#El viaje de David Lynch

[sonyclasica]

OLIVER COATES

BANDA SONORA ORIGINAL DEL DOCUMENTAL OCCUPIED CITY

Milan Records lanza hoy OCCUPIED CITY (BANDA SONORA ORIGINAL DE LA PELÍCULA) con música escrita por el violonchelista, productor y compositor OLIVER COATES para el último documental del  director ganador de los premios Oscar y BAFTA STEVE MCQUEEN. 

Consíguelo AQUÍ

Basada en el libro de Bianca Stigter Atlas of an Occupied City (Ámsterdam 1940-1945), la película ofrece un retrato de la ocupación nazi de Ámsterdam en contraste con los últimos años de pandemia y protestas. Fue una colaboración fortuita entre el compositor y el director: McQueen no conocía a Coates antes de la película, pero descubrió su música en unos grandes almacenes, lo que le animó a contratarle para Occupied City. Coates comenzó el proceso de composición con sólo una breve introducción a la temática de la película, instruido por McQueen para que escribiera piezas más personales en lugar de componer directamente para la película. Combinando el violonchelo con un sintetizador conmovedor y ambiental, la colección de 11 pistas resultante es un sensible acompañamiento sonoro de la historia en pantalla, que reflexiona sobre el pasado, el presente y el futuro con una evocadora meditación sobre la devastación y la resistencia.

ablando de trabajar con el director Steve McQueen, el compositor Oliver Coates dice: "Él [McQueen] me dijo que hiciera música sobre mí, mi familia y algunas cuestiones metafísicas más profundas en lugar de centrarme en la música de su película. Creo que estaba buscando una combinación vibratoria que pudiera forjar una sinergia entre la música y la imagen sin forzar o dirigir ninguna emoción en mí. La música actúa como interludios de la voz en off en el documental, por lo que no se siente como música documental en absoluto, sino como interludios íntimos en un gran retrato meditativo de Ámsterdam y la resiliencia de su gente".

El director STEVE McQueen añade: "Él [Coates] es muy instintivo y bastante especial, y lo que me encanta de su música es que tiene una forma de traer el pasado al presente. Hay una búsqueda de futuro en lo que está haciendo, pero sientes que está impregnado de historia. Su música tiene una cualidad de anclaje, pero también hay un impulso para explorar y experimentar". 

Occupied City se estrenó en cines en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2023 de la mano de A24 y se estrenará en los cines del Reino Unido e Irlanda el 9 de febrero de 2024 de la mano de Modern Films.

ACERCA DE OCCUPIED CITY

El pasado choca con nuestro precario presente en el valiente documental de Steve McQueen  Occupied City, basado en el libro Atlas of an Occupied City (Amsterdam 1940-1945) escrito por Bianca Stigter. McQueen crea dos retratos entrelazados: una excavación puerta a puerta de la ocupación nazi que aún persigue a su ciudad adoptiva, y un vívido viaje a través de los últimos años de pandemia y protestas. Lo que emerge es a la vez devastador y afirmativo de la vida, una meditación expansiva sobre la memoria, el tiempo y hacia dónde nos dirigimos.

CONECTA CON OCCUPIED CITY

EE.UU.: SITIO WEB | REMOLQUE

REINO UNIDO: SITIO WEB | REMOLQUE

OCCUPIED CITY (BANDA SONORA ORIGINAL DE LA PELÍCULA)

LISTA DE TEMAS

1.       Protestas

2.       Tranvía

3.       Ocultamiento

4.       Hielo

5.       Piscinas

6.       Entreacto

7.       Nota de suicidio

8.       Palomas

9.       Escoria en el agua

10.    Bar Mitzvah

11.    Ambiente de protestas

ACERCA DE OLIVER COATES

Oliver Coates es un violonchelista, productor electrónico y compositor afincado en Glasgow. Ha compuesto las bandas sonoras de las películas The Stranger y Aftersun, entre otras, y de la nueva serie Mary & George, dirigida por Oliver Hermanus. Ha lanzado tres discos en solitario en RVNG Intl, el más reciente skins n slime, y ha colaborado con Arca, Mica Levi y Sega Bodega. Como solista, ha realizado un set como cabeza de cartel comisariado por David Lynch en el Festival Internacional de Manchester, ha sido telonero de Thom Yorke en Europa y Estados Unidos, y ha sido telonero de Radiohead en el Emirates Old Trafford de Manchester. The Fader lo llamó "un gurú de la música con un rango de nivel Aphex Twin y un oído para transferir lo atemporal a la música electrónica".

ACERCA DE STEVE MCQUEEN

El ganador del Premio de la Academia y miembro del British Film Institute, Steve McQueen, es un artista y cineasta británico. Su primer largometraje, aclamado por la crítica, Hunger (2008), protagonizado por Michael Fassbender como un huelguista de hambre del IRA, ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Volvió a formar equipo con Fassbender para su siguiente largometraje, Shame (2011), por el que Fassbender ganó la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia como Mejor Actor. 12 Years A Slave (2013) de McQueen dominó la temporada de premios, ganando el Premio de la Academia, el Globo de Oro, el BAFTA y los Premios AAFCA a la Mejor Película, mientras que McQueen recibió nominaciones como director de DGA, Academia, BAFTA y Globo de Oro. Su cuarto largometraje, Viudas (2018), fue una de las películas con mejores críticas del año y fue protagonizado por Viola Davis, Cynthia Erivo, Elizabeth Debicki y Michelle Rodríguez. En 2020, la serie antológica de McQueen Small Axe, que comprende cinco películas originales sobre la resiliencia y el triunfo en la comunidad antillana de Londres desde finales de la década de 1960 hasta principios de los 80, fue galardonada como Mejor Película por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, mientras que McQueen recibió el Premio Storyteller a la serie en la 16ª edición de los Premios Anuales Final Draft. Small Axe también recibió quince nominaciones a los premios BAFTA Television. Tres de las cinco películas de la serie se proyectaron en el 58º Festival de Cine de Nueva York con Lovers Rock abriendo el festival, y dos de las cinco seleccionadas para el Festival de Cine de Cannes 2020.

Entre sus trabajos documentales anteriores se encuentra la serie de tres partes ganadora del BAFTA Uprising (2021) para la BBC sobre la tragedia y las secuelas del incendio de New Cross y la posterior muerte de 13 jóvenes británicos negros en 1981 que pasó a definir las relaciones raciales en el Reino Unido durante una generación. McQueen dirigió y produjo Uprising. También se desempeñó como coproductor en Three Minutes – A Lengthening (2021), dirigida y coescrita por Bianca Stigter.

Ganador de muchos elogios por su trabajo como artista visual, McQueen fue galardonado con el Premio Turner en 1999 y representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en 2009. Ha expuesto y conservado sus obras en los principales museos de todo el mundo. Se expuso una retrospectiva en el Instituto de Arte de Chicago y en el Schaulager de Basilea. En 2016 recibió el Premio Johannes Vermeer en La Haya. La Tate Modern y la Tate Britain fueron el hogar de dos exposiciones aclamadas por la crítica en 2019/2020, Year 3 y una retrospectiva Steve McQueen. En 2017, McQueen hizo una obra de arte en respuesta al incendio que tuvo lugar a principios de ese año, el 14 de junio, en la Torre Grenfell en North Kensington, al oeste de Londres. 72 personas murieron en la tragedia. McQueen mostró a Grenfell por primera vez en The Serpentine Gallery de Londres entre abril y mayo de 2023.

En 2020, McQueen fue galardonado con el título de caballero en la Lista de Honores de Año Nuevo de la Reina por sus servicios a las Artes.

ACERCA DE BIANCA STITGER

Bianca Stigter es historiadora y crítica cultural. Escribe para el periódico holandés NRC Handelsblad y ha publicado tres libros de ensayos. Stigter fue productor asociado de 12 Years a Slave y Widows, de Steve McQueen. En 2019 publicó el libro Atlas van een bezette stad. Ámsterdam 1940-1945 (Atlas de una ciudad ocupada. Ámsterdam 1940-1945). En 2021 dirigió el documental Three Minutes – A Lengthening, que se estrenó en las Giornate degli Autori del Festival de Cine de Venecia y fue seleccionado para los festivales de Telluride, Toronto, Sundance, así como IDFA y DocAviv. Three Minutes – A Lengthening ganó el Premio Yad Vashem 2022 a la excelencia cinematográfica en un documental relacionado con el Holocausto. Fue aclamada por la crítica en los cines de Estados Unidos, Reino Unido, Países Bajos y otros países.

Sony Music Masterworks comprende los sellos Masterworks, Sony Classical, Milan Records, XXIM Records y Masterworks Broadway. Para recibir información y actualizaciones por correo electrónico, visite https://lnk.to/milanrecords.

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Cine al menguar la pandemia: The Fabelmans

La sensación que ofrece "The Fabelmans" en primera instancia, es la de un Steven Spielberg recetándonos por enésima ocasión su más nueva re-elaboración de "E.T.": se percibe tierno, conmovedor… pero pasándose un poco de la raya en la melcocha del sentimentalismo nostálgico. Sin embargo poco a poco vamos dándonos cuenta que el buen Steven está practicando un serio ejercicio de confesión, una especie de veraz autobiografía levemente ficcionada que resulta en un filme algo azucarado a propósito del divorcio de sus padres, que supongo nunca nos ofrecerá la realidad completa, pero que es una excelente excusa para justificar no sólo su vocación de cineasta, sino hasta su estilo todo, su manera de filmar y de ver las cosas a través del lente de la cámara.

Spielberg muestra vigorosamente -aunque sea a través de sus fabuladas memorias- el poder del cine. "La vida no es como en la películas, Fabelman", le dice el galán de la escuela al adolescente Sammy Fabelman, luego de una extraño capítulo donde aquél se siente agraviado con esa especie de filme documental escolar elaborado por el director en ciernes. "Tal vez no, pero al final te quedas con la chica", le contesta Sammy, un poco para zanjar el diferendo, y un poco también para dejar patente la paradoja, porque Spielberg nos hace ver que efectivamente la vida sí puede así, como nos la está mostrando… es decir, como en el cine.

Es cierto que "The Fabelmans" no cae nunca en la sensiblería ramplona, aunque coquetea siempre con ello, como lo ha hecho S.S. a través de medio siglo de manufacturar películas, pero al final sabe salvar la situación porque trata a sus personajes con cierto honor, con una especie de desprendimiento altruista y de humana cercanía inapelable.

La cinta es claramente mejor cuando Spielberg se deja llevar por el lirismo, más que por la simple y casi pueril anécdota melancólica, y ofrece momentos emocionales, como aquel donde el muchacho se entera de la infidelidad de su madre, porque lo descubre justo cuando se dedica a editar la película del viaje de fin de semana que la familia acaba de hacer. Y se le revela así, en pleno uso de la máquina editora, con todo el simbolismo que ello implica.

Fenomenales son las actuaciones de Paul Dano y Michelle Williams como los padres de familia, al igual que la del joven Gabrielle LaBelle como Sammy Fabelman (es decir, el joven Steven). Judd Hirsh por su parte se avienta un papelazo crucial en la supuesta anécdota sobre la vocación del director: el "tío Boris" es quien le pondrá el cascabel al gato a propósito de las ambiciones como cineasta del muchacho, dejándole clara la índole exigente y caprichosa del arte, como también su contraparte que compensa y retribuye. Aparte de eso, el suceso que narra sobre su encuentro con el mítico director John Ford es increíblemente emotivo (lástima que Steven la termine con ese tono campante y retozón, secundado por un score harto recurrente). No obstante, David Lynch está fantástico en su fugaz personificación de Ford, quien por cierto le da al joven director una lección total de cine en tres frases.

Es evidente que Spielberg se mitifica a sí mismo con este ensayo a propósito de sus inicios como cineasta. Propone por ejemplo esas películas juveniles y amateurs que hacía, como verdaderas producciones hollywoodenses, un sueño que evidentemente tuvo en su momento y que cumplió a cabalidad, y que después de todo, en medio de la nostalgia dilatada, turgente y almibarada que "The Fabelmans" exhibe, pueden llegar a emocionarnos, a conmovernos, en un movimiento que se nota bastante calculado por el (hoy viejo) Spielberg, más que por el entusiasta adolescente que nos enseña ese otro yo en el filme.

Y bueno, seguro que ésta no es la mejor película de Steven (tampoco la peor, es cierto), pero es una cinta que se deja ver, sobre todo si a uno le interesa el cine de manufactura impecable, aunque con la actitud errada, para mi gusto, y además aprecia el encanto con el que el director desvela la manera en que enfrenta ahora su pasado, y evidencia las influencias de sus actos posteriores (y las de sus padres, sobre todo) porque lo hace de un modo tan tozudamente resuelto y tan hollywoodensemente estético, que al final le funciona.

[tengomilpalabrasparati]

'Dune'

“Dune” llegó rodeada de grandes críticas que la señalaban como una de las películas del año y casi una obra maestra. La opinión generalizada es que ha gustado. Y mucho.

“Dune” siempre fue diseñada como un proyecto de dos películas. Lo que está actualmente en cartelera es su primera parte y, aunque aún no ha sido confirmada, debería continuar con un segundo largometraje.

Hay dos razones por las que deberías ver Dune en la pantalla más grande que puedas encontrar. 

Primero, porque sus imágenes son tan alucinantes que te harán recordar por qué el cine de Hollywood nos puede seguir quitando el hipo. 

Segundo, porque de su éxito depende que la historia continúe. Y queremos que lo haga, porque el juego de tronos de Arrakis no ha hecho más que empezar: la película de Denis Villeneuve tan solo cubre la primera parte de la novela de Frank Herbert, por lo que aún tiene mucho desierto que recorrer, personajes que explorar con más profundidad y temáticas que expandir para hacer justicia al legado literario que lleva en sus espaldas.

Si no has leído la novela de Herbert, no te preocupes: esta vez sí te vas a enterar de qué va la historia. A ver, nos encanta David Lynch y su versión de 1984 está llena de personalidad e ideas interesantes, pero no nos aclaró mucho cómo funcionaba este mundo futurista de pulsiones imperialistas y profecías mesiánicas. 

Con más sobriedad y clasicismo, Villeneuve se pone al servicio de la historia para contarnos de forma concentrada, pero también detallada, cómo cayó la Casa Atreides. Esta dinastía de nobles es enviada al planeta Arrakis por orden imperial en sustitución de la Casa Harkonnen, que ha dominado el lugar durante 80 años. El atractivo de este rincón desértico de la galaxia está en una droga conocida como la especia, que es indispensable para hacer posibles los viajes espaciales y alimentar los poderes sobrehumanos de colectivos como las "brujas" Bene Gesserit.

Pero este trasvase de poder no será más que una excusa para iniciar una sangrienta guerra, en parte motivada por el miedo de las élites hacia el creciente poder de Paul Atreides (Timothée Chalamet), un adolescente que todavía está descubriendo el alcance de sus habilidades y la importante función que parece depararle el futuro en este planeta junto a su población nativa, conocida como los Fremen.

Está introducción al mundo de Dune es brillante. Las batallas políticas quedan claras sin alargarse demasiado ni entrar en mitología demasiado complicada, y también huyendo de los monólogos internos que caracterizaban a la novela y que, en cambio, lastraron a la adaptación de Lynch. La narración de Villeneuve es clásica y tremendamente efectiva, y se apoya mucho (quizás demasiado) en su punto más fuerte: el apabullante imaginario visual construido no solo a través de unos finísimos efectos especiales, sino también en la caracterización a través del vestuario, peluquería y maquillaje de las distintas casas y personajes. La película es una mezcla multicultural de influencias de todo tipo, desde la evidente influencia árabe con la que ya contaba la novela hasta la aparición musical de una gaita y la mención reiterada de que el abuelo Atreides era un torero aficionado. Sí, en serio.

Chalamet interpreta a un Paul Atreides con un aura muy contemporánea. Lo suyo no es la pasión y la convicción que vimos en Kyle MacLachlan, sino una cierta melancolía más propia de la Generación Z. En sus rostros compungidos está la presión por su rol en un futuro incierto y el pavor por enfrentarse a un mundo en llamas heredado por las generaciones anteriores. En su interpretación, y en el guion, también hay algo importante: conserva la bondad de un Paul joven que empieza a encontrar su camino, pero también sus miedos y el potencial de convertirse no en el Mesías que los Fremen esperan, sino en un falso ídolo que vuelva a decepcionarlos una vez más.

Nos quedamos con ganas, eso sí, de saber más de los personajes que le acompañan. Por ejemplo, la Casa Harkonnen es por fin tan aterradora como siempre la imaginamos. No hay más que ver el primer encuentro con el Lord Baron interpretado por Stellan Skarsgard, envuelto en sombras  bajo la mirada atenta de un Dave Bautista, que interpreta a su hijo y heredero, al que todavía no veremos plenamente en acción. 

Por supuesto, los Fremen también quedan como una gran cuenta pendiente. Villeneuve ya ha avanzado de que Chani, el personaje interpretado por Zendaya, sería la principal protagonista en la secuela, donde seguramente también veríamos más del líder al que da vida el español Javier Bardem. 

Hay tantos personajes, tantas casas y tantas posibilidades narrativas que a veces desearíamos que esto fuese una serie de ocho temporadas en lugar de un díptico cinematográfico. Aunque, por otra parte, no renunciaríamos a experimentar el fantástico trabajo visual del filme en una gran pantalla.

Es cierto que Dune carece del sentido del humor de sus referentes más claros, a excepción de las pocas bromas que puede colar Duncan Jones, el guerrero interpretado por Jason Momoa. No hay duda de que la película se toma muy en serio a sí misma, pero no es algo necesariamente negativo. 

Aquellos espectadores que no se sientan arrastrados inmediatamente a este mundo de naves espaciales, armaduras imposibles y gusanos de arena, seguramente encontrarán buena parte de la película algo soporífera. Los que sí conecten con esta vertiente más épica del sci-fi, que se preparen para disfrutar.

Me ha encantado y me he quedado con ganas de más .. espectacular 😍

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El director de esta nueva versión es Denis Villeneuve, que después de unos inicios alejado del fantástico (los dramas independientes 'Politénico' e Incendios', el thriller 'Prisioneros' y la aclamada 'Sicario') se especializó en adaptaciones "imposibles". Visualizó la casi abstracta 'El hombre duplicado' de Saramago en 'Enemy', tradujo a imágenes la muy literaria 'La historia de tu vida' de Ted Chiang en 'The Arrival' y se atrevió con una secuela de un mito absoluto del cine de ciencia-ficción, 'Blade Runner 2049'

Reseña: Dune Película Completa en español a toda velocidad El guión ha sido escrito por Villeneuve en compañía de Jon Spaihts y Eric Roth. Spaihts llamó la atención de Hollywood con el éxito de invasiones alienígenas 'La hora más oscura', y desde ahí ha participado en películas de género como 'Prometheus' (en una de sus múltiples reescrituras), 'Passengers' y 'Doctor Strange'. Roth es uno de los guionistas más prestigiosos de la industria, y tiene en su haber éxitos como 'Forrest Gump' (por el que ganó un Oscar), 'Ali', 'Munich', 'El curioso caso de Benjamin Button' y, recientemente, el remake de 'Ha nacido una estrella'.

Pareciera que Dune tiene un camino bastante pecaminoso en sus años de historia. Desde sus primeros años como novela de ciencia ficción, en donde su autor Frank Herbert batalló para ver su obra publicada, sus lamentables adaptaciones cinematográficas y bastante modestas versiones televisivas, hasta llegar a una actualidad en donde los atrasos en Hollywood debido a la Covid-19, parecen no darle tregua.

Para ponernos en contexto, si eres de los despistados que nos sabe de lo que hablamos, Dune es una de las obras de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos. No hablamos de una novela fallida ni mucho menos, hablamos de la poca fortuna que la obra maestra de Frank Herbert ha encontrado para enaltecer más su nombre. Una obra que se compara (tranquilos la comparación no la hicimos nosotros) dentro de la literatura a su similar en fantasía épica, El señor de los anillos, o con la mísmisima Star Wars en el género de ciencia ficción

Ver Película Completas Dune de SINOPSIS Un futuro lejano, en el que las familias de nobles se disputan el dominio del árido planeta Arrakis, también conocido como Dune por su geografía compuesta por desiertos de dunas. Arrakis es el único lugar donde se encuentra 'la especia', la sustancia más codiciada y valiosa del universo que producen gigantescos gusanos de arena. Debido a su rareza, y a su arriesgada extracción, quien controla la producción de la especia, controla el destino no sólo del Imperio, sino de toda la humanidad. El Duque Leto Atreides (Oscar Isaac) aceptará la administración de este peligroso planeta y será enviado a Arrakis junto con Lady Jessica (Rebecca Ferguson) y su hijo Paul (Timothée Chalamet). Será entonces cuando la familia Atreides corra un gran riesgo por estar en el punto de mira de fuerzas malvadas como las de su enemigo el Barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård).

Nueva adaptación cinematográfica del clásico de la ciencia-ficción Dune (1965) de Frank Herbert, que dirige el cineasta nominado al Oscar Denis Villeneuve.

Ver Película Completas Dune de DETALLES 17 de septiembre de 2021 en cines / 2h 36min / Ciencia ficción, Drama Dirigida por Denis Villeneuve Guion Jon Spaihts, Denis Villeneuve Reparto Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac

Dune de la historia original En esa búsqueda, Chris Pratt interpreta a Dan Forester, un militar retirado que, como un clásico del cine bélico, no se halla más allá de la línea de fuego. Mckay y su guionista, Zach Dean (24 horas para vivir, 2017) no descubren nada nuevo en ese tópico, pero lo representan a través del recurso de los viajes en el tiempo de forma refinada.

Dune sigue el paso de producciones como Al filo del mañana (Doug Liman, 2014) sin abusar del recurso de los bucles temporales. La película de Chris McKay es mucho más estable en relación con los saltos de tiempo, algo que favorece la experiencia: el espectador podrá quedar aturdido por las explosiones y las detonaciones. Pero no por los saltos temporales de la película.

Dune: ¿Qué dicen los críticos? «En la línea solipsista del Christopher Nolan de Dunkerque (2017) o del Zack Snyder de Watchmen (2009), pero cada uno, claro, fiel a su estilo único e intransferible. Hay muy pocos directores capaces de hacerse cargo de un proyecto de presupuesto desorbitado y cargado de estrellas de primer nivel -Dune parece un all-stars: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Jason Momoa, Dave Bautista, Stellan Skarsgård, Javier Bardem, Josh Brolin, Charlotte Rampling, etc- y tener la valentía de hacer con él una película tan tremendamente personal, ajena a cualquier moda imperante y que, con ello, siga resultando un espectáculo inabarcable de primer nivel» «Entiendo que es una decisión lógica en la continua fidelidad al texto original, pero no por eso se me deja de hacer raro. ¿Qué pensará la gente cuando la vea? ¿La amarán? ¿La odiarán? Dune va a polarizar, eso está claro. Pero seas de los primeros o de los segundos, no dudes ni por un momento que Villeneuve ha hecho la película que quería pesara a quien pesara y eso es algo que siempre yo respeto»

Dune, adaptación de la novela de Frank Herbert que ya llevó al cine David Lynch en 1984, narra la historia de la familia Atreides y su camino hacia Arrakis. El duque Leto tiene que supervisar la extracción de una codiciada droga y eso implica numerosas amenazas. Entre sus enemigos se encontrará el pueblo indígena Fremen, que habita el planeta que quieren explotar, y los malvados Harkonnen. Al mismo tiempo, las condiciones del nuevo territorio no tiene nada que ver con su planeta de origen. Provienen de un sitio montañoso y húmedo y han ido a parar a un desierto.

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Qué estuve viendo #10

Lo que viene a continuación básicamente es un resumen de lo último que estuve viendo en series. 

Pretendía escribir más largo (de hecho, tengo el borrador extendido de una de las series que vi), pero por distintas razones, se me fue pasando, y en lugar de extenderme mucho, lo voy a hacer más corto.

Inevitablemente tengo que hablar de cosas que vi en ambas series, así que aviso que puede haber spoilers de ambas.

Hilda (temporada 2)

Veintidós meses de espera tuvo para mi la “returning series” más anticipada del 2020. La aventurera de pelo azul regresó a mediados de diciembre con 13 nuevos capítulos a la N roja. Y tanto fue el interés que tuve, que alcancé a repetirme la primera temporada de Hilda justo a tiempo para llegar al estreno de la segunda. Vaya que la gocé. Y se pasó a vuelo de Woff tan rápido como la primera, a pesar de que el último episodio es de doble duración.

La segunda temporada profundiza lo que ya conocemos de este mundo que se introdujo en la primera. De las criaturas que se ven a lo largo de la temporada, de algunas vemos variantes (los elfos, los trolls, los woffs), algunas son nuevas (el gusano del tiempo, los Draugen, el Kraken), y otras se extrañaron su ausencia (¿por qué no aparecieron las marras, o el cuervo?). Esta serie ya estableció su tono, de modo que ya se puede dar el gusto de explorar otros géneros, sin perder de vista que el componente central va a ser la aventura. ¿Una plan elaborado “a lo Hilda”? Lo tienes. ¿Una historia de romance mezclada con ciencia ficción? Puedes apostarlo. ¿Una alocada misión de limpieza de roedores en el mundo corporativo? Oh si, y vaya que es divertido. 

Esta temporada tiene dos tópicos centrales. El primero es la introducción del jefe de la Patrulla de Seguridad de Trolberg, Erik Ahlberg, y su compañera Gerta, y las intenciones que tienen ellos de combatir a los trolls que rodean Trolberg. La segunda es la relación de Hilda con su mamá Johanna. A medida que pasan los capítulos esa relación se va nublando, al punto de que Hilda le empieza a mentir o a omitir información con tal de estar afuera.

La personaje que se llevó el foco de atención del público esta temporada es la bibliotecaria, Kaisa, y del porqué sabe tantas cosas desde la biblioteca en la que trabaja, y estoy seguro que de solo verla a ella, van a querer verla más en acción. Pero si yo tengo que escoger una personaje preferida, y que creo que necesita más aprecio, eso recae en Frida. En el mismo episodio donde conocemos más a fondo a Kaisa, le dan la oportunidad de aprender a ser bruja, y de a poquito la vamos a ir recuperando esa seguridad que perdió en la temporada pasada. Necesitaba una mano, y vaya la mano que recibió.

Quizás lo único que se me escapa, es que el soundtrack de la segunda temporada (está el playlist en Spotify) no es tan memorable como el soundtrack de la primera. Pero, de todos modos, fue una buena temporada. Posiblemente la gente que sigue las novelas gráficas tenga observaciones distintas, y en eso me incluyo, pero eso ya es otro tema, y no es para abordarlo acá. Dos episodios merecen hablarlos más en profundidad, y los voy a tener que abordar aparte más adelante: “The Deerfox” y “The Stone Forest”. 

Y a juzgar por ese último episodio, ese final no se va a quedar así, y todo apunta a que, de esta aventurera, vamos a ver mucho más. Como Johanna le dijo a Hilda al llegar a Trolberg por primera vez, mantengan la mente abierta. Y estén atentos a lo que viene. 

Hilda está disponible en Netflix.

Twin Peaks (temporada 1)  

En 1990, David Lynch, ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes por Corazón salvaje (Wild at Heart), sorprendió al mundo al saltar al mundo de la televisión, un área que, en ese entonces, el ámbito del cine lo miraba en menos. Hoy ya no es novedad que directores de cine salten al mundo de la TV, pero lo que ya han hecho David Fincher, Scott Frank, Steven Soderbergh, y Paolo Sorrentino (por decir algunos nombres) en los últimos años, David Lynch se anticipó hace mucho, mucho tiempo atrás.

Terminada la segunda temporada de Hilda, ya había decidido agarrar mis maletas, e irme de Trolberg a Twin Peaks, en un viaje sin escalas por cortesía de la edición británica en Blu-Ray con las dos primeras temporadas de la serie más la película Fire Walk With Me. Así es como llegué a un pueblito chico repleto de grandes bosques, personajes muy peculiares, los mejores pasteles en kilómetros a la redonda, y misterios. Muchos misterios.

Laura Palmer, habitante de este pueblo, ha sido encontrada muerta. Para la investigación en torno a su muerte, ha sido enviado el agente especial del FBI, Dale Cooper (Kyle MacLachlan). A partir de ese entonces somos testigos de los dramas y encuentros de los habitantes de este pueblo. Y no son pocos: Los Horne, reconocidos empresarios y dueños del hotel donde se hospeda Cooper, y especialmente Audrey. Los dueños del aserradero (si, ese que se ve en la intro de la serie) y Josie. La turbulenta relación entre Leo y Shelly, en la que más adelante se mete Bobby. Benjamin y su señora. Leland, papá de Laura, que aún está sufriendo por la muerte de su hija. El Doctor Jacoby, al cual Laura constantemente le dejaba mensajes. Hank, que recién salió en libertad condicional después de cumplir pena en prisión. Y finalmente, mis dos personajes femeninas favoritas: Lucy, la secretaria del departamento de policía del pueblo; y la señora del tronco.

¿Qué es lo más atractivo de los siete episodios que vi? Yo diría que es la atmósfera que rodea al pueblo. Transmite una sensación de que hay cosas ocultas en cada casa, en cada oficina, y en cada árbol. Es mucho más de lo que se ve en pantalla. Quizá con excepción de Cooper en su condición de outsider del pueblo, cada personaje esconde algo, sea por miedo o por dolor, y por una u otra razón, no lo pueden resolver así no más. El soundtrack del compositor frecuente de Lynch, Angelo Badalamenti, contribuye mucho a ello.

Conforme van avanzando los episodios, especialmente los últimos dos, las ganas por saber qué es lo que viene se multiplican exponencialmente. La caja de Pandora de Laura Palmer se va abriendo lentamente hasta que llega el punto en el que empiezan a caer personajes que podrían colaborar a saber qué pasó esa fatídica noche. Y ese final deja abrochado el gancho para volver.

Ya veré como me las arreglo para ver los 22 episodios de la segunda temporada. Pero por mientras, esta serie queda en digestión. 

Twin Peaks está disponible en formato físico (Blu-Ray y DVD).

Imágenes 1 y 3: Propias.

Imagen 2: thes-hitoverlord

[animalmetafisico]

La tormenta mental de Luis Ortega. Películas, piñas y noches de Farmacity. La sensibilidad temeraria de un artista existencial. Por Enrique Symns.

Rolling Stone - Octubre 2008

Hace unos días hablando después de muchos años con Fito Paez, le comenté que había conocido a Luis Ortega y que su presencia me resultaba impactante. “Sí, Enrique –me respondió-, es tremendo. La matriz del mundo ya no hace tipos de esa madera.”

Cuando vio Caja negra, la primera película de Luis, Leonardo Favio (a quien considero el director de cine más talentoso de todos los tiempos en estas latitudes) le escribió una carta intensa y desbordante. Una de las frases más asombrosas de ese texto fue: “Tenés que tener cuidado, porque tu sensibilidad es temeraria”.

Debo confesar que nunca vi Monobloc, la que vino después. Hace poco, a raíz de esta nota, no sin cierta pereza, le pedí que me enviara una copia de Caja negra. En cuanto la vi, lo llamé:

-Luis, es impresionante. Después de ver Caja negra mi instinto me dice que no debo ver Monobloc.

-Sí, por favor, no la veas nunca –me respondió-. Esperá la próxima. Esa va a ser como Caja negra.    

  Caja negra tiene algunas escenas tan extraordinarias, ciertos climas mágicos que constituyen la esencia del cine. Hay películas impecables como El padrino, pero carecen de este tipo de escenas que menciono. Rebuscando en mi memoria (y sabiendo que dejo afuera decenas de otros films de esa especie), recordé inmediatamente El enigma de Kaspar Hauser, de Herzog, y también Querelle, de Fassbinder. En realidad, todos los films de Fassbinder son alucinatorios. También comparte ese poder la filmografía de John Cassavetes. Y La zona, de Tarkovsky; y No matarás, de Kieslowski. Y, más que nadie, David Lynch, con la que es sin duda la mejor película de todos los tiempos: Imperio. En Caja negra se perciben chispazos conmovedores de ese cine.

Cuando conocí a Luis, no le presté atención. En el Bar Británico, me encontré casualmente con Julieta Ortega. Quedé fascinado con ella. Su poderosa hembritud, ciertos extraños reflejos feroces y misteriosos en su mirada y, luego, nuestras vacilantes pero sinceras charlas. Después de su embarazo, casi dejamos de vernos.

Pero esa noche, de aquellos viejos tiempos, ella me invitó a cenar a una cantina. Y allí estaban sus hermanos y su pareja, Iván Noble. Ninguno de ellos me llamó la atención, y mucho menos un tipo delgadito abrazado a una niña y en compañía del genial Fernando Noy. Es más, me pareció otro boludo más abrazado a su nenita.

Hasta que un día, en una entrevista telefónica que le hizo Gillespi en Falso impostor, por Rock & Pop, Luis pidió hablar conmigo y alcanzó a escupirme: “Yo sé que vos nunca me vas a dar bola, debés pensar que soy un boludo. Pero sos un tipo que necesito conocer. Y capaz que vos también me necesitás”. De inmediato, acepté el cariñoso reto.

Nos encontramos de inmediato en el salón de fumadores de La Perla y, cuando la noche nos arrolló, bien tarde, salí mareado, como aplastado por un alud. En su pasión por abordarme no me dejó respirar ni hablar, me largó una andanada de historias personales que me quemaron como la lava de un volcán.

Al realizar esta entrevista, comprobé alborozado que este muchacho había realizado el mismo viaje extraviado y riesgoso por esos escabrosos parajes que yo había atravesado en esta dolorosa expedición por la existencia. Por las mismas soledades, por la misma caótica infancia, por los mismos libros, películas y drogas. Este hombre me hace acordar el nombre de mi raza. Amigos. Ese es el nombre de mi país y de mi raza en extinción. Esta entrevista narra las vicisitudes de su viaje.

  En la niñez, ¿cuándo empezaste a notar la diferencia con los demás niños, la diferencia que te otorgaba el hecho de ser un Ortega?

Eso me pasó casi de grande. Cuando yo era muy niño, a los 2 o 3 años, toda mi familia dejó el país y nos fuimos a vivir a Estados Unidos. En Miami fui al colegio, pero nunca entré en la sociedad, nunca me incluí en eso que llaman modo de vida americano. Más que en el colegio, me eduqué con las películas que pasaban tres o cuatro veces por día, en un canal que se llamaba Showtime. Viví en Miami hasta los 10 años. Lo primero que me acuerdo es que mi viejo me llevaba a pescar. Mi papá no era Palito Ortega, y eso fue perfecto. Yo no lo viví a él como lo vivieron mis hermanos mayores. Los más grandes lo conocieron como un ídolo. Me llevaba al mar, donde pescábamos langostas, con hilo, con tanza; después nos compramos un adminículo especial para pescar langostas. Nos cagábamos de risa. Pero “simpático” no es una palabra que defina a mi padre. No es simpático. Es alguien que te enseña desde la ausencia, no necesita estar a tu lado para enseñarte, fue alguien que siempre estuvo muy presente en mí. Creo que nunca se sentó y me dijo “esto es así o esto no es así”. Fue un hombre que me permitió descubrir el mundo.

¿No había cariño, caricias?

No con él. El tacto fue de mi madre. Mi madre me enseñó siempre desde la presencia. Es una enseñanza muy de raíz, muy básica. Mi madre me hizo un dependiente de ella, un pincheto del amor. Esa adicción al amor maternal te caga la felicidad, porque cuando deja de estar, el mono [la abstinencia] es muy doloroso. Las mamás deben querer menos. Cuando fuiste así de querido, la primera piña que te dan hace nacer el odio. Si de chiquito tenés más contactos con la realidad, si te comés palizas, resultan un entrenamiento que te prepara para el mundo.

¿Y los amigos en aquella época?

Nunca tuve amigos. Mis hermanos no eran mis amigos. Un poquito con Emanuel, pero duró muy poco, porque la diferencia de edad te distancia. Estuve en Miami hasta los 10 años, en la más hermética soledad. Después nos mudamos a Tucumán. Y recién ahí empecé a vincularme con otros.

Ahí sí, ya eras el hijo de un hombre notable, nada menos que el hijo del gobernador.

En Tucumán no necesitás ser el hijo del gobernador para hacer lo que te venga en gana. Ahí todo el mundo hace lo que quiere. Yo no sabía que los tucumanos eran tan picantes y me enteré después de un tiempo, porque yo llegué con 10 años, el pelo largo y rubio. Al principio, no me comí palizas. Todos me miraban como a una maricona demasiado atrevida. Pero cuando vi cómo se pegaban hasta matarse, empecé a tener un poco más de cuidado.

Los tucumanos se pelean todo el tiempo, se patean la cabeza y lo hacen desde muy chicos. Me subí rapidísimo al tren tucumano. Empecé a correr en motocross y no había categoría para mi edad, así que corría con los más grandes y sufría accidentes brutales para el cuerpo. Me caían motos encima, tuve accidentes fuertes. Tucumán, para un chico, es como vivir en una película de Fellini. Nosotros vivíamos al pie del cerro y pasaba de todo. Subía el viejo Batata, yo le compraba vino para que él me mostrara su huevo herniado; era enorme, grande como un zapallo. O venía la vieja Nati, que hacía monólogos en la calle y nosotros salíamos a escucharla. No te cansabas nunca de eso. Para mí, vivir en el Jardín de la República fue maravilloso.

Después, ya casi de adolescente, iba a jugar al poker. Las casas de juego de poker y ruleta estaban por toda la ciudad. Eran chocitas puestas al lado de la avenida Mate de Luna, que es una avenida que cruza todo el centro y después cambia el nombre. Yo vivía en Yerba Buena y había una o dos casitas por cuadra con los vidrios polarizados. Entrabas y había un aroma delicioso que para mí era perfume del paraíso. Después me di cuenta que era un desodorante de ambiente bien berreta marca Huevo. Entrabas y venían las ficheras, con sus polleras bien cortitas, metían la llave en la máquina y te cargaban 10, 15 o 20 mangos para jugar al poker. Cuando acertás, la máquina aúlla como un lobo, y cuanto más doblás y más ganás, más fuerte es el grito de lobo de la máquina. Yo iba por ese aullido, por el color de las bombachitas de las ficheras, por el aroma a paraíso y por la maravillosa ausencia de tiempo que tenía ese lugar.

La ausencia de tiempo… qué maravilla. Es como vivir en la eternidad. El pintor Jorge Pirozzi me dijo una frase que me salva la vida aún hoy: “Hay que sentarse frente a las puertas de la eternidad, a perder el tiempo”.

¡Maravillosa! Nos pasábamos días ahí adentro. Los pibes les robaban la plata a sus padres para ir. Yo también les robaba a los míos para ir a jugar. Los pibes se jugaban la plata del colegio al poker. Eran lugares calentitos, te servían un fernet con coca y a veces nos metían en cana porque teníamos que ser mayores para poder jugar. Pero los dueños de todo eso, los hermanos Ale, era la familia más pesada de Tucumán. Manejaban la hinchada de San Martín y el negocio de los remises y también las casas de poker. Así que los Ale nos sacaban y nos llevaban de vuelta porque el negocio del poker funcionaba más con los pibes y no tanto con los más grandes.

¿Te hiciste peleador en Tucumán?

No me gusta la violencia, pero igual soy peleador, a pesar de que no me gusta. En realidad, donde más peleas tuve fue en Estados Unidos. Porque es una sociedad cagona. Yo veía la película de Coppola Los marginados, una maravillosa película. Para mí, que era un chico de 10 años, la contracultura en Estados Unidos era llevar la navaja. Fue la primera identificación con algo terrenal. Estaba más cerca de las navajas que de las mujeres en aquel entonces. Actualmente, a veces reacciono instantáneamente ante cualquier provocación. Casi siempre he perdido las peleas, salvo en Estados Unidos, que son cagones. Viste esos tipos que entran en los colegios con metras y matan a todos. Bueno, fue por culpa de chicos como yo, que los cagaban a trompadas todos los días.

¿Cuándo empezás a acercarte a las mujeres? En mis tiempos, adolecer era no coger jamás.

Para mí fue igual. Me gustaban las chicas, pero era muy complicado, era acabar en los pantalones. Mucha franela, pero no la poníamos. Ahora las chicas están más sueltas. Me relacioné primero con prostitutas. Yo las amaba con toda mi alma y les decía “te amo”. En Tucumán cogíamos por siete o diez pesos. Y yo tenía acceso a muchos siete o diez pesos por día. Así que cogía todos los días. El burdel todavía existe. Es el Hotel Crillón. Las chicas estaban todas sentaditas mirando la tele, elegías una y te la llevabas. No existía usar forro. Y nunca me pesqué nada. A los 14 años, me agarró un ataque de pánico y le pedí a un amigo que me acompañara a hacerme un test. No tenía nada. Ni siquiera una infección. Y yo había estado con docenas de prostitutas. Nunca reparé en la roña, en la higiene ni en ningún límite que hoy día tienen todos con las prostitutas. Para mí, esos encuentros eran el amor. Ellas eran como novias para mí.

¿A qué edad llegás a Buenos Aires? Imagino que fue muy chocante.

A los 15. Yo no quería venir. No quería saber nada. Pero en cuanto entré en la ciudad, fue igual que cuando llegué a Tucumán. Me dije: ¡Esto es lo que necesito! En Estados Unidos, para mí el mundo había sido virtual, una película. En Tucumán el cine fue por la calle y las historias reales de la gente. Mientras que en Miami tenía la sensación de que si hacías un gesto poderoso todos los edificios y la gente se iban a esfumar, en Tucumán me encarné en mi cuerpo y apareció el miedo. En Buenos Aires descubrí las drogas, la gran ciudad y el cine. Ana María Picchio empezó a llevarme al cine y al teatro. Hasta ese momento, para mí no existía eso de ir al cine. Pero en Buenos Aires la soledad empezó a adquirir mucha importancia en mi vida. Así que me fumaba un porro y me iba solo al cine. Las drogas también fueron muy importantes. En esa época tomaba de todo: anfetaminas, cocaína, free base con bicarbonato. Pero la droga que más me impactó fue el LSD. Más que ir a la escuela o todas las demás influencias culturales, lo que más me formó como persona fue el LSD. Para mí el LSD era la presencia de Dios en la Tierra. Eso de consumirlos en el campo está bien. Pero yo los tomé muchas veces en la ciudad y era lo mismo. El efecto estaba más allá de dónde y cómo. Yo lo he tomado en mi casa, o para ir a comer con mis viejos y hasta para charlar con el psicólogo o ir a la escuela. Tomé cartones y también gotas, empapábamos los caramelos Mogul con ácido y los íbamos comiendo. Tomé ácido tres o cuatro años e intensamente. No dormía durante días y me quedaba solo. Al amanecer, veía salir el sol y al portero que barría la calle y la manguera que largaba el agua y daba gracias por estar vivo. No fue artificial lo que viví, porque eso que pasó quedó en mí hasta hoy. La primera piña fuerte me la di cuando los ácidos empezaron a pegarme mal. Fue el terror. Un shock de miedo. Nunca más tomé ni volvería a hacerlo.

¿Cómo conseguiste heroína en esos años?

Nunca me inyecté. Tomaba uno y uno. Un saque por la nariz y otra dosis la fumaba. No sabía picarme. Había leído Yonqui y todo lo demás de Burroughs. Sabía mucho de la heroína porque Burroughs te la explica muy bien. Tenía un amigo marinero que murió hace poco. Tenía 80 años y era dealer de toda la vida. Él vendía merca, nada más. Pero yo lo jodía siempre para que me consiguiera opio. Hasta que un día me dijo: “Lo que yo puedo conseguirte es heroína”. Durante unos meses la consumí casi a diario. Para mí la heroína no fue reveladora como el LSD. Es cierto que te lleva al nirvana, pero no te revela nada. Yo en ese momento estaba en pareja y los dos la tomábamos. Eso que llaman amor es muy parecido a la heroína: te saca el dolor y por lo tanto es como el amor. No tuve ningún mono cuando la dejé. Dicen que vomitás solamente la primera vez. Yo vomité siempre. Era muy incómodo. Era una gran pérdida de tiempo, no hacés nada. Nunca la añoré.  

Y los libros… ¿cómo llegan los libros a tu vida?

Lo primero que leí fue un libro que me regaló mi hermano Sebastián y me influyó mucho, aunque no por los motivos que él tuvo para regalármelo. Era la biografía del Che Guevara escrita por Jon Lee Anderson. Pero en los libros entro de lleno con Dostoievski. El primer libro extraordinario que leí es Crimen y Castigo. Creo que es un libro sobre la moral. Es un libro que te introduce profundamente en el tormento. Si me decís que me acuerde de algo, no te puedo contar ninguna escena, y sin embargo fue un impacto tremendo. Los siguientes libros muy poderosos fueron Las enseñanzas de don Juan de Carlos Castaneda, El innombrable de Samuel Beckett y A sangre fría de Truman Capote. Fernando Pessoa me dio vuelta el mundo para siempre. Su Libro del desasosiego es uno de los textos más extraordinarios jamás escritos. Y Antonin Artaud, que fue una bomba que detonó: “¿Esto es lo que estabas buscando? –me dijo Artaud–, pues aquí lo tienes”. Él me mostró la espiritualidad denigrada en los síntomas corporales. El espíritu retorciéndose en el aparato digestivo y el respiratorio.

Tengo entendido que estudiaste filosofía.

No anduve bien en el sistema escolar. Terminé en un colegio que era un Centro Educacional de la Mujer y el Hombre, y que me permitía no hacer nada y me dejaba concurrir en el estado de conciencia que me apeteciera. Al mismo tiempo, me permitía hacer la facultad, Filosofía y Letras en la UBA. Con la filosofía no pasó nada. Pero hubo algunos libros fundamentales, como Más allá del bien y del mal o Así habló Zaratustra de Federico Nietzsche. Hubo un libro de Sartre sobre Baudelaire que también me impactó. Y, por supuesto, Cioran, que es devastador.

Creo que, a diferencia de Cioran, Nietzsche llega a esos mismos parajes desoladores, pero con una exaltación briosa y hasta entusiasta.

Alejandro Urdapilleta es un gran amigo mío, lo amo con toda mi alma. Leí una entrevista que le hicieron y él dijo una frase que es casi como leer a Cioran: “A mí, estar vivo o estar muerto me da igual”. Yo sé que lo dijo de verdad, porque lo conozco. Yo todavía le encuentro encanto y hasta romanticismo a este tremendo error de existir. Pero Urdapilleta no. Lo que él dijo no tiene que ver con esa taradez que te endilgan “es un pesimista, un depresivo”. No, eso es poesía, constatación, saber que la vida no está dividida por la muerte. Yo puedo ser un tremendo pesimista feliz. Lo que pasa es que cualquier cosa que se diga y que no intente advertir algún progreso en la vida es considerada depresiva. No existe ese progreso.

¿Y Bukowski?

La gilada cree que la poesía es solamente escribir en verso y Bukowski te cuenta una escena de la vida que es pura poesía. Bukowski dice que el amor se da cuando, en un embotellamiento, el tipo que maneja el auto de al lado te dice: “Pasá vos”.

¿Hubo directores de cine que te hayan producido el mismo efecto que esos poetas y narradores?

Tarkovski lo consigue. Sobre todo en Stalker [La zona]. Y John Cassavetes; su cine es lo más visceral, un tipo que está contando una historia desde el fondo de su alma. Imperio de David Lynch, un film excepcional. Me marcó mucho Fassbinder y también me hizo daño un libro que leí de él, porque me identifiqué profundamente con eso que afirma sobre la existencia. Para él, la vida no existía. Sólo existía el trabajo y la merca que usaba para filmar. Pero Querelle y Un año de trece lunas me volaron la cabeza. Sam Peckinpah es un grande: La pandilla salvaje es una magistral clase de cine. Andrzej Zulawski es el que más recomiendo. Su película más famosa es La mujer poseída con Isabelle Adjani. Pero hay que ver Diabel, La tercera parte de la noche, Lo importante es amar.

¿No te impactó La celebración (Thomas Vinterberg, 1998)?

Mucho. Sobre todo me impactó el hecho de que se puede hacer una muy buena película con nada, y gracias a ese descubrimiento filmé Caja negra. Actores y una cámara. Lo que me decepciona es que hay en el film una intención intelectual que supera el peso de los hechos que se filman. Es poco fresca esa intencionalidad. Es un burgués que odia la burguesía, no es que no me identifique con esa realidad, pero no debe notarse en el film.

¿Te interesaron los géneros menores? No sé, Pulp Fiction, por ejemplo.    

Me daba un poco de rechazo el hecho de que pudieran meterse con la violencia con tanto desparpajo. De todos modos, Tarantino es brillante. Esa película me partió la cabeza. Pero yo no me identifico con eso. Por ahí es una cosa de sudaca resentido, pero creo que no, porque a diferencia de Tarantino, Cassavetes le está poniendo el cuerpo a su obra. Estos tipos como Tarantino me dan la sensación de que saben escribir muy bien un film, pero no hay alma.

¿Creés que en Argentina alguien haya superado el cine de Leonardo Favio?

No. Crónica de un niño solo es una obra maestra. Después de Caja negra, Favio me escribió una carta. Yo quedé congelado cuando la leí. Te hablo de cartas, no de mails. Su carta fue tan impactante que me hizo llorar.

Y el rock & roll, que siempre estuvo entre nosotros, ¿te dio su shock?

A los 15 años, el rock & roll fue lo que me orientó para saber hacia dónde me quería dirigir. Más que cualquier otro rocker, el más grande fue Lou Reed: su manera de escenificar las canciones, de mostrar a cada persona con su propia forma y su propia manera de hablar y su sentir. Fue como si Lou me susurrara: “Oye, Luis, es en esta dirección. Cuidate, este camino es hermoso pero también peligroso”.

Me dije: “Yo quiero ser puto y drogadicto”.

También fue Burroughs, porque los conocí juntos. Cuando tenés 17 años y conocés la obra de esos tipos, los amás. Son tipos que son vos y vos podés ser ellos. El hachazo del rock fue Lou Reed y sigue siéndolo. Para colmo, se casó con Laurie Anderson, una de las mujeres que más amo en el mundo. La pude conocer en Toronto, y es mágica. En esa época yo escuchaba música todo el tiempo. Ahora ya no.

Cuando llegué de Tucumán, iba a ver a Las Pelotas. Después Spinetta. Para mí fue más novedoso Pescado Rabioso que Sumo. Spinetta me ha salvado la vida, por eso uno ama a esos tipos que te acompañan desde la ausencia.

Son tipos que dijeron lo que hubieras dicho vos pero en forma perfecta.

¡Eso! Amo de esa manera a Kerouac. Él está conmigo. Como están Macedonio Fernández y Jacobo Fijman. Todos esos hombres los llevo conmigo. Qué extraña es la vida. A Yukio Mishima lo conocí en la casa de Walter Quiroz. Él tenía un libro de color rosa tirado en el piso. Se lo veía a Mishima atado con una soga. Le agradeceré toda la vida a Walter que haya dejado tirado ese libro en el piso. Eso fue hace quince años y ahora ese mismo texto de Mishima será la próxima película que voy a filmar: Verano maldito.  

También estás grabando un disco en los estudios de Fito Páez. ¿Cómo llegaste a la música?

No sé tocar ningún instrumento. Pero hace unos dos años, un amigo mío paró en mi casa y me enseñó unos acordes. Después mi viejo me enseñó otros acordes y, en cuanto empecé, fui voraz. Hice muchas canciones seguidas. Me estaba queriendo escapar de la desesperación de no filmar. Cuando pasa el tiempo, te enloquecés… uno espera y espera para filmar, conseguir la plata. Es una espera muy angustiosa.

¿Y de dónde te vienen las canciones si no sabés un carajo de música?

Es un misterio para mí. No sé. Por ejemplo, estoy en la calle diciendo “all the medication, hallucination every day in my head”. Después de un tiempo descubrí el Re, que es el verdadero sonido, y lo empecé a tocar tanto que me empezaron a salir palabras. Redescubrí la felicidad que había olvidado. La música te permite ausentarte del mundo de una manera muy sana. Puedo hacer una película entera en una canción y no necesito de nadie.

¿Y cómo aparece Fito con esa propuesta de grabar?

No nos veíamos desde hacía muchos años y le mostré las canciones. Al toque me dijo: “Vos grabás”. Me llamó el asistente de él y me dio las fechas para grabar en el estudio. Seleccioné diez canciones y los músicos con los que estoy grabando son de primera línea. Le pasé las músicas al pianista Leandro Chiappe, un amigo mío de hace muchos años, y él me indicó el camino para que me comunicara con los músicos con imágenes. Yo tengo telepatía con el Chapa. Al final, el concepto del disco y el probable nombre es Farmacity Nights, que es de la canción final del disco, que se llama “All the Medication”, que se pregunta cómo era todo antes de la educación, antes de la medicación, antes de la formación de la percepción, antes de que las cosas tuvieran nombre. El disco lo grabó Mario Breuer. La guitarra la toca Gringui Herrera. El bajo, Sato Valiente; y la batería, el Zurdo Alaguibe. Fueron cinco días tan intensos, sobre todo los primeros tres, que me parecieron como una vida entera pasada ahí. El sonido del disco es de la concha de su madre. Yo canto y toco guitarra rítmica, pero como tocan ellos es alucinante. La mayor recompensa: la alegría de todos los que participaron. Todos teníamos 8 años. Volveré al cine, es mi pasión, pero la dicha que me suministró la música es inolvidable. La música fue como un porro alucinante que calma la desesperación de la espera. No hay mayor dolor que esperar. Y eso es el cine para mí, una tremenda espera.

Luis Ortega apareció en la escena argentina en tiempos del réquiem menemista, vuelto de Miami y con una película –Caja negra, filmada entre rateadas de la escuelita de cine– que lo convirtió rápidamente en el más díscolo y existencialista del clan tucumano. Después de ese experimento desarrolló, a fuego lento, una segunda obra (Monobloc, de la que hoy reniega) y en estos días preproduce dos largometrajes: Verano maldito, basado en un cuento de Yukio Mishima (con su hermana Julieta como protagonista), y Los elegidos, con Alejandro Urdapilleta. Pero este año fue inaugural para él en un par de sentidos. Por un lado, compuso algunas canciones, armó una banda y grabó un disco titulado Farmacity Nights. Y por el otro, concretó su debut como director de televisión bajo las órdenes de su hermano Sebastián, quien lo convenció de que formara parte de la etapa inicial de Los exitosos Pells, la nueva tira de Telefe protagonizada por Carla Peterson y Mike Amigorena. Luis dirigió el piloto y después grabó los exteriores de los primeros capítulos durante un mes de trabajo bestial. “Al principio lo hice sólo porque necesitaba la plata -confiesa Orteguita-. Pero me llevé una gran sorpresa. Terminó siendo una práctica laboral impresionante. Grabábamos diez escenas por día. Venía el productor y me decía: « ¡Pizza, pizza! Esto es pizza».” Si bien la experiencia fue aleccionadora para él, no cree que haya podido dejar su marca autoral. “La línea estaba muy bajada. Sebastián tiene muy claro el relato en su cabeza, el tipo de humor que quiere. Es la mirada desde adentro de un tipo de la televisión, pero al mismo tiempo es un fumón que se hace a un costado y delira con el mundo que conoce. Creo que es muy valioso que salga por Telefe; como tira, además, asume bastantes riesgos”. Después de eso, Sebastián le propuso dirigir un unitario sobre un paseador de perros. “Me encanta la idea -dice Luis-. Tengo muchos perros, pero tampoco estoy seguro de que Sebastián y yo tengamos la misma idea de cómo realizar eso. Él ya tuvo éxitos y se le haría difícil bajar de ahí. Y quizá yo no sea garantía de un éxito”.  

[mayathepsycho]

Dune 2020: Muad’Dib is here.

Las primeras imágenes de Dune 2020 llegaron para cumplir la promesa de adaptar quizá la más icónica novela de la ciencia ficción de los años sesenta. Los seguidores de la saga y el propio director, Denis Villeneuve, estamos conscientes de la dificultad que implica llevar el clásico a la pantalla. ¿De qué trata Dune? ¿Por qué es tan complicado meterse con él y por qué tuvieron que pasar más de cincuenta años para que el Mesías llegara? En este texto haré una breve reseña de la saga y de las razones por las que nadie hasta este momento ha logrado domar al gusano de arena. También intentaré mostrar algunos de los retos que Villeneuve y todos los responsables del proyecto deben afrontar para hablar de Dune en el año 2020.

Me gustaría empezar con la idea de que Dune es una novela de ciencia ficción dentro del género del space opera. Con ello me refiero a que la historia se entiende mucho más como una épica aventura de príncipes galácticos e intrigas políticas que un reflexión especulativa acerca del progreso científico. Desde un inicio, Frank Herbert evita que la atención se centre en la tecnología: la historia se desarrolla en un futuro después del Jihad Butleriano, la rebelión de los hombres en contra de las computadoras y las inteligencias artificiales. El Primer Mandamiento de la Biblia Católica Naranja dicta: “No construirás una máquina a semejanza de la mente humana”. Después del Jihad, se funda un nuevo orden en la galaxia entre tres poderes, el Imperio, la Cofradía y las Grandes Casas. Dentro de este frágil orden, el planeta más codiciado es Arrakis, un planeta sin agua y al mismo tiempo la única fuente en toda la galaxia de la especia o melange, una droga altamente adictiva que eleva los poderes cognitivos del consumidor. El duque Leto Atreides es quien logra comprar al Emperador el control de Arrakis, arrebatándolo de la casa Harkonnen y desatando una guerra entre ambas casas: la lucha es clara, quien controla la especia, controla la galaxia. 

La trama se centra en Paul Atreides, el hijo de Leto y Dama Jessica, una concubina entrenada bajo la orden femenina de las Bene Gesserit. Paul es el resultado del plan genético que las Bene Gesserit han llevado a cabo durante siglos: el Mesías, el Kwisatz Haderach, un varón cuyos poderes mentales puedan hacer de puente entre el espacio y tiempo. Cuando la guerra entre Harkonnen y Atreides comienza, Paul y Dama Jessica se ven obligados a huir hacia el desierto con los nativos de Arrakis, los Fremen. Es ahí donde empieza el camino místico de Paul para convertirse en Mahdi, el profeta de los Fremen, quién emprenderá un nuevo Jihad en el universo y entregará al pueblo de Arrakis el paraíso.

Espero que esta introducción pueda dar una idea de lo que implica adentrarse en Dune: el mundo de Herbert está claramente definido cuando una llega a él. Es un mundo que fascina a las legiones de gente que adora la ficción especulativa, quizá no tanto a espectadores que no tienen la paciencia para entender cómo funciona un sistema de fantasía. Herbert respeta la regla de oro de la ciencia ficción cuando nos introduce a su mundo: él muestra y no dice. Cuesta un rato familiarizarse con los nombres de las familias y con la jerga basada en el lenguaje árabe (razzia, aba, Mahdi, bourka, shaitan, jihad). Pero después de superar el desconcierto inicial, una se encuentra con las descripciones de la vida en el desierto, y una conmovedora reflexión ecológica acerca de las prioridades de las guerras, siempre por encima de las necesidades humanas básicas. 

El centro de la novela es el viaje de supervivencia de Paul y su conversión entre los Fremen (léase en inglés para comprender las implicaciones detras del nombre).  A pesar de que en 2020 la historia de un hombre blanco que se convierte en el líder de los nativos de un planeta pueda ser problemática, creo que Herbert hace una construcción de la cultura que brilla por la ausencia del sesgo colonial, en la medida de lo posible. Los Fremen son la fuerza ética de la novela: es el único pueblo capaz de sobrevivir al desierto y lo han hecho a partir de la tecnología del traje receptor de agua y de borrar las fronteras del yo. En una historia en la que la religión y el lenguaje árabe brillan en todos lados, no se encuentra ninguno de los rasgos negativos que suelen atribuirse a los pueblos árabes de medio oriente. Por el contrario, Herbert busca despertar el sueño ambientalista al mostrarnos a una sociedad compasiva y respetuosa ante la naturaleza, que sólo ha logrado ese orden al verse desprovista de agua. Herbert escribió su epopeya ecológica en los años sesenta, cuando el desastre no había explotado en el rostro de las sociedades con la evidencia del ahora. Este año, más que nunca, el regreso a Dune cobra sentido, si se acepta que la ciencia ficción puede enseñarnos algo de nuestro presente más que de nuestro futuro.

La complejidad del universo de Dune y la multiplicidad de temas que se abordan en las páginas han sido razones suficientes para dar dolores de cabeza a los directores que se han acercado a él. Sospecho que hay algo más que explica las anteriores derrotas, Dune tal vez es psicodélico en extremo, adecuado quizá para la discusión de foros en internet, pero con demasiados magos y profetas para ser tomado en serio por los estándares realistas de la literatura y el cine. Otra razón es que no todo en Dune son virtudes: tenemos el desgaste de la saga cuando el hijo de Herbert tomó el mando, las inconsistencias detrás de las novelas, notorias a la primera lectura y un desfile de personajes con los que cada vez es más difícil conectar. El primero de los intentos de adaptar Dune al cine fue el proyecto inconcluso de Alejandro Jodorowsky, uno de los más grandes what if del cine de ciencia ficción. En lo personal, cuando leo acerca del proyecto no puedo pensar en otra cosa que en una guerra de egos, siempre peligrosa cuando de adaptaciones se trata. De haberse logrado, tal vez tendríamos una gran película a costa de dejar la novela sepultada bajo el nombre de tantas personalidades. En todo caso jamás lo sabremos, y hasta hace poco estábamos condenados a conformarnos con la incómoda versión de David Lynch y a intentar defender lo indefendible (”¿Por qué estoy viendo a un señor como Kyle Maclachlan interpretar a Paul?”). Existe también una miniserie del 2003 que nadie considera digna de mencionar y que sólo nos queda como testimonio de que Dune está hecho de un material de difícil plasticidad. Por cierto, James McAvoy es Leto Atreides en esa segunda adaptación, dato que acabo de conocer al buscar información en Wikipedia. 

Denis Villeneuve fue el profeta en medio del desierto quien reunió el valor para regresar al clásico inadaptable. Su sensibilidad en ciencia ficción, plasmada en sus éxitos Arrival (2016) y Blade Runner 2049 (2017), nos hacen pensar que si hay alguien capaz de romper la maldición de Dune, es él. Con un elenco de ensueño, Timotheé Chalamet a la cabeza como Paul Atreides, seguido de nombres como Rebecca Ferguson, Oscar Isaacs, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem y Jason Momoa, Villeneuve promete algo grande en esta bilogía. No es casualidad que Dune resurja después del patético ocaso del gigante del space opera que no podría haber existido sin él. Me refiero por supuesto a Star Wars. Las similitudes entre ambas historias (un planeta desértico, la orden Jedi versus la orden Bene Gesserit, un protagonista profético, el maligno imperio galáctico) han sido reconocidas desde siempre por los seguidores y por Herbert mismo, quien con humor fundó su asociación “We are too big to sue George Lucas”. Después del resultado que trajeron las secuelas de Star Wars, no puedo menos que sospechar ante la idea de una adaptación de Dune en el año 2020 de nuestra era. Dentro de la lógica cultural actual, el poco ortodoxo Dune deberá ser digerido y adecuado para ser consumido por el público, consumo que sólo se acepta traducido en ganancias millonarias. Tal adecuación implica pasar a Dune bajo el rayo de la corrección política y el feminismo liberal, tendencia que ha producido monstruos como Rey Skywalker y que no imagino el desastre que puede generar en Dune. La participación de talentosos actores no blancos y el enfoque que seguramente tendrán Dama Jessica y Chani no tienen nada de malo en sí, pues los personajes ya estaban representados de ese modo en la novela. Cuando las películas se convierten en el vehículo para lavar la imagen de las productoras mediante el uso de los cuerpos de minorías es cuando la narrativa se subordinada a aliviar la moral sentida de un individuo que no hace nada por una auténtica inclusión. También detecto una posible ampliación del público al cual estará dirigida la adaptación. No hace mucho que el fenómeno de Game of Thrones probó que las historias de intrigas políticas y fantasía se pueden masificar, ¿y qué es Dune si no una historia de intriga política y fantasía que influyó a George Martin más de lo que él quisiera reconocer? Éste no es el lugar para explicar lo que ha costado al arte de la narración una adaptación en la época del capitalismo decadente y todavía queda por verse si la actual crisis nos permitirá disfrutar del estreno este año. 

Por ahora, creo que nos queda tomar en consideración todos los factores por los cuales Dune siempre ha sido ese bloque incomprensible en la ciencia ficción y recordar que la posibilidad de que permanezca siéndolo es grande. Aun tenemos varios meses para  leer la trilogía básica: Dune (1965), Mesías de Dune (1969) e Hijos de Dune (1977), las primeras tres partes de las Crónicas de Dune, escritas por Frank Herbert. Espero que esta reseña los motive aun más a regresar a esta obra; finalmente, la adaptación de Villeneuve ya tiene la virtud de hacernos hablar de Dune en estos tiempos apocaliptícos. 

[chubascoenprimavera]

Por Joaquín Rodríguez

El hecho de que en un corto de 17 minutos (15:40 sin contar los créditos) aparezcan 20 refranes, hace imposible dejar de considerarlos. Contando todo el tiempo en el que, además, los dos personajes están en completo silencio con las imágenes del café, y de las caras de quienes suelen hablar, la gran mayoría del tiempo de diálogo en sí, los personajes están usando refranes.

El cortometraje al que me refiero es “What did Jack do?”, de David Lynch, actuado por él mismo y Jack, el mono, disponible en Netflix para quien lo quiera ver. En este artículo que intentaré no se haga demasiado largo, me parece interesante no pensar el uso de los refranes en el corto, o contar quién dice cada refrán en una especie de examen matemático, sino pensar el por qué de la decisión de componer los diálogos de esta forma, y además, el problema de la traducción (subtitulada) en una obra tan corta. Primero un párrafo de contexto:

El corto, conseguible en muchísimos lugares a través de internet, se basa en una especie de interrogatorio entre Jack, el interrogado, y Lynch el (¿policía?) interrogador, en el café de una estación de tren desde la que Jack no se puede ir. Es en blanco y negro, y la voz de Jack es rasposa, casi sugiriendo un tono de Saloon. En general tiene un matiz algo absurdo, extrañado sin duda, y el diálogo está cargado de presupuestos, lo que genera una necesidad de atención altísima en quien lo ve para intentar entender “lo que quiso decir el director”. Quienes no se preocupan por eso, se sorprenden por la extraña boca en la cara del mono, o por la bizarra necesidad de ciertos planos. Después, estamos los que encontramos 20 refranes y nos ponemos a contarlos.

Algo interesante es que, aunque Jack dice más refranes que Lynch, ambos dicen una buena cantidad, o sea, no parece una forma de caracterizar al personaje. Aprovecho para aclarar, sé que el personaje no se llama Lynch, pero es evidente que su actuación no es arbitraria, es complicado “olvidarse que es Lynch”, lo que ayuda al extrañamiento en el corto (a lo Bertolt Brecht, sé que es ficción y no me dejan olvidar sin más que es ficción, sigue siendo David Lynch hablando con un mono, y me lo hacen notar). Habiendo aclarado esto, mi hipótesis: Los refranes sirven para intensificar la atmósfera de un tiempo anterior.

De no saberlo, se los cuento, hay una disciplina que estudia los refranes, su nombre es Paremiología, bien podrán preguntar para qué existe esta disciplina, y puedo decirles que es una gran forma de entrar en el inconsciente colectivo de un grupo de personas de cierta época. ¿Qué mejor forma de entrar en el sentido común de una época que ver las frases que se dan como sentidos cerrados, como verdades inevitables?. De esta forma, el hecho de que se diga más de un refrán por minuto, y que estos refranes sean, en su mayoría, viejos (tuve que buscar algunos porque nunca los había escuchado anteriormente, como “¿What? You think you just rolled a seven?” o “ “You don`t get a free lunch around here”) refuerza, junto al blanco y negro, junto a la animación deficiente, junto a la idea misma de interrogatorio detectivesco, la idea de que esto está pasando, no sólo en un universo alternativo en el que los monos hablan, sino un tiempo anterior.

Además de esto, creo que la naturaleza metafórica intrínseca de los refranes ayuda a enrarecer aún más el diálogo, que suele ir hacia los refranes cuando el interrogatorio se vuelve más intenso y crítico. Y, de hecho, al final, cuando todo deja de ser una pelea sólo verbal, cuando la situación pasa a la fuerza, no aparece ningún refrán,  todo es acción. Así, en una forma invertida de “el mono que significa”, (para información teórica, recomiendo el increíble libro de Paula Gunn Allen, “The signifying monkey”, y para explicación un poco más ligera ver la película “My name is Dolemite”, también en Netflix) los refranes son los que sostienen la trama para que la acción no suceda, y cuando explota, no hay más palabras.

Bien, habiendo dicho lo fundamental, una reflexioncita, así chiquita, sobre las traducciones (para la que es necesario saber un poco de inglés, mis disculpas, odio hacer estas snobeadas, pero ponerme a traducir yo esto, sería caer en el mismo error).

Tres ejemplos:

Diálogo: “You´re brewing a poisonous batch”

Subtítulo: “Dices mentiras peligrosas”

Diálogo: “I`d like you to start talking turkey”

Subtítulo: “Necesito que empieces a soltar la lengua”

Diálogo: “I am all alone here?”

Subtítulo “¿Le estoy hablando a una pared?”

¿Qué hacemos con estos ejemplos? Claramente no es mi intención cargar contra la subtituladora (Patricia Rosemberg), no es su culpa. Acá estoy yo, uno de lxs que manejan este blog, con mi título de First bien guardado en el cajón y cuando intenté traducirlas no encontré forma alguna. Pero creo que solemos hablar mucho sobre la importancia de la traducción poética, de la necesidad de que quien traduzca poesía sea un poeta pero acá tenemos un buen ejemplo de lo intraductible. Algunos refranes tienen traducciones y estas se ven reflejadas perfectamente (bueno… perfectamente es una palabra fuerte), pero ¿Qué hacemos con “¿Me gustaría que empieces a hablar pavo?”? Más aún, ¿Priorizamos el refrán o la intensidad de las palabras? Yo hubiera puesto “¿Estoy sólo acá? antes que el refrán de hablarle a la pared, porque la escena es intensa y el pronunciarse solo tiene muchísima más fuerza que el refrán de la pared. O eso creo, quizás por lo mismo estaría puteando si hubiesen traducido literalmente un refrán tan claro. No sé, esto sí que no tenía ninguna intención de respuesta, y lamento si eso pareció, pero la traducción es un tema tan interesante que era difícil resistirse.

¡CARAJO! Me estaba olvidando de algo importantísimo. Antes de decir el primer refrán, Jack mismo es quien trae la palabra al corto, si de algo sirve mi olvido, que sea coda de este texto:

Jack: I`ve heard the phrase “Birds of a feather flock together.” / Es como el refrán “Las aves de igual plumaje hacen el mismo viaje”

Anexo:

J: Birds of a feather flock together.

-“Las aves de igual plumaje hacen el mismo viaje”

L: “You don`t get a free lunch around here”

-No me des gato por liebre

L: “There`s an elephant in the room”

-“Hay un asunto que estamos evitando”

L: “I`d like you to start talking turkey”

-“Necesito que empieces a soltar la lengua”

J: “You play for keeps?”

-“¿Te tomas esto en serio?”

J: “A jack of many trades”

– “Sé hacer muchas cosas”

J: “You’d toss an animal up on a roof just to see the look on its face.”

– “Tirarías un animal al techo sólo para ver su cara.”

L: “I know why the chicken crossed the road”

– “Sé por qué la gallina cruzó la calle”

J: “Go climb a tree”

– “Vete a freír espárragos”

J: ¿What? You think you just rolled a seven?

– ¿Qué? ¿Creés que tenés un as bajo la manga?

L: “Right or wrong she loved you”

– “Para bien o para mal, ella te amaba”

J: “You´re brewing a poisonous batch”

– “Dices mentiras peligrosas”

J: “I see you and raise you five”

– “Acepto tu apuesta y te subo cinco”

L: “Takes two to tango Jack”

– “El tango se baila de a dos, Jack”

J: “…like there was no tomorrow and yesterday was gone”

– “…como si el mundo fuera a terminarse al día siguiente”

J: “I am all alone here?”

– “¿Le estoy hablando a una pared?”

J: “Hard enough to crack a coconut”

– “tan dura que podía partir un coco”

J: “I thought I died and gone to heaven”

– “Creí morir e ir al cielo”

J: “and fell head over heels”

– “y me enamoré perdidamente”

J: “real love is a banana, sweet with a golden hue”

– “el amor verdadero es un plátano, dulce con un tinte dorado”

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Autocrítica – Albert Camus

Aborto, muertes y memoria colectiva

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David Lynch

'Reel de filmografía'.

'Morning becomes electric. David Lynch and Danger Mouse', Jason Bentley, KCRW, 2010, VO.

Entrevista en la radio KCRW.

'Erasehead stories', David Lynch, 2001, VO.

Explora el proceso de creación de su primer largometraje 'Eraserhead' ('Cabeza borradora') en 1997.

'David Lynch: El documental', David Osorio Dominguez, 2014, VE.

'The Charlie Rose show', Charlie Rose, 2000, VO, SE en YouTube.

Entrevista en late show americano.

'Jonathan Ross presents for one week only: David Lynch', Andy Harries, 1990, VO.

Entrevista con el director acompañada de clips de sus películas y comentarios de amigos, entre ellos Laura Dern, Dennis Hopper, Nicolas Cage y Jack Fish entre otros.

'David Lynch en Madrid', Festival Rizoma, 2013, VOSE.

'Room to dream. David Lynch and the indepent filmmaker', David Lynch, 2005, VO, SE en YouTube.

Intercalando con detrás de cámaras de sus metrajes Lynch comparte su experiencia para los aspirantes a cineastas, explicando la mejor forma de darse cuenta de dónde está el fundamento de una idea original.

'Pretty as a picture: The art of David Lynch', Toby Keeler, 1997, VOSE.

Desde temprana edad Lynch fue inspirado por el arte y el resplandor interior en la búsqueda de la expresión creativa. El documental examina como este hombre del Renacimiento tuvo la concepción su cine, discurriendo a través de sus exploraciones artísticas en la naturaleza y en la misma creatividad.

'David Lynch: Don’t look at me', Guy Girard, serie Cinéma de notre temps, 1989, VO, SE en YouTube.

Con David Lynch, Jean-Claude Dauphin, Jean Douchet, Angelo Badalamenti y Julee Cruise entre otros.

Información en BlackBook.

'Lynch' ('LYNCH (One)'), 2007, VO.

Con un periodo de más de dos años de filmación presenta un retrato íntimo del proceso creativo de Lynch mientras trabajaba en 'INLAND EMPIRE', 2006.

Sigue al cineasta a medida que descubre la belleza de las ideas y nos lleva en un viaje a través de la abstracción que acaba por revelar su visión cinematográfica. El director del documental se sumergió en el mundo de Lynch viviendo y trabajando en su casa, capturando en estilo discreto su lado personal que anteriormente no se había visto.

Presenta a Lynch no solamente como uno de los directores más originales y convincentes de cine contemporáneo, sino también como un artista que persigue explorar y experimentar con varios medios, siendo testigos de sus manos en el acercamiento a la pintura, escultura, música y escritura de guiones. Su entusiasmo es contagioso, inspirándonos a profundizar en la creatividad que él cree que todos tenemos.

Con David Lynch, Krzysztof Majchrzak, Phillip Patela y Weronika Rosati entre otros.

'David Lynch presents: Ruth, roses & revolver. Surrealist cinema', BBC, Arena, 1987, VO, SE en YouTube.

Lynch introduce entusiasmado una serie de cortometrajes surrealistas de Jean Cocteau, Fernand Léger, etc, comentando al mismo tiempo el modo y la razón por la cual cada uno de ellos le ha influenciado. La calidad de imagen no es muy buena pero la información que aporta es interesante.

'Los 10 Magníficos de TCM: David Lynch', TCM, 2008, VE.

'David Lynch. Documental', Miguel Álgel Rubio, 2013, VE.

'Misteries of love' ('Misterios del amor'), Jeffrey Schwarz, 2002, VO, SE en YouTube.

Se centra en 'Blue velvet' ('Terciopelo azul', 1986) e incluye segmentos de la película, material inédito de la grabación, así como entrevistas con el propio Lynch y Dennis Hopper, Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dean Stockwell, George Dickerson, Jack Nance, Hope Lange, Brad Dourif, Priscilla Pointer, Frances Bay y Angelo Badalamenti entre otros.

'Filmmaker David Lynch', Evan Smith, Texas Monthly Talks, 2009, VO.

Entrevista en late show.

'Conejos' ('Rabbits'), David Lynch, VOSE. 

Miniserie compuesta por ocho episodios de 9' cada uno.

Tres personas vestidas con gigantescos trajes de conejo en una habitación con decoración cutre mantienen de cuando en cuando diálogos crípticos. La banda sonora de Angelo Badalamenti es minimalista, agobiante y está acompañada de risas enlatadas.

Varias escenas de 'Conejos' fueron usadas posteriormente en 'INLAND EMPIRE', 2006. 

‘Blue Velvet. Making of y escenas eliminadas’, VOSE.

'Entrevista sobre Blue Velvet', TV Canadá, 1986, VO, SE en YouTube.

'A slice of Lynch', Charles de Lauzirika, 2007, VO.

David Lynch, Amick Mädchen, Kyle MacLachlan y John Wentworth comparten recuerdos sobre 'Twin Peaks' sentados en la barra de un bar.

'Los cortometrajes de David Lynch', David Lynch, 2002, VOSE.

Recopilación que incluye parte de los trabajos más experimentales e insólitos del director norteamericano en ficción, animación y drama, en seis cortometrajes que ya anticipan el espíritu transgresor, y las atmósferas oníricas y extrañas del visionario creador de films.

Los cortometrajes incluidos son los siguientes: 'Six men gettin sick', 'The alphabet', 'The grandmother', 'The amputee', 'Premonition following an evil deed' y 'The cowboy and the frenchman'.

[bastillemxfans]

“𝑻𝒐𝒅𝒂𝒗í𝒂 𝒕𝒆𝒏𝒈𝒐 𝒆𝒍 –𝑺í𝒏𝒅𝒓𝒐𝒎𝒆 𝒅𝒆𝒍 𝑰𝒎𝒑𝒐𝒔𝒕𝒐𝒓–”

[𝐸𝑛𝑡𝑟𝑒𝑣𝑖𝑠𝑡𝑎 𝑇𝑟𝑎𝑑𝑢𝑐𝑖𝑑𝑎]

𝘋𝘢𝘯 𝘚𝘮𝘪𝘵𝘩 𝘭𝘪𝘥𝘦𝘳𝘢 𝘶𝘯𝘢 𝘨𝘳𝘢𝘯 𝘮á𝘲𝘶𝘪𝘯𝘢 𝘪𝘯𝘵𝘦𝘳𝘯𝘢𝘤𝘪𝘰𝘯𝘢𝘭 𝘥𝘦 𝘩𝘪𝘵𝘴, 𝘉𝘢𝘴𝘵𝘪𝘭𝘭𝘦. 𝘗𝘦𝘳𝘰, 𝘵𝘢𝘭 𝘤𝘰𝘮𝘰 𝘋𝘢𝘷𝘦 𝘌𝘷𝘦𝘳𝘭𝘦𝘺 𝘥𝘦𝘴𝘤𝘶𝘣𝘳𝘪ó 𝘦𝘯 𝘌𝘴𝘱𝘢ñ𝘢 𝘢𝘭 𝘭𝘢𝘥𝘰 𝘥𝘦 𝘦𝘭𝘭𝘰𝘴, é𝘭 𝘯𝘰 𝘩𝘢 𝘢𝘤𝘦𝘱𝘵𝘢𝘥𝘰 𝘦𝘴𝘵𝘦 𝘩𝘦𝘤𝘩𝘰 𝘱𝘰𝘳 𝘤𝘰𝘮𝘱𝘭𝘦𝘵𝘰.

𝗣𝗮𝗿𝗮 𝗲𝗹 𝗰𝗮𝗻𝘁𝗮𝗻𝘁𝗲 𝗱𝗲 𝗕𝗮𝘀𝘁𝗶𝗹𝗹𝗲, 𝗗𝗮𝗻 𝗦𝗺𝗶𝘁𝗵, 𝗲𝗹 𝗺𝗼𝗺𝗲𝗻𝘁𝗼 𝗱𝗲 claridad le vino arriba del escenario de un festival en Alemania mientras que una imagen de Theresa May travestida gritaba a la par de la canción “Fake It” en una pantalla gigante a sus espaldas.

Era verano de 2017 y el cuarteto británico estaba arrasando con el complejo circuito de festivales mientras promocionaban su segundo álbum de estudio, el políticamente cargado “Wild World”. Pero ese día fue distinto. El festival, Rock Am Ring, había sido temporalmente evacuado 48 horas atrás debido a una amenaza de atentado terrorista, por lo que el ambiente estaba cargado de una extraña mezcla de tensión y alivio. Mirando desde el escenario, Smith quedó impresionado por la discordancia entre lo que estaba sucediendo y el estado de ánimo de la audiencia.

“Estábamos realmente orgullosos de nuestra producción, era graciosa y hasta catártica, pero en ese momento me hizo preguntarme qué tanto querría esa gente estar pensando en Theresa May durante una presentación en un festival, peor aún, durante la presentación de Bastille en un festival que casi había sido cancelado un día atrás” dice él. La conclusión a la que llegó: no mucho en realidad. De hecho, esa gente no quiere pensar en otra cosa que no sea perderse en el momento para olvidarse de todo lo demás.

Ahora, dos años más tarde, estamos sentados en el restaurante de un hotel bastante tranquilo en Santiago de Compostela, una ciudad en la lejana zona noroeste de España. El distintivo copete de Smith se ha ido, fue sacrificado en el soñador video, inspirado en el trabajo de David Lynch, del sencillo “Quarter Past Midnight” lanzado el año pasado. “Eso le molestó más a otra gente que a mí mismo” dice él frotando su muy corto corte a casquete rebajado. “Como quiera, rebajarlo con frecuencia sobre un lavamanos ayudado de unas tijeras baratas, es mucho más fácil que mantener esta enorme ola de cabello de 7 pies de alto”.

Hoy es un día importante para Smith y sus compañeros de banda; el bajista Will Farquarson, el tecladista Kyle Simmons y el baterista Chris “Woody” Wood. Su tercer disco, Doom Days, saldrá a la medianoche. Unas horas antes de eso, ellos van a tocar en otro festival a varias millas de aquí, estando en medio de los actos de Richard Ashcroft y los sudafricanos de art-rap provocativo, Die Antwoord. Ahora no habrá ninguna Theresa May gritando y, ciertamente, tampoco atentados terroristas. Sólo miles de españoles buscando perderse felizmente entre bebidas alcohólicas, químicos y Bastille.

Y así es justamente como Dan Smith quiere que sea en 2019. Ese esencial momento sobre el escenario de Rock Am Ring es lo que da forma a Doom Days. Si Wild World fue la jabonera de Bastille, el nuevo disco es el emocionante viaje dentro de la ducha con destino hacia el olvido y del cuyo objetivo es encontrar paz eliminando todo lo demás. Conversando acerca del álbum, el auto-nombrado “nerd cinéfilo” Smith, repetidamente referencia la “píldora azul” de la película de ciencia ficción “Matrix” como una metáfora sobre zafarse de la dura realidad.

“Siempre existe este deseo ciego de escapismo, de huir de los tiempos que ahora vivimos y de los problemas y preocupaciones que cada uno como individuos tenemos” dice Smith. “Simplemente, encontrar consuelo en el hedonismo y en otras personas, ya sean éstas amigos, extraños, amantes, gente en el teléfono. Todos hacemos eso, realmente no estoy juzgándolo. Esto no tiene nada qué ver con emitir juicios.”

En otras palabras: el mundo puede estarse acabando y Bastille estará bailando.

𝗡adie está más sorprendido de la posición en que se encuentra Bastille hoy en día que Dan Smith. Su éxito – dos discos número 1 y con la posibilidad de que Doom Days haga un hat-trick– proviene en gran parte del implacable impulso del cantante y de la ubicuidad pura de su banda; los espacios entre cada uno de sus discos han sido llenados por mixtapes aceptados por Spotify (la serie de Other People’s Heartache), colaboraciones (que van desde Craig David hasta Lizzo) y sencillos independientes.

Como quiera, eso no hace que Smith deje de decir que todo esto fue algo no planeado y aunque muchos músicos dicen eso falsamente, en él tú puedes sentir que es cierto.

“Nunca fui ese niño que se ponía a cantar usando el cepillo como micrófono frente al espejo diciendo algo como ‘este es mi sueño, esto lo que quiero ser cuando crezca’” dice, “Gran parte de todo esto ha sido simplemente el constante ir y venir de estas situaciones a veces raras, a veces brillantes, a veces totalmente locas y de tratar de entender qué chingados está pasando.”

Smith habla en las entrevistas de la misma manera en que baila sobre el escenario: súper entusiasta pero un poco incómodo, como si fuese algo a lo que no estuviera acostumbrado a hacer en público. Más de una vez precede una frase con un “no puedo decir esto sin sonar como un verdadero estúpido pero…”, lo cual, si acaso, sugiere que debería trabajar un poco más en las frases que utiliza.

El cantante de 32 años es muchas cosas, pero estúpido no es una de ellas. Con Doom Days como estado de la nación Millenial, esta accidental estrella del pop está en peligro de asumirse a sí mismo como figura representativa del estado generacional. Desde la línea de apertura de Quarter Past Midnight en adelante, traza un vívido viaje nocturno que recorre la desesperación, el desamor, la euforia y –alerta de spoiler– eventualmente una especie de dichosa paz. Es igualmente seductor y emocionante, tal y como lo es el tema central del disco.

“Es acerca de la búsqueda del hedonismo porque es divertido, pero también trata de la realización de que te estás deslizando en una vasta historia de gente que lo ha hecho antes. También es acerca de la extraña complejidad del hecho de que para la gente británica hay un pasatiempo nacional cuya intención es desafanarte de todo”

Smith no niega el hecho de que hace lo que predica aunque, es decepcionantemente cauteloso a ser un poco más específico sobre ello. “¿He sido esa persona completamente fuera de sí sentada en el suelo de un centro nocturno? Sí. ¿En qué estaba metido? No estoy muy seguro de querer ahondar en ello, perdón.”

Él admite que Doom Days fue en gran parte escrito dentro del contexto de una ruptura amorosa, cosa que puede percibirse claramente en la gran balada Divide. “¿Por qué dividirnos cuando podríamos seguir juntos?” entona, sin embargo, los paralelos con rupturas mucho más grandes son difíciles de evitar.

“También es acerca de ese momento en una salida nocturna cuando tu grupo de amigos ya no quiere quedarse más tiempo y en cambio tú, aún no te quieres ir porque todavía no quieres que la noche termine” dice. “Yo soy esa clase de tipo molesto que en las fiestas hace todo lo posible para evitar que la gente se vaya y estoy como ‘¡No, quédate, quédense!’”

Entonces luce arrepentido, como suele lucir con frecuencia cuando se le escapa información vagamente reveladora. “Perdón” dice otra vez. “Eso suena demasiado patético”.

𝗔 principios de este año, Bastille lanzó dos nuevas canciones desprendidas de Doom Days, con una semana de diferencia entre una y otra. La primera fue esta canción con tintes de trap que da nombre al álbum, una canción para la que Smith escribió, francamente, una excesiva cantidad de 60 versos antes de editarla de manera que se redujera a 6. La otra fue la edificante Joy que funge como el cierre de dicho álbum.

En el fin de semana intermedio, Smith hizo algo que nunca creyó hacer: corrió en el Maratón de Londres. Lo hizo para recaudar dinero para una fundación de cáncer de mama (su madre fue diagnosticada con esta enfermedad algunos años atrás, pero desde que se trató ha permanecido en remisión). Lo finalizó en 3 horas y 39 minutos, un tiempo bastante admirable para alguien que jamás ha corrido un maratón.

“Sufrí un chingo, ¿sabes?” dice. “Cualquiera que me conozca, puede decirte que para mí el haber hecho algo referente a lo deportivo, es una hazaña de otro mundo. En la escuela siempre fui terrible para los deportes.”

Pero hay una razón para esto. En sus propias palabras, Smith fue un niño con obesidad mórbida. “Fui un chico muy gordo” dice, “252 libras… y así fue durante toda mi adolescencia.”

La transformación física comenzó cuando pescó un virus durante un verano que anduvo de mochilazo. “Hizo que la cabeza me diera vueltas durante 3 días seguidos y para cuando regresé a casa, ya había perdido algo de peso y mi apetito se había reducido. Fue entonces que descubrí el ejercicio y dejé de hacer 9 comidas al día”.

¿Es vergonzoso hablar de esto?

“No es vergonzoso, pero quizás de alguna manera está a punto de ir a…” deja la frase inconclusa. “No lo sé.”

Lo que creo que él quiso decir es que está a punto de ir a la explicación de esa aura de reticencia que lo rodeaba durante los primeros años de Bastille. Los conciertos en ese entonces encontraban a Smith sentado en el fondo del escenario, utilizando su teclado a modo de barrera entre él y la audiencia. “Lidiaba terriblemente con mi ansiedad e incluso aunque me presentara ante solo 15 personas, era suficiente para joderme la cabeza” dice. Siempre le dejaba la labor de hablar con el público a Will Farquarson. “Nosotros fuimos Dan Smith” era la manera de despedirse que usaba el bajista al término de cada show.

Al inicio, la imagen de la banda fue igualmente evasiva. Las primeras canciones que Smith subió en SoundCloud eran acompañadas solamente por una foto de su nuca. Incluso después de su rápido ascenso debido a su gran éxito Pompeii lanzado en 2013 y a su álbum Bad Blood, se mantuvo alejado de las expectativas de los demás sobre él como nueva estrella del pop. “Rechacé muchos shows de celebridades o ser juez en ese tipo de programas.”

¿Por qué? ¿Creíste que no serías bueno en ello?

Él niega con la cabeza. “No, fue más bien porque no quería la atención sobre mí.”

Resulta extraña su reticencia a aceptar por completo esos aspectos de la vocación que eligió debido a que las personas que deciden convertirse en músicos, lo hacen en gran parte porque quieren atención.

“Sí, bueno, no sé. Es una de esas cosas extrañas con las que lidio. He llegado al punto en que amo bastante hacer conciertos, pero no soy un artista de nacimiento. Hay muchas situaciones de este tipo con las que nos hemos encontrado y son increíbles y todo, pero las siento ajenas a mí.”

Un ejemplo de ello: hace un par de años, Bastille tenía que cumplir, en el lapso que comprende el verano, con 65 festivales agendados. La manera más conveniente de viajar para la banda era adquirir su propio jet privado para transportarlos de concierto a concierto.

“Créeme, les costó mucho trabajo convencerme de hacerlo” dice Smith ahora. “La compañía nos preguntó ‘¿Les gustaría que el avión tuviera el nombre de la banda escrito en un costado?’ y yo de inmediato dije ‘¡De ninguna pinche manera!’.”

¿Le gustaría tener el nombre de su banda escrito en el costado de un jet privado ahora?

Se estremece.

“¡De ninguna pinche manera!”

𝗔unque el éxito tiene algunas ventajas aceptables. Un ejemplo de ello es el aire acondicionado que tienen en este momento en su camerino dentro del festival O Son Do Camiño y el refrigerador lleno de bebidas suaves como vino y cerveza, aunque, el alcohol aún se mantiene intacto al igual que la botella de Möet & Chandon que descansa sobre la mesa.

Smith divide su tiempo previo al show en recibir a sus invitados, calentar su cuerpo y su voz y en estarle picando a su teléfono con determinación. Lo último es bastante comprensible pues en un momento dado dice que tiene “alrededor de 20 platos girando al mismo tiempo.”

Así como Bastille tiene sus propios discos, también existen los mixtapes que lanzaron bajo el nombre de Other People’s Heartache, así como la pequeña disquera de nombre Best Laid Plans que Smith cofundó en 2014. El primer artista que fue firmado bajo este sello fue Rory Graham, mejor conocido como Rag’n’Bone Man.

“Pensé ‘al carajo, si nosotros pudimos hacerlo con sólo un puñado de personas que creyeron en mí, que soy básicamente un idiota, ¿Qué nos dice que no podemos hacerlo por alguien que realmente tenga talento?’”

Por sobre lo anterior, están sus colaboraciones. Él ha trabajado con todo mundo, desde Lizzo hasta Craig David e incluso Pink, pero Smith siente que no siempre podrá igualar todo el glamour que estos artistas y el colaborar con ellos puede tener. “Sigo padeciendo del Síndrome del Impostor cuando estoy con algún artista exitoso” dice consciente de lo poco probable que suena eso.

Pero él no se siente de esta manera al punto de no rechazar a otros músicos sólo porque no le gusta su música. “Oh, he rechazado a bastante gente”. Hace una pausa decidiendo entre ser honesto o discreto y al final opta por lo último. “Hay muchos proyectos de EDM que no he querido hacer.”

¿Te gustaría trabajar con Noel Gallagher?

“Sí. Él es uno de los mejores compositores que existen.”

¿A pesar de que ha sido bastante desdeñoso con respecto a ustedes? Él dijo que se “habría comido a Bastille en una tarde, que dieran una entrevista y luego destruirlos.”

“Sí, pero mucha gente es desdeñosa con respecto a nosotros. Además, ¿no es como quiera parte de su cometido? Yo pienso que los hermanos Gallagher son increíbles, pero es muy duro no saber cuándo van a sacar un nuevo álbum porque todo lo que hacen es estar hablando pestes de quien sea.”

¿A caso este es un raro momento de tirar tierra de la manera más suave posible? Quizás. Pero conociendo a Dan Smith, lo más seguro es que no.

𝗛ay muy pocos sonidos menos tristes que el de un bar de hotel cobrando. Son literalmente las 00:15 y Doom Days tiene ya 15 minutos de edad. La botella de Möet finalmente ha sido tomada y los vasos alzados, pero el hedonismo sobre el que Dan Smith canta, está escaso. El cantante es el único miembro de la banda que queda, los demás se fueron a la cama tan pronto regresaron del festival hace una hora. Esto es lo que vendría siendo una celebración en el mundo de Bastille. “Ya sé” dice tristemente. “Chingado”

En menos de 24 horas, Bastille estará de vuelta en Londres donde tocarán 2 shows de lanzamiento del álbum en una rápida sucesión dentro de un espacio industrial arreglado en el este de Londres. Estos incluyen un impactante espectáculo teatral inmersivo de 3 historias creado por la dramaturga Charlotte Bogard Macleod que es forma parte de Secret Cinema y también de Silent Disco.

Un día después, estarán presentándose en el Isle Of Wight Festival y dentro de otras 24 horas más, estarán en Nueva York.

Es una agenda pesada, pero no lo suficientemente pesada como para detener a Smith de empezar a trabajar en lo que será el álbum que venga luego de Doom Days. “Tenemos un montón de material” dice. “No sé cómo sonará nuestro próximo disco, pero quiero que sea experimental. Quiero jugar un poco con los formatos.”

Es cuando se pone a hablar de cosas como éstas que él suena verdaderamente feliz. Todo lo demás –entrevistas, apariciones en televisión, jets privados, tener que comportarse generalmente como una persona famosa– son sólo distracciones. ¿Qué tan divertido es ser realmente el Pop Star Dan Smith?

“Mentiría si dijera que todo es diversión” dice. “Hay una ligera franja que me exige salir de mi zona de confort. Pero cuando todo es bueno, es una experiencia bastante increíble… y casi siempre todo es bueno.”

A pesar de sus dudas, el estrellato le queda bien a Dan Smith y si alguna vez deja de quedarle bien, bueno, siempre existirá la píldora azul y el feliz olvido.”

𝙏𝙧𝙖𝙙𝙪𝙘𝙞𝙙𝙤 𝙋𝙤𝙧: 𝙱𝚊𝚜𝚝𝚒𝚕𝚕𝚎 𝙼é𝚡𝚒𝚌𝚘

𝙀𝙣𝙩𝙧𝙚𝙫𝙞𝙨𝙩𝙖 𝙊𝙧𝙞𝙜𝙞𝙣𝙖𝙡: https://bastillemxfans.tumblr.com/post/186001694564/i-still-get-imposter-syndrome-new-interview-for

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[ladyperluskalstrkme]

Paralelismos entre Dune de Frank Herbert y Canción de hielo y fuego de George RR Martin por Ladyperluskalstkme

Tengo que reconocer que Dune de Frank Herbert es una novela que me leí gracias a la adaptación al cine que hizo de ella David Lynch que se encuentra por muchos motivos entre mis películas de culto. Es una historia de ciencia ficción que me fascino por el escenario que muestra tan distinto de lo que habíamos visto en dicho genero.

Este ensayo va a comparar a grandes rasgos las similitudes de Dune y Canción de hielo y fuego que son muy numerosas y que pueden indicar perfectamente hacia donde se dirige la historia de Canción y es que creo que esta novela junto a Cumbres borrascosas, como ya lo expuse en otro ensayo, son una de las principales fuentes donde se baso George RR Martin para su famosa saga.

Las historia gira en un futuro de nuestro universo en una galaxia de tintes pseudomedievales regido por grandes casas que habitan en sus correspondientes planetas, Los Atreides, los Harkonnen y Los Corrino son las principales familias del Landsraad nombre como es conocido ese universo. Tenemos también a las Bene Gesserit orden femenina vistas como brujas por sus detractores. Los Fremen fieras tribus libres de Arrakis o Dune que poseen unos ojos azules en su totalidad por la especia, y tenemos también a la CHOAM, una corporación universal para el desarrollo comercial que controla el emperador y las grandes casas junto con las Bene gesserit y la Cofradía espacial encargada de los viajes espaciales plegando el universo gracias a la melange o especia.

La historia de Dune gira alrededor de el enfrentamiento entre las casas que anteriormente he mencionado por el control del planeta Arrakis o Dune, fuente de la especia, sustancia vital por muchos motivos para ese universo ya que el que la controla, controla el universo.

Los Atreides tienen como símbolo un halcón y son una familia que tiene muchas similitudes con los Stark y los Arryn ya que son familias nobles y justas muy queridas y respetadas por sus súbditos por su buen hacer como gobernantes, despertando gran lealtad entre su pueblo. Sus integrantes son el duque Leto Atreides, un personaje que es descrito idéntico a Ned Stark tanto en físico como en carácter, su concubina dama Jessica una Bene gesserit, descrita prácticamente igual a Catelyn Stark con su pelo cobrizo, ojos verdes, elegancia y su buen hacer como gobernanta de su casa y el hijo de ambos, Paul Atreides descrito también muy parecido a Jon, pero con los ojos verdes. Paul es un hijo vamos a decir que no legitimo ya que Jessica era la concubina del duque Leto y su misión era la de darle una hija, hecho que ella desobedeció por amor a su duque. Esa niña que tenia que haber dado a luz dama Jessica tenia que desposarse con el heredero Harkonnen para que de esta unión naciera el tan anhelado por las Benne gesserit kwisatz haderach, el ser humano perfecto

Los Harkonnen cuyo símbolo es un grifo que se puede relacionar con los Connington, también con los Targaryen, aunque yo personalmente creo que son una mezcla de los Lannister y los dragones Targaryen. Viven en un planeta llamado Giedi prime, un planeta que fue anteriormente rico en recursos que es sobrexplotado industrialmente por el dominio opresivo de los tiranos Harkonnen y que se encuentra muy contaminado, un escenario muy parecido a la antigua Valirya. Sus integrantes son el baron Vladimir Harkonen un ser obeso y abyecto a mas no poder que tiene que moverse a través de suspensores. Sus sobrinos Glossu “La bestia Rabban” que como indica su nombre es una autentica bestia sin escrúpulos y corto de entendederas que recuerda incluso hasta en su apodo a Gregor Cleganne “La montaña que cabalga” y su hermano Feyd Rautha heredero y favorito del varón, un joven muy atractivo pero taimado en su forma de ser que puede recordar a Joffrey Baratheon e incluso Daenerys ya que también sabe ser encantador y con el cual se tendría que haber casado Paul Atreides de haber nacido niña. El mentat Piter de Vries una especie de Petir Baelish porque hasta el nombre guarda una tremenda similitud como su obsesión por dama Jessica y las Bene gesserit, podría decirse que relativamente parecida la que tenia Meñique hacia Catelyn Stark. Los mentats son ademas una orden muy parecida a la de los maestres de Canción y toda familia tiene uno como sucede en la obra de Martin, siendo los instructores de sus hijos, consejeros e incluso hacer la función de espiás.

Y por ultimo tenemos a los Corrino la familia imperial del Landsraad cuyo símbolo es un león dorado compuesta por el Padisha emperador Shaddam IV, su hija Irulan y el conde Hasimir Fenring, un eunuco genético consejero y mejor amigo del emperador, ¿nos suena a alguien verdad?. A Varys efectivamente.

Sigo con los paralelismos que aun hay mas:

Empezamos por la climatología del planeta Arrakis (Dune), en el que nunca llueve, como el mundo de Canción en que las estaciones tienen una duración totalmente anormal, llegando un mesías que restablece el equilibrio en esos dos mundos. En Dune tenemos los gusanos de arena y en Canción los dragones, monstruos que tienen mucho que ver con dicha anomalía climatologíca y que esos mesías dominaran, llegando a convertirse en uno de ellos en el caso de Paul Atreides. Jon es un warg como todos sabemos y puede meterse en la mentes de su lobo y probablemente pueda dominar a los dragones por su sangre Targaryen.

En Dune también tenemos a la hermana asesina del mesías, santa Alia la del cuchillo, ¿y como se llama la “hermana” del mesías de Canción?. Arya y también es otra niña aficionada a los cuchillos, las dagas y con una lista de enemigos que matar.

-Tenemos al guerreo que siempre resucita en las dos historias, Duncan Idaho/Beric Dondarrion.

-Tenemos a la CHOAM/ El banco de hierro de Braavoos

-Tenemos a los danzarines rostro Tleilaxu/los hombres sin rostro, ambas sectas asesinas que utilizan los rostros e identidades de otros para cometer sus asesinatos.

-Paul Atreides y los Fremen utilizan como arma una palabra y en esta saga se habla de canciones creadoras por ejemplo de los niños del bosque.

-Tenemos a Pardot Kynes, planetologo imperial que desaparece para convivir con los fremen convirtiendose en uno de ellos, como Mance Ryder que deja la guardia para acaudillar a los salvajes.

-Tenemos a Gourney Halleck maestro de armas de los Atreides que después de su caída se une a una compañía de contrabandistas para luego volver con su señor Paul Atreides en su lucha contra los Harkonnen y el emperador, personaje que recuerda por su lealtad al noble caballero de la cebolla Davos Seaworth

-Tenemos compañías de contrabandistas que roban la especia que recuerdan a las compañías de mercenarios en Essos.

-Tenemos también un paralelismo muy grande en como Glossu Harkonnen “La bestia Rabban” trata a los Fremen por orden de su tío el varón Harkonnen, lo mismo que Gregor Cleganne “la montaña que cabalga” sigue las ordenes de Tywin Lannister arrasando con el campesinado de las tierras de los ríos sin piedad

La historia de Dune va de la caída de la familia Atreides en el momento en que llegan al planeta Arrakis para controlar durante unos años como les corresponden la producción de especia. Antes de su salida de Caladan la reverenda madre de las Bene gesserit Gaius Hellen Mohian antigua instructora de dama Jessica, hace una prueba a Paul donde descubre el gran poder que tiene el muchacho perdonándole la vida pero avisándole a Jessica que por el padre no puede hacer nada… En la caída de la casa Atreides están detrás el emperador y los Harkonnen antiguos regentes de Arrakis que se niegan a dejar de ostentar ese poder y son enemigos seculares de los Atreides. Todo esto lo sospecha el duque Leto haciendo todo lo posible para neutralizar las acciones de sus enemigos pero tienen un topo en sus filas, el doctor Yueh que contribuye en la caída y muerte del duque Leto, pero sin embargo ayuda a la huida de Paul y dama Jessica que se encuentra embarazada de Alia. En su huida, son acogidos por el pueblo fremen, pueblo hostigado a mas no poder por los Harkonnen que creen en que un mesías que sera hijo de una Bene gesserit va a llegar para restablecer el equilibrio climático en Dune y les va a traer la tan ansiada agua que es un autentico tesoro para ellos. Dama Jessica da a luz a Alia en pleno trance ritual de la ingesta del Agua de vida, veneno iluminante. En plena agonía de la transformación del venero en sustancia inocua en el organismo, dama Jessica y la niña no nata se convierten en reverendas madres. Mientras tanto Paul Moab dib llamado así ya por los fremen va descubriendo poco a poco quien es y cual es su destino siendo instruido por ellos en sus formas de combate y toma como compañera a Chani la hija de uno de sus caudillos con la cual tendrá dos hijos. También descubre la gran cantidad de agua que tienen almacenada los fremen y que va a ayudar al restablecimiento climatologico de Arrakis. Para descubrir ya si es el mesías que esperan los Fremen Paul tiene que tomar el Agua de vida veneno que lo deja en un trance comatoso durante tres semanas, despertando o resucitando ya como el kwisatz haderach o mesías de Dune, empezando ya una campaña de hostigamiento a sus enemigos Harkonnen y contra el emperador saboteando la producción de especia. A Paul Atreides y los fremen se van uniendo las bandas de contrabandistas en la que milita en una de ellas el antiguo maestro de armas de la casa Atreides, Gounney Halleck. También logra junto a los fremen y su dominio de la voz controlar e incluso montar a los enormes gusanos de arena y ya es cuando se realiza el asalto a la residencia de los Harkonnen en Dune donde también se encuentran para intentar combatir la yihad de Paul Atreides, el emperador Shaddam, su hija Irulan, Los Harkonnen con el conde, su sobrino Fayd Rautha, la Benne gesserit Gaius Hellen Mohiam y el pobre Tuffir Hawat mentat de los Atreides capturado por los Harkonnen que lo han mantenido con ellos por ser el mentat mas poderoso del Landraad y al cual mantienen vivo con un veneno del cual ellos solo tienen el antídoto y porque Piter de Vries murió al morir el duque Leto. Paul se enfrentara finalmente a su rival Feyd Rautha y su hermana Alia mata a cuchilladas al barón Harkonen proclamándose Paul como Emperador, desterrando a Shadam IV al planeta Salusa secundus y casándose por mero interés político con Irulan la hija del emperador. En Arrakis empieza a llover.

Añado que el barón Harkonnen había educado a su sobrino predilecto Feyd Rautha para ser el emperador del Laandsraad y que en sus planes estaba el derrocar a su supuesto aliado Shadam IV, por eso Feyd Rautha se revuelve contra Paul en el ultimo momento, porque ve como el sueño de toda su vida y para lo que ha sido educado se le escapa de las manos porque hay otro candidato que lo merece mas que el, precisamente por ser el kwisatz haderach y porque ha conseguido de la nada muchos mas apoyos y siendo su causa mucho mas justa por mucho que intentaran acabar con el y su familia por meros intereses políticos y económicos. También decir que el barón Harkonnen era el padre de dama Jessica, por tanto abuelo de Paul, pero que no ejerció como tal ya que solo lo hizo por selección genética para conseguir la unión definitiva entre Atreides y Harkonnen para crear el kwisatz haderach y que dama Jessica mando al traste al dar a luz a Paul y no una niña como tenia ordenado, haciendo ya insalvable la antigua enemistad entre las dos familias, por lo tanto Paul Atreides y Feyd Rautha eran primos.

Para terminar este ensayo voy a comparar a Paul Atrides con Jon Nieve y lo que puede suceder con el personaje de Jon y el trascurrir de la historia de Canción donde mezclo hechos de serie y libros.

Los dos personajes guardan muchísima similitud física, ya que la única diferencia estriba en el color de los ojos, ya que Jon los tiene grises y Paul verdes, pero son descritos como jóvenes morenos de complexión delgada y fibrosa, no muy altos de estatura y con un carácter serio y solemne que despiertan una lealtad inquebrantable entre los que les rodean y también algunas envidias.

Los dos no son hijos legítimos, ya que Paul es hijo de una concubina que desobedeció la orden de no tener hijos varones y con ello contribuyo a la momentánea caída de la casa Atreides. Jon es criado haciéndolo pasar como el bastardo del hermano de su madre que lo tuvo fruto de una relación que acarreo unas consecuencias nefastas, entre ellas una guerra como todos sabemos.

Los dos se quedan sin padre, Leto asesinado por los Harkonnen a traición y Jon primero sin su padre biológico muerto en combate y después su tío el que le cría haciéndolo pasar por su hijo también muere decapitado a traición por sus enemigos los Lannister.

Los dos tienen abuelos malvados y repulsivos; Paul un obeso cruel y abyecto que disfruta con la tortura y gusto por los chicos jóvenes, entre ellos su propio sobrino Feyd y Jon que tiene por abuelo a un rey loco y grotesco con sus larguísimas uñas que gusta de quemar a la gente y maltratar a su esposa que a la vez es su hermana y que mato al otro abuelo de Jon, Rickard Stark y su hijo Brandon cuando fueron a Desembarco a pedir cuentas sobre el “secuestro” de Lyanna Stark, la madre de Jon.

Tanto Jon como Paul tienen que dejar sus hogares para ir a vivir a otros lugares mucho mas inhóspitos y peligrosos y en los dos sitios tienen que convivir con los nativos de dichos lugares, los cuales en los dos casos son injustamente maltratados y considerados como parias y que luego se convertirán en sus lideres para devolverles el lugar que les corresponde y a los cuales también protegerán. También se enamoran de jóvenes pertenecientes a esos pueblos que los acogen, como Jon lo hace de Ygritte y Paul de Chani, dos jóvenes que también terminan muriendo dejando un recuerdo imborrable en los dos personajes.

Los dos también mueren y resucitan convertidos en héroes legendarios que van a llevar el equilibrio a sus respectivos mundos, Paul el ansiada agua en el desértico Arrakis y Jon el equilibrio climático entre las estaciones tan descompensadas en su duración.

Los dos tienen “rivales” que han sido criados o educados para desempeñar esos roles como son Feyd Rautha en el caso de Paul y Daenerys Targaryen la cual cree ser la legitima heredera de Poniente, contando con muchos mas apoyos logísticos en lo dos casos de los rivales y siendo también parientes en los dos casos; Paul y Feyd primos, Jon y Daenerys tía y sobrino. Por eso mismo creo que entre Jon y Daenerys va a haber enfrentamiento ya que no creo que le siente nada bien a Daenerys saber que tiene un sobrino que es el legitimo heredero del trono que tanto ansia y anhela y probablemente se revuelva contra Jon lo mismo que Feyd Rautha celoso de todo lo que había conseguido su primo Paul y que le ha arrebatado.

Los dos tienen su propia profecía cumplida indirectamente; Paul la del Kwisatz haderach que tenia que haber sido su hijo de haber nacido niña y haberse casado con Feyd Rautha, y Jon la de Azor Ahai que creía en un principio ser el que fue su padre biológico, Rhaegar Targaryen, que luego creyó que era su otro hijo, Aegon, pero que creo que descubrió al fin que iba a ser del hijo que tuviera con Lyanna Stark cuando la conoció en Harrenhall.

Los dos tienen dos hermanas con prácticamente el mismo nombre y gusto por los cuchillos; Alia que a su despreciable abuelo el barón Harkonnen a cuchiladas. Por eso también creo que Arya tiene que cumplir toda su lista y en esa lista esta Cersei. Arya se ha preparado en la casa de blanco y negro para ser una asesina sin rostro para vengarse de los que destruyeron a su familia. En esa lista esta Cersei y creo que ella va a ser el valonqar de la profecía que mate a la Lannister con el rostro de Jaime que cogerá después de que este caiga en el norte y usara cuando Jon y sus fuerzas entre en Desembarco, a lo Paul Atreides en la residencia de los Harkonnen en Arrakis, para reclamar el trono.

Conclusión; Por toda estas similitudes creo que Jon es AA, que va ser el rey de Poniente por derecho y por conquista, que va a gobernar desde Invernalia como Paul Atreides lo hace desde Arrakis planeta que considera ya su hogar y donde lo consideran ya un dios, iniciando una nueva dinastía.

Y por supuesto recomendaros también que leáis esta maravillosa novela que a mi me fascina, lo mismo que la película de David Lynch, incluso la miniserie que se hizo hace unos años sobre Dune y Los hijos de Dune y saquéis vuestras propias conclusiones.

[hedonismoaudiovisual]

[4] EPA CINE (21 al 26 de Mayo 2019)

Domingo; Aquel verano sin hogar; Lluvia en el patio trasero de una casa de barrio; Para probar que realmente existimos; Historia de una casa; Tres valijas (Competencia nacional de cortometrajes)

Diversos y disfrutables

El segundo programa de la competencia de cortos exhibió seis piezas que entusiasmaron tanto por su calidad formal como por las ideas que transitan.

En Domingo, Jazmín Ferreiro presenta una reconstrucción catártica y nostálgica sobre un suceso especial de su existencia, creando un cuento infantil onírico, amable, muy bien ambientado y actuado, incluyendo además una animación que enriquece el relato. En contraste, Aquel verano sin hogar (Santiago Reale) plasma un universo más oscuro y fantasmagórico en los recuerdos de infancia del narrador, colmados de leyendas autóctonas en una historia que se torna, acaso, un tanto hermética. Lluvia en el patio trasero de una casa de barrio (Joel Cortina Suárez) quizás es, de las seis, la producción más sensorial, sensitiva. El registro directo de la lluvia copiosa que cae sobre un patio, plantas y plásticos mojados y un perro que se asoma construyen un registro contemplativo efímero, potenciado por un muy buen trabajo de sonido. Más actual y ensayística resulta Para probar que realmente existimos (Inés Villanueva): el viaje a China de su directora y una indagación sobre la proliferación de las selfies y las fotos como modo de compartir las experiencias. Algo así como un intento de tesis simpático que sin embargo no esclarece si aprueba o rechaza el fenómeno que describe.

Ignacio Masllorens ya había deleitado en Trainspotter con un documental sobre el compositor checo Antonín Dvořák y su fascinación por los trenes. En Historia de una casa, el realizador vuelve a mostrar la misma sobriedad, elegancia y erudición para narrar la relación de una mujer con una vivienda que resultaría legendaria. El arte, nuevamente, como motor de una aventura casi académica que ilustra sobre un tramo importante de nuestro patrimonio cultural y arquitectónico. Por último, Tres valijas (Lara Franzetti, ya proyectada en el BAFICI 2108) es una comedia clásica, entretenida, concisa y cosmopolita, basada en una anécdota del padre de la propia realizadora, sobre equipajes que se entremezclan en un aeropuerto. Un cierre placentero para una muestra muy disfrutable. 

Yo tenía 19 (Retrospectiva Konrad Wolf)

Crecer en la guerra

Drama histórico y autobiográfico, este film colosal de Wolf cuenta la historia de Gregor, un joven que volvió a su Alemania natal como subteniente del Ejército Rojo ruso, varios años después de haber abandonado de niño su país de origen a causa del nazismo. La segunda guerra mundial está terminando, Hitler fue vencido, pero todavía perviven los enfrentamientos, las lealtades y el clima de guerra.

Ciertamente, son numerosos los atributos que vuelven al film entrañable. De una calidez inusitada para el conflicto que retrata, el realizador erige un tratado anti-beligerante, pacifista, con un protagonista que funciona como su alter-ego, transmitiendo una pureza e ingenuidad que conmueven sobremanera. Un hacerse grande en el medio de un acontecimiento histórico que Wolf acompaña con planos y encuadres bellísimos de carreteras, ríos, bosques y fortalezas. Hay pugnas y batallas en Yo tenía 19, pero lo que emerge especialmente es su enunciación conciliadora, atenta a la comunión y al diálogo entre ambos bandos. Las secuencias de Gregor con el megáfono convenciendo amablemente a los alemanes para que se entreguen, verlo cantando en soledad en la caja de un camión de guerra o sufrir desesperado las traiciones de los nazis, delinean este pasaje casi forzado de joven a adulto y se encuentran entre los tramos más bellos del largometraje. Dos niños alemanes y su pequeño gato surgen, también, como un contrapunto de ternura en medio del terror más duro.

Con un ritmo narrativo sosegado pero decidido, la obra sorprende además por su gran producción, ambientación, vestuario (la película es del '67) y rigor histórico. Escenas festivas de grandes banquetes con 3000 pelmenis y varios licores o momentos dramáticos como la sumisión de los soldados SS bajo la lluvia, forman parte de esta experiencia a la vez íntima e inmensa que construye Wolf. Una guerra monstruosa que va concluyendo; un joven y una población que deben reconstruirse desde el trauma y la desolación. Una película que es, también, un trabajo de paz.

Playing men (Competencia Internacional de largometrajes)

De la bravura a la sensibilidad masculina

El documental croata/esloveno de Matjaž Ivanišin registra diferentes juegos masculinos tradicionales que tienen lugar en algunos rincones de Turquía, Italia y Croacia; situaciones lúdicas que van desde luchas cuerpo a cuerpo, lanzamientos de quesos por callejones o pleitos desaforados donde se grita el número que elegirá el rival con sus manos. Pero lo que inicia como un desfile de confrontaciones varoniles en las que priman la bravura y la cofradía se transformará en un manifiesto a favor de la sensibilidad del género masculino. En este cambio de tonalidad tiene un lugar preponderante el recuerdo del título de Goran Ivanisevic en Wimbledon y su posterior festejo en Split. Un campeón "que debe permitirse llorar", que es recibido masivamente por sus compatriotas y que entra en la historia del deporte después de sobreponerse a los nervios que le hicieron desperdiciar varios match points con dobles faltas durante la final.

Dentro de esta modificación de intensidades -el propio director se filma en lo que menciona como una crisis creativa durante el rodaje-, la invitación a pensar sobre la forma de relacionarse entre machos y los mandatos que recayeron históricamente sobre los varones es una lectura más que plausible de la obra (en este sentido, la escultura de un pene gigante ridiculizada resulta elocuente). Un universo masculino que va transmutando, del talante impetuoso de las contiendas presentadas en un inicio al relato sensible sobre Ivanisevic y la inclusión de la canción melancólica "My rifle, my pony and me" hacia el desenlace. Transformación que, por qué no, puede interpretarse en consonancia con la crisis actual de la estructura patriarcal.

Female Human Animal (Competencia Internacional de largometrajes)

Una obra maestra gótica y lúgubre

El británico Josh Appignanesi creó en Female Human Animal (2018) una película notable. La realidad y la ficción se entremezclan en la historia de una escritora y curadora de arte que se ve atravesada (¿hechizada?) por la obra de la pintora surrealista que está difundiendo para establecer un film tan oscuro y perturbador como exquisito y original. Todo en este largometraje funciona muy bien. Al contexto verídico de una retrospectiva sobre la artista Leonora Carrington que la novelista Chloe Aridjis debe presentar, Appignanesi suma elementos y situaciones inquietantes que lo convierten en un thriller casi alucinatorio con el mundo del arte como protagonista. Así, diversos segmentos de cuadros que interpelan a la heroína, pasillos vacíos de museos y hasta los plásticos que cubren los bastidores serán portadores del terror mental que impregna cada una de las acciones.

Pero esta película no sería tan grandiosa sin su aspecto formal: presentada con el estilo de un VHS con problemas de tracking y saturación, este semblante ochentoso, acompañado por música enrarecida, edificios altos y primeros planos híper expresivos (el trabajo de Chloe es descomunal) crean una atmósfera gótica, romántica y lúgubre y definen una estética casi tan surrealista como las creaciones de la artista que referencia. Una puesta en abismo sofisticada, en un film hasta feminista que edifica un universo siniestro y singular que recuerda lo mejor de Jacques Tourneur o David Lynch. Un clima tétrico en cada deambular de Chloe que, sin embargo, acompañará la evolución interior luminosa de una protagonista que concluye exitosamente su trabajo derrotando a los miedos y los hombres que la acechaban.    

Chinese Portrait (Competencia Internacional de largometrajes)

Postales vivas de una época

El título y la sinopsis del film de Wang Xiaoshuai estrenado en 2018 pueden confundir: efectivamente se trata de un documental que recorre distintos escenarios de China, pero que, lejos de una intención exhaustiva o abarcadora, se enfoca principalmente en las clases trabajadoras y populares del país asiático. El método del realizador es extremadamente singular: escenas breves, la mayoría de un solo plano fijo, a lo sumo dos, de diferentes contextos y espacios de Beijing, Shanghái y Nanjing con algún personaje que mira fijo a la cámara mientras el resto de los retratados actúa con naturalidad. Una composición particular en tanto la presencia de estos sujetos integrados pero a la vez escindidos de la acción, quiebran lo que sería sino un registro cabalmente crudo, casi puro, de las múltiples situaciones filmadas.

Sin un hilo conductor manifiesto, circularán a lo largo del metraje trabajadores de zonas rurales, oficinistas, pasajeros de trenes, distintos edificios públicos, templos, talleres, puertos y más rincones de las ciudades. Una puesta en escena colmada de cemento, llanuras y smog, que devela la superpoblación y la contaminación en China y también la realidad cotidiana de varios de sus habitantes.      

Pero Chinese Portrait no es, tampoco, una obra de intenciones turísticas o publicitarias. Casi no hay registro de la faceta más globalizada de ese país como pueden ser la gastronomía, las festividades o las construcciones arquitectónicas más monumentales. En efecto, casi no hay vida nocturna, colores llamativos o cielos despejados en el film, prevaleciendo sobremanera las tomas grises y planas de actividades cotidianas. Un naturalismo total, donde los únicos sonidos o música provienen de las acciones que realizan los protagonistas. Sin estos sujetos prácticamente congelados que miran a cámara y sin los separadores entre glitcheados y grafitteados que dividen las escenas, no habría marca autoral en toda la producción. Y es, justamente, en esta idea de contrastar fijeza y movimiento donde reside la maestría de Xiaoshuai no sólo para darle una forma original a su documental sino también para simbolizar, como una alegoría, la experiencia de un país que se está transformando política y económicamente. En este sentido, no debe ser casual, tampoco, la filmación de una demolición, en uno de los pasajes más enérgicos de la obra. Un mosaico oriental, entonces, en el que se descubre un sentido mucho más profundo que la mera contemplación desnuda.

Terra Franca (Competencia Internacional de largometrajes)

Poema familiar luminoso y existencialista

La primera película de la competencia internacional de largometrajes del festival es un documental bellísimo que bien podría ser una ficción igual de encantadora. En Terra Franca (Leonor Teles, 2018) la directora vuelve a su ciudad natal para retratar la cotidianeidad de la familia Lobo en la localidad costera de Vila Franca, Portugal. Lo que en apariencia comienza como un retrato intimista de Albertino, pescador y padre de familia en este pueblo pintoresco, deriva hacia la contemplación periódica de su grupo familiar en general, incluyendo su esposa, sus hijas, su yerno y su nieta.

La soledad de Albertino sobre el agua, las charlas de mercado de su mujer Dália con sus clientas, discusiones familiares de sobremesa, conflictos políticos, comida local, fiestas, barcos, mascotas y la planificación de una boda, son situaciones y protagonistas triviales que se deslizan con suavidad sobre un paisaje natural que va cambiando al ritmo de las estaciones. La naturaleza y el hombre en estado puro, acompañados por baladas norteamericanas que crean una atmósfera entre melancólica y cálida, replicando el semblante que tiene la película. 

Toda esta contemplación serena llega a su punto más conmovedor en el registro de la boda de una de las hijas: secuencias luminosas de bailes, fotos y banquetes terminan de consolidar esta oda familiar que evoca algunas obras de autores como Kim Ki-duk o Claire Denis, especialistas en presentar emociones genuinas, sin acentuar ni manipular la reacción del espectador. Doble mérito de Teles, tratándose de personajes reales que, gracias a su dirección y al montaje, terminan siendo protagonistas de un cuento apacible que encuentra poesía en la realidad más terrenal. "Lo más importante es el respeto, sin respeto la comunidad está perdida" esboza Albertino. Existencialista, humanista, cercana, Terra Franca resulta respetuosa con sus retratados y con los espectadores, a quienes les ofrece una experiencia única donde se disfrutan los bordes, los pliegues, entre el documental y la ficción.          

Por Gabriel Yurdurukian.   

[anti-philia]

¿Que es la música Ambient?

Creo que la mayoría asociaría la etiqueta Música Ambient  con música de relajo, música para estudiar  o música de ascensor. La relación no es equivoca, pero si limitada. Océano de Sonidos: Palabras en el Éter, Música Ambient y Mundos Imaginarios de David Toop[1], editado en español por la editorial Argentina Caja Negra Editora, es imprescindible a la hora de entender la compleja historia que hay detrás de la gestación de un estilo que se ha ido transformando en el underground musical y que ha influenciado a otros estilos como el Noise Rock, el Techno, el Industrial, el Avant Garde, el New Age, etc.

David Toop Live Performance

El Viaje

Como muchos, encontraremos el inicio de la etiqueta “Ambient” vinculado a Brian Eno, quien lo utilizó para diferenciar la música experimental que se estaba realizando en ese momento de la llamada Muzak de los 50, un tipo de música que se utilizaba para ambientar los ascensores o centros comerciales. Desde este punto podemos rastrear como se desarrolla este género musical en los 70, por ejemplo: en el Krautrock, un movimiento musical influenciado por las experimentaciones electrónicas de Stockhausen y los movimientos sociales alemanes de los 60[2]; en los paisajes instrumentales de bandas como Tangerine Dreams, Pink Floyd, Mike Oldfield o Jean Michel Jarre; en los sonidos Dub de King Tubby. Eno crea el sello Obscure Records en 1975 donde aparecen trabajos de Harold Budd, de David Toop o Gavin Bryars, este último abriendo el catálogo del sello con The Sinking of the Titanic, un disco claustrofóbico y minimalista inspirado en el hundimiento del Titanic y que representa ese nuevo sonido experimental que se estaba desarrollando en torno al ambient.

Brian Eno

Muy bien hasta aquí,  pero no hemos mirado más atrás en la historia. Para Toop, como bien detalla en el libro, el inicio del siglo XX musical comienza con un episodio en particular: Claude Debussy en 1889 asiste a un concierto de música javanesa en la Exposición de París. Este momento histórico simboliza el inicio de nuestro enigmático viaje sin orden cronológico, a veces irreal, otras en la escena misma del movimiento, y que nos lleva por un sinfín de momentos sociales, artísticos, lleno de lecturas antropológicas y psicológicas de como se comienza a experimentar la música en el nuevo siglo XX.

    Toop, al igual que un chaman, es nuestro guía en el éter, donde convulsionan distintas expresiones musicales ampliandonos la perspectiva de lo que significa la Música Ambient. Recorremos su evolución, su mutación y sus distintas maneras de expresión en el siglo XX siempre conectados a un hilo que se mantiene omnipresente en las páginas del libro: la música Étnica. Por eso es tan importante Debussy en la Exposición de París, o el acercamiento a la música Hindú en los 60. Es este interés occidental por el estudio de las culturas de distintos grupos étnicos de África, Asia o América lo que influye en la creación de un nuevo entendimiento de la música y su rol con el oyente y el entorno. Hay capítulos dedicados al significado del ruido y el silencio desde la perspectiva del mito, la imaginación colectiva y la cosmovisión de estos grupos étnicos. También hay un capitulo interesante donde Toop narra su incursión en las Amazonas en búsqueda de esta música perdida y primordial y otro que profundiza en la música japonesa y su importancia social y como esta se transforma desde la tranquilidad de sus jardines Zen hasta lo que es el Japanoise. Silencio y ruido presentes. La música como ritual de muerte, o rituales de sueños, conciertos javaneses que duraban toda la noche para inducir trances, en donde el oyente asistía y podía dormir atrapado en la atmósfera repetitiva para despertar y darse cuenta que los músicos continuaban con su interpretación, muchas veces llevados por improvisación y la conexión profunda entre unos y otros.  Este nueva manera de pensar la música se suma a la evolución occidental de la electrónica y la industrialización creando así un ambiente único que es fundacional para la nueva ola de expresionismo, sonidos y experimentación en las composiciones musicales de los años 50-60-70.

Exposición de París, 1889

Bueno, la historia sigue, con la creación de los sintetizadores, las nuevas tecnologías en estudios, las experimentaciones con cintas, el reverb, el echo, los patrones repetitivos en canciones de alemanes como Kraftwerk o NEU! , la fusión del punk con sonidos electrónicos influenciados por el ambiente industrializado, los sonidos de maquinarias, expresándose en lo que se conoce como industrial, el ambient etnico de Jon Hassell, las grabaciones de campo utilizadas por Brian Eno, los soundtracks para películas como Eraserhead de David Lynch, el new age, el Techno, el Noise, y todo lo que continuó desarrollándose se podrá entender en detalle con la lectura del libro de David Toop.

Música para escuchar en el Éter.

El libro no busca ser un catálogo de discos Ambient que debes escuchar ni mucho menos, pero la gran cantidad de análisis y referencias a discos de artistas underground hace obligatoria su escucha para entender mejor el viaje en el que Toop nos está llevando. Para mi fue una verdadera experiencia encontrarme con este mundo de exquisitez musical el cual ignoraba completamente. Desde los artistas que ya conocía, como: Aphex Twin, Brian Eno, Faust, Bowie, Ash Ra, Fripp, Velvet Underground, Satie, Debussy, hasta artistas que me eran completamente desconocidos como: John Cage, African Headcharge, Harold Budd, Jon Hassell, King Tubby, Terry Riley, La Monte Young, Pauline Oliveros, Chris & Cosey, Scanner, la variedad de discos que se enfoca hace importante tener conocimientos de lo que Toop nos está hablando. Es por eso que he querido dejar una lista de títulos para poder comprender mejor el viaje, o para alguien que quiera entrar un poco en las raíces e influencias del género.

Aphex Twin – Selected Music Ambient Works Vol I y II

Brian Eno – Ambient 4: On Land

Miles David – Bitches Brew

Herbie Hancock – Sextant

The Agrovattors – Dubbing at King Tubby´s

Jhon Hassell – Fourth World Vol 1 Possible Music

Scanner – Scanner 1

David Bowie – Heroes

Velvet Underground – Velvet Underground & Nico

African Headcharge – My Life in a Hole in the Ground

Harold Budd – Lovely Thunder

Terry Riley – In C

Chris & Cosey – Techno Primitiv

David Toop & Max Eastley – New and Rediscovered Musical Instruments

Gavin Bryars -The Sinking of the Titanic

***

Notas

1- David Toop, Océano de Sonido: Palabras en el éter, música ambient y mundos imaginarios, Colección: Synesthesia, 2016, editorial Caja Negra Editora.

2- Editorial Caja Negra también publicó un libro sobre el Krautrock escrito por David Stubbs. Future Days: El krautrock y la construcción de la Alemania moderna, Colección: Synesthesia, 2015, editorial Caja Negra Editora

Océano de Sonido de David Toop ¿Que es la música Ambient? Creo que la mayoría asociaría la etiqueta Música Ambient  con música de relajo, música para estudiar  o música de ascensor.

[verdune2021]

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El director de esta nueva versión es Denis Villeneuve, que después de unos inicios alejado del fantástico (los dramas independientes 'Politénico' e Incendios', el thriller 'Prisioneros' y la aclamada 'Sicario') se especializó en adaptaciones "imposibles". Visualizó la casi abstracta 'El hombre duplicado' de Saramago en 'Enemy', tradujo a imágenes la muy literaria 'La historia de tu vida' de Ted Chiang en 'The Arrival' y se atrevió con una secuela de un mito absoluto del cine de ciencia-ficción, 'Blade Runner 2049'

Reseña: Dune Película Completa en español a toda velocidad El guión ha sido escrito por Villeneuve en compañía de Jon Spaihts y Eric Roth. Spaihts llamó la atención de Hollywood con el éxito de invasiones alienígenas 'La hora más oscura', y desde ahí ha participado en películas de género como 'Prometheus' (en una de sus múltiples reescrituras), 'Passengers' y 'Doctor Strange'. Roth es uno de los guionistas más prestigiosos de la industria, y tiene en su haber éxitos como 'Forrest Gump' (por el que ganó un Oscar), 'Ali', 'Munich', 'El curioso caso de Benjamin Button' y, recientemente, el remake de 'Ha nacido una estrella'.

Pareciera que Dune tiene un camino bastante pecaminoso en sus años de historia. Desde sus primeros años como novela de ciencia ficción, en donde su autor Frank Herbert batalló para ver su obra publicada, sus lamentables adaptaciones cinematográficas y bastante modestas versiones televisivas, hasta llegar a una actualidad en donde los atrasos en Hollywood debido a la Covid-19, parecen no darle tregua.

Para ponernos en contexto, si eres de los despistados que nos sabe de lo que hablamos, Dune es una de las obras de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos. No hablamos de una novela fallida ni mucho menos, hablamos de la poca fortuna que la obra maestra de Frank Herbert ha encontrado para enaltecer más su nombre. Una obra que se compara (tranquilos la comparación no la hicimos nosotros) dentro de la literatura a su similar en fantasía épica, El señor de los anillos, o con la mísmisima Star Wars en el género de ciencia ficción

Ver Película Completas Dune de SINOPSIS Un futuro lejano, en el que las familias de nobles se disputan el dominio del árido planeta Arrakis, también conocido como Dune por su geografía compuesta por desiertos de dunas. Arrakis es el único lugar donde se encuentra 'la especia', la sustancia más codiciada y valiosa del universo que producen gigantescos gusanos de arena. Debido a su rareza, y a su arriesgada extracción, quien controla la producción de la especia, controla el destino no sólo del Imperio, sino de toda la humanidad. El Duque Leto Atreides (Oscar Isaac) aceptará la administración de este peligroso planeta y será enviado a Arrakis junto con Lady Jessica (Rebecca Ferguson) y su hijo Paul (Timothée Chalamet). Será entonces cuando la familia Atreides corra un gran riesgo por estar en el punto de mira de fuerzas malvadas como las de su enemigo el Barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård).

Nueva adaptación cinematográfica del clásico de la ciencia-ficción Dune (1965) de Frank Herbert, que dirige el cineasta nominado al Oscar Denis Villeneuve.

Ver Película Completas Dune de DETALLES 17 de septiembre de 2021 en cines / 2h 36min / Ciencia ficción, Drama Dirigida por Denis Villeneuve Guion Jon Spaihts, Denis Villeneuve Reparto Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac

Dune de la historia original En esa búsqueda, Chris Pratt interpreta a Dan Forester, un militar retirado que, como un clásico del cine bélico, no se halla más allá de la línea de fuego. Mckay y su guionista, Zach Dean (24 horas para vivir, 2017) no descubren nada nuevo en ese tópico, pero lo representan a través del recurso de los viajes en el tiempo de forma refinada.

Dune sigue el paso de producciones como Al filo del mañana (Doug Liman, 2014) sin abusar del recurso de los bucles temporales. La película de Chris McKay es mucho más estable en relación con los saltos de tiempo, algo que favorece la experiencia: el espectador podrá quedar aturdido por las explosiones y las detonaciones. Pero no por los saltos temporales de la película.

Dune: ¿Qué dicen los críticos? «En la línea solipsista del Christopher Nolan de Dunkerque (2017) o del Zack Snyder de Watchmen (2009), pero cada uno, claro, fiel a su estilo único e intransferible. Hay muy pocos directores capaces de hacerse cargo de un proyecto de presupuesto desorbitado y cargado de estrellas de primer nivel -Dune parece un all-stars: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Jason Momoa, Dave Bautista, Stellan Skarsgård, Javier Bardem, Josh Brolin, Charlotte Rampling, etc- y tener la valentía de hacer con él una película tan tremendamente personal, ajena a cualquier moda imperante y que, con ello, siga resultando un espectáculo inabarcable de primer nivel» «Entiendo que es una decisión lógica en la continua fidelidad al texto original, pero no por eso se me deja de hacer raro. ¿Qué pensará la gente cuando la vea? ¿La amarán? ¿La odiarán? Dune va a polarizar, eso está claro. Pero seas de los primeros o de los segundos, no dudes ni por un momento que Villeneuve ha hecho la película que quería pesara a quien pesara y eso es algo que siempre yo respeto»

Dune, adaptación de la novela de Frank Herbert que ya llevó al cine David Lynch en 1984, narra la historia de la familia Atreides y su camino hacia Arrakis. El duque Leto tiene que supervisar la extracción de una codiciada droga y eso implica numerosas amenazas. Entre sus enemigos se encontrará el pueblo indígena Fremen, que habita el planeta que quieren explotar, y los malvados Harkonnen. Al mismo tiempo, las condiciones del nuevo territorio no tiene nada que ver con su planeta de origen. Provienen de un sitio montañoso y húmedo y han ido a parar a un desierto.

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Reseña: Dune Película Completa en español a toda velocidad El guión ha sido escrito por Villeneuve en compañía de Jon Spaihts y Eric Roth. Spaihts llamó la atención de Hollywood con el éxito de invasiones alienígenas 'La hora más oscura', y desde ahí ha participado en películas de género como 'Prometheus' (en una de sus múltiples reescrituras), 'Passengers' y 'Doctor Strange'. Roth es uno de los guionistas más prestigiosos de la industria, y tiene en su haber éxitos como 'Forrest Gump' (por el que ganó un Oscar), 'Ali', 'Munich', 'El curioso caso de Benjamin Button' y, recientemente, el remake de 'Ha nacido una estrella'.

Pareciera que Dune tiene un camino bastante pecaminoso en sus años de historia. Desde sus primeros años como novela de ciencia ficción, en donde su autor Frank Herbert batalló para ver su obra publicada, sus lamentables adaptaciones cinematográficas y bastante modestas versiones televisivas, hasta llegar a una actualidad en donde los atrasos en Hollywood debido a la Covid-19, parecen no darle tregua.

Para ponernos en contexto, si eres de los despistados que nos sabe de lo que hablamos, Dune es una de las obras de ciencia ficción más importantes de todos los tiempos. No hablamos de una novela fallida ni mucho menos, hablamos de la poca fortuna que la obra maestra de Frank Herbert ha encontrado para enaltecer más su nombre. Una obra que se compara (tranquilos la comparación no la hicimos nosotros) dentro de la literatura a su similar en fantasía épica, El señor de los anillos, o con la mísmisima Star Wars en el género de ciencia ficción

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Dune sigue el paso de producciones como Al filo del mañana (Doug Liman, 2014) sin abusar del recurso de los bucles temporales. La película de Chris McKay es mucho más estable en relación con los saltos de tiempo, algo que favorece la experiencia: el espectador podrá quedar aturdido por las explosiones y las detonaciones. Pero no por los saltos temporales de la película.

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