#Castello di rivoli

[garadinervi]

Fabio Mauri. Esperimenti nella verifica del Male / Experiments in the Existence of Evil, Curated by Carolyn Christov-Bakargiev, Sara Codutti, and Marianna Vecellio, in collaboration with Studio Fabio Mauri, Castello di Rivoli, Rivoli (TO), December 16, 2023 – March 24, 2024

Image: Fabio Mauri, The End, (collage, ink, and oil on canvas), 1959 [© Fabio Mauri / Studio Fabio Mauri, Associazione per l'Arte L'Esperimento del Mondo, Roma]

[raoullemercier]

2016 Castello di Rivoli, Charlie don't surf, 1997 Maurizio Cattelan

[pikasus-artenews]

Expanded With

Il ruolo della fotografia nell’arte contemporanea degli ultimi decenni quale parte del programma di EXPOSED Torino Foto Festival, in mostra a Rivoli

[bleibs]

[gregdotorg]

Che Fai? CBB X Beeple Conversazioni: S1E02.5

idk why except that her documenta was amazing, but i think i will report out/comment on carolyn christov-bakargiev's 10 hours or whatever [!] of conversazioni with beeple.

i tweeted the first run—which covers just the second hour of season 1, episode 2, from may 2021—and then scraped it onto the blog.

future nonsense like this will go straight to the blog, and will get better timecoding and formatting. it'll be like sitting next to me at a panel discussion, except it's ok for me to report and talk back.

[fashionbooksmilano]

Piemonte. Una definizione fotografica

Keiichi Tahara

a cura di Adele Re Rebaudengo

Agarttha Arte, Torino 2001, 88 pagine,  25 x 33 cm,  con 36 illustrazioni in b/n a piena e doppia pagina ,testo in italiano e inglese

euro 40,00

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Catalogo della personale  di Keiichi Tahara al Castello di Rivoli del maggio 2001. Questa mostra da' l'avvio al progetto "Piemonte. Una definizione fotografica" curato da Jean-Luc Monterosso e ideato da Patrizia Mussa e Adele Re Rebaudengo, nato con lo scopo di proporre ogni anno a un fotografo di fama internazionale di presentare, su una tematica liberamente scelta, una visione originale e personale e di costituire cosi' una collezione di fotografie che siano al contempo specchio e memoria. Tahara, di origini giapponesi che vive e lavora a Parigi, ha scelto la Reggia di Venaria in quel momento in fase di restauro. In quel luogo senza ornamenti ne' statue penetra gli spazi e con l'uso della luce fa affiorare quella visione Zen che lo richiama alla sua cultura.

01/03/23

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[woundgallery]

Nan Goldin Statue with Flowing Breasts, Amalfi 1996 Cibachrome print 40 x 30 in. Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Rivoli-Turin Gift, Artissima Association

[mosertone]

Nan Goldin Statue with Flowing Breasts, Amalfi 1996 Cibachrome print 40 x 30 in. Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Rivoli-Turin Gift, Artissima Association

[thinkingimages]

Jannis Kounellis, Untitled (Libertà o Morte, W. Marat W. Robespierre), (iron panel, iron shelf, candle, chalk), 1969 [Monnaie de Paris, Paris. Castello di Rivoli, Rivoli (TO). © Jannis Kounellis Estate]

[streetglider]

Untitled (wheelchair) is one of a series of works Hatoum has made by adapting the forms of furniture and household objects. Her adaptations generally replace parts conferring comfort and support with elements of potential torture. In one of her earliest works in this series, Incommunicado 1993 (Tate T06988), Hatoum replaced the mattress of a baby’s cot with tautly stretched cheese wires. In Untitled (wheelchair) she has replaced the handles of a wheelchair with knife blades. She has said: ‘I see furniture as being very much about the body. It is usually about giving it support and comfort. I made a series of furniture pieces which are more hostile than comforting.’ (Quoted in Mona Hatoum 1997, p.20.) Here the wheelchair itself provides a harsh alternative to its normal counterpart, since it is entirely made of polished metal, replacing surfaces which are normally padded and soft with chill steel. The knife blades transform it into a vehicle of perverse torture which will lacerate the hands of anyone foolish enough to take a hold of it. The potential relationship of love and support, for which the wheelchair is a metaphor, has become one of abuse in which both parties are the victims. In the scenario it suggests, the person who needs care and who is dependent on another in order to move is forced to injure the person who helps him. Hatoum has used the Minimalist structure of the grid in sculptural and installation works as a metaphor for the social and political structures we are all dependent upon. Cold, bare and hard-edged, they reflect the themes of displacement, dispossession and anxiety which stem from the artist’s experience of living, first in Lebanon (as a child of Palestinian parents) and then in Britain (as a young woman), as a racial and cultural exile. The formal beauty of her works, together with elements bringing warmth, light and containment, operate in opposition to structures which suggest fences, cages and racks and speak of cruelty and isolation. The body, either overt in the artist’s performance and video works of the late 1970s and early to mid-1980s, or implicit in her later pieces, is frequently placed in a situation of separation and alienation from what it needs in order to survive. Her works reproduce ‘the feeling of not being able to take anything for granted, even doubting the solidity of the ground you walk on … you feel as if the ground is shifting under your feet’ (Hatoum quoted in Mona Hatoum 1997, p.134). Further reading: Mona Hatoum: The Entire World as a Foreign Land, exhibition catalogue, Tate 2000, reproduced p.14 Mona Hatoum, exhibition catalogue, Museo d’Arte Contemporanea, Castello di Rivoli, Milan 1999, p.19, reproduced (colour) p.33 Michael Archer, Guy Brett, Catherine de Zegher, Mona Hatoum, Mona Hatoum, London 1997 Elizabeth Manchester June 2000 https://www.tate.org.uk/art/artworks/hatoum-untitled-wheelchair-t07497

[chez-mimich]

INSEGUIRE OPERE

La Triennale di Milano e la Fondation Cartier pour l’Art Contemporaine di Parigi hanno stretto una intensa collaborazione e allestiscono mostre di grande interesse. È il caso per esempio di quella di uno dei più grandi scultori contemporanei, Ron Mueck. La scorsa estate ho avuto modo di visitare la sua mostra alla Fondation del Boulevard Raspail e sabato scorso ho visitato la stessa mostra (con qualche variazione) alla Triennale. È sempre molto stimolante per me vedere una installazione d’arte allestita in due contesti diversi, poiché l’opera assume, inevitabilmente, sfumature diverse se non, addirittura, significazioni diverse. Mi era capitato di notarlo la prima volta con “La Venere degli stracci” vista al Castello di Rivoli e rivista al Louvre, così come con la celebre mappa del mondo (“Map”) di Mona Hatoum fatta di carbone arso vista al Beaubourg e rivista alla Fondazione Prada. E ancora con opere di Louise Bourgeois viste alla Tate Modern di Londra e riviste a Parigi. Questa volta è capitato con “Mass” il gigantesco cumulo di teschi umani che Ron Mueck ha posizionato nella Hall principale della fondazione parigina e ha riallestito al primo piano del Palazzo della Triennale. Nell’esposizione parigina i teschi (che sono enormemente più grandi di un teschio originale), complice la bella stagione, ma soprattutto l’architettura “trasparente” di Jean Nouvel, mi davano l’impressione di un gigantesco “divertissement”, scanzonato, dissacrante. La possibilità di vedere anche dall’alto l’installazione, i riflessi del sole e l’ombreggiatura del lussureggiante giardino della Fondation, facevano di “Mass” un gioco più che un “memento mori”. Non così a Milano dove, una cupa giornata d’inverno e la razionale,ma gelida architettura di Giovanni Muzio (1933), nonché l’occhieggiamento inquieto della Torre Branca dalla finestra, mi hanno fatto apparire l’opera come un cupo monito alla nostra vita terrena. È davvero incredibile come un “contesto” possa contribuire a determinare il senso di un’opera. Certo questo vale anche per il “Tondo Doni” regalo di nozze di Agnolo Doni a Maddalena Strozzi che probabilmente doveva stare a capo del letto e non su una parete degli Uffizi, ma a maggior ragione vale per le opere d’arte contemporanea. Come suggeritomi da un’amica (e dallo storico dell’arte Philippe Daverio), è meglio cimentarsi in esercizi come questo anziché infilarsi in un museo per vedere (molto superficialmente) migliaia di quadri che sono stati dipinti da migliaia di artisti in centinaia di anni a cui noi poi possiamo concedere solo uno sguardo distratto. Provate anche voi a inseguire un’opera d’arte (non importa quale e non importa dove) e l’arte vi apparirà per quello che veramente è, uno specchio profondo dove ritrovare o perdere noi stessi.

[garadinervi]

Giovanni Anselmo – Cofanetto, Exhibition Catalogue + 'Leggere' (1971-1972), Skira, Milano, 2016

Exhibition: Giovanni Anselmo. Mentre la mano indica, la luce focalizza, nella gravitazione universale si interferisce, la terra si orienta, le stelle si avvicinano di una spanna in più…, Curated by Carolyn Christov-Bakargiev and Marcella Beccaria, Castello di Rivoli, Rivoli (TO), April 6 – September 25, 2016

[lost-wits]

7 Fragments for Georges Méliès by William Kentridge, c. 2003. Installation film. Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea.

[pikasus-artenews]

Opere in viaggio. Un dipinto di Claude Monet alla Collezione Cerruti

Il dipinto di Monet a Rivoli è il risultato del programma Opere in Viaggio che prevede lo scambio di opere tra musei per stimolare interesse e confronti

[casual-nonbinary]

racconti di solitudine accademica, atto XLIII: oggi, nel castello di rivoli

[saddayfordemocracy]

Lin May Saeed (April 30, 1973 - August 31, 2023)

Lin May Saeed, a Berlin-based artist whose work was included in major exhibitions including the Berlin Biennial and in Castello di Rivoli in Turin, passed away on Wednesday, her Los Angeles gallery Chris Sharp confirmed. ‘One of the most radical and uncompromising sculptors of her generation,’ the gallery described her, ‘Lin was also passionately committed to the cause of animal rights and the harmonious coexistence of human beings and animals.’

Saeed’s work took its subject from the artist’s political conviction, her activism for animal rights and for equality. It told stories of the history of human-animal relationships, spanning from prehistoric times to the present day, as in her first institutional exhibition, Biene, at Studio Voltaire in London in 2018. Saeed believed we humans had a lot to learn from animals, and told writer Osman Can Yerebakan in an interview for BOMB Magazine that her ‘favourite daydream’ is imagining aliens and animals coming together to meet humans to give them a ‘masterclass’ called ‘How Not To Mess It Up’.

Born in 1973 in Würzburg, Germany to an Iraqi father, Saeed included Arabic in her artworks and published a small book with recipes from Iraq in conjuction with an exhibition at Bonner Kunstverein in 2012. A solo exhibition, Lin May Saeed. The Snow Falls Slowly in Paradise, in which she also responds to the work of German sculptor Renée Sintenis will open at the Georg Kolbe Museum in Berlin on 14 September.