#tiempo de permanencia

[las-microfisuras]

De un modo análogo a ese proceso constante de devorar y ser devorado, para Thomas Browne tampoco hay nada que tenga permanencia. Sobre cada nueva forma ya se cierne la sombra de la destrucción. Esto es, la historia de cada uno, la de todos los estados y la del mundo entero, no transcurre sobre un arco que se alza cada vez más lejos y de la forma más bella, sino sobre un trayectoria que, una vez alcanzado el meridiano, desciende a la oscuridad. En opinión de Browne, la propia ciencia de desaparecer en la oscuridad está irreparablemente ligada a la creencia de que el día de la Resurrección, cuando, como en un teatro, se hayan llevado a cabo las últimas revoluciones, volverán a aparecer en el escenario todos los actores to complete and make up the catastrophe of this great pierce. El médico, que ve cómo las enfermedades crecen y devastan los cuerpos, comprende mejor la mortalidad que el florecimiento de la vida. Le parece un milagro que podamos durar un día siquiera. Contra el opio del tiempo que transcurre, escribe, no ha crecido hierba alguna. El sol de invierno presagia la presteza con la que se extingue la luz en las cenizas y nos envuelve la noche. Las horas se van hilvanando unas tras otras. Incluso el mismo tiempo envejece. Pirámides, arcos de triunfo y obeliscos son columnas de hielo que se derriten. Ni siquiera aquellos que encontraron un lugar entre las imágenes del cielo han podido mantener su fama eternamente. Nimrod se ha perdido en Orión, Osiris en Sirio. Las mayores estirpes apenas han sobrevivido tres robles. Dar el propio nombre a cualquier obra no asegura a nadie el derecho al recuerdo, pues quien sabe si precisamente las mejores no habrán desaparecido sin dejar huella. Las semillas de la amapola crecen por doquier, y si de improviso un día de verano nos sobreviene la miseria como si de nieve se tratase, no deseamos más que ser olvidados.

W. G. Sebald , "Los anillos de Saturno". Anagrama. Trad: Carmen García y Georg Pichler.

Nieves Mingueza

[gvmvsadness]

Mi peor enemigo ha sido la tristeza albergada en mi alma, siendo más precisos el temor de aceptarla cómo parte de mi ser.

Es que es difícil aceptar que hay cosas que atormentan tú alma porque ante los demás esto pareciera ser una señal de debilidad pero solo es una mala jugada de nuestra sociedad.

Pues en esta fiesta de disfraces nadie está dispuesto a mostrar lo qué se es realmente, y no es culpa de nadie pero es que hoy día todo es tan falso y tan influenciable que da miedo comportarse cómo uno mismo.

Esa falsa seguridad que da el proyectarse ante los demás cómo cómo aquello que no sé es y lo estúpido que esto se vuelve sabiendo que todos vemos solo lo que queremos ver.

No importa lo mucho que te esfuerces, la proyección que tienen otros sobre ti dependen más de los sentimientos y las emociones que generas ante ellos, y estos a su vez dependen de la manera en que estos han sido criados y el desarrollo que han tenido en base a esa crianza.

Todos juzgamos a los demás en base a nuestra propia conveniencia, dependiendo si percibimos al otro cómo un buen apoyo o cómo una amenaza para nuestros ideales y nuestros propósitos.

Nadie es tan imperfecto cómo para no encajar perfectamente en algún lado.

Lo realmente imperfecto y erróneo es tratar de encajar en un lugar al que no se pertenece con personas con las que nunca se va a llegar a congeniar y lo qué hará denigrante triste e imposible la plenitud emocional y la satisfacción personal será la permanencia en donde uno no termina nunca de sentirse bien.

Y es preocupante la conformidad que existe en la mayoría de nosotros viviendo de una forma que no se quiere y haciendo cosas que no disfrutamos solo para poder encajar, sin éxito la mayoría de las veces aunque con resultados engañosos en algunas otras dónde pareciera que sí, pero no se pertenece a un grupo, a una familia, a una persona.

No importa las veces que te sabotees, que te autodestruyas, que sufras, que llores y qué no puedas más. Siempre llegará un buen momento para vislumbrar de nuevo, con calma el amanecer y tener un buen día, lejos de todo aquello a lo que no se pertenece, eso que no llena, que desgasta, que estanca.

No importa las veces que pierdas, no vas a dejar de hacerlo, pero recuerda que mientras más veces pierdes te conviertes en un mejor ganador. Sólo si no te olvidas de eso, de que en algun sitio ha de ser tu sitio, pero si no es en donde estás; lárgate de ahí.

Y vuelve cuando quieras a comprobarlo.

Pero no te quedes para siempre, es mucho tiempo y aunque el tiempo es relativo, tiempo es lo que tendrás el resto de tu vida para hacer aquello que realmente quieres hacer. Y nunca será tan tarde para intentarlo, pero tal vez lo será cuando llegue el final o veas a este acercarse y la única sensación que te quede sea esa de que jamás lo hiciste y te quedaste atado a una persona, a un sentimiento, al miedo a enfrentarte a ti mismo y a todo aquello que aflije tú alma y lo compensas con cosas que aunque pareciera que sí; nunca serán suficientes, pero prefieres conformarte con eso por miedo a perderlo todo.

Pero es que realmente si no tienes aquello que buscas, aquello que quieres, aquello que anehelas y te conformas con lo que piensas que tienes. ¿Realmente tienes o has tenido algo alguna vez?

Tu peor enemigo será siempre aquella tristeza que se alberga en tú alma y no quieres aceptar, por todo aquello que conlleva el aceptarla y caminar con ella de la mano frente a los demás; porque ha sido el mío y a veces lo sigue siendo, pero no importa cuántas veces pierda, siempre que me levanté y lo entienda volveré a ganar un poco más de lo perdido. Y tal vez estaré un poco más cerca de estar ahí, en mi sitio.

[xaiper-moony]

VII. Retrato

En la quietud de una habitación iluminada por la suave luz del atardecer, un retrato y un espejo se enfrentan en silencioso diálogo. El retrato, con sus colores vivos y formas precisas, refleja la imagen etérea de un momento congelado en el tiempo. Cada trazo del pincel parece capturar la esencia misma del sujeto, inmortalizando su belleza en lienzo.

Frente a él, el espejo observa con curiosidad, reflejando no solo la imagen estática del retrato, sino también la realidad cambiante que lo rodea. En su superficie plateada, las sombras danzan con la luz, revelando tanto la belleza como las imperfecciones del presente.

El retrato, sereno y estático, parece perdido en sus propios recuerdos, mientras que el espejo, inquieto y efímero, refleja la fugacidad del momento presente. Ambos, sin embargo, comparten el mismo propósito: revelar la verdad oculta detrás de las apariencias.

En esta danza entre el arte y la realidad, el retrato y el espejo se complementan mutuamente, ofreciendo una visión única de la belleza y la verdad. En su reflejo, descubrimos la dualidad de la existencia humana: la permanencia del pasado y la efímera naturaleza del presente.

[exnoctambulo]

Cuando yo empecé primer grado no lloré. Recuerdo que a mi alrededor algunos niños sí lloraban, pero yo no.

Ese día mi mamá me había dado un alfajor. Sí recuerdo que la extrañaba, por eso no me lo comí. Lo guardé hasta que volví a verla por la tarde.

Hoy pienso en esa anécdota y se me viene a la cabeza lo que Pierre Fedida escribió acerca de los objetos “reliquia”, que son una prolongación y permanencia de alguien a quien queremos a través de un representante psíquico-material.

Es lo que también ocurre cuando fallece un ser querido y nos quedamos con algo suyo o de su casa, para recordarlo en ausencia.

Pero lo anécdota del alfajor, en realidad, ilustra también lo que Winnicott llamaba objeto “transicional”. Porque mi mamá me daba todos los días un alfajor y, con el tiempo, empecé a comerlo, pero guardaba el envoltorio… hasta que descubrí que servía para hacer una pelota.

Así surgió mi primer juego en la escuela y, la verdad, no recuerdo cómo dejé de extrañar a mi mamá ni cuando dejé de guardar los envoltorios y las pelotas de papel metalizado. Como decía Winnicott, los objetos transicionales simplemente se olvidan.

Nunca un alfajor es simplemente un alfajor. El sabor de las cosas está en la historia que cuentan.

- Luciano Lutereau

[esuemmanuel]

Yo, el libro (Me, the book).

Sentí a mi alma desmoronarse al ser testigo de tan doloroso acto. Unas  manos, que no eran mías, partían en dos a mi tesoro amado. El mar se hizo en mi mirada y, en el pecho, una congoja laceraba a mi angustiado corazón; no entendía ese dolor. Las hojas volaban. En mis oídos se agolpaba su voz y su risa burlona e hiriente, la ignorancia se le escapaba por la boca y yo sólo atinaba a llorar.

Aún tengo el pecho dolorido, mis ojos siguen envueltos de azul... Hay sueños que hieren el alma.

Desperté inundado de un sentimiento que me ha traído en una burbuja frágil de reflexión. No comprendo el dolor. Yo era ese tesoro amado. Era a mí a quien destrozaban. Era yo quien volaba en el viento al caer al suelo; roto, deshecho y sin forma. Una vez destruido, alguien tomaba mis pedazos y lloraba con ellos mientras los abrazaba hacia sí.

De todos los libros, el pequeño, ése de pasta dura, el de cuentos de fabulosa fantasía, yacía en el suelo, sin alma, sin vida. Y es que el alma de un libro es un pedacito de presencia de quien lo escribió; al destruir el libro, se destruye a esa parte. El libro es la eternidad del autor, su permanencia en el tiempo y en la humanidad.  

Creo que yo nací en un libro de Alejandro Casona. Soy un loco soñador que goza de crear mundos de fantasía, tal cual sus personajes lo son. 

I felt my soul crumble as I witnessed such a painful act. Hands that were not mine were tearing my beloved treasure in two. The sea became in my eyes and, in my chest, a pain lacerated my anguished heart; I did not understand that pain. The leaves flew. In my ears his voice and his mocking and hurtful laughter swarmed, ignorance escaped through his mouth and I could only manage to cry.

My chest is still sore, my eyes are still shrouded in blue... There are dreams that hurt the soul.

I woke up flooded with a feeling that has brought me in a fragile bubble of reflection. I do not understand the pain. I was that beloved treasure. It was me who was being torn apart. It was I who flew in the wind as I fell to the ground; broken, shattered and formless. Once destroyed, someone would take my pieces and cry with them, while hugging them to himself.

Of all the books, the small one, the hardback, the one with tales of fabulous fantasy, lay on the floor, soulless, lifeless. The soul of a book is a little piece of the presence of the one who wrote it; destroying the book destroys that part. The book is the eternity of the author, his permanence in time and in humanity.   I think I was born in a book by Alejandro Casona. I am a crazy dreamer who enjoys creating fantasy worlds, just as his characters are. 

— Esu Emmanuel©

[la-semillera]

Concha Martínez Barreto Los Nombres.

“Y vendrá un tiempo. Vendrá un tiempo en que ya no sabremos dar un nombre a lo que nos una. Su nombre se irá borrando poco a poco de nuestra memoria. Y luego, desaparecerá por completo”. Marguerite Duras.

He recopilado antiguas fotos familiares buscando sentir que los que se van siempre permanecen. Sin embargo, los fotografiados -que debieron sentir que esa cámara que tenían delante era un salvoconducto hacia el futuro, que aseguraría su presencia más allá de la muerte-, sólo parecen hablar con el silencio y sus rostros ya no logran tener un nombre.

Es el encuentro con estas viejas fotografías y la dificultad para hacer una lectura de ellas el germen de mi trabajo, que me permite reflexionar sobre la capacidad de las imágenes para retener la memoria y me lleva a desarrollar un discurso sobre la propia identidad, las conexiones intergeneracionales, la muerte y el olvido. El miedo a la ausencia de memoria habla en definitiva del propio miedo a la muerte, a dejar de ser, a que mis recuerdos no pertenezcan a nadie y a que mi cara encontrada en una imagen no pueda vincularse a ningún nombre.

El interés por la permanencia y la reconstrucción de la memoria como cuestión identitaria dirigen mi trabajo hacia estos archivos familiares, en un intento por atrapar el recuerdo y forjar mi identidad a través de la vida de los que me precedieron. Pero, pese al vínculo existente con el viejo imaginario doméstico, los enormes vacíos en la transmisión de vivencias e historias hacen que estas imágenes no puedan despertar en mí ningún recuerdo. Cuando para los fotografiados hubieran podido suponer, en el sentido de la imagen mnemónica wittgensteiniana, todo un desencadenante de evocaciones, que les llevaría a rememorar unas voces, sentir el tacto de una silla de madera, unas manos apretando fuertemente…, ante mí se muestran cargadas de claves, de historias –mi historia- difíciles de descifrar. El tiempo, que era lo que presumiblemente trataban de atrapar, ha terminado por desdibujarlas.

Estas imágenes, antes emotivas y cargadas de significado, quedan ahora, sin el relato de sus protagonistas, desprovistas de argumento. Al suponerlos desaparecidos, me enfrentan a la imposibilidad de conocer sus historias -por extensión, la mía propia-. “Los nombres”, serie de dibujos realizados a partir de estas fotos familiares, hablan así también de la frustración que surge al comprender que es demasiado tarde para recuperar la memoria, para preguntar por unas vivencias que nunca transmitiré.  Hablan del miedo a que cada historia esté condenada a terminar en uno mismo.

Una única voz, la de mi padre, hace de puente entre las generaciones que fueron y las que son. Pero esta voz está llena de lagunas e incertidumbres. La pérdida de los testimonios me hace tomar consciencia de que pronto empieza a ser tarde para recomponer el pasado. Tal vez ya sólo quede un tiempo para la “postmemoria”, esa especie de memoria heredada llena de elipsis e interrogantes, de la que hablara Marianne Hirsch para referirse a la de las generaciones siguientes a los supervivientes del Holocausto. Se trata ya de una memoria que sólo puede recrearse a través de unas imágenes para las que los relatos son casi inexistentes, frágiles y llenos de dudas.

No son sólo pocos los testimonios, también son pocas las imágenes. En contraste con la infinidad de fotografías que generamos en la actualidad, son muy escasas las que logro recopilar de mis antepasados. Todas las historias de todo un tiempo quedan encriptadas en tan solo unas cuantas fotografías. Con el acto de dibujar estas imágenes, en un dibujo lento y minucioso, trato de recomponer esas vidas, de reconstruirlas a partir de casi nada.

“No hay familias ni recuerdos, sólo una familia común a todos. Me reconozco en las fotos de otros desvanes (…) Disuelvo mi yo entre millones de familias que se creyeron únicas sin saber que eran la mía”, escribe Sergio del Molino. Efectivamente, todos somos iguales o bastante parecidos, por lo que el cariz identitario de mi trabajo podría buscarlo en la memoria de cualquier familia: Todas las familias parecen haber posado igual, reído y compartido igual. De todas las fotos familiares parece querer desprenderse el mismo aura de familia feliz. Y todas van a caer igualmente en el olvido.

Marianne Hirsch habló precisamente de esta “mirada afiliativa” (“Affiliative look”), por la que cualquier imagen ajena podría integrarse en nuestra propia narrativa. Si bien esto es así, la necesidad de arraigo de la que hablan mis dibujos me lleva a buscarme en las fotografías de mi propia familia, con la idea de que parte de mí está realmente presente en esas imágenes. Puede que en ellas no haya nombres ni historia: tan sólo hombres, mujeres, niños, pero a los que me sé unida por un vínculo. Este concepto de vínculo, que está muy presente en mi trabajo, me lleva a reflexionar sobre los distintos roles familiares y las conexiones intergeneracionales.

Decía Marcel Proust que en las fotografías, al retratado “se le recuerda peor que limitándonos a pensar en él”. Pero dibujar estas fotografías es precisamente pensar en los retratados. Ya no se está realizando el barrido rápido que se hace siempre sobre una instantánea. El lento proceso del dibujo implica detenimiento, pensar minuciosamente cada rostro, llegar a un conocimiento que me lleva a identificar las caras –aun sin nombres- en otras fotografías.

Dibujar estas imágenes me permite verlas de una manera totalmente diferente, llegar a un estrato donde sólo el ojo –sin el proceso de dibujo- no podría llegar. Mediante el carbón se va creando otra estructura, se recompone la historia y se rellenan elipsis. Con el ampliado de unas imágenes en origen tan pequeñas, los rostros sufren una indeterminación que trata de definirse en el proceso de dibujo, como si de una metáfora de la recuperación de memoria se tratase.

Realizar esta serie es pensar y reconstruir unas vidas de las que apenas quedan huellas. Y si tal vez sea inevitable que nuestro paso por la vida sea al final algo más que silencio,  puede –me gusta creer- que algo de nosotros quede en los que nos sucedan, en una conexión infinita. Que estamos llenos de trozos de vida de los que nos precedieron aunque ya no tengan nombre.

[bocadosdefilosofia]

«En realidad la tradición siempre es también un momento de la libertad y de la historia. Aun la tradición más auténtica y venerable no se realiza, naturalmente, en virtud de la capacidad de permanencia de lo que de algún modo ya está dado, sino que necesita ser afirmada, asumida y cultivada. La tradición es esencialmente conservación, y como tal nunca deja de estar presente en los cambios históricos. Sin embargo, la conservación es un acto de la razón, aunque caracterizado por el hecho de no atraer la atención sobre sí. Esta es la razón de que sean las innovaciones, los nuevos planes, lo que aparece como única acción y resultado de la razón. Pero esto es sólo aparente. Incluso cuando la vida sufre sus trasformaciones más tumultuosas, como ocurre en los tiempos revolucionarios, en medio del aparente cambio de todas las cosas se conserva mucho más legado antiguo de lo que nadie creería, integrándose con lo nuevo en una nueva forma de validez, En todo caso la conservación representa una conducta tan libre como la trasformación y la innovación. La crítica ilustrada a la tradición, igual que su rehabilitación romántica, queda por lo tanto muy por detrás de su verdadero ser histórico.»

Hans-Georg Gadamer: Verdad y método, I. Ediciones Sígueme, págs. 349-350. Salamanca, 2003.

TGO

@bocadosdefilosofia

@dias-de-la-ira-1

[waltfrasescazadordepalabras]

¡Espero que mis alumnos busquen! Porque han llegado a saber que se busca sólo para buscar. Que el encontrar es, en efecto, la meta, pero que muy a menudo puede significar también el final de esa tensión fructífera. El alumno debe saber que en todo lo que vive está contenido su propio cambio, desarrollo y disolución. La vida y la muerte están ya en el mismo germen. Lo que hay entre ellas es el tiempo. Así, pues, nada esencial, sino sólo una medida que se llena necesariamente. Con este ejemplo aprenderá el alumno a conocer lo único que es eterno: el cambio, y lo que es temporal: la permanencia. 

Arnold Schönberg (Compositor austríaco, 1874-1951).

[rojoresplandor]

Uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde.

No deja de ser una frase hecha que no entendemos hasta que nos sucede…

El significado escrito es comprensible, pero no nos damos cuenta de la dimensión del sentimiento que provoca cuando perdemos. Muere alguien, un familiar, un amigo, una mascota, lo perdiste para siempre, y cuando estaba sucediendo, recién ahí, te diste cuenta de que no tenías muchas fotos con ellos, no dedicaste el tiempo necesario, no le dijiste te amo, gracias, perdón, sos muy importante para mí.

Simplemente se fue, y te quedaste con esa lista de pendientes, con una mochila cargada de culpas y rezagos.

Con una fila llena de mañana esto, pasado aquello, cuando lo que tiene que ser es HOY.

No te pierdas en los “tal vez mañana”. Encontrate ocupándote del presente, de vivir hoy.

De la promesa que se hace todos los días.

De la permanencia.

Del amor.

De dar gracias por lo poco o mucho que tenemos y vamos por más, pero es HOY.

20.6.24

[lu-ego-del-fuego]

La Cueva en las montañas

En silencio, pongo a hacer un poco de té y observo por la ventana. Cada mañana agarro mi bitácora y escribo mis sueños, mis pesadillas y mis recuerdos. Ya terminé de pasar las aventuras donde las montañas desembocan en el mar y donde los artistas franceses me hablan de sus sueños y sus revoluciones.

A lo lejos las montañas se funden con las nubes y la nieve es también cielo y yo solo soy un chiquito en medio de la nada, me siento y medito mientras tomo el primer sorbo. Arriba del chalet, tres amigas suizas aún duermen porque anoche los juegos de mesa y las risas duraron hasta tarde. En estos días también aprendí a comunicarme con lo poco que puedo manejar del idioma, divertido y elemental. Me siento entre amigos, aunque solo esté de paso.

- Te sirvo? - pregunto todo el tiempo.

Hacia años que la Bruja Cazadora y yo habíamos decidido tomar caminos distintos en la vida. Yo habia montado un laboratorio de purificacion de plantas y de almas mientras que ella había partido hacia el horizonte en busca de historias y aventuras. Ella tomó la carta del Mundo y yo tomé la carta del Ermitaño y asi pasamos los años, mi viaje fue dentro de mí así como el de ella fue fuera de sí, yo trate de construir permanencia y ella de soltar al viento los males.

Cuando el momento fue justo, volvimos a encontrarnos de nuevo acá. En la que había sido nuestra casa.

Incómodo e intenso, como sabíamos que sería, al ver a Julia se destaparon un sin fin de emociones y recuerdos. Pero no es la misma, yo no soy el mismo. Y aquel pasado que también me ilusionaba ya había sido revisado por mi ejercito de analistas mentales, incluso llevaba conmigo una copia del reporte y la tesis consecuente: La bitácora de viajes y la bitácora del fantasma.

Tardamos días en acostumbrarnos el uno al otro. Había lugares imposibles donde nunca ninguno estuvo y otros que tenian la huella que habíamos dejado años  o capaz siglos atrás. Estas  viejas cicatrices que se sentían íntimas y a la vez molestaban por lo abrupto del fin y el tiempo que pasó. 

Nos tomamos tiempo para reír y para llorar, para recordar y para crear nuevas experiencias. Recién al final volvimos a abrazarnos y ahi me abrí para confesarle lo dificil que era este viaje y esta presencia. Que su amuleto era algo que llevaba conmigo pero que no sabia como dejarlo, ahora que podía devolvérselo a su propietaria original. Que cuando imaginas el mundo es bello, pero verlo en persona también es abrumador.

Entonces Julia tomó mi mano y recordé que las cosas empiezan y terminan una sola vez. Después, son otra. 

Y que nada del mundo cambiaría nuestro deseo de querernos, nuestra magia y conexión.

Terminé el té, y la Bruja bajó de su cuarto. 

- Mira hay un pájaro en la ventana. ¿No es hermoso? -

- Sí.- respondí. -Sí que lo es.-

El mundo externo e interno pueden estar en paz o en caos pero depende de nosotros que hacemos con ello. Si hacemos arte de eso, si hacemos movimiento de eso, si decidimos contemplar eso, y al final, el sabor no es tan amargo. Al final las penas que pasamos y las personas que ya no están como antes quizás no sean en vano.

En fin sólo quería decirte:

"Gracias por la visita".

[meizza]

La fuente de inmortalidad?

Me llegan pensamientos aterradores de mortalidad, de muerte y olvido Y siento mucha desesperanza Pero luego comienzo a ver una luz pequeña, que reluce en las esquinas de mi intento de Arte

Lo hablé con mi terapeuta Esa sospecha de que el arte puede salvarme de la muerte y finitud Darme permanencia

Pero... cómo?

Y ahora encuentro una diminuta pista Estará al momento en que al hacer arte expandes tu experiencia de vida?

Amplificas el presente, y merges el pasado y el futuro a una experiencia: ahora Al sentir mas profundamente tu propia vida O incluso experimentando las posibles vidas de otros, o lo que fuera hipotéticamente una paralelidad de nuestras propias vidas, dadas otras circunstancias

Una manera de encapsular el tiempo y espacio Y controlar el caos

Belle 𖥸

[kvbrvkvnchv]

Influencias del Constructivismo Ruso en el Diseño Gráfico Contemporáneo

Aaron Gallardo A.

Escuela de Arte Corriente Alterna

En este ensayo explicaré el impacto que el Constructivismo Ruso ha tenido en los principios y del diseño gráfico producido en el siglo XXI. Comenzaré explorando el contexto histórico y los elementos clave para interpretar obras Constructivistas, lo cual nos permitirá entender cómo este movimiento ha moldeado y actualmente inspira el campo del diseño gráfico de este tiempo. Finalmente, analizaré paralelismos conceptuales y gráficos para ilustrar la relevancia y permanencia del Constructivismo Ruso, enfocándome en la obra de Aleksandr Rodchenko, en el lenguaje visual del Diseño Gráfico actual.

Contexto Histórico

Las agitaciones políticas en Rusia de los años anteriores estallaron en la Revolución de Octubre de 1917, donde Lenin y los Bolcheviques consiguieron tomar el poder político del país. Como en toda Revolución, se construyeron nuevas ideologías y se inauguró un nuevo gobierno con Comisariatos de soviets con planes específicos para el Arte y sus funciones para el Partido Comunista.

Particularmente, el decreto Sobre los Monumentos de la República de 1918 enumera las intenciones de Lenin de servirse de las artes plásticas para realizar propaganda política a gran escala que organice las masas y reeduce las juventudes. Este Decreto contemplaba, entre otras cosas, la restitución de obras zaristas por nuevos monumentos dedicados a la propaganda del Partido (Bark 1995) y la expansión cultural del nuevo arte ruso a toda la URSS.

En este contexto, el nuevo arte no podía seguir obedeciendo a las estéticas burguesas del pasado herederas del naturalismo impresionista y romanticista, sino tenía que extender su visión hacia el presente, teniendo como pilar la propaganda para la organización y movilización de los trabajadores, y también hacia el futuro, creando nuevas estéticas para una identidad comunista mundial.

Con ese fin, las ideas del artista ruso Malévich y los suprematistas tuvieron una influencia importante en el desarrollo del nuevo arte ruso. Malévich planteaba una teoría no-objetiva del arte a partir de la abstracción total de las formas con el fin de elevar la conciencia espiritual a través del arte.

Imagen 1. Kazimir Malévich, Composición Suprematista (1916).

Las pinturas suprematistas se caracterizan por el uso de formas geométricas de colores sólidos flotando sobre un fondo blanco. La pintura ya no es una mímesis que representa objetos del mundo, sean estos naturales o creados por el hombre. Las pinturas ya no representna personas y no exigen una interpretación narrativa sino sensorial a través del innovador uso del color y la composición.

En palabras de Malévich (1927/2003) [traducción propia], “el suprematismo es el redescubrimiento del arte puro que, a través el tiempo, se ha oscurecido por la acumulación de ‘cosas’. Me parece que, tanto para los críticos como para el público, las pinturas de Rafael, Rubens, Rembrandt, etc., se han vuelto nada más que un conglomerado de ‘cosas’ que ocultan su valor real: el sentimiento que causan.”

A partir de las ideas suprematistas, así como el arte naciente Futurista y Cubista y las teorías sobre la forma y el color de Kandinsky, el Constructivismo Ruso se impone como el principal movimiento artístico y educativo que lleva los ideales comunistas al plano de la vida material de las personas, con el fin de reeducar y organizar al proletariado en función a las necesidades de su reorganización social.

2. Principios Clave para el Constructivismo

Una institución clave para el posicionamiento del Constructivismo como el principal movimiento artístico del Partido fue el Instituto para la Cultura Artística (INKhUK, por sus iniciales cirílicas), dirigido por Kandinsky, a partir del cual se creó el Grupo de Constructivistas integrado por Aleksandr Rodchenko, Varvara Stepanova y los hermanos Gabo y Pevsner, quienes en su Manifiesto realista (1920) proponen:

“1. En la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.

2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.

3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un líquido con un metro. Miremos el espacio: ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.

4. Renunciamos a la escultura en cuanto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas, por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.

5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes está el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real.”

En el Primer Programa del Grupo Constructivista, producido en 1921, los tres pilares centrales de la producción constructivista son: la tectónica, la fakturay la construcción, es decir, la estructuración, el manejo y la organización del material. La meta era lograr la expresión comunista en el plano de las estructuras materiales y también lograr una síntesis entre lo ideológico y lo formal (Fer 1989).

Los Constructivistas se consideraban más creadores industriales que artistas, y no se limitaban a las experimentaciones estéticas en las artes plásticas como la pintura y escultura, sino también exploraron a fondo el diseño industrial y fueron pioneros en el diseño gráfico a través de propagandas de agitación (agitprop), pósters de películas y anuncios publicitarios.

3. Constructivismo y Diseño Gráfico Contemporáneo

Cuando hablamos del diseño gráfico constructivista, uno de los creadores más versátiles y prolíficos fue Aleksandr Rodchenko, artista plástico, fotógrafo, publicista, diseñador industrial y diseñador gráfico.

En 1925, Rodchenko presentó en la exposición 5x5=25 el tríptico Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo, con la que inauguró una nueva era en la historia del arte. En sus propias palabras: “Reduje la pintura a su conclusión lógica y exhibí tres canvas: rojo, amarillo y azul. Y afirmé: ‘Este es el final de la pintura’.

Imagen 2. Rodchenko, Aleksandr. Puro Color Rojo, Puro Color Azul y Puro Color Amarillo (1921)

En esta pintura, Rodchenko parte de las obras no figurativas de Malévich, como su Cuadrado Negro (1915), para explorar las propiedades físicas y conceptuales de los colores en la pintura. Al reducirla a sus recursos más básicos —los tres colores primarios—, Rodchenko acorrala a la pintura y no le deja otra salida más que mutar en otro tipo de arte en el que las artes plásticas dialoguen con el pueblo y con otras tecnologías como la tipografía, la fotografía y el cine. En este nuevo arte prepondera la innovación en la composición visual de las obras.

Así, Rodchenko empieza a experimentar con el fotomontaje y el diseño editorial. Ilustra varias portadas del famoso poeta soviético Vladimir Maiakovsky, su cercano amigo, en las que mezcla tipografía experimental y fotomontaje con los retratos que él tomaba de Maiakovsky.

Imagen 3. Rodchenko, Aleksandr. Portada para el libro A Sergei Esenin, de Vladimir Maiakovsky (1926).

En esta composición, Rodchenko utiliza como fondo tres rectángulos negro, blanco y cian, que por sí mismos podrían ser pinturas abstractas suprematistas, que sirven para contrastar la cabeza recortada de Mayakovsky y su mirada severa. Alrededor de su cabeza está la Tierra, a la que le dan vueltas tres avionetas soviéticas. La metáfora es simple y directa: Mayakovsky es un poeta mundial en un mundo industrial. Es un mensaje llamativo, claro y entendible para personas no instruidas en historia del arte. Claramente, Rodchenko no está haciendo arte para ser expuesto en las paredes descontextualizadas de un museo ni para los ojos especializados de los críticos de arte. La producción visual del artista está pensada para el entendimiento del espectador ante todo. Al mismo tiempo, Rodchenko está construyendo la imagen del artista soviético: duro, masculino, industrial e imaginativo.

Posteriormente, junto a Maiakovsky también crea la primera agencia publicitaria en el mundo llamada En Reklam-Konstruktor, con la que publicitan relojes, aerolíneas estatales, e incluso postres:

Imagen 4. Rodchenko, Aleksandr. Empaque para marca de galletas Aviador Rojo (1923).

En este diseño resalta la elegante simpleza del logo hecho a partir de rectángulos, círculos y líneas que representan un avión en vuelo, así como el patrón geométrico que sirve de fondo para el empaque. Este tipo de ilustración es muy contemporánea y bien podría funcionar como el logo de una aerolínea actual. Veamos el siguiente concepto para una aerolínea canadiense:

Imagen 5. Truk, Jordan. Concepto de identidad gráfica para Cardinal Airlines (2019).

En este caso, el diseñador gráfico utiliza la figura de un pájaro nativo de Canadá para ilustrar un avión en vuelo a través de líneas y curvas simples. No dudo de que el diseño publicitario de Rodchenko ha influenciado en la lógica y el estilo con que lxs diseñadores creamos logos: el uso de vectores simples y escalables que funcionen en varias superficies, desde empaques a pósters hasta impresos en superficies enormes, como aviones.

Rodchenko es también reconocido por haber hecho un póster con la actriz Lilya Brik vociferando la palabra “¡Libros!” a través de un megáfono compuesto por tipografía y rectángulos en perspectiva.

Imagen 6. Rodhenko, Aleksandr. ¡Libros (Por favor)! En todas las ramas del conocimiento (1924).

Este póster, comisionado por la Casa Editorial Estatal de Leningrado, tuvo como propósito resaltar el compromiso del Gobierno Soviético con la educación y la alfabetización. El póster tiene la intención de ser legible incluso para personas que no saben leer, a través de una comunicación directa y efectiva con formas, fotos y colores. Actualmente, esta composición es parte importante de la iconografía visual contemporánea y ha influenciado múltiples diseños desde su concepción.

Imagen 7. Scher, Paula. Póster para obra teatral The Diva is Dismissed (1994).

La famosa diseñadora gráfica neoyorquina Paula Scher, encargada de la dirección gráfica para el Public Theather de Nueva York, se inspiró en Rodchenko para realizar este póster publicitario de un unipersonal de la comediante Jenifer Lewis. Igual que el póster de Rodchenko, la tipografía es utilizada para complementar el mensaje y el movimiento del diseño. La iconografía es la misma: una artista famosa vociferando un mensaje directo. El receptor se siente sorprendido e interpelado por la fuerza del contraste, el tamaño de las letras y la mirada de la actriz.

Imagen 8. Fotografía propia. Póster para Sindicalízate.com (2023).

La influencia de ¡Libros! de Rodchenko también ha llegado al Perú del 2023 a través de esta gráfica social-publicitaria para la promoción de la sindicalización en la ciudad de Lima. Aquí vemos a dos jóvenes, ninguno de ellxs famoso, que miran sonrientes hacia arriba vociferando la palabra “¡Sindícalizate!” Y más abajo se lee: “Por una chamba con derechos”.

Esta iconografía se ha permeado en la cultura popular y encontramos sus iteraciones en portadas de álbumes de rock, publicidad de marcas de ropa de lujo e incluso dibujos animados. Si consideramos que “los memes se han convertido en unidades semánticas capaces de evocar los significados a los que están asociados. Es el proceso de evocación y la eficacia del meme como disparador de atención, recuerdo y repetición del significado adscrito, lo que los vuelve relevantes” (Lissack 2004), ¿podríamos decir que ¡Libros! de Rodchenko fue uno de los primeros memes del siglo XX?

En un nivel más general, otras características visuales del arte constructivista, no solo de Rodchenko, sino también de otros artistas como El Lissitzky, también han influenciado en el lenguaje visual del diseño gráfico contemporáneo. Un ejemplo importante es el uso de tipografías sans serif para la comunicación de mensajes políticos simples, contundentes y directos.

Imagen 9. Arenas, Maria. Póster para la campaña política de Alexandra Ocasio Cortez (2018).

Imagen 10. Kulagina, Valentina. Póster para el Día Internacional de la Mujer Trabajadora (1930).

En ambos pósters, la composición utiliza la figura predominante de una mujer al lado izquierdo que es balanceada con el uso abundante de tipografía hacia el lado derecho. La tipografía utilizada es una sans serif delgada utilizada en diferentes tamaños. Este tipo de letras se popularizaron con el naciente Futurismo ruso y posteriormente en los pósters y libros de artista de los constructivistas rusos, y son utilizadas para comunicar mensajes inmediatos, modernos y legibles en diferentes formatos, desde una pequeña postal hasta una pantalla.

Por otro lado, la paleta de colores característica del Constructivismo Ruso utiliza el rojo sólido con gradaciones de negro, como la siguiente composición abstracta de El Lissitzky:

Imagen 11. Lissitzky, El. Proun (1922-23).

El constante uso del rojo no es una casualidad, sino que responde a la identidad visual de la U.R.S.S., que se caracterizó, desde su bandera, por el uso abundante del rojo como símbolo de la revolución comunista.

Imagen 12. N/A. Póster para al Aniversario de la Derrota Estratégica de la Armada Americana B-52 Bomber. N/A.

 

La motivación patriótica/política en la elección de colores se hace evidente en este póster que conmemora la victoria vietnamita frente a las fuerzas imperialistas estadounidenses. En este caso, la mano roja con una estrella representa la bandera de Vietnam, mientras que el fondo azul y la bomba negra representan a Estados Unidos a fin siendo vencido.

 

4.  Conclusiones

A lo largo de este ensayo hemos analizado algunas obras gráficas del Constructivismo Ruso en búsqueda de su influencia sobre el lenguaje visual del Diseño Gráfico Contemporáneo en términos de estilo, composición, iconografía, uso del color y tipografía.

 Nos hemos enfocado en la figura y la producción gráfica de Aleksandr Rodchenko, pues ha jugado un papel muy importante en la consolidación del Diseño Gráfico como una profesión artística popular preocupada por la transmisión de mensajes visuales a través de códigos claros, directos y eficaces que tienen en cuenta al receptor desde la concepción de la obra.

 Se hace evidente la permanencia de los principios constructivistas en la producción gráfica contemporánea a escala mundial. Hemos visto ejemplos de arte gráfico canadiense, estadounidense, peruano y vietnamita claramente influenciados por el constructivismo ruso.

 Finalmente, si bien es cierto que en muchos casos la influencia constructivista en el diseño actual es más prevalente en un nivel estético más que ideológico, es crucial que las nuevas organizaciones de izquierda o comunistas en el mundo reflexionemos sobre el rico legado gráfico constructivista y lo sigamos reinterpretando bajo nuestros contextos de creación identitaria y lucha anticapitalista. El valor del Constructivismo en la historia del Mundo radica en el poder de construir una estética radical, particular para la lucha comunista internacional, y su lenguaje visual puede ayudarnos en la creación de realidades postcapitalistas.

Imagen 13. Diseño propio. ¿Qué pasaría si el logo del partido izquierdista Perú Libre se hubiera inspirado en el constructivismo ruso? (2023).

Referencias Bibliográficas

Bark, Wendy (1995). Constructivist costume, textile & theatrical design, 1917 - 1934: a study of constructivism set in the socio-cultural, political and historical context of post-revolutionary Russia, Durham theses, Durham University, Inglaterra.

Gabo, Naum & Pevsner, Antoine (1920). El Manifiesto Realista. Extraído de https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/      02/manifiesto-realista-1920.pdf.

Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) (2018). Catálogo para la exposición Caso de Estudio. Ródchenko y un futuro en construcción. Institut Valencià d’Art Modern, España.

Lissack, M. R. (2004), The redefinition of memes: ascribing meaning to an empty cliché, Journal of Memetics-Evolutionary Models of Information Transmission, núm. 8, EE.UU..

Malevich, Kazimir (2003). The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism. Dover Publications, EE.UU.

[love-letters-blog]

La vida puede ser desordenada, dolorosa y a menudo no tiene sentido. La traición , la desilusión, me ha golpeado duro estos últimos años, así que cuando los sentimientos se vuelven demasiado dolorosos me recuerdo a mí misma que: soy digno de amarme.

Soy fuerte.

Voy a sanar.

Soy amable.

Voy a recuperar mi luz.

🩵🌿Y SÓLO HAY QUE VIVIR.🩵

Olvidándome de mi edad camino serena y en paz,

ya no tengo prisa, dejo atrás el ansia de llegar,

cualquier lugar es perfecto.

Los sonidos del silencio cobijan mis suspiros,

el canto de la lluvia adormece mis dolores,

la caricia del sol me bendice cada mañana

y la luna acuna mi soñar cada noche.

No puedo más que agradecer mi permanencia aquí

y a partir de hoy:

No más luchas

Acepto con amor cada nueva experiencia

bendiciendo los retos y aprendizajes;

con esta sabiduría que la vida me tatuó

en recuerdos, cicatrices, abrazos y descalabros...

porque cada mano que tocó mi piel,

cada camino que pisaron mis pies,

cada paisaje que mis ojos miraron,

cada canción que resonó en mi corazón

y cada palabra que emocionó o hirió mi alma

dieron vida a lo que ahora soy.

¡Un ser viviendo la más hermosa experiencia

en este espacio de tierra, en esta línea de tiempo! 🩵

Perdonó para sonarme a mi misma y ser libre… 🕊️

—-☮️

Life can be messy, painful and often meaningless. Betrayal , disappointment, has hit me hard these past few years, so when the feelings become too painful I remind myself that: I am worthy of loving myself.

I am strong.

I will heal.

I am kind.

I will regain my light.

🩵🌿AND THERE IS ONLY LIVING.🩵

Forgetting my age I walk serene and peaceful,

I'm no longer in a hurry, I leave behind the longing to arrive,

any place is perfect.

The sounds of silence shelter my sighs,

the song of the rain lulls my pains,

the caress of the sun blesses me every morning

and the moon cradles my dreams every night.

I can only be grateful for my stay here

and as of today:

No more struggles

I accept with love each new experience

blessing the challenges and learnings;

with this wisdom that life has tattooed on me

in memories, scars, hugs and disappointments...

because every hand that touched my skin,

every path my feet trod,

every landscape my eyes gazed upon,

every song that resonated in my heart

and every word that moved or wounded my soul

gave life to what I am now.

A being living the most beautiful experience

In this space of earth, in this timeline! 🩵

Forgiven to sound myself and be free... 🕊️

—-☮️

[thereyouwere]

“ Ocurre a veces que teselas concretas de la realidad emergen del ruido blanco del mundo y se ponen a vibrar con una intensidad particular, anómala. (...) Allí donde se verifica esa vibración, se genera un tipo de intensidad que, cuando perdura en el tiempo –superando el estatus del puro y simple asombro– tiende a organizarse y a convertirse en una figura dibujada en el vacío. Se podría decir que, para lograr una determinada permanencia, genera un campo magnético a su alrededor, dotado de su propia geometría. A estos campos magnéticos singulares les damos un nombre particular. Ese nombre es: historias. ”

- A. Baricco

[growingold]

I can’t find a pulse, my heart won’t start anymore.

Cuando era más joven solía compararme con un camaleón. Decía que era fácil para mí encajar en todos lados por mi capacidad de moldearme en distintos colores y formas dependiendo de mi entorno. Una vez que fui creciendo me di cuenta de que soy más como un fénix. Quemando etapas en mi vida y reuniendo las cenizas entre mis manos para renacer intacta, más fuerte que nunca, como nueva. Quizás solo con el tiempo y a medida que iba creciendo aprendí a ser resiliente, a sanar mis propias heridas y seguir avanzando.

No puedo tomar todo el crédito por eso porque tengo claro que de no haber vivido algunas experiencias yo nunca hubiese sentido la necesidad de velar por mí misma. Solo sé que solía pensar en una vida donde cuidaran de mí y sintiera cierta permanencia era mi final feliz, pero una vez que saqué un pie al exterior y me di cuenta de que en realidad no estaban cuidando de mí empecé a desligarme y esa sensación de permanencia se fue desvaneciendo con el pasar de los años.

Fue como cuando enciendes un fósforo y todo parece iluminarse, solo que esta vez el fósforo no se apagó más. Mi mente se fue llenando de ideas nuevas, yo tenía sed de otro tipo de experiencias y sensaciones, de otro tipo de sentimientos, cosas que siempre quise y que dejé a un lado solo para poder encajar y porque mi alma de camaleón se podía el peso de cambiar constantemente para amoldarse a todos esos entornos. 

Y después cambié por última vez y nada fue como antes. 

Quemé todas esas sensaciones que ya no quería sentir, esas cosas que me había guardado las saqué y empecé a ver el mundo de manera distinta, más brillante, más parecido a mí. 

Recuerdo que alguien que estaba ahí conmigo tomó mi “despertar” como algo negativo, se espantó porque yo empecé a decir que no, porque empecé a pedir cosas que no había pedido antes, porque dejé de llorar y empecé a exigir, empecé a cerrar puertas, a cortar oportunidades. Puse todo sobre la mesa y poco a poco mis latidos fueron disminuyendo, cada vez menos, cada vez más lento, con pausas más grandes. Pasé los últimos años viviendo a base de latidos agónicos, que estaban en las últimas, aún con un poco de esperanza porque una pequeña parte de mi corazón seguía esperando su final feliz.

Entonces se escuchó el pitido.

Ese pitido en las máquinas que te chequean el pulso en los hospitales, el que te da a entender que ya no late tu corazón. Ensordecedor, pero para mí: Liberador. 

Cerré todas las puertas, corté todas las oportunidades. Le dije adiós la última hojuela de ceniza que tenía esa alma de camaleón, la junté con todas las otras y finalmente me despedí de la persona que solía ser. 

Viven dos ideas en mí ahora respecto al amor. Una de ellas cree que al final todos encontramos a quien podemos llamar “alma gemela”, que no es quien te complementa (porque ya venimos completos) pero sí con quien la vida tiene un nuevo significado y le encontramos el disfrute. Alguien que es como uno, que te ayuda, que te enseña, que te cuida de la misma manera en que lo ayudas, le enseñas y lo cuidas. 

Y la otra cree que quizás el alma gemela solo somos nosotros mismos. Que no existe nadie que vaya a ayudarte, enseñarte y cuidarte de la misma manera en la que lo harías tú mismo por ti. Porque nadie más te conoce como te conoces tú. Es simple. Quien vaya a estar a tu lado va a ser su propia persona también y sabrán acompañarse mutuamente, a seguir creciendo y conviviendo en armonía. 

Para ambas ideas sé que nunca me voy a conformar con menos. Y si eso me lleva a una vida en donde solo voy a estar yo, al menos sabré que no volví a doblegar mi espíritu solo por encajar ni por esa sed de pertenencia. 

[rafaelmartinez67]

Todos los sucesos que acontecen en nuestras vidas son transitorios. La transitoriedad se manifiesta durante toda nuestra vida desde el mismo momento en que nacemos. Todos los días estamos sometidos a cambios y a lo largo de un tiempo estos toman otra forma pero ya venían ocurriendo. Sin embargo, no nos damos cuenta, muchos planes se sustentan en una visión permanente de la realidad y se sufre porque esta dejó de ser lo que veíamos. Entender la transitoriedad ayuda a los procesos de adaptación en los eventos, optimizando la experiencia de vida con la disposición a vivir. Mayormente la vida la centramos en la obtención de objetos y de poseer los medios que nos da la experiencia para que la experimentemos, gastando enormes cantidades de energía en obtener recursos materiales.No todos logramos entender la relación que tiene el recurso económico en las experiencia pero si la mayoría lo convierte en su objeto de deseo. Una vida centrada en lo material puede pasar por alto las cualidades más altas de la expresión humana. El objeto produce la ilusión de que este crea una satisfacción y que determina el estado del ánimo. Todo en la vida va y viene. Lo que queda es la relación que se establece con las cosas. La manera sabia de poseer algo implica relacionarse desde el desapego para evitar ser controlado por el objeto. La sabiduría de la no permanencia hace que la vida sea más dinámica, nos hace cambiar de actitud ayudando a reconocer los límites entre el propio ser y el de los demás. La pregunta sería cómo nos relacionamos con lo que está a nuestro alrededor. Si es con apego o de forma transitoria. La solución es experimentar el presente sin la expectativa de que suceda lo que queremos o con la creencia de que sea lo que ya fue.