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trastornadosrevista · 6 years

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Festival Buena Vibra: Escenario Indie Hoy, el futuro es hoy

La notable edición XXL del Festival Buena Vibra tuvo también mucha acción en el Escenario Indie Hoy. Pasaron por él seis artistas que forman parte central de actual debate alrededor del cambio generacional en la escena musical argentina. Repaso de la otra mitad de la tarde, una en la que hubo tanto confirmaciones como nuevos interrogantes de cara al futuro, aunque con la certeza colectiva de que el hoy es absolutamente propio.

Cuando hablamos de lo acontecido en el Escenario Futürock, no hicimos mención a algunos problemas que existieron a la hora de los ingresos. Debido a la gran cantidad de gente que se acercó al Estadio Malvinas Argentinas (doce mil personas, un récord para el indie local), el proceso de acreditaciones y el de retiro de entradas –sumado al calor insoportable que azotó la ciudad– se hizo demasiado tedioso debido a la presencia de un solo sector para realizar ambas actividades. Por lo demás, la organización tanto dentro como fuera del predio fue muy buena y quedó aprobada ante un desafío tan grande como novedoso.

Valdes

¿Se puede hacer pop en la era el trap? Si la pregunta se dirige directamente a Valdes, la respuesta será sin lugar a dudas positiva. A puro baile desfachatado y precisión instrumental, esta banda cordobesa liderada por los hermanos Pancho y Eduardo Valdes ha conseguido insertarse dentro del amplio panorama indie local con una propuesta muy diferente a la del promedio.

Tal cual Ainda Dúo, fue un pecado tenerlos tan temprano en la grilla, pues claramente merecen un lugar que los coloque ante mucha más gente. Aun así, cientos de personas pudieron disfrutar de un show con mucha consciencia retro en el que todo giró alrededor de Gris (2018), disco lanzado el año pasado y que les significó la consolidación decisiva dentro del llamado “pop nacional”.

Una vez más, su ADN fue fácil de decodificar: si hay algo que los caracteriza, además de un pulso bailable que recuerda a la sensual y pasional escena disco de los ’70, es su permanente y fluido contacto tanto con lo popular como con lo académico, demostrando estos hermanos que son dos mundos que pueden (y deben) ser mezclados sin prejuicio alguno.

Las Ligas Menores

Con el eco todavía fresco de la mención por parte de WOS acerca del extenso talento femenino que hay en el país, Las Ligas Menores tomaron por asalto el Escenario Indie Hoy para continuar con la presentación de Fuego Artificial (2018), trabajo que las encuentra en un pico de madurez y popularidad impensado hace unos cuatro años. Manteniendo su esencia tanto arriba como debajo de las tablas, el conjunto liderado por Anabella Cartolano se ha metido en el corazón de una escena exigente, algo que quedó demostrado en los varios pogos que se generaron durante un setlist bien festivalero.

Sin lugar para la reflexión y la calidez, apostaron por el segmento más indie/punk de su repertorio, colocando a las guitarras siempre al frente y sosteniendo con firmeza ese componente melódico que las diferencia y distingue respecto de propuestas similares. El golpe seco de Micaela García y la velocidad de Pablo Kemper fueron los principales sostenes de un intenso show que encontró la respuesta perfecta en un público literalmente prendido fuego.

Sobre la marcha se pudieron divisar dos detalles interesantes: el primero, María Zamtlejfer cantando con absoluta pasión la letra de “Tíbet” mientras disparaba ágiles fintas desde el bajo, exhibiendo una compenetración absoluta con la propia obra; el segundo, verla a Cartolano sin su Gibson SG colgada, oficiando de maestra de ceremonias a pura sonrisa durante la potente y enloquecida “Ni Una Canción”. Si el año pasado fue uno de consagración para estas cuatro mujeres y hombre, lo cierto es que el 2019 las encuentra muy arriba una vez más, con expectativas de crecimiento tan grandes como aquella montaña.

Bandalos Chinos

Los oriundos de Beccar hace un buen tiempo que se han consolidado en la cima de la escena emergente, al punto de haber superado con amplitud ese límite que la delimita respecto del mainstream. La salida de su primer LP, BACH (2018), fue el último impulso que necesitaban los Bandalos Chinos para demostrar que tienen absolutamente todo para pelear mano a mano en las grandes ligas.

Su muy buen show en el Escenario Indie Hoy no escapó a lo que se viene viendo desde la presentación de BACH en Niceto Club hace algunos meses, con la salvedad del armado de una lista menos climática. Alternando entre sus hits habituales –todos muy bien repartidos en sus EP previos– y las mejores piezas de su material reciente, con el saxofón como emblema de su conciencia retro, pusieron a bailar durante casi una hora a todo el Estadio Malvinas Argentinas de la mano de su cruza entre el indie pop viajero, el suave y elegante pop nacional originario y el techno-disco más salvaje.

La figura cada vez más agigantada de Goyo Degano dominó por completo cada centímetro de las tablas, destacándose también una mayor distorsión en la estructura sonora debido a la crudeza con la que sonaba el parche de la batería y lo adelante que estaba colocada –en cuanto a volumen– la guitarra principal. Las perspectivas de crecimiento siguen siendo totales para los Bandalos Chinos, nada ha cambiado en ese sentido; lo que sí ha variado es su lugar en el universo musical tanto nacional como continental y ello puede ser algo muy peligroso. Expansión o comodidad. Las dos opciones que se le plantean a una banda que, por las armas que posee, debería sin dudas ir por la primera y demostrar que el hambre de gloria es inagotable.

Louta

Jaime James, mejor conocido como Louta, es otro de los artistas que en los últimos años logró consolidarse dentro de la escena emergente y también sobrevivir al duro cruce hacia la corriente principal de una manera muy natural. Desde aquel primer impacto en el Lollapalooza Argentina hasta la salida de su segundo disco, Enchastre (2018), ha corrido mucha agua bajo el puente. Su show era sin dudas uno de los más esperados de la edición XXL del Festival Buena Vibra y la realidad es que cumplió con las expectativas: Louta no decepcionó a ninguna de las almas que se apostaron bien cerca del escenario para vivir una experiencia única que es capaz de llevarte hasta la mismísima luna y a los pocos segundos encerrarte en el pequeño mundo privado del artista.

Vistiendo ropas mucho más circenses que lo habitual en lo referido a la intención sonora, este notable performer recorrió su joven discografía alterando de forma mínima el espectáculo con el que viene girando por el país hace más de cuatro meses. El pop agresivo, basado en la potencia del beat y un trabajo físico inigualable en la escena indie, fue su punto de pivoteo; ayudado por la presencia de las fenomenales Marilina Bertoldi y Zoe Gotusso para las contrastantes “UACHO” y “Ayer Te Ví”, montó un show que no por ser más acotado perdió su capacidad para sorprender, encantar y prender fuego el recinto.

No hay demasiado lugar para el cuestionamiento cuando se habla del vivo, ya que debido a la complejidad del edificio sería un despropósito pedir cambios bruscos de una fecha hacia la otra. Demás decir que ello heriría de muerte la eficacia de su gran equipo cada vez que se sube a las tablas y nos recuerda –en un tour de force tan llamativo como su burbuja con la que flota entre el público y tan festivo como la lluvia de papeles plateados con la que cierra– que el hilo que une al teatro y a la música es mucho más grueso y resistente de lo que solemos imaginar.

Usted Señálemelo

Una extensa lectura de un poema en portugués, llamando a la resistencia y la unidad de América Latina, fue el preludio para el ingreso de Usted Señálemelo. Los mendocinos –sin dudas los más arriesgados y experimentales en lo estrictamente musical– vienen demostrando que tienen todo el potencial para ser considerados la gema más brillante de la escena emergente local, algo que se encargarían de demostrar ya con la luna posicionada justo encima del Escenario Indie Hoy.

Utilizando como faro su loable idea de “hacer mierda a todos los géneros musicales”, Juan Saieg, Luca Beguerie y Gabi Orozco surfearon la ola a la perfección cuando los problemas técnicos atacaron a la guitarra durante gran parte de “Agüetas” y “Mañana”. Su excelente juego de visuales 3D se llevó el gran premio de la noche dentro del rubro, dejando en claro que poseen la espalda como para salir a competir con cualquier show a gran escala. La épica pausada y cavernosa de “Pana” le permitió a cada uno de los músicos el tener su espacio para el lucimiento individual, dando lugar a un sinfín de transiciones tan elegantes como sutiles que recorrieron cada una de sus canciones.

El rock experimental, la psicodelia, el funk, el pop suave –ese gen spinetteano ineludible–, la EDM tradicional (con toques de rave) y el jazz fusión también se hicieron presentes en una lista breve e ingeniosa que combinó la energía que requiere cualquier festival con una impronta propia que no se detiene ni por un segundo en lo que se considera “necesario”.

Más allá de su arriesgado y celebrable intento de expandir, malear y revolver las fronteras sonoras al máximo posible, también hubo lugar para el agite más elemental bien cerca del escenario. Fue difícil quedarse con un solo momento, pero su calcado cover de “Sintonía Americana”, la vibrante oscuridad presente en “Agua Marfil” y el caos distorsivo de “Laser 420” fueron los diamantes más pulidos de una celebración que homenajea y conjuga las dos más grandes etapas del rock nacional y que, al mismo tiempo, jamás olvida que el futuro es hoy.

Sara Hebe

Más allá de que muchos consideraron, en la previa y posteriormente, que el Festival Buena Vibra finalizaba con la presentación de Los Espíritus, no fueron pocas las personas que se quedaron para mover las caderas a pleno con Sara Hebe y Ramiro Jota. Una de las duplas más calientes del género urbano latinoamericano aprovechó al máximo la oportunidad de ponerle moño a un día histórico, pateando y rompiendo el tablero al mismo tiempo con su metralla de beats cadenciosos y agresivos. Dialogando de forma directa con la música electrónica, la cumbia villera, el hip hop y hasta el rock, le demostraron a todos los pretendientes al trono que, para atreverse siquiera disputarles el lugar de “Jefe de Jefes”, tienen un muy largo trecho para recorrer.

Siempre política y visceral, su lírica no tardó en convertirse en un manifiesto urgente contra la represión económica, política y social que se vive en la Argentina hace muchísimo tiempo. Una masacre bailable de la que no se salva nadie, con los bajos sobrepasando excesivamente el límite ya sobre la madrugada de un caluroso domingo, mientras el cuerpo colectivo seguía agitándose a muy pocos metros de la vía del tren.

Suele decirse que Sara Hebe hace música provocativa y combativa, dos cosas que son ciertas pero que esconden algo aún más relevante: la chubutense improvisa como pocos, su fraseo equivale a una ráfaga infinita salida de una AK-47 y cumple a la perfección su rol de profeta del apocalipsis. Lanzar verdades, escupirlas como un dragón, incomodar a quienes manejan hace décadas todas las palancas del poder y –en el medio de esa lucha– darse el lujo de bailar hasta que nada quede en pie.

Por Rodrigo López Vázquez

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trastornadosrevista · 6 years

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Balance 2018: Discos nacionales, segunda parte

En esta segunda parte de nuestro Top 10 Nacional 2018, elegimos los cinco mejores discos del año. No fue tarea simple llegar a este punto, pero tenemos la certeza de que este balance anual servirá para poder capturar por completo el panorama actual de la música argentina. Compartimos con ustedes los primeros cinco puestos del ranking de Trastornados.

5: “Prender Un Fuego”, Marilina Bertoldi

La siempre ecléctica y audaz Marilina Bertoldi lo sabe: sucesor de Sexo Con Modelos (2016) se hizo esperar, pero terminó siendo una de las más grandes satisfacciones musicales del pasado 2018. Es cierto que Prender Un Fuego no tiene la misma esencia industrial y guitarrera que su antecesor, pero es igual de acertado decir que logra sostener aquel poderío de la mano de una estructura sonora mucho más voluminosa, experimental y compleja.

Quienes hayan conectado de lleno con el disco anterior de Marilina Bertoldi, sin dudas que –a pesar de los evidentes cambios– no van a tener ningún problema con Prender Un Fuego. La línea evolutiva realizada por la artísticamente inquieta Marilina puede trazarse con facilidad entre ambos trabajos, quedando sobre el cierre dos incógnitas: ¿Cómo madurarán estas mismas canciones? ¿Cómo logrará seguir manteniéndose lejos de la repetición y la fórmula en su próximo trabajo? Por lo pronto, la oscuridad y las dudas existenciales que dominaban a Sexo Con Modelos han sido solucionadas, resultando todo en un conjunto de canciones más luminosas y –si es posible– aún más desafiantes.

El amago de oscuridad y peso presente en “O No?”, donde la protagonista afirma haber superado el enojo y estar lista para la lucha, se consume velozmente gracias a una base desde la guitarra que alterna entre el blues originario y la psicodelia. De aquí en adelante, el funk (entre tradicional y futurista) y los tintes electrónicos pasan a ser los dos factores dominantes del disco, destacándose el rock/pop progresivo de “Fumar De Día”, el guiño góspel presente en “La Casa De A”, el trance 3.0 de “China”, la conexión con la black music a lo Janis Joplin de “Tito Volvé” y la psicodelia house de la –valga la redundancia– incendiaria “Prender Un Fuego”.

4: “Bandera”, 1915

La irrupción refrescante de 1915 fue algo tan novedoso como intrigante, ya que los oriundos de Zona Norte se encontraban intentando romper la membrana que recubre la escena emergente hace poco más de dos años. Poco a poco, comenzaron a ganarse un lugar dentro del indie nacional, aprovechando al máximo el momento de esplendor y dominancia que vive ese movimiento musical en los tiempos que corren.

Bandera es un trabajo en el que el funk también se encuentra muy presente, pero su ejecución es llevada adelante con una conciencia mucho menos clásica que en el caso de Marilina Bertoldi. Ya desde el vamos, esta joven banda sorprende con una fiesta funkydélica absoluta en “Policía”, sin por ello abandonar su gusto por el pop y el techno, ni perdiendo de vista el poder de lo analógico: el bajo es simplemente delicioso, marcando el ritmo con sensualidad en grandes dosis. No es tarea simple sonar como una big band de los ochenta, pero por momentos –con el empuje de los vientos– lo consiguen de la mano de “El Enemigo”. Los climas y las emociones se intensifican durante “Canción Del Bolsillo”, una perfecta representación de una nave espacial ascendiendo hacia el infinito, haciendo lugar para un poco de sentimentalismo con ese híbrido funk-pop llamado “Prisma”. Para sorpresa del oyente, la presencia de Morbo y Mambo no es explotada de manera habitual: con el suave trazo de sus metales, 1915 construye “Olas”, la pieza más relajada del disco debido a su capacidad para conjugar lo mejor de la bossa nova y el reggae roots. Ya pisando los minutos finales, “Dame Una Bandera” e “Invencible” son la conexión latina perfecta, preludio más que correcto para terminar con el delirio daftpunkiano de “Ya No Sé Qué Hacer 2.0”.

3: “Fiesta Nacional (MTV Unplugged)”; Los Auténticos Decadentes

¿Qué se puede decir de Los Auténticos Decadentes que ya no se haya dicho? Desde sus comienzos en el lejano y glorioso 1986, la banda liderada por Cucho Parisi se ha consolidado como una máquina de crear hits eternos e inoxidables. Ni hablar del hecho de ser uno de los nombres más importantes de nuestra historia musical, manteniendo hasta el día de hoy la capacidad de convertir cualquier recinto en una verdadera fiesta nacional y popular.

Es justamente por todo lo enunciado en el párrafo anterior que Fiesta Nacional (MTV Unplugged), debut en este formato para los argentinos, es uno de los grandes discos del año pasado. No son muchos los conjuntos que aprovecharon por completo la invitación de la cadena norteamericana, ya que la mayoría de estos “desenchufados” son apenas un set acústico sin grandes cambios en la estructura de las canciones. El caso de Los Auténticos Decadentes tiene que ser listado dentro de quienes forman parte de la excepción, pues se animaron –sin prejuicios ni tapujos– a reinventarse en un solo giro y sin tener la más absoluta necesidad de hacerlo.

Las veintiuna canciones que conforman el cuerpo del directo son un recorrido por la extensa carrera de esta –ya podemos llamarlos así– orquesta popular itinerante. Apoyándose en la memoria emotiva de quienes los siguen desde el principio, los Decadentes entregan excelentes y audaces reversiones que mantienen (y en algunos casos amplifican) su esencia original. Es imposible no rendirse ante las versiones en tono murga de “Somos” y “Vení Raquel”, ni evitar que se erice la piel al escuchar “Cómo Me Voy A Olvidar” convertida en una hermosa chacarera junto al Chaqueño Palavecino y la transformación total y revolucionaria de un tema simple como “La Guitarra” en un crisol de sonidos latinos. También hay lugar para la cumbia colombiana (“Amor” con Mon Laferte), el tango más puro (“Los Piratas”), el mariachi (“La Bebida, El Juego y Las Mujeres”) y la desnudez de fogón (“Loco, Tu Forma De Ser”), siendo imposible el mirar hacia el otro lado ante semejante muestra de oficio y valor.

2: “Discutible”, Babasónicos

El nuevo trabajo de estudio de Babasónicos sin dudas merece mucho más que dos o tres párrafos a la hora de ser analizado. Desde la salida de su primer single, “La Pregunta”, quedó en claro que la banda de Adrián Dárgelos estaba dispuesta a realizar una nueva micro-revolución en la escena musical argentina, siendo la versatilidad, la voluntad experimental y la curiosidad artística las tres principales características que siempre acompañaron el camino de los bonaerenses.

En tiempos de singles y algoritmos, Babasónicos eligió un formato bastante corto, buscando dialogar de forma directa –sin entregarse a ninguna moda– con los sonidos que dominan el presente. Acostumbrados a canciones que ganan en complejidad, esta vez eligieron una fórmula mucho más clásica: “decir más con menos”. Esto no quiere decir que los entramados no sean sinuosos y amplios, ya que el diablo esta vez se esconde justamente en la compresión del concepto principal. Utilizando los principios del pop, Dárgelos y compañía lograron llevar hasta el máximo la maleabilidad de la canción, mostrándose siempre un paso adelante respecto de una generación que eligió (conscientemente) morir con el rock tradicional.

Buscando cuestionar todo –hasta el propio lugar, el propio privilegio– Babasónicos da el primer paso con la oscuridad industrial y electrónica de “La Pregunta”, para luego desdoblar el camino de la mano de la cruza entre funk disco de “Ingrediente” y la cadencia por completo robótica de “Bestia Pequeña”. En “Trans-Algo” se animan a poner sobre la mesa al rock, el pop y al glam, encontrando puntos de contacto con sus primeros discos, sin por ello sonar nostálgicos. Esta especie de remezcla se intensifica al ritmo del synth-pop en “Partícula”, da unos pasos atrás en la más básica “Adiós En Pompeya” y se corona merced de la guerra digital presente en la muy (auto)crítica “Teóricos”. Para el final queda el verdadero cuestionamiento a la obra, un metatexto claro y contundente, reflejado en las más distorsivas “Cretino” (donde el narrador omnisciente abarca la totalidad del trabajo) y “Orfeo” y el golpe maestro personificado en la futurística “Un Pálpito”.

1: “Forestal Tape”, Las Luces Primeras

Es claro que para muchos puede ser tan sorpresiva como polémica la decisión de colocar a Forestal Tape de Las Luces Primeras como el mejor disco nacional del año pasado. Pero quien le haya prestado un poco de atención al segundo disco de estudio de los mendocinos, sabrá que se trata de un notable laboratorio sonoro rodeado por cuatro paredes transparentes. Tanto en vivo como en directo, la banda liderada por Mariano Peccinetti es dueña de una capacidad única para crear ritmos y ambientes, encontrando en la experimentación pura, en la ruptura de los límites género/estilísticos, su verdadero hogar.

Si hay algo que destaca a Forestal Tape como unidad maleable es la única presencia de Juan Attorri como colaborador en la batería. Armado con un arsenal de sintetizadores, samplers, guitarra y bajo, Peccinetti carga sobre sus espaldas –tal cual en su primer disco, Sensualista (2016)– con toda la estructura sonora y artística. Invitando a los escuchas a un vertiginoso viaje plagado de atmósferas, turbulencias y sueños líquidos, Las Luces Primeras se consolida como uno de los nombres más importantes del país, exhibiendo al mismo tiempo mucha facilidad para encontrar un sonido internacional.

El recorrido, tan claro como calculado (algo digno de un detallista extremo como Peccinetti), inicia con “Caballo Con Alas”, una seductora canción hija del western tradicional y el pop electrónico que sorprende por sus textura retro-futurística. En medio de un mar de rayos laser, la transición hacia los sonidos del altiplano de “Nubes En Saturnia” es impecable, haciendo base en el pop de los años noventa y apostando por un coqueteo con el glam y la psicodelia. De la mano de “Paisajes En Mi Mente”, Las Luces Primeras desciende al rock/pop más terrenal, ganando varios casilleros en cuanto a la reflexión y la calidez.

El dueto “Dragón De La Montaña” y “La Fruta Que Derrite” sirve como quiebre, distorsionando mientras avanzan a paso firme hacia la autopista digital. Es imposible no sumergirse en el clima burbujeante y festivo que crean ambas canciones, proyectando sobre el lienzo una fiesta en la playa con el sol cayendo en el horizonte. El trance presente en “Cuenco Forestal” es tan breve como eficaz, trampolín perfecto para “Actriz”, pieza en la que –poco a poco, con mucha delicadeza– el envoltorio más despojado va siendo abierto para descubrir un caramelo techno en su interior.

“Mozart Jr” plantea una descomposición molecular de la canción, galopando entre el house y el foxtrot, consiguiendo la transformación definitiva. Sin perder la ambigua pátina de oscuridad que recubre todo el disco, “Abre Tu Portal” da con el tono de los filmes de aventura de los ’80, allanando el camino para que con “Agua De Las Avispas” el círculo cierre a la perfección merced de un poderoso duelo electrónico en un Lejano Oeste post-apocalíptico.

Por Rodrigo López Vázquez

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