, las más populares obras para guitarra y orquesta de Rodrigo con Pablo Sáinz Villegas como solista y dirección de Juanjo Mena; en 2017, un álbum con música de Falla, Albéniz y Turina, con Achúcarro de solista y otra vez Mena. Aquello, para un conjunto que tiene una notable temporada de conciertos regular, parecía muy poco. Pero después vendría lo peor. Cuatro años enteros de silencio, y la ausencia casi absoluta de las grabaciones en el mercado (el Carmina Burana de Frühbeck no está ni en la web del propio conjunto; los otros tres son inencontrables en las plataformas de escucha). Decepcionante.

A finales de 2021 el sello de la OCNE ha dado signos de respiración con dos nuevas publicaciones. Una es un doble cedé dedicado a Joaquín Rodrigo del que ya se hablaba en 2014, porque las grabaciones se hicieron aquel año y al siguiente; la otra supone la presentación discográfica del titular Afkham con el sello (¡ocho años después de su fundación!) en un registro con la 7ª de Shostakóvich tomado en vivo en mayo de 2019.

Si en el primer disco que el sello de la OCNE dedicó a Rodrigo se recogían dos obras especialmente bien conocidas del compositor (Concierto de Aranjuez y Fantasía para un gentilhombre), en este álbum se ha ido a un terreno también concertante, pero menos transitado. Quizás la obra más célebre sea el Concierto serenata para arpa (1952), porque lo popularizó su dedicatario, Nicanor Zabaleta. A su lado se incluye otra pieza para arpa y orquesta, Sones en la Giralda. En ambos casos, la solista es la francesa Marie-Pierre Langlamet, arpista en la Filarmónica de Berlín.

El mucho menos conocido Concierto de estío para violín y orquesta (1943) lo toca la navarra Laura Salcedo, la solista de los violines segundos de la propia ONE. Una pequeña pieza puramente orquestal, el Homenaje a la Tempranica (1939) abre ese segundo disco. El primero está encabezado por los dos conciertos para violonchelo del músico, el Concierto como un divertimento, escrito para Julian Lloyd Weber en 1981 y el Concierto in modo galante, destinado a Gaspar Cassadó en 1949. El solista es el bilbaíno Asier Polo. Ese primer CD se completa con el Tríptic de Mossén Cinto, un conjunto de tres piezas para soprano y orquesta escrito en 1935 sobre poemas de Jacinto Verdaguer, que canta la soprano Raquel Lojendio. Las grabaciones se tomaron en recitales en vivo en septiembre de 2014 y 2015, en todos los casos con Juanjo Mena en el podio.

En cuanto al otro disco, incluye como ya se ha dicho una de las más populares sinfonías de Shostakóvich, la 7ª conocida como Leningrado pues nació en circunstancias muy dramáticas, durante el sitio que sufrió la ciudad durante más de dos años, de septiembre de 1941 a enero de 1944. Allí, el compositor que formaba parte de la brigada de bomberos, dejó listos los tres primeros movimientos, aunque la obra la terminó después de ser evacuado a Moscú, donde la sinfonía se estrenó el 5 de marzo de 1942. En la propia Leningrado la obra pudo escucharse el 9 de agosto, en un concierto por completo heroico. Más relajados fueron desde luego los ofrecidos por David Afkham al frente de la orquesta en mayo de 2019 en el Auditorio Nacional de Madrid, de donde sale este registro.

[Diario de Sevilla. 21-02-2022]

JOAQUÍN RODRIGO: OBRAS CONCERTANTES EN SPOTIFY

LA LENINGRADO DE SHOSTAKÓVICH EN SPOTIFY

[elmartillosinmetre]

Creciendo en intimidad

[Klaus Mäkelä. La foto es de Jérôme Bonnet]

Sin olvidarse de las orquestas, el Festival granadino eleva en su edición de 2021 la apuesta por la música de cámara

En la situación generada el año pasado por la crisis sanitaria, Antonio Moral improvisó un Festival apostando por reforzar la celebración de la efeméride beethoveniana y reuniendo a un impresionante elenco de pianistas internacionales de primerísimo nivel. Aquella apuesta hizo de Granada por unos días el centro musical del mundo. Este año, cuando aún pesan las incertidumbres sobre viajes, contactos y aforos, el director del certamen empieza a mostrar ya las cartas de su proyecto de futuro, que parece ir hacia el refuerzo de la música de cámara.

Siempre ha sido el de Granada un festival pensado para las orquestas (y las compañías de ballet, aunque dejo la danza para el análisis de otro compañero), acaso por su origen en los conciertos del Corpus que hicieron del Palacio de Carlos V, un escenario al aire libre, el centro neurálgico de la fiesta. Nunca han faltado, por supuesto, conciertos para solistas y grupos de cámara, pero nunca tampoco se había elevado tanto la apuesta en este sentido. El festival de 2021 reincide en la idea de potenciar el recital pianístico, pero además crea un ciclo específico de lied (una auténtica schubertiada con tres de las grandes voces baritonales del género: Florian Boesch, Christian Gerhaher y Matthias Goerne) y apuntala la presencia de grandes conjuntos de cámara estables.

Todo ello se hace sin menoscabo de la música sinfónica, pues además de la presencia felizmente normalizada de la orquesta local, visitarán Granada la Nacional, la JONDE, la Philharmonia, la Gürzenich de Colonia y la Orquesta de París. Al ciclo del Carlos V se suma también Le Concert des Nations de Savall, que refuerza desde la primera línea la música barroca.

Entre los directores, mención especial merece el joven finlandés de 25 años Klaus Mäkelä, que es presentado como uno de los tres artistas residentes de la muestra; otro será Javier Perianes con quien coincidirá en el concierto de la Orquesta Philharmonia con música de Sibelius y Grieg en programa. Sabedor de que en unos años su caché lo hará inalcanzable, Moral le ha dado a Mäkelä dos conciertos más: uno con la OCG y otro con la Orquesta de París, de la que el joven talento nórdico acaba de ser nombrado titular (¡echamos tanto de menos por el sur estas apuestas por jóvenes maestros para nuestras orquestas!).

[András Schiff. La foto es de Peter Fischli]

Junto a otros directores bien reconocidos como Paul McCreesh, James Conlon o David Afkham, resulta interesante la vuelta de François-Xavier Roth, que triunfó hace unos años en el Festival con su propio conjunto de instrumentos de época (Les Siècles) y ahora viene con la Güzernich.

Además de Perianes (que completará su residencia con un recital como solista en los Arrayanes y un concierto con el Cuarteto Quiroga), en el ciclo sinfónico Josep Colom tocará las Noches en los Jardines de España (homenaje de la ONE al concierto inaugural del Festival con Argenta en 1952) y se contará con la presencia de dos enormes violinistas, Isabelle Faust y Janine Jansen.

El elenco de pianistas en recitales a solo también es importante este año e incluye algunos debuts, uno de un gran veterano, András Schiff, que nunca había venido al Festival, y otro del joven coreano Seong-Jin Cho. Volodos, Leonskaja y Zacharias serán también de la partida. Además del concierto del Quiroga con Perianes, el Trío Arbós hará junto a José Luis Estellés el Cuarteto de Messiaen y un estreno de Tomás Marco y se contará también con el Cuarteto Jerusalem.

[George Crumb]

El tercer artista residente de la muestra es el compositor americano George Crumb (Charleston, 1929) a quien se dedica un ciclo importante, que tendrá como sede el Centro Federico García Lorca: las doce obras que Crumb ha escrito inspiradas en el poeta granadino podrán escucharse en este ciclo titulado Crumb-Lorca Project.

Otro de los sectores que el Festival reforzó con el paso de los años fue el de la música antigua. Aquí, Moral juega con la herencia recibida, pero también innova, al crear un ciclo organístico que recorrerá cuatro instrumentos históricos de la ciudad. Este año, el ciclo de antigua se sustenta casi por completo en intérpretes españoles (la soprano Anna Caterina Antonacci y el laudista Hopkinson Smith son la excepción). Entre los proyectos más llamativos, destaca una curiosa recuperación patrimonial, la del Oficio de la Toma de Granada, que se atribuye a Fray Hernando de Talavera.

[Diario de Sevilla. 22-04-2021]

[elmartillosinmetre]

Cinco miradas al Festival de Granada

[Krystian Zimerman hará con la OCG la integral de los conciertos para piano de Beethoven. La foto es de Bartek Barczyk]

Pese a la emergencia sanitaria, la urgencia y las incertidumbres, el Festival de Granada abrirá el próximo 25 de junio su 69ª edición con una programación llena de atractivas propuestas

Quienes lo conocen, aunque sea sólo superficialmente, no dudaron de que cuando el pasado 18 de diciembre fue elegido para sustituir a Pablo Heras-Casado como director del Festival Internacional de Música y Danza de Granada a partir del 3 de enero de 2020, Antonio Moral tenía ya claras cuáles serían las líneas fundamentales de su primera programación, la del certamen de 2021, que hará la septuagésima de su historia. Lo que no podía imaginarse entonces es que las circunstancias lo obligarían a intervenir decisivamente en el Festival de este mismo año, que había dejado cerrado su antecesor.

Y la intervención ha sido extraordinaria. En medio de una incertidumbre casi total (sobre los espacios que iban a permitirse y sus aforos, sobre las dimensiones de los conjuntos que se iban a aceptar, sobre la posibilidad de contar con artistas extranjeros...) y en un tiempo récord (apenas un par de semanas), Moral ha tramado, sobre la base que dejó Heras-Casado, una programación verdaderamente excepcional. Pese a retrasar unas semanas sus fechas inicialmente previstas, el Festival de Granada seguirá siendo el primer gran certamen musical del verano español (y casi, europeo), por lo que todo el mundo en el sector estará muy atento a lo que ocurra en la capital nazarí.

Sin ánimos de exhaustividad (la programación completa del Festival ha sido ya presentada en este medio), me gustaría ofrecer un acercamiento al más importante festival anual de Andalucía en cinco miradas:

1. Digital Granada Festival. Algunos pensaron que la única posibilidad de supervivencia de la muestra sería esta, la de ofrecer, como han venido haciendo otros, recitales en transmisiones por streaming. Tras el Réquiem de Mozart en la Catedral que el 25 de junio servirá como inauguración y homenaje a los fallecidos por la Covid19, el festival retransmitirá en vivo seis recitales ofrecidos sin público en espacios emblemáticos. Los guitarristas Pepe Romero y Cañizares, la cantaora Rocío Márquez, que actuará acompañada por otro guitarrista, el granadino Miguel Ángel Cortés, el pianista Javier Perianes, el violagamabista Jordi Savall y el violinista Fabio Biondi, servirán, entre el 28 de junio y el 8 de julio, como gran pórtico a esta atípica edición del Festival.

[El guitarrista Juan Manuel Cañizares (Sabadell, 1966)]

2. Año Beethoven. Es, sin duda, una de la grandes apuestas de Antonio Moral, reforzar la celebración beethoveniana. Para el 9 y 10 de julio se mantiene la prevista Novena participativa con el Coro y la Orquesta Ciudad de Granada y conjuntos aficionados (más reducidos ahora) bajo la batuta de Gómez Martínez. Como las fechas no han cambiado, esta doble cita que figuraba en las previsiones en los últimos días del certamen, ahora servirá como inauguración del Festival con público. A pesar de que las orquestas extranjeras originalmente contratadas (Sinfónica de la Radio de Berlín, Filarmónica de Rótterdam) se han caído de la ecuación, Moral ha potenciado el flanco sinfónico ofreciendo una integral no sólo de las sinfonías de Beethoven, sino también de sus conciertos (excluido el Triple).

Para ello, cambia la inicial prestación de la Orquesta Nacional de España, que tenía previsto cerrar la muestra con la Missa Solemnis, por una doble presencia (una, con Pons, mozartiana, y otra con el titular David Afkham con 2ª y 5ª de Beethoven), trae a la Sinfónica de Galicia también para un doble programa (el que Juanjo Mena tenía previsto dirigir a la Rundfunk berlinesa con Obertura Egmont, 7ª y Concierto para violín, que ahora tocará la jovencísima granadina de 17 años María Dueñas; y otro con el titular del conjunto, Dima Slobodeniouk, con 1ª y 3ª), a la Orquesta de la Comunidad Valenciana con Thomas Hengelbrock (Obertura Fidelio, 6ª y 8ª) y ha conseguido reunir al gran Krystian Zimerman con la Orquesta Ciudad de Granada para un ciclo excepcional en tres citas: los cinco conciertos para piano que tocará y dirigirá el pianista polaco, y a los que se añadirán la 4ª sinfonía.

[ Dima Slobodeniouk (Moscú, 1975) es el titular de la Orquesta Sinfónica de Galicia. La foto es la de web de la OSG]

El ciclo de las sinfonías beethovenianas en las versiones pianísticas de Liszt que iban a ofrecer cinco pianistas españoles en el Corral del Carbón se mantiene tal cual (aun con cambios de fechas), exactamente igual que la integral de las sonatas para violonchelo y piano que tocará Adolfo Gutiérrez Arenas junto a Christopher Park en el Patio de los Mármoles del Hospital Real. El Cuarteto Quiroga sustituirá al originalmente previsto (Casals) para los Cuartetos Op.132 y Op.135 y se añaden un par de citas más de enorme interés: el violinista Renaud Capuçon hará un recital con Martha Argerich (que llevaba 41 años sin visitar Granada) en el que se incluye la 8ª sonata de Beethoven y el pianista Igor Levit hará las tres últimas Sonatas en un recital en los Arrayanes.

3. Danza. El ciclo de danza ha sido el que más se ha tambaleado de la programación oficial, habida cuenta la imprescindible interacción entre bailarines en escena. Finalmente, se ha salvado íntegro, incluidas las dos compañías extranjeras que visitarán la muestra: los célebres Ballets de Monte-Carlo, que presentarán dos días la coreografía que en 2014 montó Jean-Christophe Maillot para el Bolshoi a partir de La fierecilla domada de Shakespeare (la música es de Shostakóvich); y el Malandain Ballet de Biarritz con un espectáculo titulado La Pastorale, que también es homenaje a Beethoven. Actuará igualmente la Compañía de Antonio Najarro y Marea Danza y La Teta Calva presentarán un premiado espectáculo para niños inspirado en la estadounidense Amelia Earhart, la primera mujer en cruzar el Atlántico en avión.

[Rocío Márquez y Fahmi Alqhai colaboran en un estreno para el Festival. La foto es de José Ángel García]

Con todo, lo más singular del ciclo será un estreno con coreografía y puesta escénica de Antonio Ruz, que reúne a la sevillana Accademia del Piacere de Fahmi Alqhai con la cantaora Rocío Márquez, la soprano Nuria Rial, la guitarra flamenca de Dani de Morón y dos bailarinas, la venezolana Ellavled Alcano (especializada en contemporánea) y Mónica Iglesias (flamenca). El espectáculo lleva por título Gugurumbé, a partir de un famoso fragmento de la ensalada La Negrina de Mateo Flecha y plantea el peso de la tradición rítmica africana en el desarrollo de diferentes estilos occidentales, incluido, claro está, el flamenco.

4. Matinales. Desde hace muchos años, las matinales de los fines de semana del Festival reúnen propuestas centradas especialmente en la música antigua. El Monasterio de San Jerónimo, la Capilla Real o el Hospital Real son algunas de las sedes habituales de estos conciertos, que este año reúnen a Tenebrae, uno de los grandes conjuntos británicos de polifonía con un programa que tiene como punto más destacado el Officium Defunctorum de Tomás Luis de Victoria; MUSIca AlcheMIca, el grupo de la violinista Lina Tur Bonet, que se moverá entre Biber y Bach; Vandalia, el gran conjunto sevillano de polifonía, que, en su formación esencial de cuarteto vocal, partirá de otra ensalada de Flecha (La Bomba) para ofrecer la misa que a partir de ella escribió el granadino Pedro Bermúdez, con motetes y villanescas de Francisco Guerrero alternando entre los cinco números del Común de la misa; y el violonchelista vasco Iagoba Fanlo, que además de una suite de Bach y otra de Benjamin Britten tocará música de Alfredo Aracil, incluidos dos estrenos, uno de ellos (Postludium), encargo del Festival para este concierto.

[Vandalia actuará en su formato esencial de cuarteto vocal]

5. El piano. Junto a la música de Beethoven, han sido los pianistas los más beneficiados del proyecto de Antonio Moral. La triple presencia de Krystian Zimerman para su ciclo de conciertos beethovenianos con la OCG se enriquece con los cinco pianistas españoles que harán la integral de las sinfonías en la versión de Liszt (Eduardo Fernández, Javier Negrín, Miguel Ituarte, Juan Carlos Garvayo y Enriqueta Somarriba), un ciclo que estaba en la programación original, como los recitales de Grigori Sokolov (Mozart, Schumann) y Bertrand Chamayou (Debussy, Ravel, Liszt). Novedades son la ya comentada vuelta de Martha Argerich para hacer junto al violinista Renaud Capuçon además de la 8ª Sonata de Beethoven, la 2ª de Schumann y de Prokófiev; la presencia de la georgiana Elisabeth Leonskaja, que participará en el programa mozartiano de la ONE con Pons con el Concierto nº20 del salzburgués; y la visita del ruso Igor Levit (Nizhny Novgorod, 1987) que, además del ya citado recital con las tres últimas sonatas beethovenianas, acompañará en otro de los acontecimientos de la muestra, al tenor Ian Bostridge en el Winterreise de Schubert.

Hay cosas que ni en la anormalidad de los años de la peste cambian. A la espera de que se aclaren los criterios con los aforos, Granada será un año más uno de los centros neurálgicos en toda España para el peregrinaje de cualquier melómano adicto a la belleza.

[Diario de Sevilla. 08-06-2020]

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LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY

[teleindiscreta]

“Elektra”, entre luces y sombras

Fuente original: “Elektra”, entre luces y sombras Puedes ver más visitando Teleindiscreta - Las mejores noticias de actualidad, famosos, salud, belleza, cocina, motor, música y mucho más.

«Elektra», de Strauss. Voces: L. Lindstrom, A. Larsson, M. Uhl, R. Künzli, F. J. Santiago… Coro y Orquesta Nacionales. Director musical: David Afkham. Director de escena: Rafael Villalobos. Auditorio Nacional. Madrid, 21-I-2017.

Bajo el nombre de «Elektra» respiran varias historias. ¿Cuánto público del que llenaba, hasta rebosar, el Auditorio Nacional conocía la que empleó Strauss? ¿Qué parte de él conocía bien el libreto de Hofmannsthal? Creo acertar si opino que ni el 10%. De ahí que la propuesta de la OCNE me parezca arriesgada. El Auditorio Nacional aún no ha logrado colocar subtítulos, con lo que quien quiera seguir el texto de una ópera que lo precise por su contenido dramático ha de hacerlo a través del programa de mano, pero la OCNE no reparte gratuitamente programas de mano con los textos. Esta vez tampoco hubiera servido, ya que se dejó la sala en penumbra a fin de teatralizar el escenario e incluso, para que éste quedase oscuro, se iluminaron las partituras de los atriles y muy bien por cierto. Rafael Villalobos diseñó movimientos e iluminación en los que sobraron y faltaron cosas. Sobró, por ejemplo, el figurante que hacía las veces de Agamenon como sugerencia de una locura de Elektra que no se vio por otro lado alguno ya que, eso faltó, Lise Lindstrom no actuó el personaje como sí lo hicieron otros, muy especialmente Anna Larsson como Klitemnestra. O todos o ninguno. ¡Qué bien sugirieron al personaje su vestuario y su actitud! Orestes luchó con Egisto subiendo y bajando escaleras… Pero la gran mayoría del público no podía enterarse de cuanto sucedía sin conocer bien los textos, y la ópera de Strauss es tan densa en ellos como sólida musicalmente. Mejor y más baratos que toda esa semiescenificación habrían sido los subtítulos. Se comprende que un director de orquesta desee dirigir «Elektra» por su enorme calidad musical y el impacto de su orquestación, pero no es obra que se preste a la versión de concierto, y menos sin los citados subtítulos. Mucho más adecuada «Salomé», con historia más inteligible sin ellos y con una música con contenidos como la célebre danza de los siete velos, que se prestan idealmente al concierto. Hay decisiones, y no sólo las citadas, muy cuestionables en la OCNE que bien merecerían una reflexión. Dicho todo lo anterior, hay que añadir que la dirección musical y las prestaciones de la orquesta fueron impecables, una orgía sonora en su potencia y muy bien estructurada en su concepto. Las voces cumplieron sin lucimientos especiales. Lise Lindstrom resulta demasiado lírica como Elektra, le faltan graves y proyección, casi más una Klitemnestra, papel cantado impecablemente por Manuela Uhl. Éxito incuestionable a través de las ovaciones finales, pero los comentarios a la salida iban por lo aquí expuesto y con razón.

Fuente: La Razón

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"Elektra", entre luces y sombras

“Elektra”, entre luces y sombras

«Elektra», de Strauss. Voces: L. Lindstrom, A. Larsson, M. Uhl, R. Künzli, F. J. Santiago… Coro y Orquesta Nacionales. Director musical: David Afkham. Director de escena: Rafael Villalobos. Auditorio Nacional. Madrid, 21-I-2017.

Bajo el nombre de «Elektra» respiran varias historias. ¿Cuánto público del que llenaba, hasta rebosar, el Auditorio Nacional conocía la que empleó Strauss? ¿Qué parte de…