#filmcritics

[spotlight-central]

Four women from different social backgrounds come together to embark on a journey on their bikes to the highest motorable road in the world. Dhak Dhak's exquisite cinematography and folk-heavy soundtrack will definitely calm your soul. It might even be an inspiration for your next road trip!

[jakesealorwo]

Jake Seal Unveils The Impact of film critics and Reviews on box office performances

Film production is a multifaceted industry where creativity meets commerce, and the opinions of critics can often make or break a film's box office performance. Jake Seal, a seasoned film producer, sheds light on the significant impact that film critics and reviews can have on a movie's financial success. In this article, we'll explore Jake Seal's insights into this crucial aspect of the film industry.

The Power of Critical Acclaim

Critics serve as gatekeepers of cinematic quality. Positive reviews from respected critics can generate significant buzz and anticipation around a film. Audiences often rely on these endorsements to make informed decisions about which movies to watch. When a film garners critical acclaim, it can attract larger audiences, leading to robust box office earnings.

Word of Mouth Amplified

In the age of social media and online forums, word-of-mouth spreads faster than ever. Favourable reviews shared by moviegoers on platforms like Twitter, Reddit, and IMDb can exponentially boost a film's visibility. These organic endorsements carry considerable weight in shaping public perception and driving ticket sales.

Negative Reviews and Cautionary Tales

On the flip side, unfavourable reviews can deter potential viewers. While some movies can recover from initial negative feedback through marketing efforts or positive audience reactions, others struggle to regain momentum, leading to lacklustre box office results.

The Role of Marketing

Film producers often employ strategic marketing campaigns to counterbalance negative reviews or enhance the impact of positive ones. Well-executed marketing can sometimes overshadow critical opinions and drive audiences to theatres.

Conclusion

Film critics and reviews wield considerable influence over a movie's box office performance. Positive acclaim can propel a film to financial success, while negative feedback can pose challenges. In today's digital landscape, the amplifying effect of social media and online platforms further underscores the importance of managing critical reception in the film industry. Understanding and harnessing the dynamics between critics, reviews, and box office performances is essential for filmmakers aiming to thrive in a competitive market.

[critifan]

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[awardseasonblog]

Annunciati i verdetti dei New York Film Critics Circle Awards (#NYFCC), i premi con cui i critici di New York annualmente eleggono le migliori produzioni e le migliori interpretazioni della stagione. Con statistiche alla mano, solo 31 volte su 86 edizioni il miglior film dei NYFCC ha conquistato anche l’Oscar nella categoria Best Picture, tra cui Il silenzio degli innocenti, Schindler’s List, Il signore degli Anelli-Il ritorno del Re, Non è un paese per vecchi, The Hurt Locker, The Artist. In compenso le loro scelte si rivelano comunque importanti per capire quali potrebbero essere i potenziali competitors della Notte degli Oscar. In tal senso se è vero che nella passata edizione solo 1 verdetto decretato dai critici di New York è stato confermato agli Oscar come il premio per la Miglior regia (Jane Campion per Il potere del cane) è anche vero che lo scorso anno 7 vincitori su 11 categorie hanno ottenuto successivamente la candidatura agli Oscar. Quest'anno a conquistare il maggior numero di premi sono stati 2 film: -TAR di Todd Field che ha vinto nelle categorie Miglior Film e Miglior attrice assegnato a #CateBlanchett (Coppa Volpi all'ultimo Festival di Venezia) -l'applaudito film di Martin McDonagh #Glispiritidellisola che ha vinto nelle categorie miglior script (Osella d'oro al Festival di Venezia) e miglior attore #ColinFarrell (Coppa Volpi al Festival di Venezia). Negli ultimi 5 anni 3 volte il vincitore di quest'ultimo premio è stato candidato agli Oscar (T. Chalamet, A. Banderas, B. Cumberbatch). Ecco la lista di tutti I vincitori: MIGLIOR FILM: TAR MIGLIOR REGIA: S.S.Rajamouli (RRR) MIGLIOR ATTRICE: Cate Blanchett (TAR) MIGLIOR ATTORE: Colin Farrell (After Yang e Gli Spiriti dell'isola) MIGLIOR SUPPORTER FEMMINILE: Keke Palmer (Nope) MIGLIOR SUPPORTER MASCHILE: Ke Huy Quan (Everything Everywhere all at once) MIGLIOR SCRIPT: Gli Spiriti dell'isola MIGLIOR FOTOGRAFIA: Top Gun: Maverick MIGLIOR FILM INTERNAZIONALE: EO (Polonia) MIGLIOR DOCUMENTARIO: All the Beauty and the Bloodshed MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE: Marcel the Shell with Shoes On MIGLIOR OPERA PRIMA: Aftersun #AwardsSeason #Winners #NewYorkFilmCriticsCircle #NYFCCAwards #FilmCritics https://www.instagram.com/p/ClrRC3mMfaP/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[godobe]

Love LAFCA’s partnership with @RottenTomatoes to offer scholarships to Los Angeles-area community college students who aspire to be film critics! Apply! Apply! bit.ly/LAFCAScholarship2022 (link also in bio) 📽 #filmcritics #criticslife Posted @withrepost • @lafilmcritics Aspiring film critics! LAFCA, with support from @rottentomatoes, is offering TWO $3,000 SCHOLARSHIPS to aspiring film critics attending Los Angeles-area community colleges: one to a woman and one to a person from an underrepresented group(s). Apply by December 11, and spread the word! bit.ly/LAFCAScholarship2022 https://www.instagram.com/p/ClhKbWySqfI/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[king-of-the-road]

La Ciénaga (2001). Cinematography by Hugo Colace. Directed by Lucrecia Martel

[lastonetoleavethetheatre]

New movie reviews including Killers of the Flower Moon, Nyad, The Devil on Trial, The Pigeon Tunnel and more.

[metaphorwrites]

Returning to a Familiar Place of Love: 500 Days of Summer and Meri Pyaari Bindu

Do you have that one place in your home or your city with which a lot of memories are attached? Memories concerning a person or an experience which you will carry with you for the rest of your life? Meri Pyaari Bindu and 500 Days of Summer share narrative affinities and spotlight is given to that one place where love blossoms as well as withers. In Meri Pyaari Bindu, Bindu and Abhi’s favourite…

[the-pleasure-garden]

Mrs. Doubtfire (Chris Columbus, 1993)

A propósito del reconocimiento de los premios SAG a Sally Field por su trayectoria en el cine...

Las películas familiares cumplen el propósito de dar tranquilidad a los padres amantes del cine. Suponen casi una etiqueta para evitar los momentos incómodos cuando hay niños viendo. Momentos incómodos que den pie a preguntas trascendentales que comúnmente se busca evitar. No son películas infantiles, son espacios seguros para los más pequeños, pero están destinadas para los padres en compañía de sus hijos. Evitan normalmente el formato animado que tanto atrae a los más pequeños y en lugar de los llamativos colores creados por computador hay mensajes profundos detrás de estas narraciones. Este espacio destinado a un colectivo tan selecto como lo es la familia, pero que, como Rousseau afirma, es el primer ejemplo de sociedad, tiene una característica especial que tiende a ser un espejo de sus espectadores. Es decir, en la mayoría de casos la clasificación de la película es también su tema central: la familia. Un tópico tan concreto, pero a su vez con múltiples oportunidades para explorar es a lo que Chris Columbus apostó en 1993 con Robin Williams, el ícono del cine familiar, como su protagonista. 

En esta concepción de familia hay una intención clara de hablar de lo no ideal. De evaluar el problema que no es creador de villanos. Esta película deja de lado los binarismos tan restrictivos del bueno y el malo, y abre la oportunidad para los escenarios realistas en donde los problemas no necesariamente tienen un personaje que actúa en contra de los protagonistas. En otras palabras, las cosas malas a veces simplemente surgen. Este largometraje de Columbus explora la figura del padre en un doble contraste con las expectativas de la sociedad sobre lo que debe ser un padre y las expectativas de una madre sobre esa labor compartida del liderazgo de la familia. En cuanto al aspecto social, se esperaría que el padre ejerciera la fuerza paternalista y autoritaria del hombre que trabaja todo el día y al llegar a casa inspira respeto, con tintes de miedo, en sus hijos quienes hacen la tarea y se reúnen a cenar y hablar del día. Mientras que, las expectativas de la madre quien, además de autoridad debe ser la comprensiva y a cargo de la casa, representan el instinto y el deseo secreto de tener un par que haga las mismas labores que ella con el mismo amor y siempre en pro de los hijos. Sin embargo, el personaje de Williams es todo lo opuesto a ambos ideales, es el hombre que trabaja en el arte como actor de doblajes y que estando en casa busca seguir siendo entretenido para sus hijos. Este padre no entra en ningún arquetipo previo, y a pesar de las dificultades que sabe que tiene a la hora de educar, quiere ser agente activo dentro de las dinámicas  familiares. El personaje se enuncia desde la frustración de no poder llenar ese papel que su esposa espera y más aún de no poder encontrar la manera de conectar con sus hijos desde la figura de un padre en quien puedan confiar y ver un ejemplo.

Este juego entre las expectativas y la realidad hace que el film explique de manera implícita que existe una oportunidad para resignificar el amor desde la creación de un nuevo espacio. Entre los extremos del amor romántico entre padres y el filial hacia los hijos, se crea una nueva zona gris que habita el amor que se yuxtapone: el coincidir en el amor que le tienen a sus hijos. Ese amor que los lleva a un mismo destino. “No me gusta quien soy cuando estoy contigo”, dice el personaje de Sally Field en una de las escenas, haciendo referencia a la dinámica de ser madre que frecuentemente tiende por opacar la personalidad verdadera de la persona antes de su función como jefe de familia. Esta priorización del yo auténtico por encima de las responsabilidades no hace referencia a una actitud irresponsable de madre, por el contrario, busca educar desde quien es, y esta labor necesita del apoyo del padre. Al no contar con este aspecto, Miranda (Sally Field), toma agencia sobre su familia y hacia el final de la película resignifica el espacio del padre ya no como esposo pero sí con una nueva manera de entablar el amor. Este aspecto, por supuesto, conlleva el protagonismo de Williams pero el punto de quiebre está a cargo del personaje femenino.

La temática previamente presentada no es el centro de esta película, es la narrativa que se enuncia a través del padre que se disfraza para estar con sus hijos. La razón de este disfraz surge a raíz del juicio de divorcio en el que debido a que el padre no tiene un trabajo, ni un lugar estable en el que vivir, sus visitas se restringen al fin de semana. Motivado por el amor a sus hijos Daniel (Robin Williams) se disfraza de una mujer mayor para cuidar a sus hijos como empleada mientras que Miranda trabaja. El personaje decide tomar esta alternativa del travetismo debido a que su hermano se dedica a hacer estos maquillajes, e incluso se disfraza de mujer en ocasiones. Bajo el concepto del disfraz de mujer en el que el hombre deja su lado masculino momentáneamente para sentirse como una mujer, Daniel explora este espacio como una herramienta no solo para entrar en contacto con sus hijos sino para aprender de las expectativas de su ex esposa para que se haga responsable de sí mismo y en consecuencia de sus hijos.  Esta sensibilidad adquirida le resulta útil para un proyecto televisivo, lo cual deja entrever que esta conexión con lo femenino permanece de manera valiosa en la idea de familia que tiene el personaje.

Este análisis de familia tiene como consecuencia una nueva resignificación ahora acerca de los finales felices. Hay una nueva definición de felicidad que surge de los eventos desafortunados como un divorcio. A un nivel menos trascendental, el mensaje es el que Hellen Mirren recita en la película de David Frankel “solo asegúrate de ver la belleza inesperada”. Los hijos, si bien se enfrentan a construir dos espacios diferentes bajo la misma noción de hogar, se encuentran ahora ante dos espacios construidos y seguros cuando antes solo tenían uno que estaba siempre en caos. Se alejan de las peleas maritales y se enfrentan a la admiración entre padres y el sentimiento de importancia al ser ellos la razón de ese amor resignificado entre sus líderes familiares. 

En adición a este gran tema de la familia, hay una metalectura tácita sobre el consumo de televisión en la audiencia infantil. En la labor de actor del personaje de Robin Williams se presenta una crítica hacia lo vacío y carente de significado en los contenidos audiovisuales que se hacen dirigidos a niños y niñas. Daniel se rehúsa a darle voz a un personaje animado que fuma en un sentido divertido, ya que esto envía un mensaje erróneo. Pero tampoco disfruta o comparte el formato netamente educativo que imparten otro tipo de programas. Así, y como sucede con este film, el programa que protagoniza Daniel, educa a través de la risa y el sentido de familiaridad.

Sobre el título: El nombre del personaje de Daniel es un guiño divertido a la creatividad y la relevancia de este espacio imaginado. Es decir, la señora Doubtfire no tiene una persona a quien vincularse, se adjunta a una actitud de una persona y a la multiplicidad de oportunidades que existen en un solo ser humano mediante el mecanismo del arte y motivado por el amor.

Sobre el poster: En este póster a modo de retrato de familia el padre está en el centro de la fotografía pero disfrazado de la señora Doubtfire. Esto hace alusión a la conformación del rol que llena este espacio paternal a partir del sentido femenino que aprende con el personaje de la señora Doubtfire Además, los hijos son el centro de la imagen y ya no hay una postura de la relación marital de padres sino precisamente de este amor resignificado.

[spotlight-central]

Awareness Review: Good Concept With A Jerky Execution

[fuckingrazorz]

Movie Review!

Today's movie: Requiem for a Dream (2000)

This movie blew me away.. I loved the way it was filmed and edited. I loved all the cuts, they really worked into making the viewer feel overwhelmed. I liked how the mom's mental illness and hallucinations were presented. I liked how the drug use, highs and the uncomfortable euphorias were shown. I loved the way all the characters just spiraled into insanity, even if they were exaggerated it shows that at the end of the day drugs can have terrible outcomes onto people's lives. Requiem for a dream is in my top 5 movies for sure.

[takanuru]

Embark on a Timeless Journey: @AnimeVoiceKiddo and Alex Review Disney's...

[richmondflyingsquirrels]

fuck i just realized that since my laptop is dead and i hadnt backed up fully in so long that my folders and folders of downloaded jstor files are gone 😭