#ESTO ES FLAMENCO

[cristinabcn]

Jorge Pardo y Cristian de Moret: Flamenco, fusión y más...

Jorge Pardo and Cristian de Moret: Flamenco, fusion and more… TERESA FERNANDEZ HERRERA Periodista, Directora Gral de Cultura Flamenca. Prensa Especializada 11 de septiembre, Teatro Alcázar de Madrid. En concierto irrepetible, único, Jorge Pardo y Cristian de Moret, Cristian de Moret y Jorge Pardo: Tanto monta,  monta tanto Cristian como Pardo. ¡Que me disculpen los Reyes Católicos por…

[jartita-me-teneis]

Origen de Mayas y Aztecas.

Charles Étienne Brasseur de Bourbourg (1814 - 1874) fue un abad flamenco del siglo XIX. Además de su profesión clerical, el abad francés es universalmente conocido por sus importantes contribuciones al conocimiento de los pueblos mesoamericanos. De hecho, Charles Étienne Brasseur fue también un renombrado escritor, etnógrafo y arqueólogo que se especializó particularmente en el estudio de las civilizaciones mayas y aztecas. ... Según el erudito, los mayas recordaron su tierra natal como un "continente ubicado en el Pacífico" que más tarde se hundió. Llamaron a este continente la "Tierra de Mu". ... Hace unos años, se pensaba que esto era una leyenda. Pero la llegada de los satélites ha demostrado que todo esto es cierto. De hecho, la actual Indonesia y Australia son "remanentes" de un continente mucho más grande, al que los científicos llaman Sundaland. Este continente ubicado en las aguas del Océano Pacífico estaba parcialmente sumergido hace 14.000 años cuando el Océano Pacfico se elevó en unos 140 metros. ... ¿Cómo supieron los mayas sobre el "continente hundido" en el Océano Pacífico? ¿Es una coincidencia increíble? ¿O sus antepasados realmente vinieron de Sundaland? ... Una vez más, si escucháramos a la ciencia y no a nuestros prejuicios, los mayas tendrían toda la razón. Sus antepasados vinieron de Sundaland. ¿Cómo estamos seguros? Según Kenneth M. Olsen, un biólogo especializado en evolución vegetal en la Universidad de Washington en St. Louis, tenemos pruebas irrefutables de que navegantes de las regiones de Sundaland y Sahuland viajaron a Panamá en América Central en tiempos precolombinos. ... La "prueba viviente" es la presencia del coco en América. Este investigador descubrió que todos los cocoteros, dondequiera que se encuentren en el mundo, provienen de la India o de la antigua región de Sundaland. Además, el profesor explica que, al menos en lo que se refiere a las largas distancias, el cocotero no migra naturalmente, a diferencia de las semillas de otras plantas. En su caso, debe ser transportado por humanos a otras regiones lejanas para echar raíces allí. Si el cocotero llegó a Centroamérica en tiempos precolombinos, significa que marineros de la región de Sundaland llegaron a América antes que Cristóbal Colón y lo plantaron. No hay mucho que discutir sobre esto. ... El artículo continúa en el libro: **HOMO RELOADED - La historia oculta de los últimos 75.000 años**

#agoralanavedelmisterioylacultura

[latinotiktok]

Voy a revelar en el chat que afuera de la universidad me dieron un "boleto" para ver a Rosalia

?????

(Also, mi bestie ya me dijo que la wey ni flamenco baila, así es que zzz, con todo el afán de ofender).

muchas preguntas. fue gratis? funcionaba? hace unos días vi una noticia de como la "rompio" ahi, esto sería muy gracioso.

[mujerconalasdemariposa]

MILES DE FLAMENCOS EN EL LAGO NAKURU, KENYA:

Lago Nakuru es uno de los tres lagos interconectados en la provincia del Valle del Rift en Kenia...

Estos lagos son el hogar de 13 especies de aves amenazadas a nivel mundial y algunas de las diversidades de aves más altas del mundo...

Una característica absolutamente increíble del lago Nakuru es las grandes concentraciones de flamencos enanos, la abundancia de algas del lago atrae a estas aves, de hecho, el lago Nakuru es el sitio más importante de forrajeo del flamenco enano, y un importante lugar de anidación para grandes pelícanos blancos...

Ha sido descrito por los ornitólogos como el mayor espectáculo de aves en el mundo...

El flamenco enano se distingue por su gran pico rojo carmín y el plumaje de color rosa...

Los flamencos se alimentan de algas que se crean por la mezcla de sus excrementos con  las aguas alcalinas calientes, y el plancton...

Los científicos estiman que la población de flamencos en  Nakuru, que es a menudo más de un millón - o incluso dos millones, consume alrededor de 250.000 kg de algas por hectárea de superficie por año...Amén... DTBM.!! 🙌🦋🌼🍃

[princesssarisa]

Sleeping Beauty Spring: Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child – Sleeping Beauty" (1995 animated series episode)

Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child was like an animated musical counterpart to Shelley Duvall's Faerie Tale Theatre for children of the '90s. Each episode, narrated by Robert Guillaume, adapts a classic fairy tale or fantasy story with a star-studded voice cast, blending irreverent humor with sincerity. But what sets this series apart from any similar series is that each story takes place in a different culture. Highlight episodes include a Chinese Little Red Riding Hood, a Caribbean Goldilocks and the Three Bears, a Native American Snow White, African versions of Jack and the Beanstalk, The Frog Prince, and Beauty and the Beast, and Latin American versions of Hansel and Gretel, Cinderella... and Sleeping Beauty.

This retelling of the tale takes place in an imaginary Latin American seaside kingdom. The dialogue is peppered with Spanish words and phrases, and the voice cast consists entirely of Latino and part-Latino celebrities: Marie Barrientos as Princess Rosita, Ricardo Montalbán as King Carlos, Lucie Arnaz as Queen Maria, Paul Rodriguez as Jesse the Jester, Jacob Vargas as Prince Luis, Carlos Mencia as his squire Poncho, Carmen Zapata as the Seventh Fairy, Vanessa Marquez as all of the other six fairies, and musical theatre/opera singer Julia Migenes as the villainous fairy Evelina.

Apart from the Latin American setting, the plot faithfully follows the traditional story. King Carlos and Queen Maria yearn for a child, comforted only by the slapstick comedy of their clumsy jester, Jesse. But at last, Princess Rosita is born. To her grand christening – a fiesta with flamenco dancing, salsa music, and a feast of arroz con pollo and ropa vieja – the king and queen invite seven good fairies, portrayed as middle aged and elderly women with tiny wings. But the hideous old fairy Evelina goes uninvited because she shut herself away in a tower long ago and is presumed dead. Of course she comes anyway, and after expressing her offense a grand musical number, she curses the princess, but the pink-clad Seventh Fairy softens her curse from death to a hundred-year sleep.

Sixteen years later, as in the Cannon Movie Tales adaptation, the whole kingdom is dressed in rags and patches because no new cloth can be made without spinning wheels. Princess Rosita knows that spinning was banned due to an old prophecy, but doesn't know what that prophecy is. When her parents go out a tour of the kingdom, Jesse the Jester promises to look after her. But he promptly knocks himself unconscious on a column, so Rosita is free to explore unknown parts of the castle. Of course she finds a tower where Evelina waits with a spinning wheel. King Carlos, Queen Maria, and Jesse are distraught when they find Rosita sleeping, but the Seventh Fairy arrives and puts the rest of the kingdom to sleep too. Over a hundred years, a dense jungle grows around the castle.

At long last, Prince Luis and his nervous squire Poncho arrive. They've heard many legends about the old castle, but finally an old man tells them the true story. When they ride into the jungle, the trees miraculously part, and soon the prince finds Rosita and kisses her, breaking the spell. A fantastico wedding is celebrated with new clothes for everyone, Evelina "goes all to pieces" with rage (her tower explodes with her inside it, leaving just a smoking ruin), and everyone else lives happily ever after.

While the animation isn't the most sophisticated, its lively, colorful, stylized aesthetic is memorable and charming. It perfectly suits the balance between humor and heart that the script offers. As in most episodes of this series, there are two featured songs, the brief "Good Fairies' Song" and Evelina's "Que Es Esto" ("A party without me? Surely you jest-o!"), both infused with the local color of the setting.

I recommend not only this episode, but the entire Happily Ever After series to anyone who enjoys seeing fairy tales told with fresh, colorful new spins, and especially to children of different ethnic groups, who will enjoy seeing themselves in the classic tales.

@ariel-seagull-wings, @thealmightyemprex, @faintingheroine, @reds-revenge, @paexgo-rosa, @comma-after-dearest, @the-blue-fairie, @themousefromfantasyland, @thatscarletflycatcher, @fairytaleslive, @autistic-prince-cinderella

[chavasiu]

Matemaricas

Yo le presté $10,000 a mi tío con el 1% de interés Durante un año completo o sea 12 meses Así que en ese lapso de tiempo yo gané $100 por mes Lo que equivale a $1200 por habérselo prestado una vez que me lo pagó él en vez de darme $10,000 me pagó $11,200 por el 1% de interés Así que yo terminé con $11,200

Esto me iso recordar acerca de las clases del profe Raúl sobre las matemáticas financieras

$10,000 with 1% interest For a full year or 12 months So in that period of time I earned $100 per month Which is equivalent to $1200 for having lent it to him once he lent it to me Instead of giving me $10,000, he paid me $11,200 for 1% interest. So I ended up with $11,200.

This reminds me about Professor Raúl's classes on financial mathematics

Humanidas

Un día me encontraba caminando por la calle y un loco me empezó a platicar sobre su perspectiva de la vida y era muy similar a la de Platón el filósofo que la maestra Paty en sus clases nos había hablado mucho sobre él pero yo estaba más convencido con la filosofía de Sócrates Así que argumenté con él sobre las filosofías y llegamos a un acuerdo en el que las dos filosofías eran correctas depende desde qué perspectiva las mirases

One day I was walking down the street and a crazy man began to talk to me about his perspective on life and it was very similar to that of Plato, the philosopher that teacher Paty had told us a lot about in her classes, but I was more convinced with the philosophy of Socrates So I argued with him about the philosophies and we came to an agreement that both philosophies were correct depending on what perspective you look at them from.

Taller de ciencias

Estaba en una cena familiar y mis tíos estaban discutiendo sobre que caería más rápido si una bala o una persona ellos decían que caerían igual por qué el aire los pararía pero yo les explique que mientras más sea la masa del objeto más será su aceleración

science workshop

I was at a family dinner and my uncles were arguing about whether a bullet or a person would fall faster. They said they would fall the same because the air would stop them, but I explained to them that the greater the mass of the object, the greater its acceleration

Conservacion de la energía

Estaba en el establo con mi primo y por accidente pisamos un alambre con toques el si se electrocutó por qué tenía botas normales pero como yo traía botas de ule no me pasó nada por qué era un material aislante

Energy conservation

I was in the stable with my cousin and by accident we stepped on a wire with touches. He did get electrocuted because he had normal boots but since I was wearing ule boots nothing happened to me because it was an insulating material

Lengua y comunicación

Recuerdo una vez que estábamos en clase de español y teníamos que hacer una presentación sobre un tema libre. Uno de mis compañeros decidió hablar sobre la cultura española y, para hacerlo más interesante, intentó bailar flamenco durante la presentación. Fue muy divertido ver su entusiasmo, aunque el baile no fue precisamente lo que se esperaba en una presentación académica. Todos nos reímos mucho y la profesora lo tomó con mucho humor.

Language and communication

I remember one time we were in Spanish class and we had to make a presentation on a free topic. One of my classmates decided to talk about Spanish culture and, to make it more interesting, tried to dance flamenco during the presentation. It was very fun to see their enthusiasm, although the dance was not exactly what was expected in an academic presentation. We all laughed a lot and the teacher took it with great humor.

Ciencias sociales

Recuerdo una vez en la escuela estábamos aprendiendo sobre geografía en la clase de ciencias sociales, y el maestro decidió hacer una actividad al aire libre para aprender sobre los diferentes tipos de suelos. Nos llevó al patio de la escuela y nos pidió que recogiéramos muestras de tierra de diferentes áreas. Fue muy emocionante poder explorar y aprender de una manera práctica. Al final, analizamos las muestras en el laboratorio y discutimos las características de cada tipo de suelo.

ciencias sociales

Recuerdo una vez en la escuela estábamos aprendiendo sobre geografía en la clase de ciencias sociales, y el maestro decidió hacer una actividad al aire libre para aprender sobre los diferentes tipos de suelos. Nos llevó al patio de la escuela y nos pidió que reconociésemos muestras de tierra de diferentes áreas. Fue muy emocionante poder explorar y aprender de una manera práctica. Al final, analizamos las muestras en el laboratorio y discutimos las características de cada tipo de suelo.

Cultura digital

"Un día, estaba en una videollamada con mis amigos, organizando una reunión virtual. Durante la llamada, se cayó mi conexión a internet justo en el momento en que estaba contando una historia muy divertida. Cuando logré reconectarme, mis amigos ya se estaban riendo a carcajadas. Resulta que, debido a la interrupción, mi imagen se congeló en una pose ridícula y mi voz se distorsionó de una manera hilarante, lo que provocó que todos estallaran de risa. Fue un recordatorio gracioso de cómo la tecnología puede añadir un toque inesperado a nuestras interacciones."

culturadigital

"Un día, estaba en una videollamada con mis amigos, organizando una reunión virtual. Durante la llamada, se cayó mi conexión a internet justo en el momento en que estaba contando una historia muy divertida. Cuando logré reconectarme, mis amigos ya se estaban riendo a carcajadas. Resulta que, debido a la interrupción, mi imagen se congeló en una pose ridícula y mi voz se distorsionó de una manera hilarante, lo que provocó que todos estallaran de risa Fue un recordatorio gracioso de cómo la tecnología puede agregar un toque. inesperado en nuestras interacciones."

Ingles

Durante una clase de inglés en la secundaria, nuestro profesor nos pidió que describiéramos nuestros hobbies. Quise decir que me gustaba cocinar, pero en lugar de decir 'I like cooking', dije 'I like cookies'. Todos se rieron y yo también, al darme cuenta de mi error. Fue un momento divertido y me ayudó a recordar la importancia de pronunciar correctamente

ingles

Durante una clase de inglés en la secundaria, nuestro profesor nos pidió que describiéramos nuestros pasatiempos. Quise decir que me gustaba cocinar, pero en lugar de decir 'Me gusta cocinar', dije 'Me gustan las galletas'. Todos se rieron y yo también, al darme cuenta de mi error. Fue un momento divertido y me ayudó a recordar la importancia de pronunciar correctamente.

[ismael1234]

QUE TIPOS DE MUSICA HAY Y CUALES SON:3

Hola de nuevo como han estado:):):):):):):):):):):):)

En esta ocasión hablaremos de los distintos tipos de música que hay en el mundo y cómo ha evolucionado con el tiempo.

La música ha existido desde los primeros momento de la historia,ya sea con pequeños sonidos o rítmicas o simplemente golpeando algo o así lo interpretaban antes,ahora la musica es mas que solo ruidos es una combinación de notas las cuales son pensadas con al finalidad de sonar armonioso,rítmico y sobre todo bien.

¿ Cuál fue el primer tipo de música que se inventó?

El primer tipo de música que se tiene registro es la música o  Canciones hurritas, folk y fertilidad las cuales se pueden interpretar con sonidos o gritos,ya que anteriormente las personas en la antigüedad se comunicaban hacia.

¿Qué tipos de música hay?

Aquí les dejo una pequeña lista:)

Clásica

Jazz

Pop

Reggaeton

Soul

Rock

Corridos 

Corridos tumbados 

Electrónica

Metal

Disco

Punk

Country

Funk

House

Techno

Flamenco

Salsa

Cumbia 

Zapateado 

Hip hop

Musica programatica

Banda

Trap

Rap

Mambo

Tango

Estos son algunos de los géneros o tipos de música se calcula que hay entre 2,500 géneros a los largo de la historia 

Gracias por su atención:)

[rosebudblog]

TRES PELÍCULAS MUY INCÓMODAS

NEVILLE CON CHAPLIN EN LOS AÑOS 30

CARLOS ARÉVALO

CONCHITA MONTENEGRO

Por todos es bien conocido el desarrollo del cine español a partir del año 1939 con el final de la guerra civil. El establecimiento de la dictadura en toda España y el férreo control que la censura ejerció con todos los medios de comunicación y en el caso que nos ocupa con el cine. Es evidente que todas las producciones realizadas a partir de aquellas fechas tenían que contar con el placet de los organismos controladores de la dictadura y en aquellos años no se les escapaba nada que pusiese en duda sus presupuestos políticos, morales o religiosos. Esencialmente todos los profesionales del cine de los años 40 eran adictos al régimen, habían participado activamente en la guerra civil o al menos eran sumisos con los poderes establecidos (no fue hasta los años 50, con unos jóvenes, Bardem y Berlanga, cuando comenzaron a aparecer subliminales críticas al establishment que requirieron una feroz actuación por parte de los censores).

Por todo ello sorprende, cuando se revisa el cine español de aquellos primeros años de la postguerra, cómo fue posible que algunas películas se convirtieran en un auténtico problema para las autoridades cuando la autoría de las mismas correspondía a fidelísimos seguidores de la dictadura; en esta situación quedaron tres películas de las que nos vamos a ocupar hoy: Frente de Madrid, El Crucero Baleares y Rojo y Negro.

EDGAR NEVILLE fue un director al que aún hoy día no se le ha reconocido su aportación al cine español. Hombre polifacético, estuvo un tiempo en Hollywood trabajando como traductor y guionista y allí entabló amistad con algunos famosos como Charles Chaplin. Neville era un extraño personaje dentro de la maquinaria de la dictadura, pues siendo un aristócrata con título nobiliario entró en ese mundo odiado por las sesudas autoridades franquistas: el mundo del cine. Además, tuvo la osadía de iniciar, a partir de la película de la que vamos a hablar, una relación fuera de los cánones morales de la época con la actriz Conchita Montes y esto le granjeó también la enemistad y el desprecio de ciertos sectores de la dictadura. Su aportación al cine español es muy brillante y la dirección de Neville nos ha legado varias películas en aquellos años 40 de muy buena calidad: El crimen de la calle Bordadores, Domingo de Carnaval, La torre de los siete jorobados, Mi calle, Nada, El último caballo o el documental Duende y misterio del flamenco.

En este caso, con FRENTE DE MADRID, Neville en pleno 1939 se entregó en cuerpo y alma al nuevo régimen fascista para ensalzar las virtudes del bando ganador de la guerra en contraposición con los perdedores. Neville había sido un republicano de derechas que una vez iniciada la guerra civil se puso a disposición de las autoridades golpistas posiblemente para borrar su “pecado” republicano; partiendo de un guion suyo realiza una coproducción con Italia (con la colaboración de la Alemania nazi) rodando dos versiones: una para el país transalpino con el título Carmen frai i Rossi y con actor principal Fosco Giachetti y una versión española con Rafael Rivelles. A ambos los acompañó una joven Conchita Montes de la que Neville se enamoró e iniciaron una relación extramatrimonial que duró hasta el fallecimiento del director en 1967.

Frente de Madrid es una película muy primaria y sumamente maniquea, con los estereotipos radicalmente expresados en imágenes: a los personajes del bando fascista los presenta como individuos limpios, guapos y educados mientras que los del bando republicano aparecen feos y sucios.

En síntesis, la película relata los intentos de un falangista en infiltrarse en la zona republicana para entregar unos mensajes y ver a su novia con quien tenía previsto casarse el 18 de Julio de 1936, boda que lógicamente no se pudo celebrar. En Italia tuvo un gran éxito mientras que en España pasó sin pena ni gloria y afectada por los recortes de la censura; de hecho, la versión española se perdió por lo que la muestra que podemos ver hoy es la italiana doblada al castellano (es posible que la versión española la “perdiesen” las propias autoridades franquistas).

Como he señalado anteriormente la película es de un maniqueísmo absoluto y no tiene grandes valores artísticos; el problema con la censura surgió porque en las últimas secuencias Neville nos muestra un cierto hermanamiento entre dos soldados de los dos bandos en lucha, manteniendo un diálogo sin odio, algo que en plena ebullición fascista el régimen recién instaurado no podía permitir. Afortunadamente hoy se puede ver la versión italiana como una auténtica rareza y Edgar Neville nos obsequió años después con películas de mucha mayor calidad que esta curiosa Frente de Madrid.

A los avatares de la segunda película, EL CRUCERO BALEARES, ya le dedicamos un capítulo y no nos vamos a extender hoy en ella. Dirigida por un curioso personaje, el mejicano ENRIQUE DEL CAMPO, se realizó en 1941 con la participación en su producción de la RKO. Del Campo fue espía del bando fascista durante la guerra civil y no parece que contara, salvo ese, otros méritos artísticos para dirigir la película.

La película cuenta el hundimiento del crucero Baleares en plena guerra civil por parte de la escuadra republicana; no se escatimaron medios de ningún tipo y el apoyo institucional a la película fue total y absoluto. Una muestra de ese apoyo se puede observar en el telegrama cursado por el Departamento Nacional de Cinematografía a los distintos jefes provinciales de propaganda en las ciudades donde iba a estrenarse la película: «Dada la tesis película crucero Baleares que entraña propaganda nacional este Departamento considera oportuno que jefaturas provinciales propaganda de acuerdo casa Radio Films ayuden organización estreno».

Se organizó un gran estreno en 48 capitales de provincia y en Madrid se construyeron unos grandes anuncios publicitarios de la película en plena Gran Vía. Dos días antes del estreno se realizó un pase privado ante un numeroso grupo de autoridades militares del Ejército y de la Armada. Inmediatamente la película fue prohibida sin atenuantes y se ordenó la recogida y destrucción de todas las copias, por ser contraria “a los intereses nacionales”.

¿Cuáles fueron los motivos por los que la película fue retirada, prohibida y destruida finalmente?:

-desilusión en la Armada por la baja calidad del producto que no acompañó ni reflejó la hondura política y propagandística de la “gesta heroica” del crucero.

- falta de dignidad suficiente en la reproducción de los principios y hábitos de la escuadra

- excesiva frivolidad de las escenas. Más concretamente, las escenas más esperadas como la rebelión de la marinería y la muerte heroica de sus víctimas, así como el apocalíptico final, fueron un fiasco que, unido a que más de la mitad del guion descansaba en una “vulgar comedieta de amores y amoríos con inadecuadas situaciones sainetescas”, apuntaron hacia la inflexible medida.

Posiblemente en todo ello figurara la lucha subterránea entre Ejército de Tierra y Armada. Mientras que en otras películas se mostraba a sus hermanos del ejército de tierra en heroica resistencia como los cadetes de la Academia de Infantería de Toledo, pertrechados en el Alcázar, la oficialidad del crucero Baleares se presenta esperando el hundimiento entre amoríos y fiestas. La Marina no podía admitir semejante agravio y eliminaron la película.

Pocos años después, en 1947, Enrique del Campo falleció prematuramente. Las copias de la película fueron destruidas y nunca más se supo de El Crucero Baleares. A día de hoy nadie queda ya vivo que asistiera a aquel pase privado del 10 de Abril de 1941 que supuso la destrucción física de una película que ya solo forma parte de la historia más negra del cine español.

La historia de ROJO Y NEGRO es, si cabe, más curiosa aún, pues se trata de la única película de total inspiración falangista hecha en la inmediata postguerra. Dirigida por CARLOS ARÉVALO se estrenó en 1942 en el cine Capitol de Madrid, tuvo un gran éxito y estuvo tres semanas en cartel, luego desapareció totalmente y no se exhibió más hasta que se encontró una copia en los años 90 del siglo pasado y la Filmoteca Española la restauró.

La película contó con actores como Ismael Merlo y la guapísima Conchita Montenegro, la llamada “Garbo española” y a la que algún día le dedicaremos un capítulo. Cuenta la historia de unos jóvenes amigos desde niños que se hacen novios, pero que militan cada uno en distintos bandos cuando llega la guerra civil: ella es falangista y él un anarquista de la CNT y nos muestra las actividades clandestinas en Madrid durante la contienda civil. El título de la película no es baladí pues recordemos que tanto la bandera falangista como la anarquista cuentan con los colores rojo y negro.

Lo curiosos de la película es que, aunque tratándose de un producto propiamente del nuevo régimen, dota a los personajes del bando republicano de una humanidad que llama la atención cuando las películas típicas de aquellos años como Raza o Sin novedad en el Alcázar muestran a los republicanos como auténticas bestias.

Arturo Pérez- Reverte ha dicho de esta película: “Rojo y negro, es una de mis películas españolas favoritas. Admiro esa historia sombría y dura, hija bastarda del cine franquista, estrenada en 1942, demolida por la crítica oficial y retirada después de sólo tres semanas de cartelera para verse enterrada en el olvido”.

Efectivamente la censura no actuó sobre ella, pero la película fue retirada por mostrar ligeros matices de humanidad en el personaje masculino y solo se encontró una copia 50 años después. Según el testimonio de un empleado de la productora que asistió al estreno, la película molestó enormemente a los militares y estos la hicieron llegar hasta el Palacio de El Pardo para que la viese el dictador… de ahí a desaparecer de las salas de exhibición solo había un paso.

Hasta aquí esta pequeña y negra historia de 3 películas españolas que realizadas desde dentro del régimen, supusieron una auténtica molestia para las jerarquías del gobierno; el cine español de aquellos años se decantó rápidamente por películas como Raza, Sin novedad en el frente, Harka o El santuario no se rinde, que no presentaban ningún tipo de ambigüedad en sus historias de adhesión a los principios del régimen fascista.

17/5/2024

[royborland]

hola! os la voy a contar un poquito sobre Fotografías de España para aquel que le interese!

Empezando por Javier, este fue el primer tema del disco que salió después de una muy breve visita de apenas 20 horas a Málaga en un día primaveral del año pasado.

Recuerdo haber visto por primera vez Vicky Cristina Barcelona la noche anterior y a pesar de tener conflictos con la personalidad del personaje de Bardem, me hizo click su personaje a través de una lente de una realidad idealizada que se suele poner desde fuera de España a un tipo de Español “lover boy”/artista enigmático dejando a un lado la clásica interpretación de un personaje asi a través del flamenco los toros y la tortilla.

es casi como un símbolo español muy típico pero a la vez poco conocido.

no digo que personas como el personaje que interpreta Bardem no existan en carne y hueso, sino que este presonaje representa una idea romántica de español que incluso a los españoles nos agrada (en teoría)

entonces, volviendo al viaje a málaga, esa mañana me desperté con ganas de pensar y justo tenía viaje en renfe a málaga lo cual me iba a dar un buen rato solo mirando por la ventana.

llevaba ya unos días escuchando un monton de rumba rociera, coplas y manuel de falla y eso fue lo q escuche tambien en el tren

pase el día por ahí en una finca con un jardin muy bonito español haciendo mis curros y a la que volví en la madrugada volví con la libertad d haber terminado el curro y tener un día totalmente libre al dia siguiente en el que hacer música

con todo esto en mi cabeza a la mañana siguiente me desperte y hice unos acordes menores con la guitarra y me salió la melodia ascendente del punteo y a partir de ahí salió el resto de ideas

cuando encuentre otro ratillo voy con Bardem el segundo tema del disco 🗣️

seguimos

[jepsolell]

🌍El salón flamenco y el mecenazgo de Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva (1794 – 1835). - 📌Si hace una semana poníamos en relieve la figura del XVII duque de Alba a través de la obra de Zuloaga, el número XIV de esta dinastía está considerado como uno de los grandes iniciadores de la colección actual en materia de pintura antigua. Nacido en el apogeo de las ideas revolucionarias de finales del siglo XVIII, el duque Carlos Miguel fue un personaje erudito educado en los ideales del Grand Tour y los años posteriores a la ilustración. El inicio de su colección tomaría como gran punto de partida una vez heredados los títulos y propiedades de la Casa de Alba vía su familiar María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII duquesa de Alba. Fue en ese instante que decidió engrandecer de manera coherente una herencia que aunque generosa, tenía vacíos en los grandes maestros internacionales. En este salón se reúnen los apellidos de Rubens Brueghel, o Teniers destacando entre algunos óleos: Carlos y la Emperatriz Isabel de Portugal o un retrato de Felipe IV por el ya citado Rubens (ambos dos en el centro de la imagen). La copia (en la parte superior a estos retratos) del Combate de las amazonas con los griegos también evoca una de las obras del pintor flamenco. Por último, digna de mencionar es la obra de Brueghel hijo, en la pared central (a la derecha de nuestra foto) representando “la vanidad mundana”. ¿Quieres conocer más obras de cerca de este salón? Acércate al Palacio de Liria y descúbrelo en su visita con audioguía. - #palace #interior #admagazine #oldmasters #arquitectura #architecture #baroque #palacio (en Palacio de Liria) https://www.instagram.com/p/Cl4K7Y6A9a5/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[jadedevenus]

Amor libre

Tus ojos, fijos en un horizonte invisible, reflejan la pasión y el anhelo que arden en tu pecho. ¿Qué pensamientos te asaltan mientras sostienes la honda? ¿Es acaso el amor y la libertad por una dama lo que te impulsa?

Tú, mi David, ahí, donde el sol se derrama sobre las piedras antiguas, donde los colores vibran en las calles estrechas, dos amantes se encuentran bajo la sombra de un ceiba ancestral.

Ella, con ojos oscuros como la noche sin luna, y él, con manos fuertes como las raíces que abrazan la tierra, se buscan entre los suspiros del viento cálido.

La lujuria les envuelve como el aroma del cacao en el mercado, sus cuerpos se entrelazan como las lianas en la jungla, y sus labios saben a frutas maduras y a promesas prohibidas.

Pero también hay distancia entre ellos, como los kilómetros que separan las pirámides mayas de Uxmal y Chichén Itzá. La libertad les llama desde los cenotes profundos y sagrados.

Ella sueña con volar como los flamencos rosados sobre Celestún, y él anhela explorar cada rincón de su piel morena bajo el sol. Se aman con pasión desbordante, pero también con respeto por sus alas.

Así, entre las ruinas y los atardeceres naranjas, se encuentran y se pierden una y otra vez. Dos amantes en busca de su propio equilibrio entre el deseo y la libertad.

Mi David, mi humano real, observa desde lejos y sonríe ante su reflejo en estos dos corazones errantes. Ahí, donde los suspiros se mezclan con el calor del día, donde el amor es un laberinto de piedra y pasión, ellos se encuentran y se pierden una vez más, bajo la sombra protectora de la ceiba milenaria.

[conkdekiwi]

Donquixote Doflamingo

One Piece, el anime de piratas más conocido y uno de mis animes favoritos. Sigue la historia de Luffy, un chico de goma que quiere convertirse en el rey de los piratas (Kaizoku ou ni ore wa naru!), a los largo de los viajes de Luffy y sus Nakamas conocemos a muchos personajes que tienen un diseño impresionante y muy característico.

Pero, en este caso me gustaría hablar de uno en concreto, Donquixote Doflamingo (Doffy para los amigos). Todo en su diseño es curioso, desde el nombre que hace referencia a Don Quijote, de Miguel de Cervantes. Y no solo es él, su hermano se llama Donquixote Rosinante (¿Y quién se llama Rocinante? El caballo de Don Quijote), pero las referencias a nuestra cultura no se acaban ahí. A pesar de que no es la primera vez que oímos hablar de Doflamingo, la primera vez que lo vemos es en la ciudad de Dressrosa, esta ciudad está inspirada en las culturas españolas e italianas, teniendo trajes sevillanos y palabras en español, además de que la atracción principal de la ciudad es un coliseo de gladiadores.

Volviendo a Doffy, su diseño es tan curioso porque es un villano. Y uno de los peores. Pero su diseño: rosa chillón, teniendo en cuenta lo que transmite cada color, el rosa no es la primera elección para un personaje que pretende dar miedo. Y ya no solo esto, si analizamos su conjunto base, vemos que lleva pantalones de estampado que le quedan un más cortos de lo necesario, zapatillas negras en punta que le dan una sensación de poder, de riqueza. Un cinturón naranja potente, una camisa blanca abierta y por último una de sus prendas más distintivas: Un abrigo rosa de plumas de flamenco, haciendo referencia a su nombre. Siempre lleva unas gafas que le ocultan los ojos y que tienen una forma alargada.

Y pesar de que su apariencia tiene más pinta de persona hortera que quiere ir a la moda, el autor (Eiichiro Oda) se las arregla para que en todas las apariciones que tiene te quede claro que es un villano, una persona manipuladora que ni tiene miedo de mancharse las manos. Además su personalidad también es muy opuesta a lo esperado en los villanos, siempre tiene una sonrisa en la cara o se está riendo y en este caso, al contrario de parecer una persona contenta, no hace más que reforzar esa sensación de que Doflamingo no es buena persona y que oculta algo.

Para mi, el hecho de haber tomado la decisión de hacer un villano cuyo diseño va en contra de lo que se suele tomar como “el diseño del malo” es lo que más hace resaltar a Doflamingo y lo que más le hace ser un personaje terrorífico. Sin duda alguna el diseño de este personaje es algo increíble.

Para terminar, los villanos en One Piece estan muy bien construidos a nivel personalidad y valores (Realmente todos los personajes lo están) y esta es una de las frases de este personaje que más me marcó:

"Pirates are evil? The Marines are righteous? These terms have always changed throughout the course of history! Kids who have never seen peace and kids who have never seen war have different values! Those who stand at the top determine what's wrong and what's right! This very place is neutral ground! Justice will prevail, you say? But of course it will! Whoever wins this war becomes justice!”

[jartita-me-teneis]

¿Sabe usted quién fue Carolina Otero? Nació en 1871, su talento excepcional y su belleza hicieron que conquistara la fama y el afecto de artistas como Renoir, García Lorca; y de monarcas como El Rey de Inglaterra y el Zar de Rusia.

En la cumbre de todo su esplendor, José Martí la vio bailar en el teatro El Edén Museé en la calle 23 de Nueva York en 1890.

Suscitó en Martí la escritura de un poema particularmente hermoso y de una expresividad plástica y cinética, en que describe de forma magistral, la acción del baile, mediante la palabra, desde su palco del Teatro.

Yo personalmente me sé esta bella poesia y la he declamado muchísimas veces en actos cívicos en honra a José Martí donde me acompaña una bailarina vestida con traje de flamenco bailando y marcando los movimientos que la poesía magistralmente describe. Siempre ha sido muy gustado esta puesta en escena.

En 1954, la actriz mexicana María Félix decidió realizar una película sobre la famosa bailarina. Fue grande el asombro de la actriz cuando durante la búsqueda de información sobre la vida de la bailarina, la encontró viviendo en París. La otrora hermosa bailarina, entonces incapacitada y abandonada, vivía en un asilo de ancianos. Falleció en ese asilo a la edad de 94 años en 1965.

Hoy, ya poca gente recuerda el nombre de Carolina Otero. Y quedaría olvidada para siempre, de no haberla visto bailar, una sola vez en su vida, nuestro José Martí y regalarle la eternidad con estos hermosos versos:

Poema X “El alma trémula y sola” o “La Bailarina Española”

El alma trémula y sola

Padece al anochecer:

Hay baile; vamos a ver

La bailarina española

Han hecho bien en quitar

El banderón de la acera;

Porque si está la bandera,

No sé, yo no puedo entrar.

Ya llega la bailarina:

Soberbia y pálida llega:

¿Cómo dicen que es gallega?

Pues dicen mal: es divina.

Lleva un sombrero torero

Y una capa carmesí:

¡Lo mismo que un alelí

Que se pusiese un sombrero!

Se ve, de paso, la ceja,

Ceja de mora traidora:

Y la mirada, de mora:

Y como nieve la oreja.

Preludian, bajan la luz

Y sale en bata y mantón,

La virgen de la Asunción

Bailando un baile andaluz.

Alza, retando, la frente;

Crúzase al hombro la manta:

En arco el brazo levanta:

Mueve despacio el pie ardiente.

Repica con los tacones

El tablado zalamera,

Como si la tabla fuera

Tablado de corazones.

Y va el convite creciendo

En las llamas de los ojos,

Y el manto de flecos rojos

Se va en el aire meciendo.

Súbito, de un salto arranca:

Húrtase, se quiebra, gira:

Abre en dos la cachemira,

Ofrece la bata blanca.

El cuerpo cede y ondea;

La boca abierta provoca;

Es una rosa la boca:

Lentamente taconea.

Recoge, de un débil giro,

El manto de flecos rojos:

Se va, cerrando los ojos,

Se va, como en un suspiro…

Baila muy bien la española;

Es blanco y rojo el mantón:

¡Vuelve, fosca, a su rincón

El alma trémula y sola!

[joseandrestabarnia]

Retratos de Agnolo y Maddalena Doni (frente); el Diluvio y Deucalion y Pyrrha (atrás) de Raffaello Sanzio (Urbino 1483 - Roma 1520) y Maestro di Serumido Fecha: ca. 1504-1507 Técnica: Óleo sobre panel de tilo Tamaño: 63,5 x 45 cm Inventario: inversión 1912 núms. 61, 59

Las dos pinturas retratan a Agnolo Doni (1474-1539), un rico comerciante de telas y figura destacada entre la clase alta florentina, y su esposa, la noble Maddalena Strozzi (1489-1540), que se casó el 31 de enero de 1504. Según Giorgio Vasari (Le Vite, Edizione Giuntina 1568) las obras fueron encargadas a Rafael por Agnolo: “Mientras vivía en Florencia, Agnolo Doni, que era muy cuidadoso con su dinero en otras cosas pero dispuesto a gastarlo, aunque siempre con la mayor economía posible - en obras de pintura y escultura, en las que se deleitaba mucho, le pidió [Raphael] que hiciera retratos de él y de su esposa; estos pueden verse en posesión de Giovan Battista, su hijo, en la hermosa y muy cómoda casa de Agnolo, en Corso de'Tintori, cerca del Canto degli Alberti, en Florencia.” Agnolo también encargó la pintura redonda de la Sagrada Familia, conocida como el Tondo Doni, a Miguel Ángel Buonarroti. Ambos retratos fueron pintados en colgante y originalmente formaba un díptico, sostenido por bisagras que permitían mirar las escenas pintadas en los reversos. Se trata de dos episodios, uno consecuencia del otro, extraídos de las Metamorfosis de Ovidio: El diluvio, en el reverso del retrato de Agnolo, y el siguiente renacer de la humanidad gracias a Deucalion y Pyrrha, en el reverso del retrato de Maddalena. Estas historias, pintadas en monocromo, fueron obra de un colega del joven Raphael, cuya identidad permanece en el anonimato pero que se cree que es el llamado Maestro di Serumido, figura identificada por Federico Zeri, quien atribuyó un grupo de obras en estilo similar a este mismo artista. La elección de pintar las obras en blanco y negro refleja el gusto por los estilos flamencos que fueron populares en la Florencia de los siglos XV y XVI. donde los paneles de dípticos y trípticos tendrían tradicionalmente decoraciones monocromáticas en el reverso. Las dos escenas deben interpretarse como alegorías que parecen desear fertilidad al matrimonio. Ovidio narra cómo los dioses permitieron que Deucalion y Pyrrha, una pareja de ancianos sin hijos, se salvaran del diluvio y devolvieran la vida a la humanidad después del mismo. Por orden de Zeus, la pareja se arrojó piedras sobre los hombros, y una vez que tocaron el aceite, las piedras se convirtieron en personas: las arrojadas por Deucalion se convirtieron en hombres y las arrojadas por Pyrrha, en mujeres. Estas referencias refuerzan la teoría, defendida por la mayoría de los críticos, de que los retratos fueron encargados para el matrimonio de la joven pareja, datando entre 1504 y 1506,

Información de la web de la Gallerie degli Uffizi, imagen/es de mi autoría.

[jgmail]

El viajero mental: algunos conceptos sobre William Blake

Ismael Belda

1

En 1809, a los cincuenta y dos años de edad, William Blake realizó la primera y única exposición retrospectiva de su vida. Como no podía permitirse alquilar un local, usó la casa de su hermano, que era a la vez una mercería y estaba situada en Golden Square, en el Soho. En las paredes de varias estancias adyacentes, Blake colgó dieciséis obras, entre ellas Los antiguos britones, la pintura más grande que realizó nunca y, según quienes la vieron, su gran obra maestra, hoy perdida. James, el hermano de William, era el encargado de recibir a los visitantes y mostrarles las pinturas. Prácticamente nadie acudió. La entrada costaba media corona e incluía un breve Catálogo descriptivo, del que Blake no imprimió ni cien copias. Durante muchos años, ese pequeño panfleto encuadernado en papel azul grisáceo fue su obra literaria más conocida. El crítico Robert Hunt (hermano de Leigh, el amigo de Keats y Shelley) visitó la muestra y escribió una devastadora crítica en la que insultaba a Blake y calificaba el pequeño Catálogo de «fárrago de sinsentido, ininteligibilidad y egregia vanidad, las locas efusiones de un cerebro trastornado». Hoy solo se recuerda a Robert Hunt por esa crítica, que Arthur Symons llamó «una de las infamias del periodismo». Poco después, a raíz de la falta de atención y de la crítica de Hunt, que le afectó profundamente, Blake renunció a triunfar en el mundo artístico o literario. Durante diez años, dio por completo la espalda al público, y no fue hasta 1819 cuando, animado por un grupo de poetas y artistas jóvenes que le profesaban cierta admiración, decidió sacar a la luz su gran obra maestra final, el poema épico Jerusalén, en el que había seguido trabajando.

El Catálogo descriptivo, que es una especie de manifiesto artístico, comienza diciendo, tras un breve prefacio: «La claridad y la precisión han sido los principales propósitos al pintar estos Cuadros». Para Blake, leemos, la pintura al óleo es sinónimo de imprecisión y oscuridad; él defiende fieramente la acuarela y la témpera (a la que llama fresco), con las que se logran contornos definidos y colores vivos. Condena a Rubens, Anton van Dyke, Tiziano, Correggio y Rembrandt («los Demonios Venecianos y Flamencos») y, desde luego, a los más notorios pintores ingleses de su tiempo, sus odiados Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, para él enemigos del arte y, por consiguiente, de la humanidad: «Así como hay una clase de hombres cuyo deleite es la destrucción de los hombres, hay una clase de artistas cuyos arte y ciencia están diseñados con el propósito de destruir el arte». A la oscuridad e imprecisión de estos, según los estándares de Blake, basadas en la copia servil y mecánica de la naturaleza, él opone a Miguel Ángel, Rafael, Durero y Giulio Romano, sus ideales de claridad, luminosidad, simbolismo y atención a los detalles. A la sombra de Rembrandt, contrapone la línea («Cada Línea que trazo es Eterna»). La sombra y el borrón del óleo ocultan la forma.

En el Catálogo, Blake afirma haber contemplado, en sus visiones, obras de arte originales, perdidas miles de años atrás, en las cuales cada detalle estaba cargado de «sentido recóndito y mitológico», e insiste en la realidad y, por encima de todo, en la detallada claridad de esas y otras visiones: «Un Espíritu y una Visión no son, como supone la filosofía moderna, un vapor nebuloso, o una nada: están organizados y minuciosamente articulados más allá de lo que la naturaleza mortal y perecedera puede producir. Quien no imagina en contornos más fuertes y mejores, y en luz más fuerte y mejor, que lo que puede ver su ojo perecedero y mortal no imagina en absoluto. El pintor de esta obra [se refiere a él mismo] asegura que todas sus imaginaciones se le aparecen infinitamente más perfecta y minuciosamente organizadas que cualquier cosa que haya visto su ojo mortal. Los Espíritus son hombres organizados». Organizado, para Blake, quiere decir poseedor de forma inteligible, es decir, susceptible de ser captado por la imaginación. Poco después de la fallida exposición, escribió un borrador para texto teórico y descriptivo sobre su gran pintura Una visión del Juicio Final, también perdida, que pretendía añadir al final del Catálogo descriptivo, aunque nunca llegó a hacerlo. En el borrador, afirmaba con rotundidad la que fue una de las principales convicciones de su vida: «El Conocimiento General es Conocimiento Remoto; la Sabiduría consiste en los Detalles, y la Felicidad también. En el Arte y en la Vida, las Masas Generales Constituyen Arte en la Misma medida que un Hombre de Cartón es Humano».

Este énfasis en los Minúsculos Detalles (en el original, Minute Particulars) es una de las claves para entender su obra. Para Blake, todo está en los detalles. El arte se crea a partir de los detalles, jamás mediante generalizaciones; la visión imaginativa, que trasciende el mundo informe de la materia, se alcanza mediante los detalles; el bien que debemos hacer a los demás se lleva a cabo mediante los detalles. Los detalles están vivos (literalmente) y cada uno de ellos importa, como si fueran vidas humanas. Las cosas son reales en cuanto que son percibidas en supremo e infinitamente articulado detalle. En poesía, «cada palabra y cada letra» debe ser estudiada, y en pintura, «cada línea y pincelada». En el amor, «cada Minúsculo Detalle es sagrado». Blake camina por Londres y contempla la pobreza y los asilos y talleres de caridad en los que la Virtud Moral ha reemplazado a las reacciones inmediatas, vivas e individuales ante el sufrimiento ajeno: «Vio cada Minúsculo Detalle de Albion degradado y asesinado, / […] y vio cada minúsculo detalle, las joyas de Albion, bajar corriendo / por las alcantarillas de calles y callejas como si estuvieran aborrecidas. / Toda Forma Universal se convirtió en una yerma montaña de Virtud / Moral, y cada Minúsculo Detalle se solidificó en granos de arena, / y toda la ternura del alma fue arrojada como mugre y porquería / en los sinuosos lugares de honda e intrincada contemplación». Imaginación, arte y amor a los demás seres humanos son para Blake lo mismo. En Jerusalén, leemos: «El que haga el bien a otro debe hacerlo en los Minúsculos Detalles. / El Bien General es el pretexto del adulador, canalla e hipócrita; / pues el Arte y la Ciencia no pueden existir sino en Detalles minuciosamente organizados, / y no en Demostraciones generalizadoras del Poder Racional. / Lo Infinito solo reside en la Identidad Definida y Determinada». Cada detalle es un individuo, una identidad. Las imágenes de las visiones de la imaginación, para Blake, son infinitamente detalladas e individualizadas y están infinitamente organizadas, en contraste con el caos, la imprecisión y el anonimato a los que tiende la naturaleza entendida como algo separado del hombre.

Toda la obra de Blake es un gran intento de elevar la conciencia humana mediante el arte hasta una realidad perfectamente definida y vívida. El ascenso tiene lugar desde la naturaleza borrosa, caótica e inconsciente, hacia una realidad maravillosamente vívida y detallada, organizada y consciente, es decir, hacia la Nueva Jerusalén, que es la representación simbólica de la libertad y el éxtasis de la conciencia. Para él, esta ascensión es un proceso individual y que, a la vez, abarca a toda la humanidad, pues para Blake no existe diferencia entre fuera y dentro: toda la realidad es espiritual, imaginativa o mental, y la transformación en nuestro interior equivale, en cierto nivel, a la de toda la humanidad. La poesía de Blake intenta una transformación total de la conciencia para restituir al hombre a su estado original. En sus apuntes para la descripción de su pintura El Juicio Final, escribió: «La Naturaleza de mi Trabajo es Visionaria o Imaginativa; es un Intento de Restaurar lo que los Antiguos llamaban la Edad de Oro […] Si el Espectador pudiera Entrar en estas Imágenes con su Imaginación, acercándose a ellas en el Ardiente Carruaje de su Pensamiento Contemplativo, si pudiera entrar en el Arco Iris de Noé o en su pecho, o pudiera hacer una Amiga y una Compañera de una de estas Imágenes de maravilla, que siempre le solicitan que deje las cosas mortales (como debe saber), entonces se levantaría de su Tumba». Se levantaría de su tumba porque, para Blake, el hombre material es un cadáver, es una sombra borrosa y apenas discernible.

El gran enemigo filosófico de Blake fue, sin duda, John Locke. Lo leyó muy pronto y desde un primer momento lo convirtió en el símbolo de todo lo que estaba mal en su época. Locke afirma que hay una realidad material completamente separada del sujeto, la cual, de forma accidental, entra en contacto con este. El sujeto, a través de los sentidos, genera entonces sensaciones y, más tarde, por medio de su intelecto, produce reflexiones, es decir clasificaciones de las sensaciones y desarrollo de estas en ideas abstractas, que nos permiten conocer el mundo. Todo esto es, por supuesto, la visión de las cosas aceptada mayoritariamente hoy día en Occidente. Para Blake, en primer lugar, no hay una realidad independiente del sujeto; la naturaleza se vuelve real al pasar a través de la conciencia humana, que crea imágenes o formas. Estas imágenes o formas son el contenido del conocimiento y no son accidentales o mecánicas, sino conscientes e imaginativas (una visión no imaginativa del mundo sencillamente no produce conocimiento). Samuel Johnson, en parte heredero intelectual de Locke, en sus Vidas de los poetas ingleses más eminentes habla sin cesar de «la grandeza de la generalización», y dice que «los grandes pensamientos son siempre generales» y que «nada puede dar placer a muchos, y darlo por largo tiempo, excepto justas representaciones de la naturaleza general». Blake se opone fieramente a esto: «¿Qué es la Naturaleza General? ¿Existe Tal Cosa? ¿Qué es el Conocimiento General? ¿Acaso existe tal cosa? Estrictamente Hablando, Todo Conocimiento es Particular». Las ideas abstractas son para Blake sombras borrosas y falsas que solo conducen al error (conducen a la guerra, llega a decir en varias ocasiones, así como la religión y la represión sexual conducen a la guerra). «La Harmonía y la Proporción son Cualidades y no Cosas. La Harmonía y la Proporción de un Caballo no son iguales que las de un Toro. Cada Cosa tiene su propia Harmonía y Proporción, Dos Cualidades Inferiores en ella. Pues su Realidad es su Forma Imaginativa», leemos en sus anotaciones al margen de Siris, de Berkeley. La «reflexión» de Locke solo sirve para apartar al sujeto del objeto, para reemplazar las cosas reales por los sombríos recuerdos de estas, que en la simbología de Blake se llaman espectros. En Blake siempre aparecen oponiéndose la niebla de las abstracciones y la cristalina claridad de los Minúsculos Detalles.

2

William Blake nació en Londres en 1757 y, salvo tres años pasados en Felpham, en la costa de Sussex, no salió nunca de su ciudad natal. Jamás visitó Italia para ver las obras de Miguel Ángel y de Rafael que tanto admiraba pero que, en realidad, solo conocía por copias grabadas. Su padre era fabricante de medias y posiblemente perteneció a una de las sectas disidentes que abundaban en la Inglaterra de la época. Blake creció, según parece, en un hogar no muy estricto donde se leía la Biblia a menudo y donde la experiencia visionaria no era considerada como una rareza. Fue un niño sano y feliz que caminaba muchos kilómetros al día por la verde campiña inglesa, que estaba entonces muy cerca de la ciudad, y que leía todo lo que caía en sus manos. A los diez años, tras haber demostrado aptitudes, comenzó a estudiar en la escuela de dibujo de Henry Pars, y a los quince años entró como aprendiz en el taller de James Basire, donde, durante los siguientes siete años, aprendió el oficio de grabador, que por entonces experimentaba un verdadero boom en Inglaterra y se consideraba muy lucrativo. Es interesante recordar que Blake no fue, como la posterior generación de artistas románticos, un hombre que despreciara el comercio y se mantuviera retirado del mundo de los negocios; él fue un artesano de clase baja-media que vivió y trabajó durante el primer gran periodo de producción en masa en Inglaterra. Se calcula que en toda su vida completó unas quinientas ochenta planchas de grabado, la mayoría ilustraciones para todo tipo de libros de carácter comercial. En 1779 entró en las Royal Academy Schools y comenzó a compaginar sus estudios con su trabajo como grabador. En 1782 se casó con Catherine Boucher, una muchacha analfabeta a la que enseñó a leer y también los rudimentos del arte de grabar. William y Kate son una de las parejas más inolvidables de la historia literaria. Hay una famosa anécdota según la cual un amigo de la pareja que fue a visitarlos, al entrar en el jardincito de los Blake, los vio a los dos leyendo en voz alta el Paraíso perdido de Milton tan desnudos como Adán y Eva. Nunca tuvieron hijos, pero todo hace pensar que fueron felices.

Aparte de un pequeño libro titulado Poetical Sketches y del poema épico La Revolución francesa, que fueron impresos pero no llegaron a salir a la venta, toda la obra poética de Blake apareció en forma de libros iluminados que producía él mismo de forma artesanal y de los que apenas vendió un puñado de ejemplares. La poesía y la pintura estuvieron unidas en él desde el principio y parece que nunca se consideró a sí mismo más un poeta que un pintor. En su juventud ya rechazó la poesía fría y racionalista de Alexander Pope o John Dryden y prefería a los Graveyard Poets, como Thomas Gray, Edward Young, William Collins o Thomas Percy, verdaderos prerrománticos cuya poesía sentimental, lúgubre, llena de temas góticos y a menudo genuinamente visionaria se encuentra en la base de su obra temprana, así como en la de Wordsworth o Coleridge, los grandes poetas de la primera generación romántica. Chatterton y Ossian (traducido, supuestamente, por James MacPherson), por otra parte, eran dos de sus grandes ídolos, y siempre mantuvo que la poesía de ambos era genuina (Chatterton, antes de suicidarse a los diecisiete años, fue autor de poemas que hizo pasar por obras medievales; y la obra del legendario bardo Ossian fue supuestamente rescatada por James McPherson a partir de 1860, aunque la polémica sobre la autenticidad de esos poemas dura hasta hoy: Blake era, sin duda, consciente de todo esto, pero tenía muy claro que la realidad imaginativa de esos poemas era mucho más importante que la datación constatada de los textos). Sin embargo, sus verdaderos maestros son los grandes poetas épicos ingleses de los siglos XVI y XVII.

Así como la historia de la pintura posterior al Renacimiento le parecía un tenebroso declive y él volvía una y otra vez a los maestros florentinos y romanos del Quattrocento, Blake sentía continuamente, como antes que él Collins y Young, el impulso de regresar a la poesía del Renacimiento inglés. Keats, décadas más tarde, llenaría sus cuadernos juveniles de imitaciones spencerianas, y Blake hizo exactamente lo mismo. Edmund Spencer y John Milton eran para Blake los grandes originales perdidos de la literatura inglesa (ambos eran ampliamente despreciados por la literatura dominante en la época, aunque esto comenzaba a cambiar) y en ellos Blake encuentra la visión, los detalles, la grandiosidad y la música que no podía encontrar en otro sitio y que desde un principio quiso hacer suyos. Spencer, en el cuarto libro de su Reina de las hadas, había hablado de Chaucer como si este hubiera renacido en él; Milton dijo «Spencer es mi original», y Blake, seguro de su genio desde muy joven, trazaba una línea genealógica ininterrumpida de la poesía épica inglesa: primero, Chaucer; después, Spencer; luego, Milton, y, por último, él mismo, como sucesivas encarnaciones de un mismo dios. Pero Blake representa un rescate del Renacimiento no solo desde el punto de vista estrictamente literario, ya que el Renacimiento es mucho más de lo que habitualmente se entiende. En palabras de W. E. Peuckert, «el Renacimiento es un renacimiento de las ciencias ocultas y no, como se dice habitualmente en las escuelas, la resurrección de la filología clásica y de un vocabulario olvidado. Lejos de ser esto, su lucha apasionada puso sobre la mesa la recuperación de las “ciencias” muertas o caídas en el olvido a causa del racionalismo escolástico». En la época de Blake, tras un siglo de férreo racionalismo, estaba teniendo lugar una nueva recuperación de esas mismas ciencias ocultas, en una especie de brusca ebullición que parece de alguna forma relacionada con el ambiente de radicalismo político que se respiraba por entonces. Blake leyó ávidamente a los médicos, alquimistas y magos renacentistas Cornelio Agripa y Paracelso, así como los escritos de Jakob Böhme. De Agripa aprendió ciertos términos y relaciones provenientes de la alquimia que perduraron hasta su obra más tardía. En Paracelso encontró, entre otras cosas, un verdadero énfasis en la imaginación que sin duda debió de atraerle: en la filosofía del alquimista de Basilea, la imaginación es el astrum in homine, la «estrella en el hombre», el hombre astro u hombre verdadero, un concepto en parte relacionado con la divina scintilla (chispa) de los gnósticos. Böhme, por su parte, fue también una influencia importante, y en La triple vida del hombre pudo leer pasajes como este, que parece adelantar su teoría de los Minúsculos Detalles: «Si concibes un pequeño círculo diminuto, tan pequeño como un grano de mostaza, el Corazón de Dios cabe completa y perfectamente dentro: y si naces en Dios, entonces está en ti (en el círculo de tu vida) el completo Corazón de Dios indiviso. […] Estás en Cristo por encima del infierno y los demonios». También leyó apasionadamente los escritos de Emanuel Swedenborg, cuya influencia es más o menos perceptible a lo largo de toda su obra, aunque en fecha temprana abjuró de él. Una de sus amistades de juventud fue Thomas Taylor, llamado el Platónico, traductor de Platón, Plotino, Porfirio, Jámblico y Proclo, y en la filosofía platónica y neoplatónica, el verdadero núcleo de todo el arte y la poesía renacentistas, encontró sin duda una confirmación de sus propias intuiciones y de lo que ya había asimilado a través de, por ejemplo, Milton y Spencer.

Con todo, el texto más importante, fuera de su propia obra, para comprender su poesía en todas sus dimensiones es sin duda la Biblia. Blake, como Milton, es un poeta bíblico y gran parte de sus poemas más importantes está formada por una reutilización y una reinterpretación del material bíblico. Su lenguaje, sus imágenes y sus temas centrales provienen de las escrituras, y determinados libros de estas, en concreto, el Génesis, Ezequiel, Daniel, Job, el Cantar de Salomón y el Apocalipsis, además de algunas obras no canónicas como el Libro de Enoc, contienen en cierto sentido casi toda su materia poética y muchos de sus recursos básicos. Por supuesto, Blake hace una lectura simbólica de la Biblia de principio a fin. Era un hombre profundamente religioso y se consideraba a sí mismo, por encima de todo, un cristiano, a pesar de que muy pocos cristianos de hoy en día compartirían la mayoría de sus convicciones. Para él, la verdadera religión estaba basada en la revelación directa e individual por medio de la imaginación y, más concretamente, a través del arte. Para Blake el arte es «la vida imaginativa en su totalidad». «Jesús y Sus Apóstoles y Discípulos eran todos Artistas», escribió, y también: «Benditos aquellos que se muestran estudiosos de la Literatura y de los logros Humanos y refinados. Ellos tienen sus lámparas ardiendo y estas brillarán como las Estrellas»; «La Poesía, la Pintura y la Música son los Tres Poderes en el Hombre para conversar con el Paraíso que no fueron barridos por el Diluvio»; «Pero en la Eternidad, las Cuatro Artes, la Poesía, la Pintura, la Música y la Arquitectura, que es la Ciencia, son los Cuatro Rostros del Hombre»; «Un Poeta, un Pintor, un Músico, un Arquitecto: el Hombre o la Mujer que no es una de estas cosas no es un Cristiano».

Blake negaba que hubiera un infierno eterno y creía en la apocatástasis, es decir en la salvación universal, como Orígenes, y como este, también creía en la preexistencia de las almas a la creación. El Dios de Blake no es un ser lejano y oscuro, sino que es un Dios que está en el hombre y le acompaña siempre. Tampoco creía en la existencia del mal; lo que otros llaman mal, para él era simplemente error. Creía en el perdón permanente de todos los pecados y le parecía que el cuerpo era una fuente de placer y que el placer no podía ser nunca pecado. Creía que la represión sexual era una consecuencia del racionalismo y la religión, que amenazan la visión imaginativa del mundo, y defendía la libertad sexual y la emancipación de la mujer. Aunque participó, muy brevemente, en la llamada Nueva Iglesia de Jerusalén, dedicada a estudiar los escritos de Emanuel Swedenborg, enseguida renunció a ella, pues creía que el hombre en conjunto, es decir en forma de una congregación o de cualquier club, opuesto al hombre individual, solo manifiesta «las Virtudes Egoístas del Corazón Natural» y que ninguna religión organizada podía hacer otra cosa que aprisionar y destruir la pura actualidad de la energía y de la imaginación, que para él eran la verdadera experiencia religiosa. Fue enemigo de cualquier tipo de religión organizada y, particularmente, del deísmo, lo que llamaba la religión natural, por oposición a la revelada, producto de la Ilustración de finales del siglo XVII. El deísmo, desde la perspectiva blakeana, promulgaba un Dios que, tras crear el mundo, se había retirado de su creación, lo que lo convertía en un ser lejano e inescrutable y al universo en un mecanismo de relojería sin vida. Dentro del hombre, según el deísmo, no había nada que pudiera ponerse en contacto con ese Dios, al cual tan solo se accedía mediante el razonamiento lógico.

Los creadores y precursores de esa nueva religión, racionalista, objetivista y determinista, Francis Bacon, John Locke, Isaac Newton, Hume, Rousseau y Voltaire, eran para Blake terribles enemigos a los que atacó una y otra vez en todos sus escritos, aunque no, por supuesto, por defender modos religiosos tradicionales que pudieran poner en peligro, pues Blake, por una parte, no tiene ninguna paciencia con la tradición y, por otra, es un individualista irreductible. Esta es una exposición concisa de sus ideas religiosas centrales: «No conozco ningún otro Cristianismo ni ningún otro Evangelio que el de la libertad, tanto de cuerpo como de mente, para ejercitar las Divinas Artes de la Imaginación. Imaginación: el Mundo real y eterno del que este Universo Vegetativo apenas es una vaga sombra, y en el que viviremos en nuestros Cuerpos Eternos o Imaginativos cuando estos Vegetativos Cuerpos Mortales ya no existan. […] ¡Oh, vosotros, Religiosos, desaprobad a cualquiera de los vuestros que pretenda despreciar el Arte y la Ciencia! ¡Os conmino en el Nombre de Jesús! ¿Qué es la Vida del Hombre sino Arte y Ciencia? ¿Es alimento y Bebida? ¿No es el Cuerpo una Vestidura? ¿Qué es la Mortalidad sino lo relacionado con el Cuerpo, que ha de Morir? ¿Qué es la Inmortalidad sino lo relacionado con el Espíritu, que Vive Eternamente? ¿Qué es la Dicha Celestial sino la Mejora de las cosas del Espíritu? […] ¿Acaso podéis pensar sin pronunciaros de corazón Que Cultivar el Conocimiento es Construir Jerusalén, y Despreciar el Conocimiento es Despreciar Jerusalén y a sus Constructores?».

William Blake escribió muchos poemas líricos maravillosos, pero el centro de su obra son los largos poemas narrativos que escribió a lo largo de su vida y que llamó libros proféticos. Son poemas épicos que describen oscuros y complejísimos dramas entre potencias cósmicas que él llamaba «mis Figuras Gigantes». Quizá es importante aclarar que el concepto de profecía en Blake tiene poco que ver con la predicción del futuro. «Los Profetas en el sentido moderno de la palabra jamás han existido», nos dice. «Jonás no era un profeta en el Sentido moderno, pues su profecía de Nínive falló. Todo hombre honesto es un Profeta. Un Profeta es un Vidente, no un Dictador Arbitrario». El profeta, en el sentido de Blake, es el hombre que sabe comprender lo que se esconde detrás de los hechos aparentes del presente, el que sabe interpretar la realidad y dice aquello que los demás hombres no quieren oír. El concepto de imaginación, central en su filosofía, recibió primero otros nombres en su obra: en un primer momento lo llama genio poético (no exclusivo de los poetas sino común a toda la humanidad) y algo más tarde espíritu de la profecía. Es en este sentido en el que hay que interpretar el término profético, aplicado a sus poemas épicos, como visiones imaginativas de la realidad. El profeta o artista (palabras sinónimas para Blake) interpreta la realidad mediante una obra simbólica que el público debe a su vez interpretar.

Blake define su poesía como una «Alegoría dirigida a los poderes intelectuales y por completo oculta al Entendimiento Corpóreo», pero normalmente para él la palabra alegoría tiene una connotación negativa: «Las Alegorías son cosas Relacionadas con las Virtudes Morales. Las Virtudes Morales no existen […] pero el Tiempo y el Espacio son Seres Reales, un Hombre y una Mujer». Cuando Blake dice que el tiempo es un hombre (Los) y el espacio una mujer (Enitharmon), no hay que inferir un sentido alegórico, sino más bien anagógico, es decir, simbólico en un sentido profundo. Dante habla de cuatro niveles de interpretación: el literal, el alegórico, el moral y el anagógico, y dice que mediante este, el alma sale «de la esclavitud de la corrupción de este mundo a la libertad de la gloria eterna». Mientras que en la alegoría necesitamos traducir continuamente las figuras del poema a conceptos abstractos y, en realidad, dejamos de prestar atención a la textura misma del texto, la interpretación anagógica considera el poema como un todo unitario («Todo Poema debe ser necesariamente una Perfecta Unidad», escribe Blake), necesita la experiencia profunda de cada detalle sensorial y plástico del poema y nos permite aprender, como si dijéramos, el lenguaje mitopoético del autor y, poco a poco, comenzar a leer sin traducir.

A continuación, una lista de los libros proféticos más importantes de Blake pensada para quien se quiera internar en su obra. Blake es un autor difícil, no hay duda, pero hay pocos poetas que merezcan tanto la pena tomarse el esfuerzo de comprender.

Visiones de las hijas de Albion (1793) es una obra muy hermosa y quizás es el mejor lugar para comenzar a leer a Blake. Como libro iluminado es, además, uno de los más exquisitos que compuso. El argumento del libro es sencillo: la doncella Oothoon, estremecida por sus «miedos virginales», se oculta en el valle de Leutha, es decir, en una especie de limbo, hasta que finalmente cobra valor y se decide a entrar en la experiencia, es decir, a descender al mundo. Oothoon arranca una caléndula (que simboliza el placer sexual, la visión imaginativa y la experiencia, y que equivale a una de las manzanas doradas de las Hespérides), la coloca en su pecho y vuela a reunirse con su amado Theotormon. Sin embargo, antes de llegar a él, Bromion «la desgarra con sus truenos». No queda del todo claro si se trata de una violación o de una mera aventura sexual consentida, producto de la nueva liberación de Oothoon, pero las consecuencias son terribles. Bromion, que encarna la razón y las normas morales, necesariamente hipócritas y destructoras de la imaginación, denigra a Oothon y la relación entre ambos pasa a ser de amo y esclava: «¡Contemplad a esta ramera sobre el lecho de Bromion, / y dejad que los celosos delfines jueguen alrededor de la adorable doncella! / Mías son las suaves llanuras de América, y míos tu norte y tu sur; / con mi sello están marcados los atezados hijos del sol; / son sumisos, no se resisten, obedecen al flagelo; / sus hijas adoran terrores y obedecen al violento». La reacción de Theotormon, en lugar de rescatar a Oothoon, es acusarlos a ambos de adúlteros y encerrarse en sí mismo y en sus celos. El lamento posterior de Oothon es un poderoso canto a la libertad y a la irreductible individualidad no solo de toda existencia sino de toda experiencia, lo cual implica que cualquier ley externa al ser humano es inútil y dañina. Oothoon maldice la modestia, la castidad y la religión, e invoca y afirma el placer, el deseo, la libertad y el amor: «Pero Oothoon no es eso, sino una virgen llena de fantasías virginales, / abierta a la alegría y al gozo dondequiera que aparezca la belleza. / Si la hallo en el sol de la mañana, allí se fijan mis ojos / en feliz cópula; si la encuentro en el apacible atardecer, exhausta de labores, / me siento en una ribera y saboreo los placeres de esta alegría nacida libre. / ¡El momento del deseo! ¡El momento del deseo! La virgen / que suspira por un hombre, despertará su seno a enormes alegrías, / en las secretas sombras de su alcoba».

Al final de su lamento, encontramos ese pasaje que obsesionaba a Borges y a Bioy, en el que Oothoon, hablando de sí misma en tercera persona, le ofrece a Theotormon la libertad de compartir su amor con otras muchachas para salir de la prisión de los celos: «Pero Oothoon extenderá redes de seda y trampas diamantinas, / y atrapará para ti muchachas de suave plata o de furioso oro; / estaré a tu lado en una ribera, contemplando su lascivo juego / en grata cópula, dicha sobre dicha con Theotormon» (algunos elementos del poema parecen tomados de las ideas de Mary Wollstonecraft, a quien posiblemente Blake trató personalmente, aunque en concreto estos versos que encantaban a Borges parecen adelantarse a conceptos actuales como la compersion, procedente del poliamor). En Visiones de las hijas de Albion encontramos ya el complejo simbolismo mitopoético en múltiples niveles de las grandes profecías de Blake. Por ejemplo, Oothon, además de representar el rechazo de las leyes y normas terrenales por parte del alma y su apertura al mundo del infinito, que es la imaginación, así como la liberación sexual de las mujeres, oprimidas por siglos de religión y moralismo, es descrita también como «la tierna alma de América», y su historia podría entenderse como una fábula sobre el impulso emancipador de las colonias británicas y un alegato contra la esclavitud de los negros en América, que estarían representados por Oothoon y por las hijas de Albion. Bromion, en ese nivel de significado, simbolizaría al defensor de la esclavitud (una figura muy real en el parlamento inglés en época de Blake) y la moral de una sociedad imperialista que corrompe a los pueblos oprimidos y después los condena por esa misma corrupción. Lo metafísico, lo moral y lo histórico/político convergen en una sola visión poética unificada en las grandes obras maestras de Blake, de las cuales estas Visiones son la primera.

El matrimonio del Cielo y el Infierno es la obra que todo el mundo ha leído y que casi todo el mundo ha malinterpretado. Se ha asociado con cierta vindicación de las drogas o de la ebriedad, con una especie de malditismo satánico y con el sadismo, cuando en realidad Blake apunta en direcciones del todo opuestas. El problema es que Blake utiliza ciertas palabras en dos sentidos opuestos. La palabra infierno, por ejemplo, tiene en el poema dos sentidos, uno real y otro irónico. Hay un infierno verdadero, que se encuentra en el interior de la mente humana (y que todos conocemos), y hay otro infierno, al que Blake llama así de forma irónica, que es la pura energía vital, la fuente del deseo y la creatividad que asciende en forma de árbol y que es el Árbol de la Vida. El primer infierno, el que merece su nombre, sirve, según Blake, para perpetuar la moralidad pública, la religión estatal y el estéril racionalismo, y es el Árbol del Conocimiento del Bien y del Mal, la causa de la caída del hombre. El matrimonio del Cielo y el Infierno es uno de esos libros en los que casi cada pasaje es memorable. Hay, por ejemplo, una inolvidable descripción de cómo el espíritu humano se solidifica en sistemas y acaba destruido y encadenado cuando se transforma en religión organizada: «Los antiguos Poetas animaron todos los objetos perceptibles con Dioses o Genios, dándoles nombres y adornándolos con las propiedades de los bosques, ríos, montañas, lagos, ciudades, naciones y todo lo que sus amplios y numerosos sentidos podían percibir. […] / Hasta que se formó un sistema, del que algunos se aprovecharon para esclavizar al pueblo intentando comprender o abstraer las deidades mentales de sus objetos; así comenzó el Sacerdocio, Eligiendo formas de adoración de narraciones poéticas. / Y al final, dictaron que los Dioses habían ordenado tales cosas. / Así, los hombres olvidaron que Todas las deidades residen en el pecho humano».

Entre los «Proverbios del Infierno», parodia del libro bíblico de los Proverbios, se encuentran las frases más citadas de Blake, como por ejemplo «La senda del exceso conduce al palacio de la sabiduría», que se ha interpretado como un canto a la ebriedad y, digamos, al rock and roll, cuando en realidad es sobre todo una refutación del espíritu clásico griego, que Blake consideraba en cierto modo dañino y uno de cuyos apotegmas centrales era la frase de Solón de Atenas: «Nada en exceso, todo con medida». Otro de los proverbios infernales dice, precisamente: «La exuberancia es belleza». El libro se cierra con el «Cántico de Libertad», uno de los poemas breves más penetrantes y hermosos de toda su obra (en él, por cierto, aparece la primera de las varias referencias a España en la obra de Blake, instándola a liberarse de la influencia de la Iglesia católica: «Dorada España, revienta las barreras de la vieja Roma»).

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¿Quién dijo que la música clásica es aburrida?

El podcast “Escuchar Naxos; esto es música clásica” llega para dar voz a las historias más importantes de la mano de grandes músicos del panorama internacional

La música clásica es en palabras de Kent Nagano, director de la Orquesta Sinfónica de Montreal,  "una aventura en la que nos embarcamos una vez que estamos dispuestos a participar. Esta nos transporta a otro mundo. Allí despliega su tremendo poder. Y debido a este poder puede enriquecernos inmensamente, especialmente hoy en estos tiempos difíciles y acelerados”. 

Pero desde luego no todo el mundo se embarca en esta experiencia, quizás por ignorancia o por inexperiencia en la escucha, aunque como bien destaca Nagano, “Si le preguntas a un joven si le gusta la música clásica muchos no te responderán nada, porque no tienen idea de quién o qué es Mozart. En mi experiencia, si tienen la oportunidad de escuchar a Mozart lo amarán”.  

En profundidad, no se puede prescindir de la música porque esta es parte sustancial de lo que aprendemos como seres sensibles, la música es algo digno de aprenderse, de disfrutarse, de ser valorado, pero también de ser apreciado en su justa dimensión porque como arte, la música nos hace más humanos. Si nos atrevemos a escuchar música clásica tal vez descubramos como sucede en la literatura, un mundo pleno de historias digna de ser apreciada en su justa dimensión como el arte que es.

Pero, ¿cuántos podcasts de música clásica conoces que puedas escuchar sin tener mucho conocimiento sobre ella? Llega “Escuchar Naxos: esto es música clásica”, un podcast que significa ver a través del espejo el arte musical. Pero sobre todo si desconoces de este género tan poco valorado por la sociedad, este formato presenta novedades, grabaciones y artistas con el mayor renombre del panorama que te permiten conocer desde dentro el origen de muchas historias. 

El podcast se empapa dentro de las conversaciones y los datos que los protagonistas confieren además de que los efectos sonoros se nutren de las obras de las que se hablan. 

Dando así una profunda introspección para sentir que es lo que se está contando, y sobre todo sintiendo. Se puede encontrar desde obras de Beethoven, Brahms, Bach hasta géneros como ópera o flamenco.

También es de destacar que la mayoría de los entrevistados son violinistas, pianistas, trompetistas o violonchelistas internacionales. Es por ello, por lo que su trayectoria permite poner la mirada más allá de lo que podemos escuchar en los diferentes capítulos. La magia de la música se reitera al sentir su origen. Un claro ejemplo se resume en el capítulo de la guitarrista española Mabel Millan que cuenta cómo compaginó sus estudios de Derecho con ir al Conservatorio y cómo ha llegado a compaginar ambas profesiones tan distintas.

O echando la vista más atrás, con el capítulo de “El secreto de Susana” encontramos una ópera breve compuesta en 1905 por el compositor italo-germano Wolf-Ferrari del que más tarde se consolidaba como compositor de óperas. Cuando la escribió,  su reputación como compositor ya estaba estabilizada, pero la 1a guerra mundial le supuso una profunda depresión que lo mantuvo así y de la cual no pudo recuperarse.

No obstante, la historia se basa en el conde Gil y la condesa Susana, este tras prohibirle a Susana que pruebe los cigarrillos se emparanoia que tiene un amante y la ópera retrata la manera en la que le controla hasta descubrir que es una mentira del propio conde Gil. Es por ello que el capítulo nos pone en contexto antes de escuchar toda la obra recogida.

En definitiva y a modo de conclusión, cuando escuchamos que la música clásica puede ser aburrida es porque no la conocemos y los medios de comunicación tampoco hacen por explorar este mundo. Por lo que invitamos a los oyentes de este tipo de podcasts que se creen más para fortalecer y valorar la comunidad de músicos que hacen posible que este tipo de género no caiga en el olvido.