#gunther schuller

[jazzdailyblog]

"The Wonderful World of Jazz:" Exploring John Lewis' 1961 Masterpiece

Introduction: John Lewis, best known for his work with the Modern Jazz Quartet (MJQ), carved out a significant niche for himself in the jazz world with his sophisticated compositions and distinctive piano style. One of his most rewarding endeavors outside the MJQ is the album “The Wonderful World of Jazz,” released in 1961. This album not only showcases Lewis’ prowess as a pianist and composer…

[musicmags]

[differenthead]

Volume 253

Listen to Different Head, Vol. 253: "Heartbeat" (May 17, 2023) byDifferent Head on hearthis.at

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0:00:00 — "Some Place You Can Leave" by Bodywash (2016)

0:03:30 — "Hypnotist" by Lightheaded (2019)

0:05:59 — DJ

0:09:16 — "Microbe" by Snooper (2020)

0:10:37 — "Burst the Shell" by Chronophage (2022)

0:12:54 — "New York" by Soft Yes (2022)

0:15:55 — "18 Cigarettes" by Ducks Ltd. (2021)

0:19:05 — DJ

0:22:44 — "Heartbeat" by Nuovo Testamento (2023)

0:26:43 — "Tru Nature" by Discovery Zone (2020)

0:30:44 — "Asleep" by Sofie Royer (2020)

0:33:34 — DJ

0:38:39 — "Face Down" by Gunther Schuller & Joe Lovano (1997)

0:44:46 — "Wreckage" by Qasim Naqvi (2017)

0:49:29 — "Sketches of Lines in Spiral" by Lori Scacco (2004)

0:51:11 — DJ

0:55:16 — "Time Alone" by Fetch Tiger (2022)

[projazznet]

Remembering John Aaron Lewis (May 3, 1920 – March 29, 2001)

John Lewis ‎– The Wonderful World Of Jazz

The Wonderful World of Jazz is an album by pianist and composer John Lewis recorded for the Atlantic label in 1960. This is one of pianist John Lewis’ most rewarding albums outside of his work with the Modern Jazz Quartet.

John Lewis – piano, arranger Jim Hall – guitar George Duvivier – bass Connie Kay – drums Herb Pomeroy – trumpet Gunther Schuller – French horn Eric Dolphy – alto saxophone Benny Golson , Paul Gonsalves – tenor saxophone James Rivers – baritone saxophone

[dreaminginthedeepsouth]

Last date- Miss Ann.

Listen and at the end of his wild beautiful piece we are treated to contact with the voice, mind and heart of Eric Dolphy (quoted below)."Miss Ann" from the album, "Last Date"

"The more musicians you play with, certain things will help you, I feel. That develops you, because music, regardless of what it is, what label we put on, it's basically music, and basically it's creative, because when you think about it, when you hear music, after it's over, after it's over, it's gone, in the air, you can never capture it again, so it's pure creation. 

When you listen to Beethoven, Brahms, or you listen to Mingus or Coltrane or Stravinsky, Ravel or Duke Ellington or Sonny Rollins, Roland Kirk, any. Oscar Peterson, Ella Fitzgerald, this all has to be and I had some wonderful experience, I'll tell you, I played, and Gunther Schuller arranged it, a piece for Orchestra U.S.A. and Leonard Bernstein liked us. He wanted to do it, with the Philharmonic. So we did it with the Philharmonic and I had the chance to play as a soloist in this piece and that was a wonderful experience. Those great musicians, it's great to play with them. 

Every musician that has his contribution is a great musician whether he has a name or not. Because some man that have a stronger personality that come over stronger than we hear more often, but it takes the musician that you never hear about to make them great, to make the music come to us."

-Eric Dolphy

[Thanks David Lauterstein]

[lboogie1906]

Michael Morgan (September 17, 1957 - August 20, 2021) was instrumental in bringing his eclectic orchestral leadership style to a diverse audience. Since becoming musical director of the Oakland East Bay Symphony Orchestra in 1990, he has become well respected, particularly in the African American community of the area, and has served as an inspiration to groups that have been underrepresented in classical music.

He was born in DC. His parents were government health researchers and notably active in the area public schools he attended. A child prodigy, at the age of 12 he conducted his first classical performances. He would continue his study of musical performance at Oberlin College. He was exposed to numerous notable classical conductors and performers including Leonard Bernstein, Gunther Schuller, Seiji Ozawa, and Julius Rudel.

He graduated from Oberlin and began his career working with various symphony orchestras. He gained a number of accolades including winning first prize in the Hans Swarowsky International Conductors Competition and soon after became assistant conductor of the St. Louis Symphony Orchestra. He was selected assistant conductor for the Chicago Symphony Orchestra. He would become the lead music director for the Oakland East Bay Symphony.

The ethnic diversity of the Oakland East Bay region influenced his musical style and collaborations. He has infused styles of jazz, rock, and Afro-Cuban music into his performances. He has included modern pieces by local artists such as Victor Noriega, a Filipino American composer from Oakland. Other pieces include works by composers from Iran, China, Armenia, and Argentina.

He received the Governor’s Award for Community Service and the Concert Music Award from the American Society of Composers, Publishers, and Authors (ASCAP). His recognition gained him a place as a guest conductor for symphonies in Atlanta, New York, Los Angeles, Houston, and many other cities. #africanhistory365 #africanexcellence

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

BENNY CARTER, L’HOMME À TOUT FAIRE DU JAZZ

"Everyone should listen to Benny Carter. He's a whole musical education."

- Miles Davis

Né le 8 août 1907 à New York, Bennett Lester ‘’Benny’’ Carter était le seul fils et le plus jeune d’une famille de trois enfants. Carter a grandi à San Juan Hill, un des quartiers les plus turbulents de Manhattan.

Carter avait été initié à la musique dès son plus jeune âge grâce à sa mère qui lui avait donné des leçons de piano. Sous l’influence de son cousin, le légendaire Theodore ‘’Cuban’’ Bennett, et de son voisin, le trompettiste de l’orchestre de Duke Ellington, Bubber Miley, Carter avait décidé d’apprendre la trompette en autodidacte. S’étant lassé de la trompette, Carter avait finalement décidé de l’échanger contre un ‘’C-melody Saxophone’’, un instrument dont la sonorité se situait entre le saxophone alto et le saxophone ténor, et dont il avait joué pendant un certain temps avant de fixer son choix sur l’alto. L’une des premières influences de Carter était le saxophoniste Frankie Trumbauer, un ancien collaborateur de Bix Beiderbecke. Carter avait fait des études au Wilberforce College en Ohio, mais il avait abandonné en huitième année pour se lancer dans une carrière musicale.

CARRIÈRE PROFESSIONNELLE Carter avait démarré sa carrière professionnelle à l’âge de quinze ans en jouant dans les bars de Harlem avec les meilleurs groupes de New York.

Dans les années 1920, Carter s’était produit avec June Clark, Billy Paige et Earl Hines. Par la suite, il avait fait une tournée avec les Wilberforce Collegians dirigés par Horace Henderson (le frère de Fletcher). Carter a fait ses débuts sur disque en 1927 avec les Paradise Ten de Charlie Johnson. Après être retourné avec les Wilberforce Collegians, avec lequel il avait participé à un concert au Savoy Ballroom de New York, Carter était devenu le directeur musical du groupe jusqu’en 1929.

Au début des années 1930, Carter et Johnny Hodges étaient considérés comme les deux saxophonistes alto dominants. Carter était également devenu un trompettiste majeur. Dans les années 1930, après avoir redécouvert son instrument, Carter avait énormément enregistré à la trompette.

À partir de 1930, Carter avait travaillé comme arrangeur de Fletcher Henderson en remplacement de Don Redman. Il avait aussi été arrangeur pour les big bands de Charlie Johnson, Horace Henderson et Chick Webb. Les arrangements de Carter étaient plutôt complexes. Parmi les arrangements majeurs qu’il avait réalisés, on remarquait ‘’Keep a Song in Your Soul’’, qu’il avait écrit pour Henderson en 1930, ’’Lonesome Nights’’ et ‘’Symphony in Riffs’’, tous deux composés en 1933.

Les arrangements de Carter étaient si imaginatifs (plus particulièrement la partie réservée au saxophone) que le compositeur Gunther Schuller avait écrit à son sujet que "Carter was now the arranger everyone followed." Autodidacte, Carter n’avait aucune formation d’arrangeur. Il avait appris par essais-erreurs en s’inspirant des pièces existantes. Carter commençait par écrire les partitions de la trompette et du saxophone, une méthode qui était, comme il l’expliquait lui-même, ‘’the hard way. It was quite some time that I did that before I knew what a score was."

Par la suite, Carter avait quitté Henderson pour assurer la relève de Don Redman comme leader des McKinney’s Cotton Pickers à Detroit. Déjà maître du saxophone alto, Carter en avait profité pour retourner à ses premières amours, la trompette.

En 1932, Carter avait formé un groupe à New York qui comprenait Chu Berry, Sid Catlett, Cozy Cole, Bill Coleman, Ben Webster, Dickie Wells et Teddy Wilson. Malheureusement, les standards de qualité de Carter n’étaient pas une garantie de succès commercial, et il avait dû démanteler son groupe à la fin de 1934.

Même si l’éphémère orchestre de Carter avait joué au Harlem Club de New York, il n’avait enregistré que quelques albums pour les disques Columbia, Okeh et Vacation. Les disques de l’orchestre sur étiquette Okeh avaient été produits sous le nom de Chocolate Dandies.

En 1933, Carter avait participé à des sessions d’enregistrement du compositeur et musicien britannique Spikie Hughes. Ce dernier se trouvait à New York afin d’organiser des enregistrements avec les plus importants musiciens afro-américains. Cette collaboration avait donné lieu à la publication d’un album intitulé ‘’Spike Hughes and His Negro Orchestra’’, qui avait d’abord été publié exclusivement en Angleterre. L’album comprenait dix-huit pièces, dont quatre étaient interprétées par le big band de Carter. Parmi les membres de l’orchestre, on remarquait Red Allen, Dicky Wells, Wayman Carver, Coleman Hawkins, J.C. Higginbotham et Chu Berry. UN VÉRITABLE HOMME-ORCHESTRE Après avoir été invité à jouer à Paris en 1935 avec l’orchestre de Willie Lewis, Carter s’était installé l’année suivante à Londres. Sur la recommandation du critique de jazz de Leonard Feather, Carter avait été arrangeur durant deux ans pour le BBC Big Band. Tant en Angleterre qu’en France et en Scandinavie, Carter avait enregistré avec des musiciens importants, dont Coleman Hawkins. Il était même allé jouer avec son big band dans les Pays-Bas. Lors de son séjour, Carter avait joué non seulement du saxophone alto et du saxophone ténor, mais aussi de la trompette, de la clarinette et du piano, en plus de chanter à l’occasion. Rentré aux États-Unis en 1938, Carter était retourné jouer avec son orchestre au Savoy Ballroom de Harlem, où il était demeuré jusqu’en 1941. À l’époque, le groupe de Carter était composé de Shad Collins, Sidney De Paris, Vic Dickenson et Freddie Webster. Après avoir quitté le Savoy, Carter avait dirigeé un groupe de sept musiciens qui comprenait notamment Eddie Barefield, Kenny Clarke et Dizzy Gillespie. Toujours très en demande comme arrangeur, Carter avait collaboré avec de grosses pointures comme Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington, Glenn Miller et Tommy Dorsey.

En 1945, Carter s’était installé à Los Angeles où il avait formé un autre groupe. Celui-ci était composé entre autres de J.S. Johnson, Max Roach, Art Pepper et Miles Davis. Ce dernier avait fait un jour un grand compliment à Carter en déclarant à son sujet: "Everyone should listen to Benny Carter. He's a whole musical education."

Il s’agissait d’un des derniers big bands de la carrière de Carter. À l’exception de concerts occasionnels avec le Jazz at the Philarmonic de Norman Granz et de ses propres enregistrements, Carter avait cessé de diriger des grandes formations.

DERNIÈRES ANNÉES ET POSTÉRITÉ

À Los Angeles, Carter avait eu beaucoup plus d’occasions de travailler en studio, ce qui avait occupé la majeure partie de son temps durant des années. Pendant cette période, Carter avait aussi écrit de la musique et des arrangements pour des films comme ‘’Stormy Weather’’ en 1943. Il avait également composé pour la télévision.

Dans les années 1950 et 1960, Carter avait écrit des arrangements pour des chanteurs et chanteuses comme Louis Armstrong, Billie Holiday, Ray Charles, Ella Fitzgerald, Lou Rawls, Pearl Bailey, Mel Torme, Peggy Lee, Billy Eckstine et Sarah Vaughan.

Dans les années 1970, Carter avait tenté d’effectuer un retour. Il avait recommencé à jouer du saxophone en concert et avait même participé à une tournée du Moyen-Orient organisée par le Département d’État. C’est aussi à cette époque que Carter avait commencé à faire des visites annuelles en Europe et au Japon.

En 1969, Morroe Berger, un professeur de sociologie de l’Université Princeton qui avait fait une thèse de doctorat sur le jazz, avait invité Carter à venir passer un weekend dans son université. Cette visite avait permis à Carter de découvrir une nouvelle facette de son énorme potentiel, celle de pédagogue. Au cours des neuf années suivantes, Carter avait visité Princeton à cinq reprises, la plupart du temps pour de brefs séjours, sauf en 1973 lorsqu’il y avait passé un semestre comme professeur invité. En 1974, l’Université Princeton avait d’ailleurs décerné à Carter un doctorat honorifique. Carter avait également animé des ateliers et des séminaires dans d’autres universités. Durant une semaine en 1987, il avait même été lecteur invité à l’Université Harvard. Morroe Berger, qui était à l’origine de la carrière d’enseignement de Carter, lui avait consacré une biographie en deux volumes en 1982, intitulée ‘’Benny Carter - A Life in American Music.’’

  Benny Carter avait beau avoir plus de soixante-dix ans, le temps ne semblait avoir aucune prise sur lui. Au cours des années 1980, Carter avait composé une longue pièce intitulée ‘’Central City Sketches’’ qui avait été présentée devant la Cooper Union par l’American Jazz Orchestra. Une autre composition de longue durée de Carter, la ‘’Glasgow Suite’’, avait été jouée en Écosse. En 1990, le Lincoln Center avait commandé à Carter une pièce intitulée ‘’Good Vibes.’’ La National Endowment for the Arts avait aussi accordé une subvention à Carter qui avait conduit à la composition de ‘’Tales of the Rising Sun Suite’’ et de la ‘’Harlem Renaissance Suite.’’ Carter était âgé de quatre-vingt-cinq ans lorsque cette musique avait finalement été interprétée.

La longévité de Carter était plutôt inhabituelle pour un musicien de jazz. Véritable encyclopédie du jazz, Carter est sans doute le seul musicien de jazz dont la carrière avait traversé huit décennies. Homme plutôt tranquille, Carter n’avait jamais connu de problème majeur, contrairement à ses collègues musiciens dont l’itinéraire avait souvent été jalonné de tragédies personnelles, de démêlés avec la justice ou de problèmes de toxicomanie. Carter était non seulement polyvalent, c’était également un gentilhomme qui était toujours aimable, souriant et courtois. En plus d’avoir contribué à redéfinir le son du saxophone alto, Carter jouait aussi du saxophone ténor et du saxophone soprano, de la trompette, du trombone, de la clarinette et du piano.

Le jeu de Carter au saxophone était caractérisé par la pureté du son, les ornementations élégantes, la précision rythmique et un sens inné du swing. Duke Ellington avait un jour écrit au sujet de Carter: "The problem of expressing the contributions that Benny Carter has made to popular music is so tremendous it completely fazes me, so extraordinary a musician is he."

Carter s’était marié à cinq reprises. Sa première épouse est morte de pneumonie trois ans après son mariage en 1925. Trois autres de ses mariages s’étaient terminés sur un divorce. En 1979, Carter avait épousé Hilma Ollila Arons, qu’il avait rencontrée en 1940 au Savoy Ballroom. Benny Carter est mort le 12 juillet 2003 au Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles. Les causes de sa mort ont été attribuées à des complications survenues à la suite d’une bronchite. Il était âgé de quatre-vingt-quinze ans. Carter laissait dans le deuil son épouse Hilma, une fille, une petite-fille et un petit-fils.

Considéré comme un des meilleurs saxophonistes alto de l’histoire du jazz, Benny Carter avait reçu de nombreux honneurs au cours de sa longue carrière. Après avoir été intronisé au DownBeat Jazz Hall of Fame en 1977, le Black Filmmakers Hall of Fame lui avait décerné le même honneur l’année suivante. En 1980, l’American Society of Music Arrangers and Composers lui avait attribué un Golden Score Award. En 1982, le soixante-quinzième anniversaire de naissance de Carter avait été commémoré par la station de radio new-yorkaise WKCR qui avait fait jouer sa musique sans interruption durant une semaine.

Lauréat d’un Jazz Masters Award du National Endowment for the Arts en 1986, Carter avait aussi vu sa carrière être couronnée par la remise d’un Grammy Lifetime Achievement Award l’année suivante. En 1994, Carter avait aussi remporté un prix Grammy pour un solo qu’il avait exécuté sur la pièce ‘’Prelude to a Kiss’’ de Duke Ellington. Carter a également sa propre étoile sur le Hollywood Walk of Fame.

En 1989, le Lincoln Center avait célébré le quatre-vingt-deuxième anniversaire de naissance de Carter avec un pot-pourri de ses compositions interprété par les chanteuses Ernestine Anderson et Sylvia Syms. L’année suivante, Carter a été élu Artiste Jazz de l’Année dans le cadre des sondages organisés par les magazines DownBeat et Jazz Times. En plus d’avoir vu sa carrière être récompensée par le Kennedy Center en 1996, Carter avait obtenu quatre doctorats honorifiques des universités Princeton (1974), Rutgers (1991), Harvard (1994), ainsi que du New England Conservatory of Music (1998). En 2000, le président Bill Clinton avait décerné à Carter la National Medal of Arts. En 1996, la carrière de Carter a également été l’objet d’un documentaire vidéo intitulé ‘’Symphony in Riffs.’’

C-2023-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique SOURCES:

‘’Benny Carter.’’ Wikipedia, 2023. ‘’Benny Carter Biography.’’ Encyclopedia of World Biography, 2004. ‘’Benny Carter, American Musician.’’ Encyclopaedia Britannica, 2023.

[anexceptionallysimpletheory]

Word of the Day

Third Stream                  

Third Stream (a term invented by composer Gunther Schuller in 1957) essentially means a mixture of jazz and classical music. Most attempts at fusing the two very different idioms have been (at best) mixed successes with string sections weighing down jazz soloists. In the 1920s, Paul Whiteman alternated between symphonic string sections and classic jazz solos. Strings were used in some swing bands in the 1940s (most inventively by Artie Shaw and Stan Kenton's dissonant works of 1950-51) but in all cases the added musicians were merely reading their parts and backing the improvisers. Starting with Charlie Parker in 1949, jazz players recorded now and then (while joined by strings), but it was not until the mid-to-late '50s that more serious experiments began to take place. Schuller, John Lewis, J.J. Johnson, and Bill Russo were some of the more significant composers attempting to bridge the gap between jazz and classical music. Most musical forecasters in the mid-'50s would have predicted that jazz's next phase would involve a fusion of sorts with classical music, but the rise of the avant garde (which has a spontaneity and an extrovertism that most pseudo-classical works lack) largely ended the third stream movement before it came close to catching on beyond academic circles. Since its heyday in the late '50s, there have been occasional third stream projects ranging from significant successes (such as Eddie Daniels' Breakthrough CD for GRP) to some that sound closer to pompous Muzak. Although the movement never really became a major force, it still has potential.

[pastdaily]

Gunther Schuller - The State Of Music In 1975 - Past Daily: "Talking About . . . "

Gunther Schuller – coined the phrase “Third Stream Music” and the world was never the same. https://pastdaily.com/wp-content/uploads/2023/07/Panthechnicon-Gunther-Schuller-April-4-1975-Eastern-Public-Radio.mp3 – Gunther Schuller In conversation – Pantechnicon – Eastern Educational Radio – April 4, 1975 – Gordon Skene Sound Collection – We (Americans, mostly) do love to pigeon-hole. If it isn’t…

[shopnantucketisland]

Check out this listing I just added to my Poshmark closet: Music Book Set Oxford Dictionary and Early Jazz Research History Homeschool.

[oconnormusicstudio]

A Favorite of mine - Cab Calloway

A Favorite of mine – Cab Calloway

Since I’ve done the Nicholas Brothers and Busby Berkeley, it’s time for Cab Calloway, another old movie favorite of mine.

I think the first time I ever came across anything related to Calloway was in the late 1960s when I was watching That Girl on TV – Ann’s father (Lew Parker) sang Minnie the Moocher for a talent show.  The song stuck in my head.  I wish I could find a video of that performance.

[jazzdailyblog]

Steve Kuhn: A Journey Through Jazz Mastery

Introduction: Steve Kuhn is a jazz pianist whose career spans over six decades, marked by a relentless pursuit of musical excellence and innovation. Born eighty-six years ago today on March 24, 1938, in New York City, New York, Kuhn began playing the piano at an early age and quickly showed a natural talent for the instrument. His musical journey has been characterized by a deep exploration of…

[marxsound]

july 4th coffee with the emerson string quartet

music by john harbison richard wernick and gunther schuller.. will try to find some video to share with u guys. happy thursday then later i go back to the DREADFUL COMPUTER RECORDING process...

[jgthirlwell]

playlist 12.03.18

John Elmquist's HardArt Groop Expeditionary Twitch (Bandcamp) Anna Von Hausswolff Dead Magic (City Slang) Ni Les Insurge Des Romilly (Dur et Doux) Gunther Schuller The Music of Gunther Schuller (Bridge Music) LoTic Power (Tri Angle) Rabit Life After Death (Halcyon Veil) Muse Simulation Theory (WB) Mimika Orchestra Divinities of the Earth and the Waters (PDV Records) Marie Davidson Workin Class Woman (Ninja Tune) Silvery Thunderer & Excelsior (Blow Up Records) Senyawa Sujud (Sublime Frequencies) Berio (performed by Iktus Ensmeble + Mike Patton Laoborintus II (Ipecac) Troot Constance and the Waiting (Troot) John Carpenter Halloween (2018) OST (Sacred Bones) Harrison Birtwistle The Triumph of Gawains Journey (Collins) Clint Mansell Mute OST Nick Prol & The Proletarians Loon Attic (Daba Da) Low Double Negative (Sub Pop) Hauschka The Boy OST (Milan) Fia Fiell  All In The Same Room (Nice Music) Far Corner Risk (Cuneiform)

[fourteenth]

Seven Studies on Themes of Paul Klee (1959) ' For Antal Doráti ' Antike Harmonien (Antik Armoniler) 00:00 Abstraktes Trio (Soyut Üçlü) 02:32 Kleiner blauer Teufel (Küçük Mavi Şeytan) 04:44 Die Zwitschermaschine (Öten Makina) 07:42  さえずり機械 (after Paul Klee's work) by Koji Okamoto Arabische Stadt (Arap Kasabası) 10:20 Ein unheimlicher Moment (Ürkütücü Bir An) 18:08 Pastorale (Halk Şarkısı) 20:28 Gunther Schuller: Orchestral Works Radio Philharmonic of Hannover Conducted by the Composer 1998

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No Art or Act of Creativity stands in isolation, self-contained or uninfluenced by its times, its social and cultural environment, and its own history.

Gunther Schuller