#femme 2012 Leo | Explore Tumblr Posts and Blogs

bridgetfm · 2 years

Text

chase sui wonders & she/they / nonbinary‷ watch out , bridget matusiak has crash-landed into roswell !! they look twenty-three years old and celebrate their birthday on july 25th. they are from roswell, new mexico, reside in tripp’s trailer park and are currently working as a documentary filmmaker and clerk at blockbuster video. one thing you should know about them is they wrote a semi-successful twilight fanfic in 2012 that amassed thousands of followers on tumblr‷ ( nora, she/her, 26, gmt ) bridget is single & lives in the tripps trailer park with roommate elliot liu! ( and a pair of domesticated rats called sid & nancy ). ( pinterest. playlist. muse tag. open starters. )

hello !! bridget is a really old muse of mine n i’m very excited to bring her here. this intro is gonna be hella long cos its me and i don’t do brief (sorry) but if it’s tldr think alternative edgelord artsy e-girl who spent too much time on tumblr in 2014 and wanted to be effy stonem. she grew up in roswell, then moved to a commune, then came back to roswell !! a lot of chaotic energy, i hope you like her as much as i enjoy writing her.

NAME: bridget matusiak.

NICKNAMES: bridge, birdie, b-roll, tootsie.

AGE: twenty-three.

GENDER & PRONOUNS: nonbinary, primarily she/her, sometimes they/them.

SEXUALITY: pansexual with a preference for femme-presenting people.

OCCUPATION: documentary filmmaker & clerk at blockbuster video. (has previously worked at the bowling alley and the record store but was sacked from both. did a brief stint as a barmaid at planet 7 but left because it was lowkey making her dependent on alcohol).

ARCHETYPES: the e-girl. the soapbox sadie. the angry feminist. the valedictorian.

CHARACTER REFERENCES: janis ian (mean girls), anna (freaky friday), any angry alt girl wearing tartan in a 00s coming of age movie with a pop punk soundtrack, maeve wiley (sex education), lexie (euphoria), robin (stranger things), duckie (pretty in pink), angie (diary of a wimpy kid), jo march (little women), eric (21 jump street), coraline jones (coraline).

ZODIAC: aquarius moon, leo sun, scorpio rising.

NEIGHBOURHOOD: tripp’s trailer park.

RESIDENCY: she was born in tripp’s trailer park. for a few years in the mid-2000s she lived with her dad in a commune in the rocky mountains. her aunt adopted her in the ninth grade and she lived in jupiter valley for a bit but as soon as she was legally able to live on her own again she moved back to her old trailer at tripp’s. currently lives w/ elliot liu.

TATTOOS: various constellation stick-n-pokes, an alien wearing a backwards cap riding a skateboard on her ribcage, fuck the patriarchy under-boob tat, knuckle tats that say ‘they’ on one hand and ‘them’ on the other hand.

aesthetic.

big e-girl energy, deffo has the blonde streaks in the front of her hair. wears so much tartan, olivia rodrigo’s sour tour outfits give bridget energy. her boots always have like a 6 inch chunky sole. a lot of military or leather jackets over tiny little sundresses which she’s stuck safety pins in to make them edgy. always in docs or creepers and a beret with an anarchist symbol painted on it. wears a long green trench coat covered in badges for alt punk rock bands or a red denim jacket that she hacked into a crop jacket with a pair of kitchen scissors. fishnets. smudged mascara. in-line roller blades. kate bush posters lining the walls of a teenage bedroom. an uneahlthy fixation with effy stonem. glitter smeared over her cheekbones that she’s not washed off from the previous night. speaking so fast that her brain can’t keep up. responding to any kind of criticism with ‘that’s just showbiz, baby!’

backstory.

tw mental health, tw drug abuse

its just her and her dad, and has been for as long as she can recall !! everything she knows about her mum could fit on the back of a weathered passport photo she keeps in her wallet of a stranger who shares her face -- her name’s melody, or at least tht was what everybody called her when she was working at the wild pony. she’s from argentina and dropped bridget’s dad as soon as someone w more money and a semi-existent hairline came along.

bridget’s father came to roswell in the nineties, a textbook conspiracy theorist (complete with the tinfoil hat and wax jacket) and ended up staying in tripps trailer park. bridget was born in roswell, and she’ll probably die in roswell. their trailer was full of newspaper clippings, x-files posters, alien sighting maps, and dog-eared attempts at finding bridget’s mom. for a while, bridget’s dad worked at the chavez county sheriff’s dept, before a psychotic break meant they had to lay him off. so he did odd jobs to get by, furniture upcycling, janitor work.

at school, she used to do sponsored silences and hunger strikes for kids in developing countries. she was that kid in school who was always cutting her hair off to donate it or raising money for something. i mean its kinda cute but also she just wanted the acclaim and attention so…. and most of the time it didn’t even make it to the disadvantaged kids she was raising it for, it just ended up going on new school shoes or medication for her dad.

in the early 00s, the summer between grade school and middle school, bridget and her dad moved to the sangre de christo mountains north of new mexico after he had a midlife crisis and decided they were going to join a commune and live off the fatta the land in a very lenny from of mice and men kinda way. he stopped taking his meds and instead entrusted his health to the healing power of the earth.

honestly, by this point, bridget was kind of used to this shit and was just like yeah fair whatever. her father had been diagnosed with bipolar shortly after bridget’s mom tapped out, and whenever things started to get tough, his response was to just up and run. she’d learned to carry her most prized possessions in one trunk. she’d been to more schools than henry viii had wives. she’d learned that the only consistency would be the thoughts inside her head, and so she made friends with the characters from books rather than forming real life friendships.

when bridget was thirteen she discovered twilight. she’d loved books before, but never had she been so engrossed in a fictional world. she styled herself on alice, carried herself with the poise of rosalie, spent sleepless nights tossing and turning trying to decide if she had the choice would she pick jacob or edward? but her favourite character was always jane.

it was around this time bridget started writing fanfiction. in 2010 she wrote a 60,000 word fanfic from the perspective of jane from the volturi. the response was slow, but chapter by chapter she built up a fanbase, fans from all around the world who sympathised with the volturi and wanted to hear more about their pasts, their traumas, their reasons for having such a sacred need to uphold the vampire traditions.

she soon learned that writing gave her the power to create her own friends. it let her rewrite the time she was turned down for prom in the school cafeteria so that she was the one doing the ditching. it let her turn her father into a responsible dad who attended parent-teacher meetings and signed her book reports. it allowed her to give her mother a reason to disappear so abruptly from her life --- she was a secret agent, a movie star, a lion tamer. and while her hobby for fictionalising her whole life petered off when she approached her late teens, it was a tool that helped her come to terms with the fact that she wasn’t straight when she began writing erotic fanfiction about her friends.

in ninth grade, her aunt filed for custodial care of bridget and pulled her out of the commune to live with her in jupiter valley, bridget’s father having been decreed an unfit parent by the state. she’ll never forgive her aunt for this, but at least it meant she got to go back to roswell.

she’s a strident feminist, an activist for human rights and animal rights, a vocal vegetarian and an all-round soapbox sadie. catch her in the market shouting about human rights through a megaphone. will most definitely have quizzed your character on institutionalised racism whilst inhaling nos at a party and snacking on a big bowl of cheesy wotsits

she’s an aspiring screenwriter. she has a very image-based view of memory and experience. always doing a screenplay or shooting film. her style has a lot of catholic iconography (think virgin suicides style or baz luhrmann’s romeo + juliet if it was done on a super 8 camera) bcos catholicism is one of the few things she knows about her mother. she’s never actually tried to find her mum / find out about her, jst…. occasionally channels that energy into her work.

worked a fuck tonne of dead-end jobs just to fund her passion project which is documentary filmmaking. she always has a camera on her, it’s pretty shitty but she loves that glitchy old-school laura palmer filming style. she spends a lot of her time hanging out in the cemetery because it’s where she gets her best ideas.

she got fired from the bowling alley for having sex with the work experience guy in the back room. now she works at blockbuster, but it’s so dead that she pretty much just gets stoned and watches tarantino movies the whole time she’s there.

massive film buff. she majored in film at uni also spends a lot of time at the movie theatre n probably has like a season ticket. is one of those pretentious film nerds who’re like “what do u think of goddard’s work?” but also just really into shitty horror movies.

she loves b movies and slasher flicks. at parties, she’ll occasionally try to make a horror of her own, on a super 8 camera in someone’s basement, very paranormal activity, but she’ll inevitably get bored, or too drunk and give up, like she does with most things in her life

there’s a degree of anger for anger’s sake in bridget. she likes passionate, angry music – particularly garage rock, punk and riot grrrl. she loves the slits and skinny girl diet. viv albertine inspired her to take up bass guitar. she’s forming a band called maggot rock (based on the line from jennifer’s body “he listens to maggot rock. he wears nail polish. my dick is bigger than his.” colin from jennifer’s body would probably be the only man bridget would ever consider being romantically attracted to.

after taking up bass, bridget also learned electric guitar. she recently started playing in jaden’s band, having covered for one of the band members when they were ill and their roommate, elliott, told the band bridget could fill in. she loves jazzy twangy riffs

honestly, a bit exhausting to be around sometimes. definitely that super extroverted friend who has something wrong in their brain but refuses to see a doctor.

some ?mildly amusing? facts

is vegetarian for environmental reasons but snorts coke at parties like that isn’t shit for the environment ?? sis, it don’t add up

she’s slightly obsessed with true crime, up late watching documentaries on the manson family murders.

keeps rats as pets. loves rats. so gross.

favourite movie is jennifer’s body. megan fox made her realise she liked girls.

she’s seen all the scream movies like a million times.

a lot of her time is spent in the record store, plugged into a set of headphones, head-banging in the corner to a scratched record. music for bridget is a form of escapism. that and dropping acid in parking lots lmao.

other places you’ll find her: alien gulch skatepark & paintball, space invade arcade, graveyard, thrift store, forbidden planet, oceanarium, breaking into the air base to shoot a horror movie, dissociating in the starlight supermarket

this bitch hates capitalism and loves karl marx

plots i want that i mostly stole from the tags

muse a tries to stand up for muse b in a bar but unfortunately cannot fight for shit.

muse a works somewhere that’s open late and muse b comes in to take shelter from the storm.

‘i got in my car and you were sleeping in the backseat who the hell are you and how did you get into my car’

umm a wlw plot isnpired by san junipero ! esp this post. could have been a former fling that ended sourly !! cos i dont like ship forcing but still?? give me wlw stuff

“i just decked you in the face because i’m drunk and you were pissing me off but ow my hand really fucking hurts i think i might have broke it and oh look your nose is bleeding and now we’re both sitting awkwardly in the hospital while i glare at you from across the room. but wait are you giving me sex eyes?? stop that i’m supposed to mad at you??”

“platonically sharing a bed until i wake up and you’re curled round me and my nose is buried in your hair so i’ll pretend to stay asleep to keep this for a little while longer” plots

“highkey want a ‘someone wrote your phone number on the wall of a bathroom in my dorm with ‘call for a good time’ and i just texted you to let you know that i scribbled it out and oh wait you’re actually funny and easy to talk to and now we’re talking every day and i might have a tiny little crush on you even tho i don’t even know your name’ plot”

goddamn its another shippy wlw plot apparently that’s all my tag is but this post

“known for being rebels without cause, muse a and muse b are synonymous to their fast cars, nights out beneath the stars, empty bottles of alcohol, and loud music. they meet by chance one night and immediately click, and embark on a careless adventure after it despite not knowing each other. it’s them against the world: after all, what could go wrong ?”

any of these sad sour unrequited love plots

‘we take the same elevator every day and due to a misunderstanding i assumed you didn’t speak english and i’ve been talking to my friend about how hot you are for three weeks and apparently my friend has known from the start but you agreed not to tell me bc you both think its hilarious what the fuck’ au

‘i accidentally dropped you while you were crowd surfing and you broke your ankle and now i feel responsible so i’m carrying you out of the moshpit’ au (phoebe)

walked in on my roommate and you screwing except i know you from class and i freaked out a little

i was hustling you in pool for money but you were hustling me for free drinks so who’s the real winner here?

drama. angst. horror. also nice bike rides please

queer parents who made them realise they were queer

#roswellintro #tw drugs #tw mental health #tw bipolar disorder

14 notes · View notes

skzfairies · 3 years

Text

nct dream extra member profile

—basics

birth name → park sooyoung

english name → sasha park

stage name → soyeon

nick names → soosoo, bunny, lovely

birthdate → july 31st, 2001

zodiac sign → leo

chinese zodiac sign → snake

nationality → korean

place of birth → daegu, south korea

languages → korean(fluent), english(intermediate), mandarin(conversational).

sexuality → queer

—career

company → sm entertainment

training → 2013-2016, three years.

debut → nct dream (2016), nct u (2018), nct femme fatale (2021)

group → nct

sub units → nct dream , nct u , nct femme fatale

postion → main dancer, main vocalist, sub rapper

—physical

face claim: sumin from stayc

vocal claim: chuu from loona

rap claim: chaeyoung from twice

dance claim: sua from dreamcatcher

height: 158 cm (5’2)

—facts

she shares a room with jisung!

she first auditioned for jyp in 2012, but didn’t make it. she was going to move on, but her mom convinced her to audition for sm in the next year, and to prepare until then.

she used to play volleyball growing up, from ages 7-12. she quit to dance and take vocal lessons, which she took before trying out for sm in 2013.

training was very hard for her, but she kept trying her best and working hard. she wanted to make her mom proud and to achieve her dream, so she didn’t want to give up, even if that was the easiest option.

if she wasn’t going to be an idol, she wanted to be a volleyball coach.

she has one younger brother that is sixteen.

her favorite food are grapes, ramen, and bagels!

she has terrible eyesight, she mostly wears contacts but has a pair of tan glasses that she wears sometimes.

she loves coffee, she normally drinks it with three pumps of espresso, and around 3-4 cups a day, depending on her schedule.

her hobbies are playing volleyball, watching movies, reading, and being with her friends.

shes extroverted.

she has helped write and produce three tracks of nct dream, including dive into you, life is still going on, and diggity. she also wrote two tracks on nct femme fatale’s first mini album.

she wants to be more involved in the groups music and dance, she’s been working on her cherographing skills and posts her dances she made on her personal instagram! her instagram user is “lovelysoosoo”. she has made dances to many songs, such as levitating by dua lipa, realer by megan thee stallion, and kiss me more by doja cat and SZA.

she has a pet bunny, named “rosey”, she always posts selfies with her bunny on her instagram when she visits home:( so cuteeee

her favorite color is pink, her favorite season is spring, and her favorite number is 21.

her least favorite food are tomatoes, she will not eat them at all. her favorite food is dark chocolate:D (is that food?

32 notes · View notes

qwertyblog-asdasda · 5 years

Text

INCEPTION // INTERSTELLAR

Como todo buen cinéfilo (rancio concepto) milenial, en mi adolescencia las películas de Christopher Nolan me parecían lo mejor del mundo, un par de años más tarde me parecían la basura más inmirable de todo el cine Hollywood y ahora en mi vejez de 22 años mi opinión es: “yo que sé, están bien”.

Como tengo tiempo libre, un manejo moderado de la tecnología y ganas de hablar de esto decidí escribir algo corto sobre dos de sus películas que ilustran sus aspectos característicos. Pensaba hablar solo de Inception (2010) pero no quería hacer un texto puramente negativo así que le agregue Interstellar (2014) al coso para pensar que hace bien cuando lo hace bien. Perdonen la prosa horrible es que no escribo nada largo hace años. La sección sobre Interstellar me salio mejor, la de Inception es bastante horrible pero ya voy a mejorar (no).

INCEPTION

En Inception resalta la diferencia entre lo bizarro de la propuesta y lo mundano del resultado. A Nolan le gusta el cine de género policial, específicamente Michael Mann es citado como inspiración en The Dark Knight (2008) pero presente en toda su carrera. También le gusta la ciencia ficción contemplativa de Kubrick o en este caso Solaris (1972) del director soviético Andrei Tarkovsky. Entonces decide unir ambos directores y realizarlo con un presupuesto enorme.

El concepto es simple Leonardo Dicaprio y compania son sueñochorros, entran a tu subconsciente y roban tus secretos mientras dormís. Leo tiene problemas legales porque creen que mató a su esposa así que para poder volver a ver a sus hijes necesita realizar un último trabajo desesperado; en vez de robar una idea tiene que meterle una idea en la cabeza a un empresario y salir sin que se de cuenta. No solo es un giro al típico heist donde roban un banco, además es un reverso del mecanismo del género, ahora tienen que depositar un objeto X en vez de robarlo. Hay una femme fatale en la tradición del cine negro que además funciona como una referencia a Harey de Solaris: una proyección fantasmal de la culpa de Leo que busca desbaratar sus planes. Encima se estan cagando todos a tiros porque esto es Hollywood y hasta Freud está militarizado.

Nolan tiende a tener un diseño muy matemático o mejor dicho mecanizado: mucho ángulo recto, líneas, puntos, esquemas en dibujos, planos sin mucha movilidad y si la tienen es la necesaria para que no parezcan demasiado estáticos, a veces tiembla cuando un personaje con el que debemos identificarnos está nervioso una técnica tan escuela de cine que duele. La cámara suele estar al nivel del personaje excepto en contadas excepciones, dentro del plano tampoco hay demasiado desarrollo: Una acción o diálogo y pasa al siguiente con un ritmo vertiginoso sin intencion de construir una escena o espacio particular. En esto Nolan deja atrás el ritmo contemplativo de sus maestros y adquiere una velocidad más parecida a la de otro director que moldeó los últimos 20 años de cine norteamericano, Michael Bay. El montaje es una ametralladora pero siempre manteniendo su legibilidad.

El diálogo es rápido, poco ambiguo y directo. La exposición es lo más significativo: Escena tras escena de actores explicando cómo funcionan los sueños, como se produce el inception, como cambia la temporalidad de nivel a nivel, la autodefensa de la mente, los efectos del calmante, que podría matarlos en la vida real o no, el diseño de los sueños, etc. Es Interminable, laberíntico, hyper racional y no tiene ningún sentido. Se entiende superficialmente uno sabe que morir en el sueño es quedar en coma en la realidad, que tienen que introducir la idea bajando varios niveles y manipulando a Cillian Murphy mientras lo hacen, que en cada nivel el tiempo es más lento, etc. pero si uno se pone a pensar detenidamente paso por paso hace agua por todos lados, que en ningún momento expliquen cómo funciona LA MÁQUINA QUE USAN PARA ENTRAR A LOS SUEÑOS es tremendo.

Es el dilema de la gran mayoría de sus películas, Una armadura rígida de fría intelectualidad para ocultar el cuerpo de un melodrama puro y duro sacado de los hornos del hollywood clásico. Que a una película le importe poco y nada tener un sentido lógico de reglas previamente pautadas no es un negativo (al contrario) pero es gracioso que el director famoso por sus complejos planteamientos matemáticos es en realidad reaccionariamente emocional: al final sus películas parecen una de campanella ehhh la famillia, la nona, los pibes, la reproduccion de la familia nucleo como la unidad básica de la humanidad

En Inception el subconsciente tiene varias funciones a la vez: Edificio a ser infringido/robado, un mundo insular donde se te garantiza la felicidad sacrificando la realidad como el mundo Solaris de Solaris, un mecanismo para representar la relatividad del tiempo en el montaje (algo que profundiza en Interstellar y Dunquerque), una metáfora de la producción de películas y niveles de un videojuego.

El diseño videojueguesco: una serie de mapas que los personajes deben ir superando para llegar al siguiente nivel escapando de los peligros en persecuciones con vehículos o disparando a las proyecciones manejadas por la AI. Como en toda trama donde personajes entran en un videojuego si mueren en el juego mueren en la vida real. El mapa de nieve debe ser el más descaradamente videojueguesco de todos es prácticamente un mapa de algún first person shooter de principios de los 2010s.

Otra faceta que se relaciona con esto es la gama de colores usada en la película. En general colores marronescos y apagados, algunos rojos o azules que resaltan pero siempre desaturados para que se camuflen con el resto de los grises, negros, marrones. Hoy en el año 2019 de Fornite, LOL, Dota 2, Overwatch, etc no se entiende pero de mediados de los 2000s hasta principios del 2010s los juegos populares, especialmente los shooters parecidos a esta película, tenían una estética nolanista con diseños militares en esta particular gama de colores. Los fuertes azules del DISHONORED (2012) son en parte una reacción a esta estética compartida de los Gears of War, Mass Effect 2 o las franquicias Call of Duty, Battlefield, etc. Los sueños hasta tienen un “arquitecto” Ellen Page está haciendo un papel de diseñadora de mapas de la vieja escuela, cuando una persona por sí sola podía hacer mapas para DOOM. Los doom modders hasta el dia de hoy tiene una comunidad activa de miles de personas jugando mapas diseñados para un shooter de más de 20 años.

El subconsciente como metáfora de la creación de películas: Siempre que Dicaprio le explica a Page como funcionan los sueños, como hacerle creer a el soñador que está en la realidad y el atractivo de quedarse en uno para siempre, está reproduciendo la visión tradicional del medio que se da en las escuelas de cine. Todo se basa en crear una experiencia atmosférica que atraiga al espectador a la realidad ficticia y le haga creer que ese es el mundo real. Para nolan la credibilidad de los sueños se basa en detalles como el material de una alfombra y acá recuerda a Robert De Niro en Los Intocables (1987) pidiendo usar los mismos calzoncillos que Al Capone, el mundo debe estar cuidadosamente creado para imitar la realidad, crear una experiencia cercana al público y meterlos dentro de esta. De ahí lo intensivo de su exposición ya que lo importante es crear la sensación de que hay una explicación racional a que Leo Dicaprio se mete en los sueños de la gente y para eso los personajes deben leerse artículos de wikipedia los unos a los otros por dos horas y media.

Pioneros del cine como Sergei Eisenstein o D.W. Griffith han producido famosas secuencias utilizando el montaje de este modo, los relojes y el tiempo juegan papeles importantes en las ideas de Nolan y es visible como la capacidad de transformar el tiempo lineal en no-lineal influye en el aspecto formal de su cine. Cuando mencioné la forma casi matemática en la que arma sus películas creo que lo atrae mucho el mecanismo de los relojes, objeto central en su cine.

La relatividad del tiempo y el envejecimiento humano son otro punto de conexión con Interstellar, un joven Leo Dicaprio se encuentra un viejo Ken Watanabe al igual que Matthew Mcconaughey se encuentra con su hija ya anciana. Nolan es famoso por tomar elementos de Satoshi Kon pero este es un tema que Hideaki Anno presentó en Gunbuster (1988) y Rebuild of Evangelion 3.33 (2012), así como lo hizo la escritora-directora Mari Okada en Maquia: When the Promised Flower Blooms (2018) una de las grandes películas de la década.

En una escena Leo DiCaprio describe que lo atrae a quedarse en los sueños: la infinita capacidad de creatividad, crear realidades alternativas de la nada. Nolan está hablando de su pasión por el cine pero esto también es parte de la ilusión de Marion Cotillard cumpliendo el rol de Harey de Solaris, una femme fatale producida por el atractivo prospecto de encerrarse de la realidad en tus propias fantasías. Como toda femme fatale del cine negro, busca destruir al protagonista y castigarlo por su tentación.

El subconsciente como edificio a ser robado como los bancos en HEAT(1996) de Michael Mann es claro, hasta esta protegido por guardias de seguridad y la idea final que buscan está en una caja fuerte que Cillian Murphy abre para tener una conversación final con el fantasma de su padre moribundo. Inception es particular por lo bizarro de militarizar a freud, meterlo en un asalto a un banco como una proyección tarkovskiana y aun así terminar con un resultado tan normal.

Como en todo buen heist, se forma un equipo, se planea hasta el más ínfimo detalle del robo, se sigue el plan y en un momento fracasa, el error de comunicación del líder junto con la falta de previsión de Joseph Gordon-Levitt vuelven una misión ya resuelta en un desafío peligroso del que tienen que escapar y las tensiones entre el equipo estallan. Descubren maneras alternativas de escapar a la seguridad y cumplir el objetivo, se despiertan, Ken Watanabe cumple su promesa y Cobb logra reencontrarse con su familia. Todo al ritmo de un soundtrack famoso de hans zimmer, lleno de sonidos simples, cortos, fuertes con un ritmo y métrica bien marcados como el mecanismo de un reloj y los planos y el montaje que los acompañan.

También hay que mencionar lo bueno: Tom Hardy haciendo de “actor” en el equipo del robo que también funciona como equipo de producción de una película, específicamente cuando TOM HARDY se transforma en una modelo rubia. En general la sexualidad está completamente ausente en Nolan y es curioso que solo aparezca como tom hardy en drag.

Uno de los planos mas Tarkovskianos de Nolan

INTERSTELLAR

Después de The Dark Knight Rises la película más ??? del 2012, se estrena Interstellar, una iteración sobre las mismas preocupaciones temáticas de Inception pero formuladas de una manera (creo yo) mas interesante.

La historia es parecida; Un viudo en sus 40s es experto en algo y para poder salvar la estructura familiar tiene que hacer un viaje muy peligroso con un equipo de elite a mundos gobernados por reglas diferentes a nuestra realidad y donde el tiempo transcurre de manera diferente a la tierra. Está el error que modifica lo planeado con Hathaway tardando más de lo necesario en el mundo acuático haciendo de Joseph Gordon Levitt fallando al no prever las defensas militares del subconsciente, La mentira que facilita el viaje con Michael Caine mintiendo sobre una ecuación gravitatoria (?) como Leo DiCaprio miente sobre los peligros del calmante, etc.

Las mayores diferencias se encuentran en el cambio de los aspectos formales: Los planos se vuelven menos utilitarios hacia el diálogo, hay intenciones de situarnos en el ambiente de los personajes y construir un espacio que no encontré en Inception. El montaje deja de ser una ametralladora de cabezas explicando cosas, sigue habiendo mucho de eso pero ahora tenemos espacios entre corte y corte, se interesa en la actuación de los personajes antes y después de terminar una oración y en ocasiones hasta se arma de paciencia para mostrarnos gente solamente caminando sin usar ese silencio para aprovechar y meter una o dos líneas más sobre nose, los sistemas computarizados de la nave espacial.

Algunos momentos entre la famosa escena donde matthew mcconaughey llora viendo antiguos mensajes de su hija y una escena expositiva donde Chastain y Caine hablan de una ecuación de noseque son mis favoritos de la película. La transición del primer plano de Matthew llorando a Chastain recriminando sus fallas como padre en una pantalla de baja calidad, un mensaje lejano de años luz atrás, a Chastain en la tierra grabando ese mensaje, repitiendo el gesto de las lágrimas pero visto desde la espalda es muy evocativa. Un similar gesto de edición sucede antes cuando Matthew deja la granja con su camión para irse al espacio: vemos el plano de la camioneta dejando su pasado/familia atrás, las lágrimas del padre e inmediatamente después el fuego de la explosión de partida rompiendo todos sus lazos con la tierra y el mismo diseño de plano de la camioneta pero ahora es una nave espacial dejando atrás nuestro planeta, de lo mejorcito que hizo nolan en su carrera. Se pone en juego el modo en que el espacio y el tiempo hieren cualquier relación, los mecanismos tecnológicos que usamos para conectarnos, separarnos y las maneras en que estos nos fallan. No recuerdo nada en Inception que tenga estas intenciones artísticas que por más que el mensaje en ambos sea lo mismo en Interstellar se pone más ahínco en presentarlo visualmente.

My Cocaine sorprende a Chastain, sigue una escena de diálogo expositivo que cae en muchos de los típicos problemas de los que me quejo de actores tirando líneas sobre algo de la storia que no me interesa uno detrás de otro. Pero tiene dos planos interesantes, uno es la charla que mantienen mientras Chastain empuja la silla de ruedas por el largo pasillo curvo del edificio de investigación que en teoría es también una estación espacial. Dejan el lenguaje científico para hablar sobre su relación con los familiares que viajaron en el espacio y cómo enfrentan su ausencia mientras se alejan de la cámara envueltos en el repetitivo cemento, la opresión psicológica y el laberíntico desafío que tienen por delante es palpable.

Sigue la escena, más exposición y cabezas conversando, otra vez ningún interés en representar un espacio (que se parece sospechosamente a la biblioteca de la estación espacial de Solaris) hasta un plano inclinado mirando a Caine, el tipo estuvo años ocultando una fórmula matemática que servía para noseque y en este punto Chastain esta peligrosamente cerca de descubrirla, el diseño de líneas y color del piso junto con cuan chato se ve, pegado al viejo, hacen parecer como si fuese una cárcel o un peso enorme que oprime al personaje, se ve en su cara como la vejez y los años de mentira acabaron por destruirlo.

Detalles que no hacen o destruyen la película pero juntos muestran aspiraciones artísticas que generalmente no encuentro en su cine y ayudan a captar el espectro emocional que nos pide la obra.

El cambio más importante en el plantel es Hoyte Van Hoytema, director de fotografía que empieza en Interstellar y vuelve a trabajar en Dunquerque y la futura Tenet. No se cuanto aporta a la visión creativa de las películas pero hay un cambio de la claridad matemática de Inception al aspecto menos ordenado que adquiere con HVH. Un punto de comparación es la clásica escena donde un personaje dibuja la explicación de la trama.

De una visión limpia del papel y el dibujo a una pequeña hoja envuelta en oscuridad, apenas iluminada.

Del mismo modo que los planos aumentan en duración y poesía, se transforma la música de Zimmer. Lo que en Inception eran sonidos cortos simulando la mecánica de un reloj ahora es un órgano (creo) con notas que dejan largas estelas en el tiempo, dejando de lado la creación de urgencia para un objetivo más contemplativo.

Hablando de relojes, Interstellar conserva la obsesión de Nolan por estos y la relatividad del tiempo, si en Inception el clímax es coordinar un golpe simultáneo en varios niveles a la vez el clímax en esta involucra a Matthew Mcconaughey metiéndose dentro de la materia misma del tiempo para comunicarle un mensaje a su hija a millones de años luz de distancia. Un lindo toque es que la set piece anterior al clímax, donde Hathaway y Mcconaughey deben conectar correctamente una nave espacial, es un reflejo de esto mismo. El diseño visual imita el giro del reloj y los personajes deben tener el timing necesario para entender el ritmo temporal y lograr la conexión.

Volviendo en tiempo (?) al comienzo. Podemos notar que la película abre como abre Inception. En ambas ocasiones son planos espacialmente ambiguos con una importante carga temática y que al final de la película van a ser recontextualizados en su importancia al descubrir que DiCaprio está en la playa para sacar a Ken Watanabe del sueño y que la estantería con la nave espacial es el lazo de comunicación entre el protagonista y su hija, que al fallar el medio de comunicación tecnológico-racional tradicional (ver la escena del llanto antes descrita) termina recurriendo a la fuerza del amor.

En Inception me queje del hábito de Nolan de sobre intelectualizar las reglas de sus universos cuando al final siempre dice ma si me chupa un huevo y se pone a hacer un melodrama. En Interstellar logra la solución a eso. No crea reglas más firmes si no que se va al carajo con el melodrama, nunca una película que es en teoría ciencia ficción dura se tironeo tanto al lado de los discursos emocionales pero una de las mejores escenas es cuando la científica interpretada por Anne Hathaway justifica su propuesta por LA FUERZA DEL AMOR, aca el melodrama deja de ser el gemelo malvado de bart que nolan esconde en el sótano y se convierte en el centro dramático de la obra sin ninguna vergüenza. Personalmente banco ese nivel de descaro en el arte y me gusto mucho que no lo disimulara y vaya directo con lo que indica su corazón.

Como toda crítica polarize exageradamente mi opinión, Inception no es tan mala, Interstellar no es tan buena, no se parecen tanto argumentalmente y no difieren tanto formalmente. Las películas de Nolan son cómicamente conservadoras, con estas agarra dos de las películas más clásicas del género de ciencia ficción como son Solaris y Odisea en el Espacio y las da vuelta en una oda al poderío humano, ambas son sobre nuestro encuentro con una fuerza infinitamente superior e incomprensible para nosotros y Nolan vuelve esas fuerzas en humanos o futuros humanos, somos imparables. Interstellar es sobre que los pobres se tienen que morir de hambre mientras nosotros financiamos viajes al espacio al pedo y que el calentamiento global no solo no es nuestra culpa si no que en vez de arreglar la tierra hay que escaparnos y dejar que se haga mierda, una cosa de locos, el final siempre es la recuperación del orden familiar, dunquerque me pareció horrible horrible, etc. igual tenia ganas de resaltar algunas cosas interesantes en ambas.

1 note · View note

cirno-remade · 6 years

Text

woohoo get to know me meme thing under the cut

tagged by @its-eeveechu n i tag whoever wants 2 do this!

nickname: uh lotsa ppl call me bun or some variation of bunnie hunnie cuz it rhymes... its cute. i luv all pet names tho yall can call me whatever u like

gender: im a bigender/genderfluid femme woohoo !

star sign: im a leo babey... most leo leo you’ll ever meet

height: uh last time i was measured i wuz just under 5’1” !

sexuality: im a dyke babey (actually thot i was bi until like super recently so thats fun)!!

hogwarts house: eugh

favourite animal: ill give you one guess

average hours of sleep: literally as many as i can get im a sleeps too much gay

dogs or cats: both but id rather own a cat!

number of blankets: currently 4 its cold as fuck here bro

where i’m from: western canada! alberta specifically

dream trip: i rlly wanna go to rome... or shopping trip agfsjsjsjd

when i created my account: ive been on tumblr since like 9th grade so that was like 2012... my current acc ive only had since mid october tho since i had to remake!

why did i create my account: a friend told me tumblr was just the kewlest uwu

followers: i had like almost 500 until i remade and now i’m at like 120... hopin to get some old ones back once i start postin art again tho and im just happy to have my mutuals back!

#claire's diary ♡

4 notes · View notes

double-croche1 · 3 years

Photo

[INTERVIEW #322] L’étonnante siffleuse australienne Molly Lewis est sur toutes les lèvres. Avec la sortie de son premier EP ‘The Forgotten Edge’, ses multiples collaborations dont La Femme et Dr Dre, ses concerts récurrents “Café Molly” à Los Angeles ou encore ses participations à des évènements huppés tels que la première cannoise de ‘Annette’ de Leos Carax, il était de notre devoir de la rencontrer pour en apprendre plus sur cette artiste pas comme les autres. A tes débuts, comment tu t’es orientée vers le sifflement ? Molly : J’imagine que je sifflais beaucoup, j’adorais faire ça quand j’étais petite. Mes parents l’ont remarqué et m’ont acheté le CD du siffleur professionnel Steve “The Whistler” Herbst titré ‘Broadway and Beyond’ (2002). J’ai écouté le CD, ce qui n’était pas vraiment le type de musique que je voulais écouter à l’époque, mais j’ai été stupéfaite qu’un siffleur puisse avoir un CD. (Rires) J’ai aussi réalisé que j’étais capable de siffler ce qu’il sifflait. C’était une sorte de révélation. Je me suis dit : « Whahou, je dois être assez bonne à ça, si je peux faire pareil qu’un siffleur qui a un CD ! » (Rires) Je le faisais beaucoup. Puis j’ai vu un documentaire nommé ‘Pucker Up’ [Kate Davis et David Heilbroner, 2005, à voir en intégralité par ici] à propos de la compétition internationale de sifflement [à Louisbourg en Caroline du Nord]. C'était la révélation pour moi qu’il y avait un milieu de niche sur ce monde. Bien sûr j’ai voulu y aller pour voir ça de moi-même. Je l’ai fait un jour. [Elle y a remporté le prix “Whistler Who Traveled the Greatest Distance” en 2012.] Après cela tu es allée dans une école de musique ? Ou tu as appris cela principalement par toi-même ? Molly : Non, il n’y en a pas. Un professeur de sifflement, cela n’existe pas malheureusement ! Je dis parfois à des gens que je suis allée dans une école prestigieuse de sifflement en Autriche, mais c’est un mensonge ! (Rires) Tu as au moins regardé des vidéos ? Ça doit être assez technique de bien siffler, non ? Molly : C’est technique oui, mais c’est quelque chose de très intuitif. J’ai regardé quelques vidéos. Je me demandais par exemple comment élargir ma portée vocale. On peut trouver des gens sur internet qui parlent des choses qu’on peut faire. Il y a notamment un mec sur Youtube nommé WhistlersBrother qui a une chaîne entière à propos du sifflement [à voir par ici] mais c’est principalement quelque chose que j’ai appris par moi-même. Toujours en termes d’aspects techniques, tu dois probablement t’entraîner régulièrement. Il y a notamment le sujet de la respiration. D’habitude, les concerts peuvent durer au moins 30 ou 40 minutes. Tu n’es pas épuisée à la fin ? Molly : Je respire tout en sifflant. Je peux faire des sons alors que j’inspire, ce qui me permet de faire de la musique en continu. Je n’ai donc pas à m’arrêter pour respirer. C’est pourquoi parfois des gens pensent que je fais du playback, vu que je peux faire un son continu sans pause ! Je respire assez régulièrement en fait. Ce n’est pas si dur à mon niveau de faire ainsi. Je ne suis pas fatiguée à la fin des concerts. C’est plus si je suis dans une session et qu’il faut que je refasse la même chose encore et encore, ça peut être un peu fatiguant. A un concert, c’est super parce qu’il y a d’autres musiciens, avec des solos de guitare ou de trompette parfois. Je prends des pauses. Ce n’est pas juste moi constamment en train de siffler. As-tu des habitudes d’entraînement ? Molly : La façon avec laquelle je m’entraîne, c’est que si je sais que je vais jouer certaines chansons, je m’entraîne sur celles-ci en particulier. Aussi simple que ça ! Je travaille principalement sur le placement de la respiration, surtout si je dois atteindre une note très aigüe. Il y a une chanson Island Spell sur l’EP qui a la note la plus aigüe de tout ce que j’ai fait jusqu’à présent. Je ne peux pas faire cette note alors que j’inspire, c’est uniquement possible si j’expire. Ce sont des choses comme ça pour lesquelles je n’y réfléchis pas trop en les jouant, mais plus je m’entraîne et mieux je sais où la respiration doit intervenir. Pendant tes premières années en tant que siffleuse tu faisais principalement des reprises, n’est-ce pas ? Tu as même fait une série de concerts intitulés “Café Molly”. Molly : Je faisais principalement des reprises en effet. “Café Molly” est le nom de mon spectacle. J’ai fait ces concerts dans un endroit nommé Zebulon à Los Angeles. Il est détenu par des français qui ont de super goûts musicaux, très expérimentaux et éclectiques. Ils m’ont donné ma première opportunité d’avoir un concert. Je leur ai proposé, je n’avais jamais joué avec un groupe auparavant. Ils m’ont laissé jouer une nuit [le 18 avril 2018] et c’est devenu un truc régulier que j’appelle “Café Molly” [elle y a joué sept autres fois depuis]. C’est un concert lounge, je place des petites tables. Les gens viennent et prennent des martinis. C’est sympa. Il y a d’autres personnes avec toi sur scène pour ces concerts “Café Molly” ? Molly : Oui, j’ai un gros groupe. Pour le dernier qu’on a fait [le 9 septembre 2021], on était sept sur scène ! J’avais deux chanteurs à l’arrière, un saxophoniste, un guitariste… C’est un groupe complet. Je connais plein de musiciens de session incroyables à Los Angeles. C’est très fun de jouer avec un groupe comme cela. Dans ces concerts, tu improvisais parfois ou tout était préparé ? Molly : Tout est préparé. La raison pour laquelle j’ai monté cela dès le tout premier concert, c’est parce que le collaborateur d’Ennio Morricone nommé Alessandro Alessandroni a fait des centaines de bandes-originales, c’est un compositeur extraordinaire, mais il est connu surtout pour son sifflement. Il a beaucoup collaboré avec Ennio Morricone, on lui doit des sifflements hyper connus. [Elle fait celui du film ‘Pour une poignée de dollars’ en 1964, à écouter par ici.] Il est décédé [le 26 mars 2017]. C’était un grand héros pour moi, il était très âgé [92 ans]. Je souhaitais faire une soirée en son hommage. Je voulais jouer sa musique que j’adorais et je savais que d’autres gens l’aimaient aussi. Mais où était-il possible d’aller pour écouter sa musique en live ? Personne ne fait cela. Même Ennio Morricone, je voulais le voir jouer mais je crois qu’il n’y a eu qu’un concert à Rome il y a quelques temps [le 19 juin 2019, le compositeur est décédé le 6 juillet 2020 à l’âge de 91 ans]. C’est la musique que je veux voir. J’ai donc monté un groupe pour jouer des chansons d’Alessandroni pour une soirée hommage, bien sûr tout en sifflement et je pouvais faire cette partie-là. Ça a été un succès ! J’ai réalisé que les gens aimaient voir ça, je n’étais pas la seule à prendre du plaisir. Aussi, beaucoup de musiciens aiment beaucoup jouer ce type de musique. J’ai eu plein de musiciens de session qui étaient très partants pour venir jouer dans un groupe qui joue ces bandes-originales assez évocatrices. C’est comme cela que ça a commencé. Après, on a joué un mélange de bandes-originales italiennes des années 70, du bossa nova [issu du croisement de la samba et du cool jazz, apparu à la fin des années 1950 à Rio de Janeiro, plus d’infos par ici] ou du jazz et des interprétations classiques. Toutes ces choses que j’aimais et pour lesquelles je me disais que cela pourrait convenir à un groupe.

A quel moment as-tu décidé de commencer à faire tes propres chansons ? Molly : Seulement pendant la pandémie en fait. J’ai toujours voulu le faire, parce que je ressentais que j’étais peut-être moins une musicienne si je ne faisais que des reprises. Même si je savais que ce n’est pas le cas. Est-ce que Yo-Yo Ma [grand violoncelliste américain d’origine chinoise, plus d’infos par ici] est moins un musicien parce qu’il joue du Bach ? (Rires) Les musiciens qui font du classique ne pensent pas à ça. Mais je ressentais quand même que je voulais inventer quelque chose. Je ne me sentais pas comme une vraie musicienne d’une certaine façon. Je n’ai pas eu de formation musicale, je ne sais pas comment écrire une chanson mais je fais de la musique depuis si longtemps maintenant, je pense que j’étais très intimidée par cela. Durant la pandémie, j’ai commencé à m’amuser avec la guitare, j’ai aussi rencontré le producteur Tom Brenneck qui a produit l’EP. Il a un studio à Hollywood, j’y allais et il y avait des musiciens de session qui traînaient là-bas. Tout s’est passé de façon très organique. J’apportais une petite mélodie sur laquelle je travaillais et quelqu’un disait alors : « Et si on mettait ce riff ? » C’était une affaire très collaborative, pas juste moi en train d’écrire toutes ces chansons. On s’est vraiment amusés en le faisant. Cela m’a fait réaliser que je peux faire ça, que je ne devais pas trop être fermée du fait de ne pas avoir étudié. Il y a certaines mélodies et des choses où je me suis dit : « Peut-être que c’est trop simple, pas assez complexe. » Mais ce sont des choses qui m’ont fait ressentir une émotion et j'en suis heureuse. Je pense que d’autres gens l’aiment aussi, donc bon. (Rires) Les chansons ont pris forme en studio du coup ? Molly : Tout à fait ! Quand tu y étais, il y avait donc aussi le producteur et quelques musiciens ? Molly : Oui, il y avait cinq ou six musiciens qui allaient et venaient. Tous leurs noms sont sur le disque : Joe Harrison, Wayne Gordon, Gabe Rowland… Avec le producteur Tom, on disait par exemple : « Oh Gabe, pourrais-tu jouer les percussions sur cette chanson s’il te plaît ? » On pouvait le faire avec quiconque était au studio. C’était aussi pendant le confinement lié à la crise sanitaire. Il n’y avait donc pas tant de gens aux alentours, c’était un petit groupe là-bas. J’ai fait les voix à l’arrière, même si je ne le souhaitais pas ! (Rires) Trouves-tu que tu chantes aussi bien que tu ne siffles ? Molly : Non, pas du tout ! C’est bien pourquoi je ne voulais pas le faire ! (Rires) Je venais avec des parties vocales, mais je voulais que quelqu’un d’autre fasse cela. On était limités par ce qu’on avait. Tous ces musiciens étaient extraordinaires. C’était vraiment un échappatoire du monde. On allait au studio et on s’amusait à faire ce morceau rêveur et exotique, on buvait des bières, on plaisantait, puis on regardait les infos : « De nouvelles élections en approche. Allongement du confinement. » Le monde était très lourd. C’était un échappatoire fun de faire cette musique. C’est sympa d’entendre cela, parce que parfois quand les groupes vont en studio ils ont un temps très limité. Ils doivent être vraiment préparés parce qu’ils ont besoin de tout faire dans un délai très court. Tu devais avoir plus de temps que cela ! Molly : Oui, je suis très reconnaissante à Tom et à tous les musiciens. On avait cet espace pour faire cela. Il n’y avait rien de pressé, aucune pression. On faisait juste cela en s’amusant ! Le même processus a été suivi pour les six morceaux qui constituent l’EP ? Molly : Chaque morceau est différent. Pour celui d’ouverture Oceanic Feeling, j’avais écrit la guitare et la mélodie et j’étais accompagnée par une boîte à rythmes. J’avais donc fait une petite démo que j’ai apportée en studio, puis on a en quelque sorte enregistré avec l’espace pour un solo. Tom l’a envoyé à son ami Leon Michels qui est aussi un producteur et musicien extraordinaire. Il a ajouté du saxo. Puis Tom a écrit Island Spell pour que je siffle dessus. Ce morceau est un peu fou, exotique et rapide. Je n’écris jamais de chansons rapides, toujours des chansons un peu rêveuses. C’est pourquoi c’est fun aussi pour moi de faire cela, parce je me dis parfois que je n’aurais jamais eu l’idée de faire quelque chose comme ça, mais c’est sympa d’avoir un morceau avec un rythme différent. Joe Harrison a écrit les accords de guitare pour The Forgotten Edge, j’aimais tellement ça ! Puis j’ai pris cela chez moi et j’ai trouvé la mélodie. Il y a donc eu des méthodes différentes. D’ailleurs, comment parviens-tu à trouver des titres à ces morceaux qui n’ont aucune parole ? Tu as des images en tête quand tu les fais ou tu y penses après coup ? Molly : Donner des titres aux chansons est très dur, parce que tout sonne un peu cheesy. Je me dis parfois : « Vraiment ? » Mais pour moi les chansons sont des bandes-originales de films qui n’existent pas. Chacune a un certain sentiment ou je peux imaginer un monde dans lequel chacune appartient. Par exemple Wind’s Lament, c’est un western épique ! Quand je pense à ce titre maintenant, c’est un western un peu mélancolique en fait. (Rires) Island Spell, c’est du fun exotique ! (Rires) D’ailleurs, la plupart des titres sont en deux mots ! Molly : Oui, c’est vrai ! C’était dur. J’ai eu du mal. Parfois je trouvais quelque chose et je me disais que c’était un bon titre puis tout le monde au studio se moquait de moi. Je pensais alors : « Ok, je vais trouver autre chose ! » Il y a certains mots ou des expressions que j’ai dans mes notes et que je trouve poétiques. Oceanic Feeling, c’est quelque chose que j’ai lu dans une autobiographie d’Arthur Koestler [‘The Invisible Writing’ paru en 1954]. Il parle de cette sensation de faire corps avec l’univers. J’adore cette expression. Aussi, ma mère parle parle du Siècle des Lumières comme une poupée faite de sel marchant dans l’océan et qui se dissout. Je ne sais pas, peut-être que c’est juste dans mon imagination. J’aime cette expression et d'autres choses comme cela. Il y a d’autres références spécifiques ? Molly : The Forgotten Edge est le surnom de mon quartier quartier à Los Angeles ! J’adore parce que c’est si cool, si noir. Je vis dans le “bord perdu” de Los Angeles. Je me suis dit que ça ferait un super titre pour quelque chose. Ce sont les deux seules références spécifiques.

En termes de musique, tu ressens parfois de façon consciente ou non que tu es influencée par des films ou des images ? Molly : Je crois que je venais avec ma propre imagerie mais il y a eu certainement des influences inconscientes. J’adore les bandes-originales de films, par exemple celles de ‘Chinatown’ [Roman Polanski, 1974] ou du film noir ‘Laura’ [Otto Preminger, 1944] qui est mon long-métrage préféré. Il y a certains films auxquels je pense tout le temps. Mais ceux auxquels je pense ont déjà leur propre bande-originale ! Je ne veux pas empiéter sur leur terrain. J’imagine que pour moi, les films qui m’ont inspiré pour penser plus à la musique sont peut-être des documentaires sur la nature où tu peux juste couper le son, comme ‘Microcosmos’ [Claude Nuridsany et Marie Pérennou, 1996]. Des choses comme cela ! En studio, tu as fait ces six morceaux et aucun autre ? Ou il y a des bouts de chansons ici et là que tu n’as pas gardés ? Molly : On doit avoir environ une quinzaine de chansons mais le label voulait un EP. Ils avaient dit : « Trois chansons. » Je leur ai répondu : « Je crois qu’on en a six. » (Rires) J’en voulais un peu plus mais j’ai senti que ces six chansons étaient celles les plus abouties et qui allaient le mieux ensemble. On les a donc regroupées. Tu étais déjà signée sur le label Jagjaguwar [Bon Iver, Sharon Van Etten, Moses Sumney, Okay Kaya…] quand tu as commencé en studio ? Quelle contribution ont-ils eu ? Ils t’ont laissé faire ce que tu voulais ? Molly : Oui ! Ils ont été super. Ils m’ont en effet laissé faire ce que je voulais. Ils n’avaient même pas encore entendu les chansons avant de dire qu’ils allaient sortir l’EP ! Ils m’ont fait tellement confiance, d’autant plus que c’étaient les premières chansons originales sur lesquelles j’avais travaillé. Ils sont venus à mes concerts, ils m’ont vu faire des reprises. Ils savaient ce que je faisais. Je travaillais sur cette musique avec Tom. Je ne savais pas ce qu’on allait en faire. On faisait juste de la musique. Je savais que Jagjaguwar voulait un EP. C’était la pandémie. Je me disais juste que le monde était à l’arrêt, je ne réfléchissais pas à faire cela spécifiquement pour eux. Puis ils sont venus me voir et m’on dit : « OK, on veut ces chansons pour un EP. Si tu veux le sortir, on en a besoin dans un mois. » Puis j’ai demandé à Tom si on pouvait utiliser ce sur quoi on avait travaillé. Il était super partant. On a donc retravaillé ces chansons pour qu’elles soient fin prêtes, on les a mixées et on a fait des overdubs. On avait si peu de temps, du coup le label n’a rien pu écouter avant que tout soit fini ! A propos des aspects visuels, tu as sorti une vidéo pour Oceanic Feeling. Comment cela a pris forme ? L’acteur américain John C. Reilly fait notamment une apparition ! Molly : Je pense à ces chansons comme des bandes-originales, de façon très cinématographique. Je voulais faire une vidéo pour chaque chanson qui serait une scène d’un film différent que celui dans lequel s’inscrit la chanson. Pour un morceau, ça pourrait juste être quelqu’un qui conduit seul la nuit, peu importe ! J’avais différentes idées. Bien sûr j’ai utilisé tout mon budget sur une vidéo qui était Oceanic Feeling ! (Rires) Tu as tout dépensé sur le salaire de John C. Reilly pour son apparition ? (Rires) Molly : Sur le salaire de John C. Reilly, oui ! (Rires) Non je plaisante. J’avais eu une idée. Je regardais plein de films fantastiques à l’époque, comme ‘La Belle et la bête’ de Jean Cocteau (1946), dans lequel les statues sont de vraies personnes. Je me suis dit que ce serait si cool si les statues pouvaient être des danseurs à l’arrière ! J’ai fait un brouillon de scène ou de décor avec des statues qui étaient des gens. J’aime beaucoup les vieux décors de films de Hollywood, quand tu regardes un film et que tu sais que tout est construit sur un plateau. Ce qui est si cool à propos de Los Angeles, c’est qu’il y a un endroit extraordinaire qui a des incroyables toiles de fond peintes à louer : des coucher de soleil, des horizons, des forêts… Je vais sur leur site et c’est inspirant juste de les regarder. Je me dis : « Ok, je peux avoir une forêt ! » (Rires) Un de mes meilleurs amis est scénographe et chef décorateur. Je l’appelle et je lui dis : « Alex, j’ai besoin d’aide ! » Beaucoup de mes amis m’ont aidé à faire cela. Le budget était limité, mais on quasiment tout mis dans le décor. Avec Alex, on a loué un camion. On a pris une toile de fond de 12 m de long. On est allés à un endroit nommé Green Set où on a loué des arbres, des pierres et des bûches. Bienvenue à Los Angeles ! Molly : Tout à fait ! (Rires) C’était si fun pour moi d’aller dans ces endroits. Je suis aussi allée chez des loueurs de costumes [il en existe un très grand réseau à Los Angeles, en rapport avec la production cinématographique de Hollywood]. Mon ami Drew [Bienemann], qui est le directeur de la photographie de la vidéo, a travaillé sur des clips musicaux énormes [notamment pour Grimes, Oneohtrix Point Never ou Kirin J Callinan ; il avait aussi déjà réalisé la vidéo Gluck Melodie pour Molly Lewis en 2016]. Ce sont mes amis, ils me disaient : « On va y arriver ! » On avait aussi cette incroyable caméra qu’on a utilisée. Drew a un ami à lui qui est dresseur de faucon. On voit un faucon notamment dans la dernière scène. On dirait presque que tu es surprise d’ailleurs ! Molly : C’était difficile ! (Rires) L’oiseau est très lourd et c’est aussi assez effrayant, ce gros animal. On a fait cela de plusieurs façons différentes. Au début, on devait me voir seule puis le faucon devait atterrir sur moi. On a essayé ça quelques fois, je devais tenir un bout de viande de souris ! (Rires) Je siffle, mais ça ne rendait pas aussi bien au final. Puis on s’est dit que l’oiseau pouvait être là et le dresseur de faucon l’appellerait au moment exact. On a fait quelques prises où il s’est mis à voler et à me percuter la tête. (Rires) On y est arrivés au final. Tout le monde s’est rassemblé et a fait en sorte que cela puisse se produire. C’était très fun. Je me demandais ce qu’on allait faire avec le solo qui devait être épique. Je me suis dit que ce serait super si John C. Reilly était habillé en roi et sortait de la pénombre. Heureusement il a dit oui et il a apporté lui-même son habit de roi ! On a tous passé un super bon temps. Est-ce que John C. Reilly sait jouer au saxophone ? Molly : Il a fait un si bon job ! C’est amusant, parce qu’avant qu’il ne vienne, je me disais : « J’espère qu’il sera possible de synchroniser ça. » Puis je me suis dit que c’était un bon acteur et qu’il saurait comment gérer ! Il m’a dit que quand il était plus jeune, il jouait au saxophone donc il avait un petit antécédent. Mais c’est surtout un très bon acteur ! J’ai lu des commentaires sur Youtube et il y en avait qui disaient : « Whahou, je ne savais pas que John C. Reilly savait si bien jouer au saxo ! » (Rires)

Tu as fait d’autres vidéos à venir ? Molly : Non, pas encore. Mon amie Kiera [McNally] et moi, on a passé deux jours à filmer autre chose. Comme j’évoquais, j’ai utilisé tout le budget pour la vidéo de Oceanic Feeling. Je suis très heureuse qu’on ait pu faire cela aussi bien qu’on pouvait. Je n’avais donc pas de budget pour une autre vidéo. Avec mon amie Kiera, on voulait faire un truc de détective, en mode film noir. Je l’éditais, mais mon ordinateur est ancien et n’arrêtait pas de buguer. Je n’ai pas encore pu la finir. Je pense que je la finirai un jour. J’ai toutes ces images avec lesquelles j’aimerais m’amuser dans le futur. Tu as joué au Festival de Cannes à l’occasion de la première du film ‘Annette’ de Leos Carax [le 7 juillet dernier, soir de la sortie du film]. Tu as joué tes propres chansons à cet événement ? Molly : Les gens de Chanel m’ont contactée pour que je joue quelques chansons à un dîner qu’ils avaient organisé pour Leos Carax et l’équipe de ‘Annette’ là-bas. Je me suis dit : « Ça a l’air fun, bien sûr que je suis disponible ! » Ils voulaient quelques chansons et de la musique de film, en rapport avec le festival bien sûr. Ils voulaient The Windmills of Your Minds / Les Moulins de mon cœur [issue de la bande-originale du film ‘L’Affaire Thomas Crown’ de Norman Jewison, 1969, récompensé par l’Oscar de la meilleure chanson originale] et certaines autres musiques de films, puis j’ai fait deux ou trois pièces classiques. Ils voulaient aussi que je fasse une chanson de ‘Annette’. Bien sûr je n’avais pas encore vu le film. En plus, j’étais assez intimidée parce que je me disais que c’était peut-être un peu embarrassant pour moi de le faire pour le réalisateur. Les Sparks [auteurs de la bande-originale du film] étaient là. Ils sont assez reconnaissables. Bien sûr je voulais faire un bon travail. Ils m’ont envoyé le thème de Baby Annette. Je l’ai écoutée et je me suis dit : « Oh, je peux siffler cela ! » C’est très beau et cela conviendrait vraiment bien à un sifflement. C’est une chose caractéristique chez moi, je n’aime pas faire une chanson si cela ne convient pas. Tu as besoin de variations ? Molly : Exactement, si c’est trop plat cela ne marcherait pas. Là je me suis dit que ça allait très bien rendre. On a fait cela et c’était très sympa, ils ont dit qu’ils ont aimé ! On jouait nos chansons à nous et quand on a commencé cette chanson et qu’ils ont reconnu que c’était le thème de ‘Annette’, ils ont été surpris. C’était vraiment extra ! J’ai été heureuse qu’ils m’aient contactée pour faire cela. Je pense que j’aurais été un peu trop timide sinon. Tu as eu la chance de rencontrer Leos Carax, Adam Driver ou les Sparks du coup ? Molly : Leos Carax était là et il était très charmant. Je suis une grande fan de ses films. J’étais très heureuse d’être là pour ça. On faisait les chansons et il se tenait là en face. J’essaie de ne pas parler entre les chansons, parce que j’ai l’impression que je deviens nerveuse, je fais des blagues stupides. C’est très dur d’être sur scène avec un microphone devant vous et d’être juste silencieuse et élégante. Je fais toujours une blague débile. Je me suis dit : « Ok, juste reste silencieuse. » Et bien sûr avant la dernière chanson, j’ai dit : « Voilà, c’est notre dernière chanson qui arrive. J’aimerais bien m’allumer une cigarette ! » (Rires) Une blague stupide quoi ! Je ne fume même pas vraiment en plus, mais je me suis juste dit que ce serait drôle. J’ai alors pensé : « Mais qu’est-ce que tu viens de dire ? » Puis Leos Carax se lève et me tend une cigarette. Il est venu sur scène pour me donner cela. Je me suis dit : « Oh, c’est super drôle. » Il était super gentil. Je crois que lui et sa fille ont aimé la performance. C’était le premier concert que j’ai fait après le confinement, depuis environ un an et demi. J’étais nerveuse. Ça faisait longtemps. C’était aussi le fait d’être à Cannes, à cet événement hyper classe, avec ces gens que j’admire. Ça faisait beaucoup mais c’était fun ! Tu es restée sur place ? Molly : Je suis restée deux ou trois jours et puis je suis allée à Nice parce que La Femme jouaient deux concerts [les 8 et 9 juillet dernier] et ils m’ont demandé de jouer en première partie. J’étais très chanceuse : j’allais être dans les environs, eux aussi et c’était d’affilée ! On a joué un premier concert sur la plage [de l’hôtel Amour] et un autre à la Fondation Maeght [à Saint-Paul de Vence, à 25km de Nice]. C’était incroyable, si fun. J’ai eu une très bonne semaine. A un moment, je me suis dit : « Oh mon Dieu, je n’ai pas bu du tout d’eau depuis une semaine, juste des spritz ! » (Rires) On a lu dans un article que tu as collaboré avec La Femme. Molly : Oui ! On a fait plein d’enregistrements avec eux. Il y a une chanson sur le nouvel album ‘Paradigmes’ [sorti le 21 avril dernier] qui s’appelle Lâcher de chevaux. C’est un western techno, je siffle dessus ! C’était si drôle. Ce n’est pas le type de musique que je fais d’habitude, mais j’adore ce qu’ils font. On a enregistré quelques chansons. J’aurais voulu qu’il y en aient plus qui soient sorties mais celle-là est sortie. Il y en a plein d’autres qui sont si bonnes, je veux qu’ils les sortent à un moment. [Une version étendue de l’album nommée ‘Paradigmes : Suppléments’, contenant plus de 40 min additionnelles, est sortie 15 octobre dernier.] Tu as tout fait à distance ? Molly : Non, à chaque fois qu’ils venaient à Los Angeles. Ils avaient ces chansons depuis des années. Ça faisait si longtemps que j’attendais de les écouter ! C’était très fun quand l’album est sorti. On a fait cela à Los Angeles et on a aussi fait d’autres sessions en France il y a quelques années. Il y a un festival à Biarritz nommé Rat’s Cup. Je suis venue et j’ai joué là-bas [le 8 septembre 2018]. Je suis restée pendant un mois. On a joué quelques concerts et on a enregistré. Ils sont super et très encourageants pour mon sifflement. C’est très fun de travailler et jouer avec eux. Comment les as-tu rencontrés au départ ? Molly : On s’est rencontré à Los Angeles à une soirée. C’était il y a des années. Quelqu’un nous a présentés. Quand ils ont découvert ce que je faisais, ils m’ont dit : « On veut enregistrer. » Je ne connaissais pas leur musique à l’époque ou quoi que ce soit mais je suis toujours ouverte à collaborer avec des musiciens. Puis je les ai connus de plus en plus ainsi que leur musique. On a commencé à enregistrer et à jouer ensemble. On a aussi lu que tu as joué un concert à la fin de la vie de l’acteur Harry Dean Stanton [décédé le 15 septembre 2017]. Molly : Oui. C’est une longue histoire, mais un de mes bons amis nommé Sonny à Los Angeles est barman et poète. Il travaille dans le plus vieux restaurant de Los Angeles, qui s’appelle le Mousso and Frank Grill [plus d’infos par ici]. Vous vivez à Paris où tout est très vieux, donc c’est embarrassant parce que ce n’est vieux que de 100 ans. (Rires) Il travaille là-bas, on est devenus amis. Il est plus âgé, un grand poète [un article sur lui par ici]. Il était bon ami avec Harry Dean Stanton. Ils avaient l’habitude d’aller boire des coups ensemble. Sonny pensait que Harry aurait adoré mon sifflement. On est donc allés le voir vers la fin de sa vie. J’ai demandé à Sonny quelles étaient les chansons préférées d’Harry Dean Stanton. Il voulait que je fasse Danny Boy et Just a Closer Walk from Thee, en fait c’est une chanson qu’il chante dans ‘Luke la main froide’ [Stuart Rosenberg, 1975]. C’était très émouvant. Il a fait un baiser sur ma main. C’était beau, mais très triste aussi. Je regrette de ne pas avoir eu plus de temps pour apprendre à le connaître, mais je suis heureuse si c’était un moment agréable pour lui. C’était sympa d’être là avec Sonny aussi, l’accompagner avec ses amis.

Toujours à propos de collaborations, on a vu que tu as collaboré avec Dr Dre ! Molly : Oui ! Un producteur avec qui il travaille, nommé Fred Wreck, m’a envoyé un message privé sur Instagram. Je reçois parfois des messages privés intéressants ! (Rires) Des messages de gens comme lui qui me dit : « Je travaille avec Dr Dre et on recherche une siffleuse chanmé. » (Rires) J’ai juste dit : « OK ! » Je suis venue au studio. Ils avaient besoin d’une session, un peu de sifflement sur un morceau qu’ils produisaient pour un artiste. C’était très cool, il était super. J’avais des amis qui disaient : « Il ne va pas être là, tu ne vas probablement pas le rencontrer. » Il a tiré une chaise en disant : « Je veux voir ça. » Il m’a dit : « Durant toutes mes années en studio, je n’ai jamais eu de siffleur. » Je me suis dit : « Whahou, cool ! » Puis quand je suis rentrée chez moi, j’ai dit à mes amis : « Il a dit qu’il n'avait jamais eu d'autre siffleur dans son studio. » Ils m’ont répondu : « Oui, je n’imagine pas qu’il l’aurait fait, ce n’est pas si commun ! » (Rires) C’était fun ! C’était en mars ou avril de cette année. Tu as fait d’autres collaborations comme celles-ci ? Molly : J’ai fait des sessions avec des artistes. J’ai travaillé avec Sébastien Tellier une fois, je l’adore. Je fais plein de choses avec des gens qui ont besoin de sifflement ou veulent essayer. [Elle a par exemple réalisé le sifflement dans le morceau Big Enough de Kirin J Callinan feat. Alex Cameron.] As-tu vu des films récemment que tu as aimés ? Molly : Il y a ce documentaire que j’aime beaucoup qui s’appelle ‘Des insectes et des hommes’ [Walon Green et Ed Spiegel, 1971], c’est une sorte de documentaire sci-fi / horreur sur des insectes. Il utilise aussi ces images liées à la technologie microscopique. L’imagerie est incroyable. Ça date des années 70, mais il a une super bande-originale par Lalo Schifrin qui a fait le thème de ‘Mission : Impossible’ [en 1966 pour la série télévisée correspondante et plus tard pour la saga de films avec Tom Cruise]. C’est un super documentaire. L’imagerie est incroyable, mais avec une histoire très intéressante avec un personnage qui n’est pas vraiment ce que l’on croit et dont la théorie est que les insectes sont les vrais maîtres du monde. Ils ont été là avant nous et ils le seront après nous, on n’est qu’un moment éphémère dans le monde des insectes ! (Rires) J’adore cela. J’ai vu ‘Annette’ [Leos Carax, 2021] deux fois : une fois à Cannes et une fois à nouveau à Los Angeles. J’étais à la première à Cannes, j’y ai d’ailleurs aperçu Pedro Almodóvar, c’est un de mes réalisateurs préférés. J’avais vu ‘Holy Motors’ [Leos Carax, 2012] avant de venir à Cannes et j’ai adoré ce film. La première fois que je l’avais vu, je m’étais dit que je ne pouvais pas croire ce que je voyais. J’aime beaucoup le film ‘Le Cuisinier, le voleur, sa femme et son amant’ de Peter Greenaway (1989) avec Helen Mirren. C’est très stylisé. Chaque pièce est d’une couleur différente et à chaque fois que les personnages changent de pièce, leur costume change en fonction de la pièce. Visuellement, c’est extraordinaire mais c’est aussi une histoire déchirante à propos de cette femme piégée et cette sorte de bête de la mafia qu’est son mari, et cet homme dont elle tombe amoureux dans un restaurant. J’ai vu récemment un film nommé ‘Last Seduction’ [John Dahl, 1995]. J’ai une chaîne Criterion. Tout ce que je vois dessus est super ! ‘Last Seduction’ j’ai beaucoup aimé parce que c’est néo-noir. La personnage principal est une femme fatale vraiment dingue, la plus dingue que j’ai vue. Elle est si stylée avec son trench. Je me disais : « Oh, elle est diabolique mais j’aime son style ! » (Rires) Pourrais-tu nous recommander des groupes ? Des amis par exemple ? Molly : J’ai un ami qui vit à Paris mais il est américain. Son nom est Frank Maston, le nom de son groupe est Maston. On s’entend très bien, parce que lui aussi est obsédé par Ennio Morricone, Piero Umiliani et Alessandro Alessandroni. On a le même amour pour ce type de musique. Donc quand j’ai écouté pour la première fois sa musique et puis que j’ai appris que c’était un mec de mon âge qui était dans mon cercle, c’était un ami d’ami, j’ai été époustouflée. On a collaboré sur certaines choses. Il joue avec un super groupe. Il a joué un concert l’autre soir ici à la Boule Noire [le 4 octobre dernier, lors d’une soirée dans laquelle jouait également Kevin Heartbeats du label S76]. J’aurais voulu venir, mais c’était le soir de mon concert privé pour le défilé Etam dans le cadre de la Fashion Week [à l’Opéra Garnier]. Il est extraordinaire, j’adore sa musique qui est principalement instrumentale, avec parfois des paroles de temps en temps. Il est beaucoup allé à Rome et a travaillé avec la famille Umiliani. Il a aidé à la réhabilitation du studio de Piero Umiliani à Rome. Ce qui est très cool. J’adore Alessandro Alessandroni et Ennio Morricone bien sûr, mais je pense que Piero Umiliania fait certaines des chansons que j’écoute le plus. J’adore Connan Mockasin aussi [dont le nouvel album ‘Jassbusters Two’ sortira d’ailleurs le 5 novembre]. Je n’écoute pas tellement de musique contemporaine. A propos du concert à l’Opéra Garnier, on est allé sur ton site et on a vu : “4 octobre, concert à Paris à l’Opéra Garnier”. On a essayé de chercher partout mais on n’a pu trouver aucune info à ce sujet. C’était bien sûr privé. On a même pensé que c'était une erreur. Molly : Oh, oui ! J’ai piégé tout le monde involontairement avec ça. Je veux juste mettre sur mon site où je joue. Tu as joué dans la pièce principale de l’Opéra Garnier ? Molly : On a joué dehors pour le concert et j’ai joué à l’intérieur quelques chansons pour le dîner qui n’était pas dans le hall de l’opéra, mais dans cette pièce qui ressemble à Versailles. C’était si extravagant, beau et dingue. Je n’avais jamais joué dans un endroit comme celui-là avant. Tu as joué tes propres chansons ? Molly : Pour le concert, ils voulaient que je joue la ‘Sarabande’ (1733) de Haendel. En fait, cette chanson apparaît dans mon film préféré de tous les temps : ‘Barry Lindon’ [Stanley Kubrick, 1976]. C’est un des principaux thèmes classiques dans le film. Je suis très heureuse de jouer cela. Puis un orchestre est entré en scène et a commencé à jouer. Au dîner, ils m’ont laissé décider ce que je voulais faire. J’ai fait ‘Air de la Reine de la nuit’ de la ‘La Flûte enchantée’ (1791) de Mozart. Le premier EP ‘The Forgotten Edge’ de Molly Lewis est disponible et hautement recommandé ! L’artiste se produira le vendredi 3 décembre en première partie du groupe L’Eclair à la Boule Noire. Billetterie : https://bit.ly/3cfanLL Evénement : https://bit.ly/3ChLfyx Elle jouera également aux Trans Musicales de Rennes le dimanche 5 décembre. Billetterie : https://bit.ly/3ossHac Elle sera ensuite de retour à Paris pour jouer en tête d’affiche au Consulat le mardi 7 décembre. A&B

0 notes

ngie87 · 6 years

Text

Once Upon A Time (pre-reboot): critique

Ngie fait des critiques.

Warning: cet article a été écrit le 05/08/2017

Présentation:

Once Upon a Time est une série télévisée fantastique">américaine créée par Edward Kitsis et Adam Horowitz diffusée depuis le 23 octobre 2011 sur le réseau ABC aux États-Unis

Synopsis (crédit allociné)

De nos jours, dans une bourgade du Maine appelée Storybrooke, les contes de fées existent encore. C'est ce que va découvrir Emma, une jeune femme au passé trouble, embarquée dans un merveilleux et tragique voyage par le fils qu'elle a abandonné 10 ans plus tôt. Elle croisera sur son chemin la méchante Reine, qui n'est autre que l'impitoyable Maire de la ville, Blanche Neige, devenue la douce institutrice Mary Margaret Blanchard, Tracassin, l'effrayant expert en magie noire ou encore Archie, le sympathique Jiminy Cricket local. Avec son arrivée, c'est l'espoir de toute une communauté amnésique qui renaît...

Les statistiques :

La série lancée par l'un des trois grands géants du paysage télévisuel national américain (triptyque formé par CBS, NBC, ABC et leurs groupes respectifs), commence fort avec un pilote rassemblant 12,9 millions de téléspectateurs. Un score confirmé par une moyenne de plus de 11 millions de téléspectateurs à l'échelle de la saison entière. La deuxième saison affiche une moyenne de 9 millions de téléspectateurs, plaçant la série parmi les programmes de divertissement les plus lucratifs de la chaîne nationale au printemps 2013. La troisième saison se divise pour la première fois en deux arcs scénaristiques bien distincts, ( A et B), et totalise une moyenne de 9,38 millions de spectateurs par épisode. On remarque cependant qu'une part grandissante de l'audience regarde le programme en replay. La quatrième saison confirme l'adoption définitive du système en arcs A et B et présente une moyenne finale de 8,89 millions, malgré un nombre en réalité très inégal de téléspectateurs par épisode. La saison 5 voit une chute importante de l'audience dès la fin de l'arc A (avec environ 5,5 millions de spectateurs) confirmé par un score final de 6,32 millions. La saison 6 ne fait guère mieux et, malgré l'annonce-quoique tardive- d'un reboot qui provoquera le renouvellement partiel du casting, la mobilisation dépasse à peine 4 millions de téléspectateurs. Une déconvenue qui semble inévitable malgré la mise en place d'initiatives tel que l'intégration d'un épisode musical et le prolongement à une heure de la durée des deux derniers épisodes.

Au cours de sa diffusion Once upon a time et les membres de son casting ont été récompensés 9 fois : Lana Parrilla remporte en 2012 et 2013 les prix ALMA et NHMC dans la catégorie meilleure actrice de série télévisée, trophées distinguant les figures les plus marquantes de la communauté latino-américaine.En 2014, elle est sacrée meilleure méchante par le Tvguide. En 2017 elle remporte l'E-ward du meilleur moment musical dans une série télévisée. En 2016 elle reçoit le teen choice award de la meilleure actrice dans une série de science fiction. Au cours de la même cérémonie, Once upon a time est sacrée meilleure série de science fiction et le couple Jennifer Morrison/Colin O'donogue se partagent quant à eux le prix du meilleure baiser dans une série télévisée. En 2013, Mark Isham se voit récompensée pour qualité de la bande musicale de la série par le prix BMI Film & TV , tandis qu'en 2015 l'équipe de maquillage voit son travail distingué par la victoire d'un Leo award. Initialement programmée en primetime le dimanche (deuxième créneau horaire le plus demandé après le jeudi soir), Once upon a time voit la diffusion de sa 7 ème saison avancée au vendredi soir, créneau le moins populaire de la semaine, d'ailleurs baptisé « créneau mortel du vendredi» en raison de la faible mobilisation des audiences, alors occupées par leurs activités sociales. Considérée comme la dernière case avant la suppression définitive d'un show, cette position horaire n'annonce pas les meilleurs auspices pour Once upon a time et ses équipes ont fort à faire pour faire mentir les pronostiques et inverser la tendance. L'annonce d'un reboot révèle une réponse pour le moins radicale des producteurs au challenge posé. Ne reste plus qu'à attendre.

L'idée géniale ?

Oui, il y a du génie dans cette série devenue iconique et des idées géniales en fait il y en a plusieurs :

La révision des contes et leur transposition dans le contexte contemporain est clairement l'élément marqueur de Once upon a time. Kitsis et Horrowits n'ont pas inventé le concept, mais ils lui ont donné, sans contexte, une ampleur jamais égalée. On retrouve des points communs, des mécanismes similaires dans d'autres productions audiovisuelles antérieures, dans des formats/registres et genres très variés. La série Xena Warrior princess (1997)), nous a par exemple donné l'extrême privilège de voir Arès sur la scelle d'une Harley. La même année, en plus sombre Freeway long métrage de Matthew Bright revisite le conte du Chaperon rouge, en lui donnant les traits d'une adolescente en cavale, en proie tout au long de son parcours à plusieurs prédateurs sociopathes. Le coréen Yim Pilsung dans sa version moderne d'Hensel and Gretel (2007) propose une vision oufesque et complètement inverse de l'histoire d'origine, on peut y noter au passage, le même procédé de mise en abîme lorsque les personnages lisent leurs propres histoires dans un recueil de conte. Je préfère quand même prévenir :c'est un film d'horreur et ceux qui ont déjà vu ne serait-ce qu' un seul film d'horreur coréen sauront quoi faire de cette information. Evidemment cette liste n'est pas exhaustive et finalement en y pensant, les œuvres qu'elle évoque sont assez tardives. Toutes empruntent une porte en réalité officiellement ouverte depuis 1975, et pas par un film, mais par un livre : le célèbre Psychanalyse des contes de fées écrit par Bettelheim. L'oeuvre met en évidence et détaille la valeur symbolique des contes originaux ce qui invite inévitablement à leur relecture moins naïve (le monsieur attaque d'ailleurs Disney pour son travail jugé trop édulcoré). Cette étude encourage implicitement à la manipulation de ces symboles et au questionnement sur leur actualité. Certains ne l'ont pas attendu il faut quand même le préciser : Tex Avery et son personnage hyper sexualisé : l'envoûtante chanteuse de cabaret Red Hot Riding Hood (1943) touchent déjà à la symbolique du conte initial.

Ruby Lucas, serveuse ultra sexy au Granny's dinner n'est d'ailleurs pas très loin de cette réinterprétation osée du personnage du Chaperon rouge. Outre le choc chronologique et contextuel qui est opéré, Kitsis et Horrowits proposent donc -et c'est la deuxième idée géniale- une redécouverte de la matière première des contes. Un nouveau souffle construit sur un travail des textes de base, en les réinterprétant certes, mais aussi en redonnant consistance à des figures malmenées par le temps. Ainsi Rumplestiskin (alias le Nain tracassin) et la Méchante reine occupent dans la série une place de premier plan, ce que les traitements précédents (et l'oubli) ne leur avaient pas accordé jusque là. Et les occurrences de ce phénomènes sont nombreuses dans le show. En résulte un melting pot improbable mais revigorant, preuve s'il en fallait que nos patrimoines culturels regorgent de figures riches et intéressantes n'aspirant qu'à être ravivées.

Le troisième aspect génial du concept est son aspect idéologique, incontournable vu le genre littéraire qu'il exploite principalement: les contes ont une visée morale, comment Horrowitz et Kitsiz auraient pu passer outre ? Ils n'essayent pas , à vrai dire, et ils en font même quelque chose d'étonnant. Si on reprend l'idée posée par le pilote: Regina se venge après avoir souffert de tout ce qu'une société a de pire à offrir. Elle a la haine et des pouvoirs magiques, et aussi un passif qui relègue Pinochet au level « bisounours » sur l'échelle maléfique des tyrans. Imaginer LA vengeance de sa vie revient aisément à tenter de visualiser le 78ème cercle des enfers - qui n'existe pas mais qu'elle serait tout à fait capable d'inventer pour l'occasion- A l'intérieur des supplices sanguinaires innovants, sur fond de hurlements écorchés, le tout baigné des même lueurs rougeâtres que dans la scène de Scar et des hyènes dans le Roi lion. Mais, Sort noir en main, obtenu aux prix du meurtre de son propre père, que fait Regina à ses ennemis ? Elle les décapite ? Les torture ? Non. Elle leur enlève leur nom et leur histoire. BOUM.

Attendez une minute...elle fait quoi ?

On rembobine. Je répète : « Elle leur enlève LEUR NOM et LEUR HISTOIRE ». Ou comment annoncer aux spectateurs la complexité d'un personnage que 6 saisons ne suffiront pas à explorer. Mais revenons au départ. Regina en bref, a été privée de tous les moyens pour se définir : l'expérience de l’amour et les leçons qu’on en tire lui ont été volées, et toutes les autres facettes d'elle même ont été forgées par des forces plus grandes. Sa mère, son statut contraint de Reine et ensuite : sa haine. Et quand elle choisit d'infliger à ses ennemis des souffrances atroces, elle opte pour la perte identitaire. Un choix presque « bambiesque » au regard de ses possibilités, mais au final, assez dur, sur ce qu'il révèle de l'opinion que Regina a d'elle même à ce moment précis: elle hait, mais elle a bien conscience de ce que la haine lui a coûté, et au moment pour elle de faire les compte, c’est bien le prix qu’elle réclame. Cette question de l'identité collera à la trame de la série tout le long de son développement, lors de l’amnésie générale puis après lorsque tous les personnages sont amenés à se redéfinir dans ce nouveau contexte. Chaque personnage principal passe par un processus intéressant , mais deux d’entre eux donneront à ce questionnement une dimension exceptionnelle. Regina d’abord de manière très prévisible dans les premières saisons, puis jusque-boutiste en clôture de la saison 5 avec d’une part, une tirade mémorable prononcée à Emma, et puis cette scène où elle s’injecte le sérum chargé d’éradiquer Méchante reine de son être. Ensuite, il y a Ruby/Scarlett Lucas. Un personnage qui, avant son éviction de la série, assure au show une consistance d’une qualité rare. Oui, car si on fait l'effort de scruter son développement, on y retrouve Bettleheim en MIEUX ce qui était jusque là, jugé difficilement possible. Dans la première saison Ruby est un loup-garou qui s’ignore, elle a bon coeur et n’aspire initialement qu’à une chose: son mariage. Ses qualités ou aptitudes personnelles (son empathie et son enthousiasme évident à aider les autres) n’ont pas vocation à être particulièrement ni admises ni cultivées. Elle veut être “deux”, sans grand intérêt pour ce qu’elle est ELLE, seule. Résultat: Elle dévore son fiancé. Expérience compliquée. Ici le mensonge identitaire imposé par Granny a des conséquences hors-normes et déclenche un processus de connaissance de soi hors-du-commun lui aussi. On parle ici presque d’une identité double, que Ruby craint, rejette un long moment pour se fondre et s’inscrire parmi les autres. Une immersion qui aboutit à l’échec malgré les intentions positives qui l’animent. Quand enfin elle se résigne à ne plus combattre sa différence (et va à la recherche de sa meute), ce qu’elle vit comme la preuve ultime de son impuissance aboutit à deux choses. Dans le dernier arc du personnage se déroulant à OZ, elle utilise sa forme loup pour fuir, portant Dorothy sur son dos : un acte non-violent qui permet cette fois la sauvegarde d'une vie, c’est la maîtrise de ses pulsions. Et elle tombe amoureuse, d’une personne qui cette fois, est au fait de ce qu’elle est, au point de la taquiner en la réduisant à cette partie tabou d’elle même. Dorothy l’appelle “Le loup”. Le dénouement de l'histoire enfoncera le clou avec ce sort de sommeil que seule Ruby sera capable de briser, mettant en place un parallèle précipité certes mais incisif : Scarlett ignorante tue. Ruby consciente redonne la vie. Au milieu des valeurs classiques qu'on retrouve, il y a cette idée récurrente, fondatrice même, que pour devenir qui l'on veut être, il faut d'abord savoir qui l'on est. Et le chérir même si tout n’est pas toujours beau à voir. De quoi donner une toute autre dimension aux paroles mythiques « Miroir, Miroir....dis-moi qui est la plus belle... » Et il était temps.

Le Casting :

Jennifer Morrison fait clairement figure de tête d'affiche, au lancement de la première saison. Son rôle majeur dans Dr House (Cameron) et celui de Zoey dans la série How I met your mother, ont manifestement laissé au public et à l'industrie, l'envie d'en découvrir plus sur ses performances. Elle porte ainsi l'introduction d'un concept insolite dans le paysage télévisuel du moment, responsabilité heureusement vite partagée par des acteurs solides, qui se révèleront être de véritables piliers au sein du casting principal. Lana Parrilla en est l'exemple le plus brillant. Encore peu connue en 2011 malgré des apparitions remarquables dans des séries telles que Spin City, NYPD Blue, Swingtown, l'actrice crève l'écran dès son apparition dans l'épisode pilote. Elle donnera une mesure dramatique et mordante à un personnage qui semble lui être taillé sur mesure : Regina Mills alias La Méchante Reine, désormais érigée en véritable icône. D'autres acteurs offrent un visage saisissant à la modernisation proposée par le show : Ginnifer Gooding livre une interprétation réellement intrigante du personnage de Blanche Neige, au travers de Mary Margaret très énigmatique au cours de la première saison. On notera des moments forts au cours de l'évolution de son personnage, et des scènes d'une qualité exceptionnelle, ponctuant notamment sa relation très complexe avec Regina. Josh Dallas compagnon de l'actrice dans la vie comme à l'écran, n'était initialement qu'un membre fugitif du cast. La révision de cette décision par les producteurs permettra l'existence l'un des fils scénaristiques les plus intéressants de la saison 1 : le triangle amoureux David/Katherine/MaryMargaret. Immanquable pour moi : sa scène poignante dans le 12ème épisode de la saison 6, largement à la hauteur d'un Emmy . David se disloque émotionnellement sous le regard ému de Hook, dans un des moments qui restera pour moi un des plus beaux du show. Robert Carlyle alias Rumpelstiltskin affiche d'emblée une envergure quasi-indiscutable en interprétant un Nain tracassin plus vrai que nature. Son alter ego Gold, sera lui aussi matière à révéler les qualités et le talent de l'acteur, dans un registre d'interprétation qui ne fera que gagner en puissance et en nuances. On notera enfin Jared Gilmore, dans le rôle capital d'Henry, âgé de 10 ans lors de la saison 1. Il est une présence indispensable dans un univers exploitant principalement la littérature enfantine, cette importance aura su lui assurer une place particulière à la fois dans le cœur des autres membres de l'équipe mais aussi dans celui du public.

La liste des acteurs plus tardifs, récurrents ou invités comporte aussi des figures marquantes : Meghan Ory, interprétant Ruby, Rebecca Mader dans le rôle de Zelena, Colin O'Donoghue dans celui de Hook, Sean McGuire (Robin), Emilie de Ravin (Belle) ou plus brièvement Kristin Bauer (Malecient) Jamie Murry (La fée Noire), sans oublier Barbara Hershey sont autant de performeurs qui auront retenu l'attention voire même l'affection du public.

L'annonce du renouvellement du cast entraîné par la septième saison, vient brusquement remettre à zéro les repères pris au cours des 6 dernières années. Avec la promesse d'une nouvelle dynamique, les téléspectateurs sont contraints d'accueillir l'arrivée massive de nouveaux visages. Alors qu'ils nous est pour le moment impossible de juger la qualité de cette initiative, il convient de reconnaître que la série aura, au cours de 6 premières saisons, eu le mérite de révéler le talent d'acteurs qui, on l'espère, poursuivront une carrière à la hauteur de leur potentiel.

Les points forts

Quels sont, avec le recul (et selon mon avis) les points forts essentiels de cette série ?

-Le jeux des références : l'émulation intellectuelle est un ressort très puissant de l'enthousiasme du public à l'égard d'une série. Et cette qualité ne manque pas à Once upon a time. Malgré le réinvestissement d'une culture avant tout populaire, Horrowits et Kitsis définissent l'excellence dans l’éclectisme des personnages exploités et l'intrication de leurs histoires. La surprise est constante et certaines trouvailles scénaristiques sont brillantes. Quoiqu'inégale au fil des 6 saisons, cette qualité assure au show une notoriété indiscutable et une valeur culturelle déjà étudiée par nombres d'études universitaires. Peu de show peuvent prétendre avoir marqué ainsi l'Histoire.

-Lana Parrilla : au delà de mon avis personnel (qui me relègue à ce sujet au statut de groupie) l'actrice est une sinon LA plus grande révélation du casting. Sa symbiose artistique avec Regina Mills déchaîne rapidement les passions (et c'est peu dire) et en 6 ans, Lana Parrilla a rassemblé une quantité faramineuses de fans (les Evilregals) loyaux, voire même pugnaces. Ses performances d'actrices auront été un atout et un soutien constants à cette série qui s'est aventuré hors des sentiers battus. Off-set, ses qualités humaines sont aussi un recours fiable, au milieu des moments médiatiques les plus délicats et incertains. Suite au départ de Jennifer Morrison, et d'une partie importante du casting, elle joue clairement le rôle indispensable de pilier, seul élément capable d'assurer la nouvelle cohésion du groupe et la transition apaisée post saison 6. Des responsabilités lourdes à porter, parfois ingrates, qui dénotent une résistance à l'effort et une constance admirables.

Les points faibles

Le moment où le mot « critique » prend tout son sens. Attention ça va saigner.

Primo un des points faibles majeurs de cette série est à mes yeux sa communication mal gérée.

Laissez-moi d'abord reconnaître que le travail de promotion accompli par les équipes de Once upon a time et d'ABC est énorme. Conventions, talk shows, pages officielles, teasers etc...la somme des énergies déployées est pharaonique (bravo aux acteurs et aux équipes techniques locales qui organisent les conventions) : le show s'est clairement installé dans la culture télévisuelle du grand public et les visages du cast principal sont bien identifiés (en tous cas pour les 6 premières saisons). Le problème n'est donc pas l'ampleur de la visibilité de la série, mais sa maîtrise. Au cœur du soucis ?....Mes héros à certains titres mais pas sur ce point précis : Horrowits et Kitsis qui, au delà de leurs idées lumineuses, doivent mûrir et comprendre où exactement est leur place. A savoir : PAS dans la lumière. Je m'explique : l'exposition médiatique porte bien son nom – exposition- elle ouvre la fenêtre à des attaques ciblées et personnelles, ici, en l'occurrence, à l'encontre de figures d'autorités qui devraient rester hors d'atteinte compte tenu des ferveurs que la série suscite. Certes, les deux comparses ont une rhétorique assez ferme face au public, beaucoup de « on voulait » « on a décidé » « il nous est apparu », mais passés l'euphorie des applaudissements et le brassage d'égos, leurs visages d'américains moyens banals voire même un peu gauches (genre geeks) n'inspirent pas le charisme auquel ils prétendent. D'une part c'est normal, la représentation n'est PAS leur travail et d'autre part c'est mal joué, parce que s'ils ne sont pas capables de tenir tout le monde à carreaux, qui le fera ? On me dira : Ngie tu t'imagines des guerres et des menaces inexistantes, et si toi et tes 72 autres personnalités, vous vous asseyiez 5 minutes pour prendre l'air? Je répondrais d'un air nostalgique : Ah, si seulement....Les initiés à l'actualité du fandom sont, toutefois, péniblement au courant des débordements dont je parle. Michael Coleman, Yvette Nicole Brown, William Shatner, Larry Andreutti sont autant de noms qui feront grincer des dents à des shippers pas tous remplis de haine, mais parfois juste navrés des tensions et de la manière dont elles sont gérées, mal ou trop tardivement ou encore juste pas gérées du tout. L'hyperprésence d'Horrowits et Kitsis sur les réseaux sociaux est à peu près l'inverse d'un adage qui aura taillé l'envergure d'un Jerry Bruckheimer et d'une Shonda Rhimes : « Fait tes projets dans le silence, le succès s'occupera du bruit ». Et trop souvent, l'environnement de Once upon a time ressemble à une bassecour. Je ne me permettrai pas de questionner les relations professionnelles et humaines de l'équipe, mais au sortir du tournage de 22 épisodes, le cast n'a certainement pas d'énergie à perdre à funambuler entre les polémiques. Un leadership drastique n'est pas toujours populaire, mais il fait gagner du temps. Il remet chacun à leur place. Se faisant, il protège ceux qui travaillent pour lui. Le professionnalisme fait donc, à mon sens, défaut en vitrine. Il fait aussi, je dois le reconnaître, parfois défaut dans le fond. C'est la deuxième défaillance que je pointerai : les fébrilités scénaristiques.

Même s’ils recourent à une équipe de scénaristes voici une des responsabilités les plus essentielles de nos deux showrunners : l'écriture. Et l'ambition affichée par la série place la barre très haut. Elle demande même un discernement hors-normes. A quels sujets précisément ? En réalité les shows de ce genre n'ont pas 300 000 choix en terme de stratégie. Ils ont (en gros)d'abord, la proposition du modèle épique : les héros vont d'un univers à l'autre, (cf : Ulysse et son équipage) et à chaque halte, rencontrent une nouvelle aventure, qu'ils résolvent avant de continuer leur route. Cette structure peut avoir des variantes, mais elle a le mérite d'être claire : un monde = un mini-arc et en trame de fond : une quête assez simple justifiant un déplacement initiatique linéaire ou pas.(Doctor Who utilise le Tardis). Cette formule favorise l'accumulation quasi-catalogue des antagonistes et des alliés temporaires, voire récurrents en assurant par ailleurs une compréhension facile de l'ensemble. L'option 2 est d'ancrer l'intrigue dans un lieu, comme beaucoup des héros de Marvel par exemple, tous attachés à un fief (Batman=Gottam city, ): ce sont leurs ennemis qui viennent à eux (s'ils ne vivent pas déjà dans la ville). On peut citer aussi l'exemple intéressant de Buffy, tueuse de vampires, habitant Sunnydale, qui se trouve être la porte des enfers et qui, par nature, attire les menaces démoniaques. Cette configuration permet la diversité des personnages mais elle a ses limites : on est loin de la flexibilité proposée par le modèle épique. L'immobilité pose des contraintes de cohérence inconsciente et dirige le scénario vers le développement d'un nombre limité de confrontations plutôt qu'une succession trop grande d'ennemis ou d'alliés différents. La trame principale de fond est aussi plus conséquente, plus complexe et en même temps plus rigide, en raison de détails plus nombreux dont certains sont ritualisés et sont des structures dures (et aussi des repères). L'action est plus lente et comporte très souvent plusieurs épaisseurs chronologiques (flashbacks, souvenirs etc...). Face à ces deux grands modèles, quelle stratégie choisissent Kitsis et Horrowits ?Suspense ?... Les deux ! HA ! Choix audacieux, risqué, mais valide s'il avait été accompagné d'une rigueur adaptée. Le lancement de la série se focalise d'abord clairement sur un lieu (option n°2 ) : Storybrooke, que la saison 1 exploite brillamment et qui offre un support narratif riche, original à plus d'une quinzaine de personnages ce qui est déjà énorme. Le nombre et la cohabitation des références alimentent l'intérêt des spectateurs qui les découvrent tandis que se dessine un fil scénaristique majeur : l'identité d'Emma et sa rivalité plurielle avec Regina Mills. La trame avance plutôt vite et la malédiction se brise dès la fin de la première saison. La saison 2 commence donc logiquement par explorer la dualité temporelle (passé/présent) liée à l'intrigue et ouvre le développement assez légitimement sur un nouvel espace : la Forêt Enchantée, l'espace du passé (jusque là ça reste gérable) La ligne scénaristique semble donc toute tracée en vue d' éclaircir le bagage commun des personnages déjà présents qui semble lourd et complexe. Mais, surprise, cette ligne digresse, et au lieu de seulement approfondir la connaissance des liens entre les personnages déjà connus( et d'établir clairement leur histoire) de nouveaux personnages sont introduits autour d'une nouvelle action. (Philippe, Aurore, Mulan et leur lutte contre complexe contre Cora). C'est l'enchevêtrement du modèle épique et du modèle géo-centré qu'adoptera la série de manière permanente, en le poussant même à ses limites avec la création de deux arcs par saison, chacun accompagnés d'un nouveau groupes de personnages, d'une nouvelle action annexe et/ou d'un autre monde. La surcharge cognitive guette très vite le spectateur, qui croule sous les visages sans toujours avoir le temps d'y voir clair et sans, surtout, toujours comprendre leur intérêt narratif. L'effet brouillon ou l'effet prétexte est souvent reproché aux scénaristes, signe que les transitions opérées manque de travail et de consistance.

On peut ajouter à ces faiblesses, le manque de consistance des acteurs recrutés en complément du cast originel. Et c'est ma troisième critique majeure. L'exubérance demande une présence solide et intense pour être portée à l'écran, quelque soit la durée des performances en question. Force est de constater que beaucoup d'acteurs n'ont pas intégré l'équipe de Once upon a time en vertu de ce critère, mais parfois seulement (en tous cas il me semble) en raison de la ressemblance physique avec leur personnages fictif. Je pense à Elsa, à Aladin, Jasmine, qui n'ont pas su donner corps à leurs arcs. On peut, à l'inverse, citer Rebecca Mader (Zelena), brillantissime. Qui parvient à porter avec panache le non-sens scénaristique imposé à son personnage (lui faire avoir un enfant avec Robin...vraiment ???) et qui donne le change, surtout, face à une Regina Mills dont elle incarne la sœur. Deux sorcières ? Faites de la même matière ? Les chances pour que Rebecca Mader ait le moindre espace pour exister étaient minces. Emma avait l'opposition immémoriale du bien et du mal et toute la freaking intrigue du show pour faire une rivale crédible. La rousse, seule, relève le défi, elle porte son rôle au travers des faux pas d'écriture et l'assume jusqu'au bout dans un duo qui deviendra un des plus émouvants et des plus populaires de la série. A ce sujet d'ailleurs – il faut que j'en parle- je dois dire que la perplexité me gagne, lorsque j'apprends que la saison 7, ne verra pas son retour, mais celui de Belle et Gideon. (a.k.a Emilie de Ravin et Giles Mathey). Really ? Les goûts et les couleurs ne se discutent pas, je sais, mais ça ressemble à une très mauvaise décision. Il ne faut pas se méprendre : j'ai aimé Belle, j'ai surtout trouvé la connexion du show entre la Belle et la Bête/Rumple bien pensée. Mais on a voulu donné une dimension tragique au personnage et là on m'a perdue. A la décharge d'Emilie de Ravin la tâche n'était pas simple : un tandem amoureux avec le Ténébreux, aussi tortueux( sur le papier ) qui plus est, demandait une épine dorsale en titane, une sensibilité à fleur de peau certes, mais également du feu dans le ventre. Quelque chose qui justifie qu'un des êtres magiques les plus puissants de la Création en soit fou- parce qu’on se rappelle des moments on-ne-peut-plus étranges où La Méchante Reine fait du rentre dedans à Gold hein ?(distorsion de l'univers n°1) Et qu'il n'est PAS INTERESSE ! (distorsions de l'univers n°2, 3 et 4 !!!). A côté Belle... comment dire... les mots m’échappent et je ne sais même pas comment aborder le personnage de Gideon avec dignité... Ces personnages tels qu’ils sont écrits abordent des thèmes forts et portent quasiment la cohérence finale du show (avant le reboot). Je me contenterai de dire que, face à ces enjeux, la performance des acteurs en question a cruellement manqué d'envergure. La saison 7 et sa révolution porte donc certains espoirs, notamment ceux d’une ligne scénaristique plus sobre, et peut-être ceux d’un leadership plus éclairé. Mais il y a clairement encore de quoi trembler.

*depuis l’écriture de cet article le retour de Rebecca Mader a été annoncé et porté à l’écran.

Le subtext LGBT :

La série porte, en fait, la communauté LGBT jusqu'au maintext au travers du couple formé par Ruby et Dorothy, qui, sur le coup, nous sort un tantinet de nul part, mais qui fait sens en y réfléchissant, et représente un coup d'audace de la part de cette série financée en grande partie par Disney rappelons-le. L'enthousiasme LGBT se porte néanmoins sur un autre pairing et pas des moindres j'ai nommé: Emma Swan et Regina Mills, alias le célèbre « SwanQueen ». Dès 2014, le couple est élu « couple lesbien le plus populaire » par un sondage mené par AfterEllen, le média numérique le plus important de la communauté lesbienne (baptisé en référence à Ellen Degeneres). Lana Parrilla, à cette occasion donne une interview à Valerie Anne, rédactrice pour After Ellen dont je vous livre un extrait:

Valerie Anne : Avez-vous une idée des raisons qui poussent le public à vouloir que Regina et Emma soient un couple ? » (traduction faite par moi, soyez indulgents )

Lana Parrilla : Je pense qu'il s'agit de deux femmes fortes, puissantes, intelligentes et séduisantes. (rire) Désolée, je ne suis pas très objective. D'une part vous avez une brune aux yeux bruns-sombre, sulfureuse- et de l'autre vous avez cette blonde aux yeux bleus, tellement...(Lana s'arrête au milieu de sa phrase)Emma dégage quelque chose de différent de Regina. Elle est plus athlétique, plus dynamique, plus forte physiquement. La force de Regina est plus intérieure ce qui est aussi très attirant. C'est une sorcière, elle a de l'humour, des réparties mordantes que l'on adore tous. Elle peut même être vraiment sarcastique. Malgré leurs différences, ces deux personnages ont aussi beaucoup de qualités en commun, je comprend pourquoi le public voudrait les voir ensemble. Il y a une tension entre elles, qui dure depuis des années, elles se disputent, semble vouloir s'étriper sans jamais aller jusqu'à se faire vraiment de mal physiquement. Je pense que cette tension peut-être perçue comme une sorte de tension sexuelle par certains des téléspectateurs, notamment par les shippers du couple Swanqueens . »

Plus tard dans l'interview, Lana Parrilla évoquera également la co-parentalité d'Emma et Regina, comme facteur favorisant l'engouement de la communauté lesbienne à leur égard. Des mots qui cernent parfaitement l'ensemble du phénomène «Swanqueen et qui révèlent à quel point Lana Parrilla maîtrise toutes les facettes de son personnage. L'actrice assumera à de nombreuses reprises son adhésion au parcours différent emprunté par Regina à l'écran, notamment à son histoire d'amour avec Robin des bois, très significative dans l'évolution et la rédemption de l'ancienne reine. L'actrice sera néanmoins toujours ferme quant à sa position à l'égard des préjugés homophobes et rendra fréquemment hommage à la communauté lesbienne qui la soutient. Certains articles récents l'érigent comme héritière actuelle d'un statut d'icône lesbienne jusque là détenu par Lucy Lawless (la célèbre princesse guerrière, Xena). Une passation de titre devant laquelle j'éprouve personnellement beaucoup de réticences, notamment en raison de la dynamique entourant cet engouement. Beaucoup de conflits naissent autour de cette popularité lesbienne, conférant aux Swanqueen's shippers une image plutôt agressive, dans un climat qui laissent place à trop de déclarations publiques tendancieuses à leurs sujets. Le Swanqueen est donc en somme un sujet délicat et justement... la mécanique de non-dits (et de trop-dits), de clivage, de tensions est bien trop familière à mon goût. Aussi Lana Parrilla a un charisme hors-normes, une sensualité à l'écran qui agite sans doute un peu trop les hormones de ses fans. Mais cette violence et ce malaise sont révélateurs de dysfonctionnements qui n’ont rien de progressiste pour notre communauté. J’ai aussi à coeur de différencier le “queerbaiting” opéré largement par les séries actuelles (dont OUAT, de manière avouée) dans une visée commerciale et le courage de certaines productions, qui même sans être parfaite, assument une transition du subtext vers le maintext de couples de même sexe là où il ne sont pas toujours attendus ni forcément bienvenus. Le titre d’icône (de quoique se soit) récompense à mes yeux un visage qui a su rassembler, et porter sans équivoque un mouvement collectif trop conflictuel dans OUAT.

En tant qu'auteur (du dimanche) :

Le pairing Swanqueen fait couler beaucoup d'encre : 14 400 fictions leur sont dédiées sur Fanfiction.net, un chiffre surpassant le nombre d’écrits dédiés aux couples “concurrents” impliquant nos héroïnes: 11 100 fictions sont dédiées au couple Emma/Killian (CaptainSwan) et seulement 3600 au couple Regina/Hood (Outlawqueen). Sur AO3, 9777 fictions affichent en en-tête le tag “Evil queen/Regina Mills/Emma Swan” contre 8214 affichant Captain Hook/Killian Jones/ Emma Swan et 1975 affichant Evil Queen/Regina Mills/Robin Hood. A noter que les auteurs publient fréquemment sur les deux plateformes et que ces chiffres ignorent d'autres supports importants tels que d’autres plateformes de publication en ligne, certains blogs, forums ou même profils tumblr.

Sur quoi repose l'attrait créatif du Swanqueen ? Je ne vais pouvoir répondre au qu’en mon nom, je vais essayer néanmoins de m'en tenir à des choses susceptibles de mettre d’accord tous les auteurs inspirés par ce couple.

Premièrement, il y a l'alchimie entre les personnages déjà très bien expliquée plus tôt, par Lana Parrilla. Je passerai donc directement au facteur suivant, à savoir, à mon sens, le nombre de versions de ces deux personnages proposées par le show : le personnage de Regina est à lui seul, décliné en plusieurs variantes : la Méchante Reine d'une part, et d'autre part Regina Maire de Storybrooke qui elle même ,est une garce dans la saison 1 et son inverse dans la saison 6. Il y aussi la Regina joviale naïve de sa jeunesse, dominée par sa mère, en conflit avec les ambitions mégalomanes de cette dernière. Elle devient épouse-adolescente ravagée par le deuil abusée par un mariage forcé, puis manipulatrice, puis sociopathe déconnectée de ses émotions et Reine sanguinaire déchue, prisonnière. Emma, quant à elle, est d’abord une garante de caution à Boston, solitaire, abîmée par la vie, puis elle devient Sauveuse, héroïne collective idéalisée, elle apparaît à quelques reprises sous son titre légitime de princesse (robe à volant et tout le tralala) et enfin son changement le plus significatif : la naissance de Dark Swan. On peut aussi relever son passé d’orpheline et de délinquante en recherche d’elle-même. Cette matière à exploiter, c'est pratiquement être en sevrage de sucre et débarquer dans une usine Haribo ! Il y a un panel d'émotions, de cadres, de clefs si diverses et riches à disposition des auteurs que l’on ne sait pas où donner de la tête et que l’impression de n'avoir jamais fait le tour des personnages provoque ce sentiment qu'ils restent toujours d'autres histoires à écrire. Ce trait particulier me rappelle Xena The Warrior Princess, qui, a donné à la fanfiction ses plus beaux chefs d’oeuvre. Moins connus des générations d’auteurs et de lecteurs les plus jeunes, des noms tels que Kim Prietekel, Melissa Good, Suzanne. M Beck pour ne citer qu’eux sont encore à mes yeux, des auteures inégalées dans ce genre qui n’a pas encore su retrouver cette envergure. OUAT a néanmoins su inspirer quelques histoires poignantes et offre encore de quoi inspirer une littérature de haute-voltige.

Maintenant les difficultés. La première d'entre elle, c'est la barrière de la langue. Un obstacle auquel est confronté chaque auteur francophone regardant les épisodes en VO, par soucis d’authenticité et aussi clairement par impatience. Le passage de l’écriture en français est périlleux et nous met clairement en désavantage. Le mythique « Miss Swan » pose par exemple très vite problème et ce n’est qu’un exemple. La différenciation entre le vouvoiement et le tutoiement ici caractéristique de la langue de Molière est aussi difficile à gérer avec adresse, surtout lorsque la répartie entre les deux personnages est l’un des éléments essentiels de leur relation- très bien exploité dans le show d’ailleurs. Ensuite, pour ma part, il y a tout simplement Regina Mills elle-même, qui en soi, est ingérable. Dans une langue différente de la sienne qui plus est? On frise le casse-tête. L’incarnation à l’écran de Lana Parrilla présente des subtilités difficiles à mettre en mot, et si un auteur prend le parti de vouloir vraiment coller au personnage de la série la frustration est vite au rendez-vous.

Cela n’empêche pas de vouloir essayer manifestement et tant mieux.

Pour conclure :

Once upon a time aura marqué son temps, quelque soit l'issue de la saison prochaine. Il faut espérer que les remises en questions affichées par ce reboot, redonnent une réelle force à un concept qui a sans aucun doute, d'autres ressources à exploiter. Aux plus sceptiques: qui auraient pu deviner tout ce potentiel en premier lieu ? L'inattendu et l'attendu se partagent sans doute l'angoisse des fans même les plus investis, Horrowitz et Kitsis ont toutes les clefs en main et l'instant de vérité aura lieu en octobre. D'ici là, pour ma part, je garde espoir.

#swan queen #lana parrilla #ouat #critique #once upon a time

1 note · View note

aprillikesthings · 6 years

Text

time for a meme

I was tagged by @homosociallyyours 😘

Rules: answer 30 questions and tag 20 blogs you would like to know better

nicknames: April is not an easily-nicknamed name. What few nicknames I have are from people I care about a lot and nobody else is allowed to call me by those names?? So I always feel weird sharing them.

gender: cis lady. I also heard the phrase “tomboy femme” recently which I like. I wanna wear the frilliest clothes but I also like doing my own bicycle repairs and fixing things around the house. When I was a little girl I always wanted to wear my prettiest dress, but with shorts underneath so I could still go upside-down on the monkey bars, and that’s a pretty good summation of it.

star sign: Scorpio. Aquarius rising, Moon in Cancer, Mercury and Venus in Sagittarius, Mars in Leo. Pretty sure I don’t believe in astrology but some of that shit is pretty accurate.

height: 5′2″

time: 11:05pm

birthday: November 8, 1979

favourite bands: Radiohead always and forever god damn, Kula Shaker, XTC, The Beatles, MGMT (but only their first album), Arctic Monkeys (but only A.M.), Talking Heads.....damn that’s a lot of (mostly British) white dudes, shit

favourite solo artists: Björk always and forever, Joanna Newsom, Fiona Apple, Hayley Kiyoko, Blitz the Ambassador, Nicki Minaj

song stuck in my head: Juju Girl by Blitz the Ambassador after answering that last question

last movie I watched: Finally saw The Last Jedi last night, yesssss (now I need to see The Shape of Water)

when did I create my blog: June 2012--the same as both @marsdaydream and @homosociallyyours!!

what do I post: fuck-tons of Steven Universe, a smattering of other fandoms, bicycles, clothes, portland shit, a lot of personal stuff, dumb memes, pet rats

last thing I googled: I have no idea

do I have other blogs: hoooo boy. I have an ancient LiveJournal that I started in 2003 and was still posting to a few times a year but I’ve moved it all to DreamWidth. I used to keep up on a blog about bicycling called aprillikesbikes on wordpress--my last post there was probably 2011. On tumblr I run @smuttyamedot and I post nekkid selfies to @assmethyst

do I get asks?: Sometimes. I’ll admit that when the notification pops up my initial reaction is “oh shit” unless I’ve just posted an ask meme, lol. I haven’t gotten any actual harassment or anything, though.

why did I choose my URL: Honestly I just wanted something that wasn’t too similar to my old LJ name and left room for me to post about anything I was into. Plus I was thinking about my bicycling blog, I guess?

following blogs: 751, though a lot of them aren’t active

followers: 1,195 (holy shit), but it’s the same two dozen or so people who are at least half my notes on any given day

favourite colours: purple and green, and that was true even before I got into SU.

average hours of sleep: this varies wildly. Or at least it used to?? Now that I’m working overnights and passing out around 8 or 9am every day I seem to be getting an average of seven to nine hours. Though I slept for eleven the other day.

lucky numbers: 42. Not very creative. (Wait, how many of y’all get that reference anymore?)

what am i wearing: My work uniform, which is an ill-fitting skirt suit. Also smartwool tights that are black and purple, and lilac ballet flats.

how many blankets do i sleep with: three, this time of year.

dream job: not having to fucking work. I hate working. I’ve always hated working. There’s not a single thing I do for fun that I’m willing to monetize enough to live on. My life goal is getting a tolerably dull full-time job with regular hours that pays enough to live on with some left over for funsies, and that doesn’t mentally or physically drain me too much. I accept that I have to work to get money which can be exchanged for goods and services....but I fucking hate it. (Honestly, if being a bike mechanic didn’t pay shit (like, they make entry-level retail most places) and require me to do the most work when I’d like to be doing the least work, I’d try to do that.)

dream trip: Bicycle touring Glacier National Park and the Icefields Parkway again. But with a bicycle that fits me better and less worry about money. That and and I want to see Iceland again. And Japan (for the first time), but only if I have the cash to buy some clothes. Also I’d love to take a trip to Greece and Croatia where all I do is walk around ruins and stuff, stuff my face with vegan food, and then alternate between swimming and reading on the beach under a big umbrella. I’ll bring a bikini and a hat and like....five tubes of high-spf sunblock.

favourite food: PASTA. Oh my god pasta. Almost any kind of pasta.

nationality: American. Family history is mostly Polish on one side (my last name is Polish) and mostly German and English on the other.

favourite song right now: oh god, probably a Hayley Kiyoko song. Gravel to Tempo or Feelings or Curious. Though as I ranted about last night, I’m still capable of listening to Electric Feel by MGMT every single day. Also Do I Wanna Know by Arctic Monkeys.

TAGGING I am not tagging that many people. Also it took waaaay too long for me to write this anyway, considering that like...ten people are gonna see it, lol. If you read this: you’re tagged!!

#meme

9 notes · View notes

crowdvscritic · 4 years

Text

round up // JUNE 20

The quarantine continues, and so does my insane level of film consumption. As you’ve probably discovered in your many a Zoom call, if you ask, “What’s new?” you usually get a, “Nothing much since we last talked.” Of course, these days no news means good news, so I’ll happily confirm the same is true here at Crowd vs. Critic. In this time of no movie theatres and few new releases, I’m catching up on a lot of classics and squeezing in a yoga sesh and reading in between. Perhaps these pop culture pieces that brought me joy in June will bring you some in July!

June Crowd-Pleasers

Yoga with Adriene

Adriene is all about finding what feels good, and her yoga videos have been helping me feel good during quarantine. I’m a big fan of browsing her YouTube playlist of 20-30 minute practices and picking whatever focus sounds like it would, well, feel good on my lunch break or when I wrap up my work day. If you’re looking for a way to stay active, destressed, or stretched out, Adriene’s (and her dog Benji’s) friendly videos have become my go-to.

The World According to Jeff Goldblum (2019- )

You know those people who can make anything interesting? Jeff Goldblum is the quintessence of that kind of person. Every episode of this Disney+ docuseries covers a broad topic that happens to intrigue him, including ice cream, tattoos, denim, RVs, and jewelry. While I don’t have many questions about ice cream, per se, I’m happy to just ride along on his trips all over the US to learn more about it. He finds niche communities, game changers, and new technology I suspect most won’t be familiar with, and he finds ways to get involved, a lá giving someone a Jurassic Park tattoo or getting custom grills made for his teeth. Truthfully, I don’t care much about what Goldblum chooses to explore as long as he’s stammering and sing-song-ing his way through as only he can.

Double Feature – Historical Action Flicks: The Quick and the Dead (1995) + Troy (2004)

I told you last month I’m working on the Western genre, and The Quick and the Dead (Crowd: 9/10 // Critic: 8/10) is a ‘90s entry from Sam Raimi featuring a rare female lead (Sharon Stone), the babiest of Leo DiCaprios, an evil Gene Hackman, and an epic tournament of duels. If you’d prefer your adventure several thousand years back, Troy (Crowd: 8/10 // Critic: 7/10) is a star-studded interpretation of The Iliad featuring a plethora of togas, romance, and epic battle scenes.

Double Feature – Corporate Espionage Thrillers: The Firm (1993) + Jack Ryan: Shadow Recruit (2014)

Two unassuming guys start jobs bright-eyed and leave jaded, one a fresh-out-of-law-school attorney and the other a quit-school-to-save-the-world CIA analyst. The Firm (Crowd: 9/10 // Critic: 9/10) is the critical winner of the pair, but Jack Ryan (Crowd: 8.5/10 // Critic: 7/10) is a more satisfying action movie than its Rotten Tomatoes score would suggest. (Another example of why we should take those numbers with a grain of salt.) Bonus: Another evil Gene Hackman in The Firm!

Double Feature – New Crime Comedies: The Lovebirds + My Spy (2020)

For a family movie night in, I recommend My Spy on Amazon Prime (Crowd: 8.5/10 // Critic: 7/10), which holds the honor of the last movie I watched in theatres before everything shut down. For date night in, I recommend The Lovebirds (Crowd: 9/10 // Critic: 7/10), which made me ready for Kumail Nanjiani to become a superstar. You can read my full thoughts on this fun pair of laughs on ZekeFilm:

The Lovebirds

My Spy

Double Feature – Heist Thrillers: Now You See Me (2013) + Finding Steve McQueen (2019)

Close up magic hasn’t been as cool as Now You See Me(Crowd: 10/10 // Critic: 8/10) since Houdini was escaping handcuffs. This, of course, has less to do with the magic shows and more to do with the Ocean’s Eleven/The Sting-style plot. I love a movie that pulls the wool over my eyes—Hollywood, this is your call to trick me more often! And who says “cool” like Steve McQueen? While I wouldn’t have minded another pass at the dialogue in Finding Steve McQueen (Crowd: 8.5/10 // Critic: 6.5/10), this based-on-a-true-story heist targeting President Nixon looks as cool as it is funny.

Double Feature – ‘80s Comedies: ¡Three Amigos! (1986) + Coming to America (1988)

The stars of early SNL & Friends make movies! Steve Martin, Martin Short, and Chevy Chase bring an alternative version of The Magnificent Seven with more jokes and fewer successful heroics, and I’m surprised at how most of it (save a few moments) has aged well. (Crowd: 9.5/10 // Critic: 7.5/10) And who knows when we’ll get the sequel Coming 2 America that Eddie Murphy and Arsenio Hall were going to star in this year, but the original sweet and silly romantic comedy about a Prince looking for love is worth revisiting so we’re ready whenever it drops. (Crowd: 8.5/10 // Critic: 8/10)

Cinematic Cities: New York by Christian Blauvelt (2019)

I started this Turner Classic Movies book to prep for my first visit to New York City in March...well, we all know what happened there. Kudos to this writer and the book designers who helped me wrap my head around how the neighborhoods are connected in this city and where to find famous movie locales, plus a few off the beaten path. Now I have more places I want to see and taste and experience when I finally go, but until then, I’ve got a list of movies to watch so my vacation doesn’t feel so far away.

youtube

Summer Stock (1950)

The plot is hackneyed and the songs are hokey, but, gee, if I didn't spend the whole time wishing we had more movie stars like these clowns, Gene Kelly and Judy Garland. Twice I tried to wipe the smile off my face as Gene danced, and I just couldn't do it. The corners of my mouth twitched back up because a newspaper and squeaky floor were competing with Judy for his best dance partner! 70 years later this movie still won't let someone wipe a stupid grin off her face—three cheers for camera-magnetic movie stars! Crowd: 8/10 // Critic: 6/10

Air Force One (1997)

Sure, it’s Die Hard on a plane, but when you nail the formula this well, I think you get more than a pass. Crowd: 9/10 // Critic: 6.5/10

June Critic Picks

The Sting (1973)

I jumped out of chronological order in my Best Picture watch because I liked Butch and Sundance so much. It’s an unusual winner, but it holds up well. Scroll down a bit for two reviews, or catch ‘em here:

Crowd

Critic

Double Feature - World War II Action Dramas: Saving Private Ryan (1998) + Enemy at the Gates (2001)

Watching this pair back-to-back makes for a poignant compare and contrast of how the United States and Russia managed their campaigns during World War II (at least as they’re depicted here). In Saving Private Ryan (Crowd: 8.5/10 // Critic: 10/10), Tom Hanks and Co. are trying to save one soldier just after D-Day; in Enemy at the Gates (Crowd: 8.5/10 // Critic: 8.5/10), Jude Law is a legendary sniper trying to give hope to his comrades. Compare how both armies fight against all odds, and contrast how one life matters to each country.

Anna Karenina (2012)

Joe Wright reunites with much of his Pride and Prejudice cast, and it’s as magical and beautiful as you’d hope. Keira Knightley stars as the tragic heroine alongside a stacked cast including Domnhall Gleeson, Jude Law, Matthew Macfayden, Aaron Taylor-Johnson, and Alicia Vikander. Fun fact: I just learned my grandfather calls Knightley “his girlfriend” because he thinks she’s so cute in Pride and Prejudice—no word yet on what he thought of the gorgeous gowns she wore in this movie, but my podcast co-host Kyla and I loved them in our most recent episode. Crowd: 8.5/10 // Critic: 10/10

Double Feature – Humphrey Bogart: The Maltese Falcon (1941) + Key Largo (1948)

Plenty has been written about how The Maltese Falcon (Crowd: 8.5/10 // Critic: 9/10) is the epitome of Film Noir. Now that I’ve met Sam Spade and his femme fatale (Mary Astor) and watched their hunt for a McGuffin, I’ll just join in the chorus. And now that I’ve watched all of Bogie and Bacall’s features, I’m picking Dark Passage as my favorite and Key Largo (Crowd: 8/10 // Critic: 8.5/10) my second. In their last film together, she’s a war widow and he was a soldier who knew her husband. When he comes to visit her at her hotel in Key Largo, they end up stuck inside during a hurricane with gangsters—tension ensues.

Da 5 Bloods (2020)

While Spike Lee’s latest was a little long, it’s hard to know what to cut when its updated take on The Treasure of the Sierra Madre is so engrossing. Between the performances, the action, and the treasure hunt plot, it’s the rare Netflix original in which you won’t be tempted to look at your phone. I’m hoping Delroy Lindo is in the Oscars conversation come next April. Crowd: 8.5/10 // Critic: 8.5/10

youtube

Long Gone Summer (2020)

The summer of ’98 was big for me: My sister was born, my family moved to a new house, and I turned six with a Mulan-themed party. (Yes, I was the height of cool.) It was also the summer Mark McGwire and Sammy Sosa faced off in a home run battle to beat Roger Maris’s regular season record, which even then I knew was a big deal. This ESPN 30 for 30 episode interviews McGwire, Sosa, and everybody in their orbit, but the real heart is the tribute it pays to St. Louis, Chicago, and baseball as a whole. I knew baseball films make me cry, and it turns out good baseball documentaries do, too.

Women In Music Pt. III by HAIM (2020)

The sisters are back with an album made for late-night driving with the windows down, and “I Know Alone” feels like a COVID anthem.

The Umbrellas of Cherbourg (1964)

If you loved La La Land like I did and haven’t seen this musical, just get around to watching it already! From the colorful aesthetic to the melancholy plot structure, you can literally see Damien Chazelle’s inspiration for his modern musical. And if you can find an answer as to why the Academy found this film worthy of consideration at not one but two Oscars ceremonies, let me know—I’ve yet to solve that mystery. Crowd: 7/10 // Critic: 9/10

Double Feature – Gregory La Cava Class Comedies: My Man Godfrey (1936) + 5th Avenue Girl (1939)

I don’t think I’ve watched a film from the 1930s that isn’t about money on some level, and these two from director Gregory La Cava are no exception. In Godfrey (Crowd: 8.5/10 // Critic: 8.5/10), Carole Lombard is a socialite who brings a homeless man in as their family’s new butler (William Powell), but there’s more to him than they know. in 5th Avenue (Crowd: 8/10 // Critic: 8/10), Ginger Rogers befriends a lonely businessman (Walter Connolly), and though their relationship is platonic, that doesn’t mean he won’t hire her to make his philandering wife jealous. The moral of both films? Rich people be crazy, which is a great set up for comedy.

Also in June…

In addition to Anna Karenina, Kyla and teased our self-made millionaire hair and introduced our butler Max to discuss the ‘80s rom-com procedural Hart to Hart. If you enjoy detective shows, it’s a fun spin on the genre you may enjoy.

I watched and reviewed Best Picture winners The Sting (above) and the worst one I’ve watched yet, 1933’s Cavalcade. Read the Crowd and Critic reviews to know why it’s not worth your time.

I updated my Letterboxd with a list of all the movies in Cinematic Cities: New York, and my quarantine watch list is almost to 250.

Photo credits: Yoga With Adriene, HAIM. Cinematic Cities my own. All others IMDb.com.

0 notes