#Constructivismo ruso

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El Constructivismo

También conocido como constructivismo ruso, fue una corriente artística que estuvo al servicio de la revolución y representó una identidad visual para el comunismo soviético, en su búsqueda por rescatar el arte de las élites para llevarlo al pueblo, y sus representantes creaban piezas con carácter utilitario enmarcadas en el ámbito del Diseño Industrial, que posteriormente se vincularon con la…

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Influencias del Constructivismo Ruso en el Diseño Gráfico Contemporáneo

Aaron Gallardo A.

Escuela de Arte Corriente Alterna

En este ensayo explicaré el impacto que el Constructivismo Ruso ha tenido en los principios y del diseño gráfico producido en el siglo XXI. Comenzaré explorando el contexto histórico y los elementos clave para interpretar obras Constructivistas, lo cual nos permitirá entender cómo este movimiento ha moldeado y actualmente inspira el campo del diseño gráfico de este tiempo. Finalmente, analizaré paralelismos conceptuales y gráficos para ilustrar la relevancia y permanencia del Constructivismo Ruso, enfocándome en la obra de Aleksandr Rodchenko, en el lenguaje visual del Diseño Gráfico actual.

Contexto Histórico

Las agitaciones políticas en Rusia de los años anteriores estallaron en la Revolución de Octubre de 1917, donde Lenin y los Bolcheviques consiguieron tomar el poder político del país. Como en toda Revolución, se construyeron nuevas ideologías y se inauguró un nuevo gobierno con Comisariatos de soviets con planes específicos para el Arte y sus funciones para el Partido Comunista.

Particularmente, el decreto Sobre los Monumentos de la República de 1918 enumera las intenciones de Lenin de servirse de las artes plásticas para realizar propaganda política a gran escala que organice las masas y reeduce las juventudes. Este Decreto contemplaba, entre otras cosas, la restitución de obras zaristas por nuevos monumentos dedicados a la propaganda del Partido (Bark 1995) y la expansión cultural del nuevo arte ruso a toda la URSS.

En este contexto, el nuevo arte no podía seguir obedeciendo a las estéticas burguesas del pasado herederas del naturalismo impresionista y romanticista, sino tenía que extender su visión hacia el presente, teniendo como pilar la propaganda para la organización y movilización de los trabajadores, y también hacia el futuro, creando nuevas estéticas para una identidad comunista mundial.

Con ese fin, las ideas del artista ruso Malévich y los suprematistas tuvieron una influencia importante en el desarrollo del nuevo arte ruso. Malévich planteaba una teoría no-objetiva del arte a partir de la abstracción total de las formas con el fin de elevar la conciencia espiritual a través del arte.

Imagen 1. Kazimir Malévich, Composición Suprematista (1916).

Las pinturas suprematistas se caracterizan por el uso de formas geométricas de colores sólidos flotando sobre un fondo blanco. La pintura ya no es una mímesis que representa objetos del mundo, sean estos naturales o creados por el hombre. Las pinturas ya no representna personas y no exigen una interpretación narrativa sino sensorial a través del innovador uso del color y la composición.

En palabras de Malévich (1927/2003) [traducción propia], “el suprematismo es el redescubrimiento del arte puro que, a través el tiempo, se ha oscurecido por la acumulación de ‘cosas’. Me parece que, tanto para los críticos como para el público, las pinturas de Rafael, Rubens, Rembrandt, etc., se han vuelto nada más que un conglomerado de ‘cosas’ que ocultan su valor real: el sentimiento que causan.”

A partir de las ideas suprematistas, así como el arte naciente Futurista y Cubista y las teorías sobre la forma y el color de Kandinsky, el Constructivismo Ruso se impone como el principal movimiento artístico y educativo que lleva los ideales comunistas al plano de la vida material de las personas, con el fin de reeducar y organizar al proletariado en función a las necesidades de su reorganización social.

2. Principios Clave para el Constructivismo

Una institución clave para el posicionamiento del Constructivismo como el principal movimiento artístico del Partido fue el Instituto para la Cultura Artística (INKhUK, por sus iniciales cirílicas), dirigido por Kandinsky, a partir del cual se creó el Grupo de Constructivistas integrado por Aleksandr Rodchenko, Varvara Stepanova y los hermanos Gabo y Pevsner, quienes en su Manifiesto realista (1920) proponen:

“1. En la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.

2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.

3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un líquido con un metro. Miremos el espacio: ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.

4. Renunciamos a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas, por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.

5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes está el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real.”

En el Primer Programa del Grupo Constructivista, producido en 1921, los tres pilares centrales de la producción constructivista son: la tectónica, la fakturay la construcción, es decir, la estructuración, el manejo y la organización del material. La meta era lograr la expresión comunista en el plano de las estructuras materiales y también lograr una síntesis entre lo ideológico y lo formal (Fer 1989).

Los Constructivistas se consideraban más creadores industriales que artistas, y no se limitaban a las experimentaciones estéticas en las artes plásticas como la pintura y escultura, sino también exploraron a fondo el diseño industrial y fueron pioneros en el diseño gráfico a través de propagandas de agitación (agitprop), pósters de películas y anuncios publicitarios.

3. Constructivismo y Diseño Gráfico Contemporáneo

Cuando hablamos del diseño gráfico constructivista, uno de los creadores más versátiles y prolíficos fue Aleksandr Rodchenko, artista plástico, fotógrafo, publicista, diseñador industrial y diseñador gráfico.

En 1925, Rodchenko presentó en la exposición 5x5=25 el tríptico Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo, con la que inauguró una nueva era en la historia del arte. En sus propias palabras: “Reduje la pintura a su conclusión lógica y exhibí tres canvas: rojo, amarillo y azul. Y afirmé: ‘Este es el final de la pintura’.

Imagen 2. Rodchenko, Aleksandr. Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo (1921)

En esta pintura, Rodchenko parte de las obras no figurativas de Malévich, como su Cuadrado Negro (1915), para explorar las propiedades físicas y conceptuales de los colores en la pintura. Al reducirla a sus recursos más básicos —los tres colores primarios—, Rodchenko acorrala a la pintura y no le deja otra salida más que mutar en otro tipo de arte en el que las artes plásticas dialoguen con el pueblo y con otras tecnologías como la tipografía, la fotografía y el cine. En este nuevo arte prepondera la innovación en la composición visual de las obras.

Así, Rodchenko empieza a experimentar con el fotomontaje y el diseño editorial. Ilustra varias portadas del famoso poeta soviético Vladimir Maiakovsky, su cercano amigo, en las que mezcla tipografía experimental y fotomontaje con los retratos que él tomaba de Maiakovsky.

Imagen 3. Rodchenko, Aleksandr. Portada para el libro A Sergei Esenin, de Vladimir Maiakovsky (1926).

En esta composición, Rodchenko utiliza como fondo tres rectángulos negro, blanco y cian, que por sí mismos podrían ser pinturas abstractas suprematistas, que sirven para contrastar la cabeza recortada de Mayakovsky y su mirada severa. Alrededor de su cabeza está la Tierra, a la que le dan vueltas tres avionetas soviéticas. La metáfora es simple y directa: Mayakovsky es un poeta mundial en un mundo industrial. Es un mensaje llamativo, claro y entendible para personas no instruidas en historia del arte. Claramente, Rodchenko no está haciendo arte para ser expuesto en las paredes descontextualizadas de un museo ni para los ojos especializados de los críticos de arte. La producción visual del artista está pensada para el entendimiento del espectador ante todo. Al mismo tiempo, Rodchenko está construyendo la imagen del artista soviético: duro, masculino, industrial e imaginativo.

Posteriormente, junto a Maiakovsky también crea la primera agencia publicitaria en el mundo llamada En Reklam-Konstruktor, con la que publicitan relojes, aerolíneas estatales, e incluso postres:

Imagen 4. Rodchenko, Aleksandr. Empaque para marca de galletas Aviador Rojo (1923).

En este diseño resalta la elegante simpleza del logo hecho a partir de rectángulos, círculos y líneas que representan un avión en vuelo, así como el patrón geométrico que sirve de fondo para el empaque. Este tipo de ilustración es muy contemporánea y bien podría funcionar como el logo de una aerolínea actual. Veamos el siguiente concepto para una aerolínea canadiense:

Imagen 5. Truk, Jordan. Concepto de identidad gráfica para Cardinal Airlines (2019).

En este caso, el diseñador gráfico utiliza la figura de un pájaro nativo de Canadá para ilustrar un avión en vuelo a través de líneas y curvas simples. No dudo de que el diseño publicitario de Rodchenko ha influenciado en la lógica y el estilo con que lxs diseñadores creamos logos: el uso de vectores simples y escalables que funcionen en varias superficies, desde empaques a pósters hasta impresos en superficies enormes, como aviones.

Rodchenko es también reconocido por haber hecho un póster con la actriz Lilya Brik vociferando la palabra “¡Libros!” a través de un megáfono compuesto por tipografía y rectángulos en perspectiva.

Imagen 6. Rodhenko, Aleksandr. ¡Libros (Por favor)! En todas las ramas del conocimiento (1924).

Este póster, comisionado por la Casa Editorial Estatal de Leningrado, tuvo como propósito resaltar el compromiso del Gobierno Soviético con la educación y la alfabetización. El póster tiene la intención de ser legible incluso para personas que no saben leer, a través de una comunicación directa y efectiva con formas, fotos y colores. Actualmente, esta composición es parte importante de la iconografía visual contemporánea y ha influenciado múltiples diseños desde su concepción.

Imagen 7. Scher, Paula. Póster para obra teatral The Diva is Dismissed (1994).

La famosa diseñadora gráfica neoyorquina Paula Scher, encargada de la dirección gráfica para el Public Theather de Nueva York, se inspiró en Rodchenko para realizar este póster publicitario de un unipersonal de la comediante Jenifer Lewis. Igual que el póster de Rodchenko, la tipografía es utilizada para complementar el mensaje y el movimiento del diseño. La iconografía es la misma: una artista famosa vociferando un mensaje directo. El receptor se siente sorprendido e interpelado por la fuerza del contraste, el tamaño de las letras y la mirada de la actriz.

Imagen 8. Fotografía propia. Póster para Sindicalízate.com (2023).

La influencia de ¡Libros! de Rodchenko también ha llegado al Perú del 2023 a través de esta gráfica social-publicitaria para la promoción de la sindicalización en la ciudad de Lima. Aquí vemos a dos jóvenes, ninguno de ellxs famoso, que miran sonrientes hacia arriba vociferando la palabra “¡Sindícalizate!” Y más abajo se lee: “Por una chamba con derechos”.

Esta iconografía se ha permeado en la cultura popular y encontramos sus iteraciones en portadas de álbumes de rock, publicidad de marcas de ropa de lujo e incluso dibujos animados. Si consideramos que “los memes se han convertido en unidades semánticas capaces de evocar los significados a los que están asociados. Es el proceso de evocación y la eficacia del meme como disparador de atención, recuerdo y repetición del significado adscrito, lo que los vuelve relevantes” (Lissack 2004), ¿podríamos decir que ¡Libros! de Rodchenko fue uno de los primeros memes del siglo XX?

En un nivel más general, otras características visuales del arte constructivista, no solo de Rodchenko, sino también de otros artistas como El Lissitzky, también han influenciado en el lenguaje visual del diseño gráfico contemporáneo. Un ejemplo importante es el uso de tipografías sans serif para la comunicación de mensajes políticos simples, contundentes y directos.

Imagen 9. Arenas, Maria. Póster para la campaña política de Alexandra Ocasio Cortez (2018).

Imagen 10. Kulagina, Valentina. Póster para el Día Internacional de la Mujer Trabajadora (1930).

En ambos pósters, la composición utiliza la figura predominante de una mujer al lado izquierdo que es balanceada con el uso abundante de tipografía hacia el lado derecho. La tipografía utilizada es una sans serif delgada utilizada en diferentes tamaños. Este tipo de letras se popularizaron con el naciente Futurismo ruso y posteriormente en los pósters y libros de artista de los constructivistas rusos, y son utilizadas para comunicar mensajes inmediatos, modernos y legibles en diferentes formatos, desde una pequeña postal hasta una pantalla.

Por otro lado, la paleta de colores característica del Constructivismo Ruso utiliza el rojo sólido con gradaciones de negro, como la siguiente composición abstracta de El Lissitzky:

Imagen 11. Lissitzky, El. Proun (1922-23).

El constante uso del rojo no es una casualidad, sino que responde a la identidad visual de la U.R.S.S., que se caracterizó, desde su bandera, por el uso abundante del rojo como símbolo de la revolución comunista.

Imagen 12. N/A. Póster para al Aniversario de la Derrota Estratégica de la Armada Americana B-52 Bomber. N/A.

 

La motivación patriótica/política en la elección de colores se hace evidente en este póster que conmemora la victoria vietnamita frente a las fuerzas imperialistas estadounidenses. En este caso, la mano roja con una estrella representa la bandera de Vietnam, mientras que el fondo azul y la bomba negra representan a Estados Unidos a fin siendo vencido.

 

4.  Conclusiones

A lo largo de este ensayo hemos analizado algunas obras gráficas del Constructivismo Ruso en búsqueda de su influencia sobre el lenguaje visual del Diseño Gráfico Contemporáneo en términos de estilo, composición, iconografía, uso del color y tipografía.

 Nos hemos enfocado en la figura y la producción gráfica de Aleksandr Rodchenko, pues ha jugado un papel muy importante en la consolidación del Diseño Gráfico como una profesión artística popular preocupada por la transmisión de mensajes visuales a través de códigos claros, directos y eficaces que tienen en cuenta al receptor desde la concepción de la obra.

 Se hace evidente la permanencia de los principios constructivistas en la producción gráfica contemporánea a escala mundial. Hemos visto ejemplos de arte gráfico canadiense, estadounidense, peruano y vietnamita claramente influenciados por el constructivismo ruso.

 Finalmente, si bien es cierto que en muchos casos la influencia constructivista en el diseño actual es más prevalente en un nivel estético más que ideológico, es crucial que las nuevas organizaciones de izquierda o comunistas en el mundo reflexionemos sobre el rico legado gráfico constructivista y lo sigamos reinterpretando bajo nuestros contextos de creación identitaria y lucha anticapitalista. El valor del Constructivismo en la historia del Mundo radica en el poder de construir una estética radical, particular para la lucha comunista internacional, y su lenguaje visual puede ayudarnos en la creación de realidades postcapitalistas.

Imagen 13. Diseño propio. ¿Qué pasaría si el logo del partido izquierdista Perú Libre se hubiera inspirado en el constructivismo ruso? (2023).

Referencias Bibliográficas

Bark, Wendy (1995). Constructivist costume, textile & theatrical design, 1917 - 1934: a study of constructivism set in the socio-cultural, political and historical context of post-revolutionary Russia, Durham theses, Durham University, Inglaterra.

Gabo, Naum & Pevsner, Antoine (1920). El Manifiesto Realista. Extraído de https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/      02/manifiesto-realista-1920.pdf.

Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) (2018). Catálogo para la exposición Caso de Estudio. Ródchenko y un futuro en construcción. Institut Valencià d’Art Modern, España.

Lissack, M. R. (2004), The redefinition of memes: ascribing meaning to an empty cliché, Journal of Memetics-Evolutionary Models of Information Transmission, núm. 8, EE.UU..

Malevich, Kazimir (2003). The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism. Dover Publications, EE.UU.

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¡Hablemos de las vanguardias artísticas! #3

¡Hola!

Bienvenidos una vez más al blog de las vanguardias artisticas en dónde nos encargamos de conocer cuales son y sus caracteristicas.

En el blog de hoy estaremos conociendo: El dadaismo, el surrealismo, el supematismo, contructivismo, neoplasticismo y la nueva abstrancción americana,

Recordemos que conocemos a las vanguardias artísticas como movimientos sucedidas en la primera mitad del siglo XX las cuales tuvieron un impacto en las artes.

Dadaísmo 1915/1922

Nace a mitad del siglo xx, iba en contra de la guerra y el caos bélico. Contaba con un profundo sentido crítica social. Se basaba en ser una crítica al sentido tradicional del arte, la escuela y estilos.

El dadaísmo es cómo una satira ironica dirigida al arte en, iba en contra de la moral, estética, normas sociales. Su objetivo principal era cuestionar unas cricterios artisticos afianzados y aceptados en la época.

Trajo consigo el fotomentaje (collage) como una nueva técnicas artísticas.

Caracteristicas

-Contundente

-Destructor

-Provocador

-Absurdo

-Elemental

-Casual

Ciudades de importancia

-Berlín, Alemnia

-Suiza

Pesonajes importantes

-Tristam Tzara

-Hans Arp (1888-1976)

-Francis Picabia (1879-1953)

-Marcell Duchamp (1887-1968)

Crítica Fue un movimieto muy interesante en cuanto su objetivo, pareciera que en si no tiene un sentido real y a menudo se siente como si estubiera revuelto. Se puede ver el caos y entender el absurdo de no signficar nada. Actualente el dadaismo nos proporcionó una nueva técnica artista que es el collage, que a mi parecer tiene más relevancia de lo que creemos. En general el dadaismo puede ayudar a desarrollar la creatividad sin decir algo concreto y encuetro eso interesante.

Marcell Duchamp: L.H.O.O.Q. 1918. 19 x 12 cm. Centro Pompidou, París.

Surrealismo 1924/1939.

El surrealismo nace del dadaismo. Se trataba de crear un arte que fuera mucho más allá de las perspectivas limitantes del realismo. Buscaba la innovación de perspectivas, contrucción de objetos y uso de técnicas.

Es el plasmar el pensamiento subconciente de una manera "extra" y explosiva en algunos casos. Nace del automatismo puro, siendo un metodo de expresón puro.

Caracteristicas

-Rompe las barrareas del consiente

-Reproduce el mundo de los sueños

-Juega con las proporciones

Ciudades de importancia

-París

Pesonajes importantes

-Salvador Dalí (1904-1989)

-Frida Kahlo (1907-1954).

-Yves Tanguy

-Joan Miró (1893-1983)

Crítica Sin duda alguna podría decir que el surrealismo es una de mis vanguardias favoritas, creo que tiene una muy amplia capacidad para explotar la creatividad. Incluso usarn muchisimos recursos de esta en el cine y prácticamente ver una obra surrealista es volar a un lugar completamente diferente. Esa libertad de explorar los pensamientos que van más allá de lo normal es lo que realmente me llama la atención.

Las dos fridas (Frida Kahlo, 1939).

Suprematismo 1915/1919

Siendo de origen ruso, el suprematismo busca manifestar la sensabilidad pura a través de la expresión no figurativa. Evita las referencias e imitación a la naturaleza.

Se basa en llegar a las sensaciones puras y siples. Su elemento pricipal es la composición creada y la distribución de sus elementos.

Caracteristicas

-Uso de colores puros y austeros.

-Formas geometricas.

-Se centra en la interpretación de un todo, no de elementos individuales.

Ciudades de importancia

-Rusia

Pesonajes importantes

-Casimir Malevitch

Crítica

En lo personal lo considero un estilo bastante simple pero lindo, una pieza que permitiría decorar una habitación. Ciertamente no me parece lo más llámativo.

Honestamente no encuentro la manera de críticar figuras geometricas, en el caso especifico de esta pintura me transmite una especie de tranquilidad, pero es un sentimiento más acercado al estado neutro en un día en el que no ha pasado nada entretenido. Quizá un poco aburrido para mi gusto.

Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malévich, 1916)

Constructivismo 1913/1920.

Supuso ua identidad visual para el comunismo sovietico. Su objetivo principal era el de llevar el arte al pueblo.

Hacían uso de todos los ámbitos creativos y la experimentación con cada una de las técnicas, disciplianas y cabe mencionar que hacían uso constante de las nuevas tecnologías.

Se concidera una unión entre las distintas artes como lo son, pintura, escultura y arquitectura. Una de las escuelas más importantes fue la Bauhaus en la cual se enseñaban todas las diciplinas y se buscaba que fueran mezcladas y útiles.

Caracteristicas

-Era una mezcla de distintas artes.

-Fusionaba pintura, arquitectura y escultura.

-Se asocia con la producción industrial.

-Materiales simples: madera, yeso, metal, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos.

-Sus colores más usados eran naranja, rojo, amarillo, negro y blanco.

-Se centra en crar productos antes que que solo obras de artes.

Ciudades de importancia

-Rusia

Pesonajes importantes

-Vladimir Tatlin

-El Lissitzky

-Antón Pevsner

-Naum Gabo

Crítica

Un movimiento que buscó una dusión de varios estilos, creando arte más funcional que no solo se "veía bonito", creo que fue muy interezande buscarle útilidad al arte y una maneraa muy inteligente de darle un giro al arte. Me gusta mucho su objetivo.

Neoplasticismo 1917 - 1928

Desrrollado en Holanda fue una prolongación de vlores estéticos del contructivismo. Se pretendía que se tratara de un arte rcional y universal que fuera por encima de las subjetividades, política y nacionalismos.

Protegía la cultura de la violencia y apelaba a la razón humana.

Caracteristicas

-Hacian uso de figuras geometricas y puras.

-Usa líneas rectas horizontales y verticales.

-Colores planos, en 2D.

-Los colores eran saturados y en especial los primarios juto el negro para dar contrastes.

-No solo creaban pinturas, sino que también diseñaban edificios y mostraba interes por el interiorismo.

Ciudades de importancia

-Holanda

Pesonajes importantes

-Theo Van Doesburg

-Piet mondrian

Crítica

En lo personal siento que puede ser mínimalista pero me gusta, en especial como los colores llegan a tener un contraste llamativo pero armonioso, sin que se opan entre sí. Creo que todos podemos estar de acuerdo en que se siente ese aire del futuro, muy limpio y funcional.

Nueva Abstracción Americana

Esta vanguardía artistica tenía como punto principal el color y se centraba en que era lo que este transmitían en conjunto. No se centrba en cada parte de la pieza por separado sino que lo más importante era el producto final o mejor dicho, su composición.

Caracteristicas

-Es bidimencional.

-Su paleta de colores es saturada.

-Formas simples no protagonistas.

-El conjunto forma lo escencial de la obra.

-No contiene mensajes místicos ni religiosos

Ciudades de importancia

-Estados Unidos, Nueva York.

Pesonajes importantes

-Helen Frankenthaler

-Sam Francis

-Ellsworth Kelly

-Frank Stella

-Keneth Noland

-Morris Louis

Crítica

Me gusta, en especial el hecho de que sea simple pero que cuente con varios colores que suelen ser brillantes. Lo encuentro basrante interesante porque puede no significar algo tan profundo pero de igual manera es muy grato de ver.

En cuanto al movimiento, creo que fue muy interesante darle un protagonismo a el color y a la obra en general, a veces nos ddicamos a sobre analizar las cosas y rompernos la cabeza por cuscar un gran significado y en este caso se siente como un respiro mental.

¡hasta aquí el final de este blog! El arte es maravillaso, es posible ver tantos puntos de vista, ideas y maneras de expresar el mundo, esto queda clarisimo gracias a las vanguardias.

Sin duda marcaron una gran coma que nos permitió seguir expandiendonos y exerimentando a lo largo del tiempo.

Bibliografías:

Características del Constructivismo. (2008, July 29). Historial de Diseño. https://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/29/caracteristicas-del-constructivismo/

de la Garma, D. (n.d.). Surrealismo. Arteespana.com. Retrieved October 26, 2022, from https://www.arteespana.com/surrealismo.htm

El movimiento artístico americano que se basó en el color: Abstracción postpictórica. (n.d.). Moovemag.com. Retrieved October 28, 2022, from https://moovemag.com/2022/05/el-movimiento-artistico-americano-que-se-baso-en-el-color-abstraccion-postpictorica/

Frida Kahlo. (2008). Choice (Chicago, Ill.), 45(12), 45-6568-45–6568. https://doi.org/10.5860/choice.45-6568

Imaginario, A. (2019, December 31). Dadaísmo. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/dadaismo/

Imaginario, A. (2021, August 6). Vanguardias artísticas. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/vanguardias-artisticas/

Oil painting reproductions - custom portraits. (n.d.). Wikiart.org. Retrieved October 26, 2022, from https://www.wikiart.org/en/app/Home/BestPriceArtLink/57726e15edc2cb3880b5f052

Perfil, V. (2019, November 2). Nueva Abstracción Americana. Blogspot.com. https://arteandhistory.blogspot.com/2019/11/nueva-abstraccion-americana.html

Pimienta, J. (2008). Constructivismo (3rd ed.). Pearson Educacion.

Suprematismo. (n.d.). HA! Retrieved October 26, 2022, from https://historia-arte.com/movimientos/suprematismo

Wehr, C. (2016). Las dos Fridas: Autobiographische und künstlerische Selbstkonstitution bei Frida Kahlo. In Selbst-Bild und Selbst-Bilder (pp. 281–295). Brill | Fink.

Wikipedia contributors. (n.d.). Clement Greenberg. Wikipedia, The Free Encyclopedia. https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Clement_Greenberg&oldid=133369933

Wikipedia, F. (2011). Surrealismo: Marcel Duchamp, Andre Breton, Georges Bataille, Bernardo Guimaraes, Jacques Prevert, Abjecionismo, Joyce Mansour. Books LLC, Wiki Series.

Editorial Grudemi (2022). Neoplasticismo. Recuperado de Enciclopedia de Historia (https://enciclopediadehistoria.com/neoplasticismo/). Última actualización: abril 2022.

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Vanguardias europeas

Las vanguardias fueron movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX, en las que los artistas compartían una misma agenda estética e ideológica, muchas de estas plasmandolas en manifiestos escritos.

Rompieron con la representación realista y los ideales de belleza, abriendo camino a la libre expresión y rechazaban fuertemente la concepción de que el arte sólo era para la burguesía.

(Imaginario, A. Vanguardias artísticas: qué son y los principales movimientos https://www.culturagenial.com/es/vanguardias-artisticas/)

Fauvismo: (Francia, 1904-1908). Empleaba pinceladas rápidas y toscas, no continuas, usaban colores llamativos, contrastantes y alterados (no acordes a la realidad) creando obras muy expresivas y agresivas. En DG se recuperan los tonos llamativos, creando paletas de color poco convencionales y el estilo de las pinceladas para crear elementos con grado de abstracción.

Retrato de Matisse - André Derain, Omar - Doran Langberg

Cubismo: (Francia, 1907-1914). Fragmentaba las formas por medio de la geometrización y la vista en un sólo plano y colores sobrios/ de muy poca saturación. En DG se recupera esa sintetización, geometrización del elemento y experimentación con la perspectiva.

Mujer con mandolina - Pablo Picasso, Cartel

Futurismo: (Italia, 1909-1944). Mezcla figuras orgánicas y geométricas, , emplea pigmentos saturados y transparencias, en sus temas eran las máquinas, lo moderno y la velocidad. En DG se recupera los colores saturados, el concepto de velocidad/movimiento y la repetición y transparencia entre elementos.

La carga de los lanceros - Umberto Boccioni, Troye Sivan - Stuart Winecoff

Expresionismo alemán: (Alemania, 1905-1910). En sus obras mostraban elementos obscenos, eran de aspecto primitivo, la naturaleza y el ser humano eran lo más representado con expresiones tristes, con cuerpos desproporcionados y en espacios oscuros. En DG se recuperan los líneas gruesos, trazos agresivos y tonos oscuros, en la obra actual podemos ver un rostro con un aspecto desagradable, parece estar feliz, pero por la mirada y la sonrisa parecen de un maniático, que genera angustia.

Franzi ante una mesa tallada - Ernst Ludwig, Jorge Elbrecht - Happiness

Constructivismo ruso: (Rusia, 1921-1932). Este movimiento declaró guerra a la cultura burguesa, además de rechazar la idea clásica del arte , buscando enfatizar la producción cultural y hacer al arte accesible a todo el público. En DG se recupera las figuras y composiciones simples, las simetrías y repetición de formas y el objetivo de ser funcional y accesible.

Cartel constructivista, Recreación de la portada del disco Soviet Kitsch - Helen Andrade

Suprematismo: (Rusia, 1913-1923). Arte compuesto de figuras geométricas (sobre todo triángulos, rectángulos y cuadrados), colores primarios y secundarios y no figurativa. En DG se retoman composiciones con elementos distribuidos de forma similar, apoyandose de las técnicas visuales.

Composición suprematista - Kazimir Malévich

Dadaísmo: (Suiza, 1916-1920). Experimental, de sentido antiartístico, con humor irreverente y aborrece la belleza, retoma el collage e implementa el ready-made: la integración de objetos cotidianos a las obras de arte. En DG se recupera la técnica del collage y el uso de tipografías, un ejemplo siendo las imágenes vaporwave que toman obras de arte, interfaces de ordenadores de los 90s, animales para crear collages o composiciones chuscas pero con una fuerte identidad estética.

Raoul Hausmann - Elasticum, Imágenes vaporwave

Surrealismo: (Francia, 1924-1940). Era irracional e irreverente, exploraba lo onírico y el subconsciente.

La lámpara filosófica - René Magritte, Madre universal - Sinéad O´Connor

Muralismo mexicano: (México, Siglo XX) Este movimiento surgió con el propósito de valorar y recuperar la historia, fuente de nuestra identidad nacional y reconocer que sus descendientes prevalacen, son obras monumentales plasmadas en muros. En DG lo adapta a muros de avenidas o lugares vistosos para realizar campañas de productos, dándoles un toque más artístico.

El hombre controlador del universo - Diego Rivera, Anuncio de Nestlé - Andres Agosin

[el-artemoderno-y-contemporaneo]

Movimientos del Siglo XX Constructivismo Ruso

Nació en Rusia en el año 1914. Sin embargo, estuvo realmente presente luego de que terminó la Revolución de Octubre ( fue la segunda fase de la Revolución rusa de 1917, que acabó con el zarismo y que llevó a los bolcheviques al poder). El término construction art (arte para construcción) fue utilizado por primera vez, de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.  se basó en las enseñanzas que implantaron el comisariado del pueblo  para la educación, el cual pertenecía en ese momento al gobierno bolchevique.

supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites; Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en una unión de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura y escultura.

En las pinturas constructivistas estaban presentes las formas geométricas y otros tipos de elementos que tenían como objetivo generar una especie de sensación emocional. En ella los cuerpos y actores tienen un elevado nivel de expresividad, la cual transmitían a través de la escenografía y sus trajes que estaban en armonía con el espacio. 

En las esculturas de constructivismo se omitió la intención de que el arte fuera útil a la sociedad. La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Vladímir Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional de 1919, que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. El objetivo era hacer ver al proletariado que las mejoras tecnológicas del momento hacían más grande el país y esto debía plasmarse como una idea artística.

 Se usó la tecnología para hacer fotomontajes, collages y combinaciones de figuras para transmitir las ideas de manera solapada. Esto dejaba ver que la ideología del movimiento no era para que las masas en general las comprendieran, sino para transmitirles la idea de que se había alcanzado un avance histórico. 

Artistas representantes:

Alexander Rodchenko

 El Lissitzky

Varvara Stepánova

Gustav Klutsis

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¿Qué es el constructivismo?

El constructivismo es una teoría del aprendizaje que enfatiza el papel activo del estudiante en la construcción de su propio conocimiento. Está basada en la teoría del conocimiento constructivista, que postula la necesidad de entregar al estudiante las herramientas necesarias (generar andamiajes) que le permitan construir sus propios procedimientos para resolver una situación problemática, lo que implica que sus ideas puedan verse modificadas y siga aprendiendo.

El constructivismo propone un paradigma donde el proceso de enseñanza se percibe y se lleva a cabo como un proceso dinámico, participativo e interactivo del sujeto, de modo que el conocimiento sea una auténtica construcción operada por la persona que aprende.

Los principales autores del constructivismo son:

Jean Piaget

Jean Piaget es considerado uno de los padres fundadores del constructivismo. Su teoría del desarrollo cognitivo enfatiza cómo los niños construyen su comprensión del mundo a través de la interacción activa con su entorno. Proporcionó una base sólida para el constructivismo al explorar cómo los estudiantes desarrollan su conocimiento a través de etapas de desarrollo específicas.

Lev Vygotsky

Lev Vygotsky fue un psicólogo y educador ruso cuyas teorías han influido en gran medida en la pedagogía constructivista. Su concepto de la "zona de desarrollo próximo" destacó la importancia de la interacción social y la colaboración en el aprendizaje. Vygotsky enfatizó que el aprendizaje se produce mejor cuando un individuo trabaja en conjunto con otros que tienen más experiencia.

Jerome Bruner

Jerome Bruner, psicólogo cognitivo estadounidense, ha contribuido al constructivismo a través de su teoría del aprendizaje por descubrimiento. Sostiene que los estudiantes deben construir su conocimiento a través de la exploración y la resolución de problemas.

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Fovismo

"La raya verde (Amélie Parayre)" es una pintura de Henri Matisse realizada en 1905. En ella, utiliza colores vibrantes y contrastantes para representar a Amélie Parayre, una amiga suya. La figura de Amélie está simplificada en formas geométricas, mientras que el fondo muestra pinceladas enérgicas. Esta obra refleja la influencia del Fauvismo y destaca por su audacia y vitalidad en el uso del color."

Expresionismo

"La crucifixión" es una pintura de Emil Nolde que representa el tema religioso de la crucifixión de Jesucristo. Con un estilo expresionista, Nolde utiliza pinceladas enérgicas y colores intensos para transmitir la intensidad emocional de la escena. La figura de Cristo en la cruz se destaca en el centro, rodeada de personajes secundarios. El uso del color y la pincelada suelta añaden dramatismo y movimiento a la composición. Es una representación impactante y conmovedora de un tema central en el arte occidental.

Cubismo

"Mujer con mandolina" es una pintura cubista de Pablo Picasso, creada en 1910. En ella, la figura de una mujer sentada con una mandolina se representa de forma abstracta y fragmentada, utilizando formas geométricas y líneas angulares. Esta obra desafía la percepción visual tradicional y muestra la influencia del cubismo en el arte del siglo XX.

Futurismo

"La carga de los lanceros" es una obra del artista italiano Umberto Boccioni. Creada en 1915, forma parte del movimiento artístico futurista. Representa la escena de una carga militar con lanceros en movimiento, capturando la energía y la dinámica del momento. Esta pintura es un ejemplo destacado del enfoque futurista de representar la velocidad y el movimiento en el arte.

Rayonismo

"Rayonismo rojo" es una obra del artista ruso Mijaíl Lariónov. Creada durante el periodo del rayonismo en 1913, la pintura presenta una composición abstracta con formas geométricas y líneas diagonales en tonos predominantemente rojos. El rayonismo fue un movimiento artístico vanguardista que buscaba representar la simultaneidad y el dinamismo visual a través de la fragmentación y la superposición de formas. "Rayonismo rojo" refleja esta estética, invitando al espectador a explorar la relación entre las formas y los colores en un contexto abstracto.

Constructivismo

"Composición" es una obra del artista ruso El Lissitzky. Creada en una fecha estimada entre 1919 y 1920, esta pintura abstracta es un ejemplo destacado del estilo suprematista y el constructuvismo, que fue un movimiento artístico desarrollado en Rusia durante la década de 1910. La obra se compone de formas geométricas simples, como cuadrados, rectángulos y círculos, dispuestos en una composición dinámica y equilibrada. A través de la combinación de formas y colores, Lissitzky exploró la interacción visual y la relación entre el espacio y la forma. "Composición" refleja la influencia del suprematismo en la búsqueda de la abstracción y la experimentación con formas puras en el arte.

Dadaísmo

"La fuente" de Marcel Duchamp es una obra de arte que consiste en un urinario invertido. Duchamp desafió las convenciones artísticas al presentar un objeto común como arte, cuestionando la autoría y el valor estético. Esta obra icónica sentó las bases del movimiento dadaísta y provocó una reevaluación de las normas tradicionales del arte.

Surrealismo

"La persistencia de la memoria" es una obra icónica del artista surrealista Salvador Dalí. Creada en 1931, presenta un paisaje surrealista con relojes derretidos que se derriten y se deforman en un ambiente onírico. La pintura busca representar la relatividad del tiempo y la fugacidad de la realidad. Con su estilo distintivo y detalles meticulosos, Dalí desafía nuestra percepción y nos invita a cuestionar la naturaleza de la existencia. "La persistencia de la memoria" es una obra emblemática del surrealismo y ha capturado la imaginación del público durante décadas.

Expresionismo abstracto

"Convergencia" es una obra del reconocido artista estadounidense Jackson Pollock. Creada en 1952, es un ejemplo destacado de su técnica de Action Painting, en la cual el artista arrojaba y goteaba pintura sobre el lienzo de manera libre y gestual. En "Convergencia", se pueden apreciar trazos enérgicos, líneas entrelazadas y salpicaduras de pintura que crean una composición caótica pero armoniosa. La obra invita al espectador a contemplar y explorar el flujo y la energía del movimiento expresivo. "Convergencia" es una expresión de la libertad creativa y la espontaneidad de Pollock, y representa una de las obras más emblemáticas del expresionismo abstracto.

Arte cinético

"Esfera" de Jesús Soto es una escultura cinética que consiste en varillas metálicas dispuestas en forma esférica. La obra interactúa con el espectador y el entorno, moviéndose con el viento y el movimiento del observador. Es un ejemplo destacado del arte cinético y busca desafiar la percepción del espectador, invitándolo a participar activamente. "Esfera" representa el legado artístico de Soto y su contribución al arte cinético internacional.

Arte óptico

"Cebras" es una obra del artista húngaro-francés Víctor Vasarely. Creada en 1938, es un ejemplo icónico de su estilo artístico conocido como "Op Art" (arte óptico). En esta obra, Vasarely utiliza patrones geométricos en blanco y negro para crear una ilusión de movimiento y profundidad. La composición juega con la percepción visual del espectador, generando un efecto óptico de vibración y dinamismo. "Cebras" encapsula la exploración de Vasarely en la ilusión óptica y su búsqueda de crear arte que interactúe con la visión y la experiencia sensorial del observador.

Arte conceptual

"Civilización occidental cristiana" es una obra del artista argentino León Ferrari. Creada en 1965, es una instalación que combina elementos visuales y textuales para cuestionar la influencia y el poder de la Iglesia Católica en la sociedad occidental. La obra presenta una serie de figuras religiosas y símbolos cristianos suspendidos en el aire, junto con fragmentos de texto que critican la violencia y la opresión asociadas con la religión institucionalizada. "Civilización occidental cristiana" es una declaración provocativa y desafiante que busca abrir un diálogo sobre las relaciones entre el poder religioso, la política y los valores culturales en la sociedad contemporánea.

Arte povera

"Rosas" de Jannis Kounellis es una instalación del movimiento Arte Povera que consiste en la disposición de rosas frescas en diferentes lugares de la sala de exhibición. La obra destaca la relación entre la naturaleza y el entorno artístico, desafiando las convenciones tradicionales del arte. Invita a reflexionar sobre la impermanencia y la belleza efímera, mientras cuestiona la relación entre el arte y la naturaleza.

Hiperrealismo

La obra de hiperrealismo titulada "Mujer Comiendo" de Duane Hanson representa a una mujer en el acto de comer de manera extremadamente detallada y realista. Creada con gran precisión y técnica, la pintura captura cada arruga, textura y expresión facial con un nivel de detalle sorprendente. La obra busca asombrar al espectador con su apariencia casi fotográfica, llevando el realismo al extremo. A través del hiperrealismo, el artista nos invita a reflexionar sobre la cotidianidad y los detalles de la vida diaria, invitándonos a apreciar la belleza en lo ordinario.

Minimalismo

"Sin título" es una obra minimalista del artista Donald Judd. Consiste en estructuras geométricas simples hechas de materiales industriales y colocadas directamente en el espacio. La obra busca reducir el arte a su esencia básica, eliminando cualquier adorno o narrativa subjetiva. Invita al espectador a apreciar la forma, el material y la interacción con el espacio circundante. "Sin título" desafía las convenciones tradicionales del arte y promueve una conexión directa entre el objeto artístico y el espectador.

Renacentista

"La Creación de Adán" es una famosa pintura mural del artista renacentista italiano Michelangelo Buonarroti. Esta obra forma parte del fresco del techo de la Capilla Sixtina en el Vaticano. En la pintura, se representa el momento en el que Dios, con su dedo extendido, crea a Adán, el primer hombre. La imagen icónica muestra el gesto de Dios y la figura de Adán extendiendo su mano hacia Él. "La Creación de Adán" es considerada una de las obras maestras de Michelangelo y una de las representaciones más famosas del arte occidental. Simboliza la creación y la conexión entre Dios y la humanidad.

Renacentista

"La Gioconda", también conocida como "La Mona Lisa", es una famosa pintura del renacentista italiano Leonardo da Vinci. Creada entre los años 1503 y 1506, la obra retrata a una mujer de mirada enigmática y una sonrisa sutil. Es considerada una de las obras de arte más famosas y emblemáticas de la historia. "La Gioconda" destaca por la técnica magistral de Leonardo, su uso del sfumato y la representación realista de la figura humana. La pintura ha generado innumerables interpretaciones y ha capturado la imaginación de los espectadores durante siglos.

Arte clasicismo

"Las musas Clío, Euterpe y Talía" es una obra que representa a tres de las nueve musas de la mitología griega. Clío es la musa de la historia, Euterpe es la musa de la música y Talía es la musa de la comedia. La obra puede ser una pintura, una escultura u otro tipo de representación artística. Cada musa se caracteriza por su atributo distintivo, como un libro para Clío, una flauta para Euterpe y una máscara teatral para Talía. La obra resalta la importancia de estas musas en la inspiración artística y la creatividad en diferentes disciplinas.

Arte clasicismo

"Hipómenes y Atalanta" es una obra del pintor italiano Guido Reni. Representa un episodio mitológico en el que Hipómenes, un joven mortal, compite en una carrera contra Atalanta, una rápida y hábil cazadora. Para ganar la carrera y casarse con Atalanta, Hipómenes utiliza tres manzanas doradas que le otorgó Afrodita, la diosa del amor. La obra resalta la tensión y el drama de la competencia, así como la intervención divina en la historia. "Hipómenes y Atalanta" es una representación artística de la mitología griega y muestra la habilidad de Reni para capturar el movimiento y la emoción en sus pinturas.

Arte Urbano

"Ironía de policía negro" es una obra del artista urbano Jean-Michel Basquiat. Creada en 1981, esta pintura combina elementos de graffiti, caligrafía y símbolos abstractos. Representa la crítica social y racial, presentando a un oficial de policía negro con la palabra "ironía" escrita en el centro. La obra cuestiona la contradicción de la existencia de la opresión policial dentro de comunidades minoritarias, desafiando las percepciones y estereotipos establecidos. "Ironía de policía negro" es un ejemplo del estilo distintivo y políticamente cargado de Basquiat, que mezcla arte urbano, expresionismo y referencias culturales para abordar temas sociales y raciales.

[londaibere]

Constructivismo ruso en FUTURO. Óleo s/madera con bordes de alpaca. 55 x 90 cm. Obra expuesta en Maria Casado Home Gallery en 2008. #londaibere #arteargentino

[cinocefalo]

Compañerismo / Drugarstvo

Por Cinocéfalo.

  Camaradería (en croata Drugarstvo) -exposición que se lleva a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb-, es una de aquellas prácticas museísticas que promueven el acercamiento de los espectadores a las colecciones de manera dinámica, aunque siempre desde la lejanía subyacente en toda institución de tal tipo. Se trata de una segunda muestra como continuación a otra denominada Canciones tristes de guerra, lo cual indica ya la dirección de las reflexiones en el contexto conflictivo que ha vivido normalmente la región. Camaradería revisa cuerpos de obra que rondan lo compasivo o la idea de solidaridad, para la ordenación curatorial del material de su acervo. Sin embargo, desde un tono político plantea a la vez aquello que parecería velado, pero difícil negar en tales contextos. En Rusia, se sabe de sobra, los camaradas (tovarishchi) son a la vez cómplices que comparten la raíz de una ideología, convirtiéndola en un asunto de relaciones socio-amistosas.

La mirada entonces está puesta en presentar obras que van desde la revisión del concepto de colectividades artísticas que propugnaban las neovanguardias del siglo pasado, hasta las ideas contemporáneas sobre colaboración e investigación participativa. Se reúnen así 24 propuestas grupales y colectivas desde un discurso que parecería simplificado, visto como meras acciones de contribución pública y de mejora parcial de los territorios habitados. Sin embargo, al añadir experiencias colectivas como las de grupos como EXAT 51, quienes estuvieron influidos por constructivismo ruso, la neoplasticidad, la Bauhaus y De Stijl en una época en la que en la región se comenzaron a abrir espacios internacionales para la exposición, o el colectivo Gorgona quienes operaron en la línea del antiarte y cuyas ideas modificaron muchas prácticas artísticas, se establece un compromiso discursivo con la forma que necesariamente apunta a diversidades socio-políticas. Otro de los grupos incluido es OHO y su comunidad creada de nombre ‘The Family from Šempas’, para quienes una obra de arte podía ser realizada en cualquier medio de la vida cotidiana para ser expandida por las colectividades que la habitaran.

Un ejemplo de artistas más actuales que trabajan de manera individual es Igor Grubić, quien suele concentrarse en eventos históricos particulares, rindiendo homenaje a colectividades marginadas y héroes invisibilizados. Una de sus obras es el trabajo con presos de Lepoglava, a quienes les realizó preguntas acerca de la manera en la que se vinculaban con la infancia y sus proyecciones de futuro. Otra de las artistas revisadas es Sanja Iveković, quien aborda temas de género, identidad y memoria desde la investigación de la representación en los medios de comunicación de la mujer. Una de sus piezas conocidas es Lady Rosa de Luxemburgo, en la cual llevó a cabo una réplica del monumento que se encuentra en la Plaza de la Constitución de Luxemburgo, pero en la cual aparece embarazada. El texto de la placa explicativa era acompañado por términos con los cuales se estereotipa a la mujer en diversos idiomas, y a la vez otros de carácter político. Entre las palabras virgin, bitch o whore; résistance, justice, o liberté.

Camaradería es un pretexto para hablar de ciertos temas que, paradójicamente, pueden generar divergencias. La idea de empatía, por ejemplo, no necesariamente convive plácidamente con términos como el de ética. Sin embargo, al menos aquello aviva la controversia. Y es que, al señalar experiencias históricas específicas de la región, la confluencia de diversos grupos artísticos supone necesariamente contradicciones que es necesario discutir. En todo caso, la idea de camaradería que sugiere una amistad que va más allá de lo sensitivo o lo emocional, en términos de razón artística, puede muy bien plantear puntos de partida para reconocer nuevos espacios de participación pública desde el arte y la política que intenten romper el cerco de auto-promoción en el mercado, y el absoluto individualismo estético realizado para las vitrinas y la circulación global.

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Los autores y colectivos en la exposición son: Aleksandar Battista Ilić, Vera Fischer, Tomislav Gotovac, Igor Grubić, Sanja Iveković, Ivana Keser, Oleg Kulik, Andreja Kulunčić (con la colaboradora Dubravka Stijačić y con pacientes del hospital psiquiátrico Vrapče en todos los segmentos del proyecto, y Vlatka Prstačić y el equipo de diseñadores Kuna zlatica en parte del proyecto Vrapče Pillows), Kristina Leko, Lala Raščić, Vjenceslav Richter, Ivana Tomljenović Meller, Žarko Vijatović, EXAT 51, Fluxus, Format C, Galerija stanara, Gorgona, Group of Six Authors, IRWIN, Nova Evropa/NEP, OHO, Familia de Šempas, Vigo.

El equipo cutatorial: Zdenka Badovinac, Kristina Bonjeković Stojković, Petra Cegur, Renata Filčić, Iva Rada Janković, Jasna Jakšić, Vesna Meštrić, Martina Munivrana, Ana Škegro y Leila Topić.

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¿Historias cortas para no dormir y así no tener pesadillas?

Vladímir Yevgráfovich Tatlin (28 de diciembre de 1885 “Járkov, Imperio Ruso” - 31 de mayo de 1953 Moscú) fue un pintor y escultor ruso, considerado como iniciador del constructivismo,​ que abarcó múltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño y decorados teatrales.

En 1914, fundó el constructivismo, siendo el principal inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS, junto con el futurismo. En 1920 se unieron a él Antón Pevsner y Naum Gabo, y posteriormente, El Lissitzky y Aleksandr Ródchenko.

El más famoso de sus proyectos fue el Monumento a la Tercera Internacional, datado en 1919-1920, pero que nunca se construyó. Sería un edificio habitable, mucho más alto que la Torre Eiffel, en el que se albergaría la sede de la III Internacional.

Se unió a Aleksandr Ródchenko en la dirección del Vjutemás (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) una de las primeras escuelas de Diseño en el mundo, instalada en Rusia hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial.

Tatlin diseñó también el Letatlin, aparato volador sin motor de uso individual que permitiría a los ciudadanos soviéticos desplazarse sin crear contaminación y de manera natural.

Vladímir Tatlin nació el 28 de diciembre de 1885 en Járkov, Ucrania, Imperio ruso. Su padre era ingeniero de ferrocarriles y su madre poetisa.​ Trabajó como cadete en un barco de comercio marítimo y pasó algún tiempo en el extranjero. Comenzó su carrera artística como pintor de iconos en Moscú, y asistió a la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura.

Tatlin falleció el 31 de mayo de 1953 en Moscú víctima de una intoxicación alimentaria consecuencia de haber consumido pescado en malas condiciones.​ Sus restos fueron sepultados en el Cementerio Novodévichi de Moscú.

[veredes]

Colección completa de la Revista CA Sovremennaya arkhitektura [Современная Aрхитектура]

[ligialaudisi-blog]

AVANT GARDE CONSTRUCTIVISM

[infinismundi]

Proun 19-D. El Lissitzky

[aquellakahi]

constructivismo

movimiento nacido a raíz de la revolución rusa en 1917, no tan solo abarcó las artes visuales, sino también a la arquitectura. 

De raíces cubistas y futuristas, el constructivismo ruso, inspirado en las ideas socialistas, intenta romper con los parámetros de la arquitectura establecida, sin perder eficiencia, además de tener como punto a favor, la utilización de hormigón, cables y vigas de acero como primeros materiales, lo cual la hace de bajo costo, ideado para las necesidades de la época. No duró mucho, la mayoría de los arquitectos emigraron por el 1921 hacia occidente, había predilección por el realismo social de Coubert en las artes visuales y del clasisismo griego en la arquitectura.

[constructivismoarte]

Constructivismo: la táctica rusa para hacer accesible el arte

El constructivismo ruso fue un movimiento artístico en la década de los años 20 del siglo pasado. Se manifestó en la pintura, la fotografía, el cine y en el diseño gráfico, sin embargo, su aplicación más concreta y revolucionaria fue en la arquitectura.

El constructivismo nació en 1914 en Rusia, donde ya se había escuchado el término “construction art” (arte para la construcción).

Aleksandr Ródchenko, artista, escultor, diseñador gráfico, pintor y fotógrafo ruso fue el fundador del movimiento.

[vanigiusti]

Kondratenko Mozgova, Viktoriya (2017). Vkhutemas y su papel en el diseño posrevolucionario soviético (Pág. 37 a Pág. 46)

Lunes 12 de octubre.-

Un poco de contexto: los revolucionarios rusos pretendían crear un “nuevo hombre socialista”. Esto implicaba también una revolución en el arte y el diseño para poder entender las necesidades del proletariado. Allí nace Vkhutemas. La propuesta de Vkhutemas era: Talleres de Enseñanza Superior de Arte y Técnica, mas específicamente, Escuelas estatales de arte y diseño.  

Estos talleres representarían el mejor ejemplo de este nuevo concepto de arte y diseño (haciendo referencia al suprematismo, constructivismo y vanguardias artísticas).  En los talleres como Interiorismo y Mobiliario, las bases de la enseñanza se fundamentaban en el Constructivismo. Esto quiere decir que utilizaban formas abstractas, funcionales, nuevos materiales (como la madera y el tuvo de acero) + la práctica de desaparición de elementos decorativos para sus proyectos.

Uno de los proyectos mas famosos realizados en la escuela: La Mesa Universal - La versatilidad de esta mesa me sorprende y me hace ponerme a pensar en: ¿y si todos tuviéramos una mesa así?, sería más sustentable y ecológico! Espectacular, ya que sirve de mueble para guardas vajillas, cubiertos, planos. Sirve también para dibujo técnico, para comer y de escritorio. Puede ser un escritorio individual o se puede convertir a una mesa para 4 personas. Es increíble cada detalle que fue pensado en este mesa. Para que sea funcional y cumpla su objetivo.  Pero, los proyectos/ ideas que se planteaban en estos talleres eran irrealizables en la época en la que estaban. La Unión Soviética rural y sin infraestructura industrial potente… Por esa razón, la mayoría de los proyectos quedaron en prototipos o dibujos. Hoy en día, al ver los bocetos e ideas que nacían de esta escuela, son de suma importancia ya que estos proyectos hubieran cambiado el mundo si se hubieran concretado en el momento. Aun así, hoy en día los vemos y nos sorprendemos sobre estas ideas innovadoras.

El texto en los primeros pasos hacia el nuevo arte dice: “Fue un período de crisis y grandes cambios. Podemos hablar de crisis económica, social, política y también de las ideologías, ya que, tras la agitación y elocuencia social, llegó un período de revolución espiritual” - Aunque se que estamos hablando de algo que pasó hace años, cerca del 1917, lo siento tan cera, por lo que vivimos actualmente. Lo comparo con Diseño Punto y como sigue el texto y dice: “no se trata de romper el sistema, ni tampoco “camuflar lo antiguo”, sino de cambiarlo desde adentro, creando un nuevo lenguaje que responda a las necesidades y peticiones de la nueva sociedad y transformando la profesión del artista desde su raíz, estableciendo, por lo tanto, unas relaciones totalmente distintas entre el artista y el arte” - esto es lo que buscamos en Diseño Punto, podes identificar un problema, una necesidad y buscar una solución posibles con todas las herramientas que nos dan a lo largo que cursamos la carrera. Nos termino comparando con esta mesa. Somos como esta mesa universal, se puede adaptar y cambiar según la necesidad, la situación, etc.

Mas allá de no haber podido concretar los proyectos, Vukhutemas fue algo mas que una escuela de arte y diseño… sino que fue una influencia importante para la enseñanza y el desarrollo del diseño actual. La inspiración de los diseñadores híbridos; y al leer sobre la historia del diseño, me doy cuenta lo importante que es no dejar de pensar y ser creativo, aunque uno no tenga las herramientas para terminar cierto proyecto.