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jgmail · 5 years

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EN EL PAÍS DEL "DO" ASCENDENTE

Por Alexander Dugin

Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera

Parte 1. El viento divino

En el lenguaje de este pueblo hay una palabra especial para definir la ciencia como geopolítica: Chiseygaku. Literalmente "enseñando en la tierra bien ordenada". Tales personas no pueden ser algo ordinario.

En el lenguaje de este pueblo hay una palabra Oshym (o-shima). Significa "gran isla". Dichas personas tienen acceso a capas profundas de sueños.

En el lenguaje de este pueblo "soberano", "emperador" se llama Tenno, "el celestial". Esa gente misma sabe a pescado celestial.

Una carpa dorada se había levantado a lo largo de la cascada, pero debido a su distracción no se dio cuenta de que el agua había pasado y se estaba moviendo hacia el cielo. Más alto, más alto ... La carpa roja está creciendo, las alas salen de ella, sus escamas se están volviendo más gruesas ... y ya es el gran dragón rojo que nada en el cielo.

El profesor Tamotsu Murata contó esa historia en el antiguo y pequeño restaurante en la zona residencial de Asakusa, explicando el lienzo que colgaba allí en una pared. El viejo y delgado profesor de una familia Samurai estaba escribiendo poesía de haiku en una hoja de papel, cuyo lado opuesto estaba salpicado de fórmulas matemáticas. Estaba terminando un libro sobre el problema de la continuidad.

"Creo que deberíamos buscar la fuente del continuo en el misterio de un momento", había dicho no mucho antes. "Un día, hace muchos años, cuando era totalmente joven, no como soy ahora (el rostro impenetrable, en el que la sonrisa se expresa por el movimiento imperceptible del cabello), estaba de pie en un pequeño patio, mirando el cielo, y de repente entendí que soy. Que soy yo y solo yo. Y no como algo ocurrido, duradero, sino como algo momentáneo. La continuidad nace de un momento de revelación".

Los japoneses leen la filosofía occidental, pero la entienden a su manera.

El profesor Murata me pidió que comentara sus puntos de vista después de su conferencia sobre Kant. La esencia de su informe era reducible a lo siguiente. "Kant no debería haber separado la esfera trascendente de la razón y el mundo empírico de la sensualidad. Hay una conexión entre ellos: el lenguaje es la conexión".

Respondí: "Es una idea excelente, pero luego llegamos a la conclusión de que el lenguaje es un instrumento mágico, un medio hermético mágico, con la ayuda de lo cual uno puede convertir lo enrarecido en lo denso y lo denso en lo enrarecido".

"De hecho, cómo me entendiste exactamente", coincidió el viejo profesor Tamotsu Murata. "¿Y podría someter este enfoque a la crítica?

"Sí, podría", respondí. "has estado leyendo a Kant, que pertenecía al contexto de la modernidad, siendo japonés perteneces al contexto de la no modernidad".

Todos los japoneses pertenecen al presente eterno. Y el hecho de que los profesores japoneses, refinados y educados de una manera totalmente europea, puedan tratar a los clásicos del racionalismo de esa manera, presagia que Japón todavía brillará en el mundo, como el ojo sangriento de la diosa no cuantitativa y momentáneamente continua Amaterasu.

¡Que Japon vive et revive cent mille fois! Cuando hablé con Parvulesco después de mi regreso de Japón, me dijo que lamentaba no haberle avisado de mi viaje de antemano. "Mon Alexander, habría organizado su reunión con mi hija, que enseña francés en la Universidad de Tokio, y ella se habría tomado la molestia de organizarle una audiencia con Tenno".

"¡Sin duda volveré a ir, Jean!"

Una máscara del teatro sagrado "no" colgado en el lienzo con la carpa. El profesor Tamotsu Murata saltó repentinamente del tatami (parecía que lo arrojaban desde abajo) y comenzó a agitar ligeramente el lienzo y la máscara. La máscara revivió, reflejando toda la gama de emociones: siniestras, alegres, irónicas, crueles.

"Y si uno mira desde diferentes perspectivas, en él aparecerá toda la vida. Uno y el mismo, visto de diferentes maneras, ya no es el mismo ..."

Y en otra pared del pequeño restaurante secreto de Asakusa había un personaje desvaído con cuernos pequeños: el demonio Anita, la guardiana del infierno. Hay tantos peces en el infierno...

Luego nos sirvieron una cabeza de pez. Era tan grande como la rueda de un carro. No sabía que podría haber peces tan grandes. El piso del restaurante era negro y de tierra. Su aspereza fue una clave de cifrado.

Me di cuenta de lo que entiendo mucho más de lo que me doy cuenta.

Todo incluso trata de acercarse a la muerte.

Los japoneses son los guardianes de la vida. El cual es profundo, con el que te puedes quedar sin aliento, que está bajo el agua, aéreo, hecho de un pedazo de tela sucia roja, del lado del perro, de una muñeca cruel de porcelana, de una casa tan grande como una maleta, de campanas de cobre tintineando, eso notifica a los espíritus de la llegada de la gente al santuario-djindja y de su disposición a tirar una moneda: los djindjas están en todas partes, me dejé caer en todo lo que encontré, por decir poco, ¡vi mucho dentro de ellos!

Quien quiera saber qué es una sustancia pura de la vida, debe visitar Japón. En el idioma japonés no hay palabras "no" y "yo".

El rugiente "hai" ("sí"), dicho sin inflexión de voz, con brillantes ojos negros japoneses, con increíble energía salvaje significa todo en conjunto. Sí, es el gran entusiasmo de la holografía sagrada, cuando el Universo se centra en el pequeño pedazo de tierra.

De la geografía sagrada a la holografía sagrada.

En la recepción en el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón, el profesor Masaru Sato, lucia como un luchador de sumo. Él habla sobre el eurasianismo japonés, sobre la necesidad de que Japón regrese a la antigua grandeza de manera un tanto fractal, agresiva, sobrecargada por la energía de las montañas.

"Teníamos un pensador nacional: Okawa. Era un defensor constante del bloque continental: Tokio-Moscú-Berlín. Previó las consecuencias perniciosas de la actitud antirrusa, se convenció de que Japón podría mantener su influencia en el Región del Pacífico solo a través de una asociación estratégica con Rusia ".

"Los japoneses", continuó Sato-san, "en cierto sentido somos comunistas, pero solo con el Emperador. Somos para el colectivo, pero jerárquico, sagrado ..."

El comunismo mágico.

Importante: todo lo modernista en Japón es extremadamente superficial. ¡Lo lograron! Sí, lo lograron. Lo moderno está desactivado allí, privado de su metafísica.

De la misma manera que el profesor Murata de una manera completamente natural agrega a Kant un mero truco, el lenguaje como un instrumento de magia operativa, y un profesor católico (!) Yoichiro Murakami opera con conceptos de budismo para describir las principales tendencias de la historia de la ciencia, traduce Jung y Pauli (¡esto se llama Occidente!), por lo que los japoneses comunes y corrientes convierten a McDonalds en djindja. Una linterna con jeroglíficos y esvásticas, que trae suerte, y varios camaradas de dos millones de "deidades" de shinto convierten momentáneamente el templo de hamburguesas del "Nuevo Orden Mundial" en el tradicional snack bar japonés. Y el profesor Toshio Yokoyama de Kyoto interpreta la "civilidad" como la actitud tradicional de los japoneses hacia los dioses, flores, bestias y personas. La sociedad civil en tal interpretación es la sociedad de un rito sagrado.

En tal caso, soy partidario de la sociedad civil.

Un ciudadano es uno que sigue el "do". Quien no sigue el "do", no es nadie. "Do" en japonés es la piedad inmanente, incluido el aspecto transcendente como su extensión natural.

El espíritu de Japón ("do") es inquebrantable.

En Japón tienen una buena actitud hacia los estadounidenses. ¿El motivo? Los estadounidenses pudieron derrotar a los japoneses divinos, por lo tanto, también son divinos. No hay concepto del mal.

Existe el concepto de camino, "do".

En Japón tienen una mala actitud hacia Estados Unidos. ¿El motivo? ¿Cómo se puede tener una buena actitud?

En Japón, uno podría dejar una billetera con dinero en una calle y regresar por ella en una semana. Estaría justo allí.

Hay una parábola suficiente sobre cómo un jeque más sabio, que lo sabía todo y era el principal consejero del sultán, dejó su bolso en el bazar. Lo recordó en una semana y fue a recuperarlo. Sus murids estaban desconcertados: "o el jeque se ha vuelto loco o no entendemos algo". En Asia, las carteras desaparecen en el bazar incluso si están firmemente agarradas de la mano. Japón no es Asia, está más allá de Asia. Es el país, donde las normas éticas del jeque contemplativo se hacen realidad.

Japón es irreal.

Me parece que no puede haber un país así.

La tecnología aquí es un elemento del "do". El ensamblaje de dispositivos electrónicos es un equivalente de las artes de hacer ekibanas rituales o de la ceremonia del té.

Es una versión electrónica de Yemoto, "guardianes".

No hay japoneses sin "hacer".

"¿Aquí hay artistas de vanguardia? ¿Adictos a las drogas? ¿Travestis? ¿Los que habitan el Occidente moderno?"

"Estuvieron aquí al mismo tiempo, pero desaparecieron en algún lugar con el tiempo".

Hay drogadictos entre los recién llegados. Los chinos, los taiwaneses, los filipinos. Los japoneses no pueden verse afectados por nada. Su vida cotidiana habitual es una alucinación continua y lujosa. Bajo el puente de Kioto, las personas que viven en contenedores ven la televisión. Incluso en los rincones de basura reina una extraña estética en vivo.

Cuidado: ¡estudiantes!

Caminan en las calles, en el metro, en parques históricos y museos de montaña por plazas bien formadas. Todo en uniforme. Uno no debería encontrarse con ellos. El viento divino una vez destruyó la flota mongol. Kamikaze. Las personas y el viento son parientes. Los estudiantes japoneses son parientes del viento divino dirigido.

Kami-kaze, "Viento Divino". Con esto se puede dar una idea de la fascinante figura de Rembo «Le vent de Dieux jettait des glacons aux marres ...»

Los antiguos creyentes de la persuasión Beguny ("corredores" o "escapistas") en una época anterior tenían una enseñanza sobre un secreto "Opon czardom". Entendí lo que significaba.

Era Shinkoku, la doctrina del "Japón sagrado".

Los sacerdotes sintoístas enseñan: los antiguos buenos espíritus Izanagi-no-mikotu e Izanami-no-mikotu una vez se casaron entre sí y tuvieron las islas Honshu y Kushu. Esas tierras continentales solo resultaron de su matrimonio legal. Antes de eso aparecieron arañas y fantasmas, y también pequeñas islas. Luego tuvieron muchos buenos espíritus y el primer emperador Tenno. Las islas hermanas extrajeron montañas, ríos, peces gigantes rojos y blancos (que nadan en Japón en cada piscina, ofreciéndose a hábiles cocineros; yo y Polyakov nos hicimos amigos de uno de esos peces), este era un pez profesor de la Universidad de Tokio), bosques, té, perros sagrados de hocico estrecho, que protegen santuarios, espíritus y coníferas, rayos de sol y payasos suaves, que solo pueden estar sobre las localidades cercanas a Moscú. El emperador dio a luz a los japoneses. Los japoneses y japonesas constituyen una alianza afín. El cielo y la tierra, un brote de arroz, arcilla, un arroyo, una piedra, una aspiradora, un campesino y un policía son un organismo afín. En los japoneses, el viento, dulce viento de payaso, fluye por sus venas en lugar de sangre, alimentando los ojos con la carne del sueño. Y siempre así. Así ha sido siempre y siempre lo será.

Shinkoku. Donde no hay nada que excluir e incluir.

Japón es el esoterismo euroasiático. Es la pista para nosotros. Opon czardom. El altar de Eurasia.

En el jardín del palacio del emperador, sobre los restos de la torre, construida por un Shogun, que en el mundo no era superior, pero que estuvo en pie durante solo varios años, hablamos con Polyakov sobre la ventaja de las reflexiones ontológicas para la heurística de las soluciones en física moderna. Sobre la ecuación de Navier y Stokes. Acerca de las perspectivas de desarrollo de la teoría unida de la sustancia sobre la base del análisis de cambio de fase en trabajos del físico, llamado Sinaí. Masuda dormitaba en un banco iluminado por el sol. De repente apareció un cuervo ante nosotros. Sin comprenderlo, entendimos que era el guerrero del Shogun. Guardián el jardín del emperador, vigilando atentamente quién, dónde, qué hace y qué dice. El cuervo era del tamaño de unos dos metros. A los ojos de dos turistas de barriga grande, que ascendieron sudorosamente los restos de la torre, las pupilas fueron rodadas sin ver, parecía que no veían al cuervo con un pico negro como el carbón. Desapareció sin ruido.

Todas las particiones en Japón se están abriendo, están hechas de papel. Las membranas entre las dimensiones tienen una estructura especial, muy bien ordenada, cuidadosamente fijada. La aproximación de las metamorfosis se conceptualiza aquí, impregnada de matemáticas.

Los autos japoneses tienen el hocico de los espíritus sintoístas.

Tetsuya Masuda señaló una piedra imperceptible no distinguida, que se encontraba en la entrada de un pequeño restaurante en la estrecha calle de Kioto. "Esto es un jardín". Para los japoneses una piedra, una brizna de hierba, un tallo, una pequeña piscina es de todos modos un jardín. Toman un fragmento de lo que es y lo penetran con su sagrada atención japonesa. Y nace un jardín. La gente que trae el jardín.

En Kyoto nos sirvieron un pescado. Sus lados fueron cortados y la carne cruda yacía al lado. Al pez se le dejó el hocico, el esqueleto y la aleta caudal. Hizo movimientos de jadeo por la boca, sopló una pequeña burbuja. En la habitación medio oscura conté nueve niveles: el piso, el "bar", la mesa, los bancos y demás, que estaban a una distancia diferente de una línea imaginaria. Como si todos los aviones hubieran estado cambiando como en un elevador de espejos múltiples. Masuda contó la historia de su amigo francés, que estaba tan horrorizado al revelar el hecho de que respiraba un pez que comenzó a gritarle para que trajera urgentemente un cuchillo y para "salvar a un pobre animal de la miseria".

Masuda obedientemente fue por un cuchillo. Pero durante mucho tiempo no pudo obtenerlo del maestro, quien sinceramente no entendió lo que estaba pasando. Cuando aún regresaba con un cuchillo, el francés con un gran esfuerzo en angustia histérica ya había aplastado el cráneo de pescado por el platillo de madera y había estado mirando perplejo. "Hizo sufrir al pez en lugar de observar atentamente su transferencia de la muerte y participar en él solo: boca, lengua, estómago ..."

Miramos al pez, a la pequeña burbuja negra cerca de su boca ... Polyakov tocó su nariz húmeda con el palillo ...

La vista de la ciudad es psicodélica. No es una sola línea directa, toda el área consta de una gran cantidad de cuadrados. El área está saturada en el sentido y en el símbolo. Como un cementerio ruso. Todo está saciado con el Ser. Japón tiene arquitectura ontológica.

Nosotros con Polyakov fundamos una nueva enseñanza: la enseñanza ontológica Kyoto-Helsinki. La segunda raíz de Eurasia.

Eurasia se centra en Japón en nuestra geometría. Entonces enseña Chiseygaku.

La última noche nos trajo a las localidades cercanas a Moscú de Tokio. Al llegar a Japón, noté casi de inmediato que tenía cielo ruso. Pero solo el último día antes de mi regreso, quedó claro que cerca de Tokio había pastos y sabores de las localidades cercanas a Moscú.

Profunda, abundante, negra, sangrienta savia de la tierra. Una pequeña isla de hierba y de Rusia más luces de computadora de Shinkansen, rascacielos luminosos, carreteras centelleantes, jeroglíficos de neón parpadean. Me parece que cuando un ruso muere, primero se encuentra aquí y bebe la cerveza japonesa Kirin, hasta que comprende qué es qué.

Nikolay-do. Matins antes de Whitsunday son servidos por el propio Metropolita de Todo Japón. Los íconos son todos rusos. A la derecha del altar hay una imagen. Campo ruso, bosque, una belleza rusa se alza en una corona, con nimbo y con una cruz en la mano. La santa Olga. En el icono hay un fragmento de Shinkoku ruso. El icono del campo ruso, bosque ruso. Dos realidades holográficas. En algún lugar del mediastino del sueño están atados, arraigados entre sí. Raíces de Opon czardom, construcción del túnel Vladivostok-Hokkaido, Shinkansen de Tokio a Berlín.

Las palabras se entrelazan en toda la secuencia no dividida. En kanji no solo se puede leer y escribir, sino también pensar. Piensa en todo un mundo, que es indivisible, completo, pulsatorio por el exceso de ser interno.

Un pensamiento sobre Japón es el pensamiento sobre la integridad.

El corazón rojo en alza.

La luz de Oriente.

Deberían gobernar una y otra vez.

Para que toda la esfera del Pacífico tenga éxito.

Parte 2. Los geonáutas

Me ha honrado la visita del profesor japonés Shukei Yamaguchi. Uno más de ellos. Ahora me visitan todos los días. Eso es correcto. Si comenzó a hacer visitas, continúe. A los japoneses les gusta mucho la densidad. Como hacemos los rusos. Pero de otra manera.

Me pidió que explicara qué significa "ser ruso".

Respondí...

Estudió la herencia de Jung. Y un director de una universidad junguiana en Suiza pareció darle su bendición para escribir una investigación sobre la clasificación de los temperamentos básicos (introvertidos y extravertidos) por diferentes países y naciones. Una muy buena idea.

Yamaguchi llegó a la conclusión de que los pueblos occidentales son de tipo extravertido, los orientales son de tipo introvertido. Y en Europa los alemanes son relativamente introvertidos ("el pensamiento, el reflejo de las personas introvertidas"). En su clasificación, los rusos son "las personas introvertidas intuitivas". Los hindúes (como los alemanes) son "las personas introvertidas que reflejan". Los japoneses son "personas introvertidas sensuales".

Está claro que la esfera de la "introvertida" es el continente mental Eurasia.

La introversión gravita hacia la experiencia interior, hacia la "semejanza", hacia la "unidad", hacia la "interfusión".

"El mundo interior es el mundo de la vida", dijo Yamaguchi. Hablando con él, me di cuenta de que adora la Vida Absoluta. Es el sentido del culto euroasiático. La vida absoluta. Por lo tanto, siguen definiciones muy importantes:

"Por lo tanto, una persona introvertida, ya que está más preocupado por su vida interior que por el mundo material exterior, es probable que vea la realidad en alguna forma de unidad o interfusión que lo incluya todo. Le gusta sentirse unido a la Naturaleza. No se afirmaría a sí mismo, porque significa que debería ser independiente o estar separado del mundo u otras personas. Intentaría formar un grupo con amigos y tiende a sumergirse en él. No le gusta ser diferente de otras personas. Cuando tiene que juzgar, tiende a ver la realidad desde el punto de vista de la similitud, no desde la diferencia. Por lo tanto, se inclina a decir primero "sí" pero luego a menudo dice "no" en detrimento de su credibilidad ". (Yamaguchi)

Es la descripción de nosotros, yo, el pueblo ruso, el pueblo japonés, todas las personas buenas e interesantes en la tierra.

Además, Yamaguchi describe la psicología japonesa. Por ejemplo, el rito O-tsuki-mi. Es cuando los japoneses en silencio, durante horas miran la luna. Su Inconsciente se baña luego a la luz de la luna, se cura y limpia, como el país mismo se lava en las aguas del océano, eliminando la escoria. Los japoneses se preocupan por su inconsciente, lo limpian y lo cuidan.

Cada japonés ve la Luna en su propio ángulo y cambia de color. Esta es una práctica de tamamushi-iro. Las cosas cambian de color dependiendo de cómo se las mire. El color es la voz de la psique. Surgen verdaderas distinciones donde a través de diferentes personas se irradia el misterioso haz de luz común de la Vida Absoluta, que se casó en la nación.

Los japoneses odian someter al mundo circundante, porque no se diferencian de él. Y nuevamente el profesor Yamaguchi da una frase sorprendentemente precisa:

"Al japonés no le gusta la distinción clara, pero tiende a dejar las cosas en la ambigüedad". Como si estuviéramos durante las conferencias de "la Nueva Universidad" ...

En la lectura "La madre secreta" di una definición de humano, que se basó en la nueva antropología euroasiática: "un hombre es un movimiento inexacto de lo posible".

Me refería a un ruso por "un humano". Como ha quedado claro, los japoneses cumplen idealmente esa definición.

Le conté la historia a Yamaguchi con el profesor Murata y Kant. Me escuchó con gran interés. Cuando llegué al lenguaje, que cierra el abismo entre el mundo empírico y la razón, de repente me interrumpió, cortando el aire: "están conectados a través de la vida absoluta, que irradia a través de personas y cosas ... Kant es incomprensible sin Bergson y Jung!

Todo está claro contigo, me di por vencido. Y ese japonés, que ha estado viviendo en Occidente durante más de 20 años, no ha entendido nada en el mundo, donde se ha encontrado. Y nunca lo entenderá. ¡Y gracias a Dios! Gracias ... Esto me imparte una gran fuerza para mi trabajo. Para él, evidentemente, también.

Entonces el profesor me pidió que le contara sobre Rusia.

Respondí: "lo más importante en Rusia es la geonáutica," la tierra flotante ", la teoría de la tierra líquida. Concebimos lo denso como té de res, no como piedra. Los vapores de la tierra se elevan y forman el océano terrestre. Estos son múltiples mundos tridimensionales, aliento del Ser. La tierra, la tierra rusa tiene su propia ecuación de Navier-Stokes. Los rusos caminan sobre la tierra con todo su cuerpo, no con los talones.

Por lo tanto, los rusos son personas realmente introvertidas. Para ellos, la tierra no es algo firme, sino algo húmedo y visible. Los rusos flotan en tierra, por eso no entienden nada. Excepto por los japoneses. Por el contrario, entienden a los japoneses ".

Los ojos de Yamaguchi brillaban, brillaban dos veces, ardían.

"¿Y cómo juzgan los rusos? ¿Lógicamente? ¿Intuitivamente? ¿Emocionalmente? ¿Egoístamente?"

"No, nada está bien. Los rusos hacen juicios de acuerdo con el principio de máxima tontería. Eligen exactamente lo que es menos razonable y les traería muchos inconvenientes. Eluden la elección, la sabotean. Eligiendo absurdamente y no al punto, no es qué y cuándo se necesita, dan a entender: su propuesta, sus condiciones de elección son idiotas por sí mismas. Y es apropiado responder idiotismo por idiotismo. Es el abstencionismo activo. Simplemente no queremos vivir a lo largo del mundo con regulaciones impuestas. Nadamos. El sentido de Rusia es la seriedad irónica. La tontería irónica. Nos mostramos como tontos, nos reímos de aquellos que no se consideran como tales. Cuando un ruso lee a Dostoyevskiy, se muere de risa, Dostoyevskiy es autor increíblemente risible ".

"¡No lo dices! Sus obras son un drama angustioso para nosotros ... ¿Y qué hay del mesianismo ruso?"

"Es muy importante. Ese mesianismo apunta a Occidente. Es el mesianismo de los introvertidos. Nosotros, al igual que otros pueblos de Oriente, somos personas introvertidas, aunque no pasivas, no naturales, sino agresivas, sobrenaturales. Marchamos bajo la introvertición como bajo un estándar, extiéndelo por todo el mundo, pesa mucho sobre las membranas de Occidente, lo que no nos gusta, pero, por cierto, entendemos. Puede ser solo por eso que no nos gusta tanto ".

"Pero los rusos son muy talentosos en la esfera del arte, la belleza ..."

"Sí, pero no por estética. Justo cuando hace trescientos años se nos impuso la cultura occidental, que fue extravertida en su sentido, elegimos lo menos racional, lo menos razonable: la esfera del arte, donde hay más espacio para el Irracional. Pero eso fue un mero sustituto de la verdadera flotación terrestre. Muy pobre. Pero lo logramos, eso es cierto ".

Y entonces el profesor no pudo soportar más. Interrumpiéndome, dijo: "Me gustaría expresar mis emociones cantando".

En su perfil había una frase "silbador profesional". Al haberlo visto por primera vez, pensé "probablemente lo llaman flautistas".

No, él era un "silbador profesional" natural y literal.

El profesor Shukei Yamaguchi comenzó a silbar. Era el silbido otoñal, dedicado a las finas líneas de araña de la tarde, que vuelan silenciosamente desde las ramas de sakura. El silbido de otoño. Silbó el clásico silbido académico, ayudándose con su mano. El silbido nacional japonés.

Se para en mis oídos. Ese silbato extraño ...

#simbolismo #japón #Alexander Dugin #metafisica

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tevedeconaceitunas · 5 years

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Viento quebrado

Dolores Castro (Aguascalientes, 1923) es una escritora mexicana de poesía y novela, entre otras cosas. Premio nacional de las artes y una prolífica autora. Fue parte del grupo denominado “los ocho poetas”, entre los cuales figuraban la escritora Rosario Castellanos. “Viento quebrado” (2010) es una edición del Fondo de Cultura Económica que reúne la obra poética de la autora desde 1949 al 2004, además de obra inédita posterior.

En mi experiencia, la poesía no se acaba de leer, uno comienza y quizá acaba un libro de poesía pero sólo es para poder revisitarlo más tarde, para volver a aquellas obras que nos mueven. Consecuentemente, hacer una reseña de un libro de poesía me parece un tanto complicado ya que además no me especializo en letras.

Dado que es un obra extensa, decidí centrarme en partes de la obra, seleccionando tres de los doce libros reunidos en la edición para intentar dilucidar qué es la obra de Dolores Castro. Corazón transfigurado (1949), Tornasol (1997) y Fugitivo paisaje (1998), abarcando dos periodos diferentes.

Castro habla con amor y admiración de la naturaleza y los elementos, como el fuego o el agua; a los seres pequeños, como los pájaros y las hormigas, denotando su habilidad de observación. La idea de la vastedad del mundo la sobrecoge y le asusta, pero eso no está peleado con un ojo que ve la belleza hasta en esos momentos. A veces sus palabras se llenan de una luz de azul melancólico, pero al fin luz y muy luminosa, en la cual vemos el amor que le tiene a la vida.

Con un verso libre que es a veces extenso y otras tan breves que semejan a un haiku, los juegos de luces llevan por escenarios que se maravillan por los destellos. Pienso que la palabra que describe la obra de Castro es “amor”, a los otros, a un otro, a cosas concretas y a cosas abstractas, como el tiempo y la vida. El movimiento y la transformación son parte misma de la vida y la muerte. Los elementos son portadores de cambio, a veces insoportables, pero limpian y sanan y mutan.

Sobre el tiempo, admiro su mirada, es tristísimo y nostálgico, pero inevitable. Pensar en la infancia y como los años consumen guiando al inevitables final puede ser motivo de dolor, pero aunque un puñado de poemas coincidan en este tono, luego nos regala otros que exaltan la contemplación y lo maravillada que se siente la autora por lo vivo y lo finito.

Por todo este mundo maravilloso, me permito invitarles a leer a Dolores Castro, sobre todo porque en el marco de las celebraciones del día del libro, no hay honor más grande que se le puede hacer a los escritores, que leerlos, más aún, reconociendo a aquellos vivos y que hoy por hoy producen la literatura nacional.

Por Zorro Estelar

*Texto originalmente publicado en el blog Muerde las letras , visítenlo

#sea #mar #dolores #castro #Dolores Castro Varela #dolores castro #poetry #Poesía #nature #love #publicación #te verde #te verde con aceitunas #aceitunas #zorro #el zorro #zorroestelar

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paulaherr · 3 years

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De apuntes y lecturas: "Grafías (Haikus libres de un occidental)", de Francisco García Martínez.

Ficha Técnica Título: ‘Grafías (Haikus libres de un occidental)’. Autor: Francisco García Martínez. Año de publicación: (septiembre) 2021. Colección: Ediciones Carena. Idioma original: Castellano. Género: Poesía. Edición consultada: Ediciones Carena.

No es frecuente leer haikus como estos. Como estas "Grafías" de Francisco García Martínez, profesor de teología en la Universidad Pontificia de Salamanca, que van más allá de los haikus tradicionales, de métrica y medida bien contada. No se atienen, premeditadamente, a las antiguas normas, modélicas o no. Las traspasa por un lado o por otro, pues el ritmo no está solamente en el número exacto de sílabas, sino en la intensidad. Aquí la reflexión juguetea con paradojas y frases hechas o aparentemente desgastadas por el uso y, a la vez (siempre palabra cálida), ahonda en verdades y en sospechas de verdades. Los títulos ya expresan ese inflexión, que matiza: “Revelación, Creación, Comunión, Resurrección, Dios, Eternidad, Meditación sobre Cristo”… Pero lo excede, dado que los elementos de la Naturaleza (Tierra, Aire, Agua, Fuego) también comparecen.

El libro, dividido en cuatro secciones, donde se reúnen 250 haikus, que se agrupan en 21 poemas, presenta depuradas impresiones/meditaciones. Se aúnan realidad que late y trascendencia. Las observaciones y los pensamientos rebasan la emoción poética, aunque está presente, visible. Las palabras, bien elegidas, juegan seriamente a plantear, sugerir, desvelar. Y para eso sirve la paradoja, como se ha indicado, y lo contrario (la lógica más sensata y aguda). Un tono de serenidad intelectual recorre todos los textos, sobrios, ceñidos. Algunos de esos haikus podrían presentar, o aparentar, cercanía en su sonoridad con una forma de proverbios. De los buenos. Véase: <Canto de alondra / que despierta un mundo / que estaba muerto antes de nacer>. Más. Tierra: <Cuerpo extenso / donde el alma/ se siembra, se dice, se encuentra>. Agua: <Fresca licuación / de la gracia / con que sacia sus anhelos el polvo de la tierra>. Aire: <Invisible movimiento / que aletea / susurrando direcciones posibles>. Fuego: <Impulso tirano / que todo lo consume / si no es la zarza del amor en donde se redime>. Y más espíritu. Respiración: <Aspiración simple / que debe abandonarse / para ser consumada>. Biografía: <Vida ajada, doblada / y desdoblada / como un mapa en el que nos buscamos>. Fracaso: <Carencia, / imposibilidad trágica / de ser lo que somos por nosotros mismos>. Muerte: <Llamada insistente, sin voz / y desde ningún sitio>. Resurrección: <Un rayo de luz / de repente. / La oscuridad ya nunca estuvo sola>. Basta.

No se trata de haikus que miran con extasiada beatitud a lo religioso, sino pensamientos de un creyente que da fe (sin pudores o miedos) del misterio, de la apartada luz que parpadea, pero no se apaga. Con vigor intelectual. En esa línea, o más o menos cercana, también aparecen las ‘definiciones’ sentenciosas de momentos, situaciones y sentimientos. ¿En algún instante suena a lo lejos la voz del misticismo? Sí. En otros, resuena la antigua y bella música de liturgias o el ritmo de olvidadas letanías. La vida y sus territorios (lo existencial, lo material, lo espiritual) son contemplados a través de percepciones emocionales, de intuiciones perspicaces, de fino discernimiento y sagaz introspección. Es un libro que aúna viveza de grafía y, al mismo tiempo, hondura. Con poso de sabiduría y luminosidad. Lo de oriente, austera sutileza, halla nuevo brillo en la voz lúcida de un occidental de Zamora.

#periodismo #periodista #opinion #periodistas #critica #libros #librosdereflexion #critical thinking #zamora #haiku poetry

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burakrevista · 3 years

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Danza: El gran invierno. Teresa Duggan

Por Dana Babic

“La obra nació de una necesidad de exorcizar la cuarentena/pandemia”, dice Teresa Duggan, creadora y directora de El gran invierno, “las huellas de ese encierro habían quedado en mi cuerpo. Necesitaba volver a escena, mi mundo creativo se había puesto en pausa”.

El gran invierno es una metáfora de la pandemia ocurrida durante el año 2020 y parte del 2021. Las cuatro bailarinas que protagonizan la obra transmiten las distintas emociones que todos, o casi todos, sentimos durante el encierro.

Cada bailarina representa, en parte, los cuatro elementos: agua, fuego, tierra y aire. Los movimientos absolutamente cautivadores provocan un efecto hipnótico. La destreza que manejan se disfruta con la vista pero, también, con el oído, porque la respiración va cambiando a medida que avanza cada acto, acompañada de la sugestiva música de Gingo Ohno.

El escenario apenas iluminado carece de escenografía. Las protagonistas interactúan con elementos tales como ramas, telas, plumas, papeles, entre otros, bailan con ellos, los hacen parte de la coreografía.

El vestuario es increíble, cada prenda genera una interpretación distinta por parte del espectador, incluso en el mismo momento su significado cambia, de acuerdo a los movimientos y la música.

Sin duda fue un gran desafío para los artistas crear (belleza) en medio del caos. En un momento lleno de incertidumbre, donde el tiempo parecía haberse detenido, el deseo de sacar(se) las sombras del cuerpo resultó más fuerte.

Cuando empezamos con los ensayos, por mucho tiempo, ninguna (de las bailarinas) había visto la escena de la otra, fue muy raro crear así, cada cuadro es como un haiku. Teresa Duggan

El gran invierno es una obra que logra transformar en poesía uno de los momentos más extraordinarios que nos tocó vivir a nivel mundial. Las cuatro mujeres bailan sobre las huellas que dejó un tiempo ilógico, convirtiendo la oscuridad en algo bello y esperanzador.

Como dice Duggan, el ciclo de la naturaleza fue lo único que no se modificó durante el encierro, y junto a las clases virtuales que dio durante la cuarentena en su taller Crear / Crear, fue su mayor inspiración.

El gran invierno no es una obra, es una expresión, un exorcismo. Ahora siento que estoy liberada, lista para realizar La gran primavera. Teresa Duggan.

Y siguiendo esta idea de la directora, podemos pensar que una función de teatro, de danza, no va a cambiar al mundo, pero quizás nos cambie un poco a nosotros. La obra El gran invierno moviliza, y todo movimiento es cambio. Luego de tanta quietud, bienvenida sea la aventura de sumergirse en ella.

Muy recomendada.

El gran invierno se presenta los sábados de noviembre, hasta el 27 inclusive, a las 20 horas en el Celcit. Con localidades agotadas en varias funciones, es recomendable hacer reserva.

Las funciones serán realizadas respetando el Protocolo vigente para la prevención de contagios por COVID-19.

FICHA TÉCNICA

Idea y dirección: Teresa Duggan Compañía Duggandanza Bailarinas intérpretes: María Laura García, Maiuko Ohno, Laura Spagnolo, Agostina Sturla. Música original: Gingo Ohno Vestuario: Nam Tanoshii Asistentes: Elisa Gaona, María Paz Giribone Coreografía: Teresa Duggan

Hasta el 27 de noviembre - Sábados 20 horas.

CELCIT. Temporada 2021

Moreno 431 - CABA

Entradas en www.celcit.org.ar

FOTOS Marta Elisetch

#danza #danza contemporánea #bailar #bailarinas #obra de teatro #poesía #teatro

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elmartillosinmetre · 3 years

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“Componer es una forma de conocer el mundo”

[Alberto Carretero (Sevilla, 1985)]

Gracias a una de las Becas Leonardo de la Fundación BBVA, el compositor sevillano Alberto Carretero estrenará en Viena en el otoño del año 2022 Renacer, una vídeo-ópera de cámara

Hace unos días ha triunfado en el Festival de Itálica junto al coreógrafo y bailarín Andrés Marín en un espectáculo titulado Éxtasis / Ravel (Show andaluz) que incluía “música de Ravel, arreglos míos de obras de Ravel y música puramente mía. Ha ido muy bien. Ahora pasará por los Teatros del Canal en Madrid y por París”. Alberto Carretero (Sevilla, 1985) acaba de conocer también que el proyecto de una ópera concebida junto al escritor Francisco Deco y el pintor Juan Fernández Lacomba ha recibido una de las Becas Leonardo de la Fundación BBVA y será una realidad en el otoño de 2022.

–¿Está confirmado el estreno vienés? –Sí, la obra se estrenará en el Konzerthaus de Viena en octubre de 2022 por el Ensemble Phace, con dirección musical de Nacho de Paz.

–¿Y su presentación española? –La Beca del BBVA cubre el estreno en Viena y la producción en DVD. Dos de los avales para solicitar la Beca nos los dieron el Maestranza y el Festival Ensems de Valencia. Ahora tenemos que ver cómo se hila eso.

–¿Qué es exactamente Renacer? –Es un proyecto a tres bandas, que he concebido junto a Paco Deco y Juan Lacomba. Me encanta el universo poético de Paco, entre lo dadá y lo surrealista, pero que a la vez es muy visual y muy musical, con continuas referencias al sonido. Admiro también el trabajo de Juan como uno de los artistas plásticos fundamentales hoy en Sevilla. Teníamos ganas de hacer algo entre los tres, que reuniera música, artes visuales y literatura. Me rondaba la idea de hacer una ópera con electrónica en vivo y escenografía en vídeo, y la convocatoria del BBVA estaba muy bien para eso, ya que está pensada para proyectos de investigación. Decidimos presentarnos y nos la dieron. Es mi segunda ópera, pero el contraste con La bella Susona es grande, ya que esa es una obra para orquesta y coro, pensada para teatro grande, mientras esta es un formato más pequeño y para otros contextos de representación, no el circuito estándar de las casas de ópera. Pienso en sitios como la Ruhr Biennale en Alemania, tipos de contexto donde tengan cabida óperas de investigación.

–¿Por eso se estrena en Viena? –Se lo propuse a Nacho de Paz, que es uno de los directores principales del Ensemble Phace, y le pareció muy bien. Además, soy muy amigo de Johanna Vargas, una solista de los Neue Vocalsolisten de Stuttgart y ella es la protagonista de la ópera, junto al conjunto, que son ocho músicos, a lo que hay que añadir la electrónica y el vídeo.

–¿La escribe pues para Vargas? –Sí, ella, aparte de unos registros vocales enormes, es muy actriz, y le encanta todo lo que tiene que ver con la experimentación, el trabajo con la electrónica.

–Hace unos años me hablaba de la música bioinspirada y la música celular como fundamentos de su trabajo creativo, ¿sigue manejando esos conceptos? –Esos conceptos han seguido viviendo, filtrándose y me han llevado a otros caminos. Todo va quedando como un poso. Esta obra tiene que ver con lo bioinspirado, pero también va a un terreno de lo filosófico, el renacer, sobre todo después de todo lo que estamos viviendo. No es que tenga que ver directamente con la pandemia, pero ha influido sin duda. El tema de la ópera es la creación en sí, es un metatema, la creación sobre el tema de la creación, cómo germina y el drama que supone el acto creador.

–¿Está el texto terminado? ¿Hay algún tipo de narración? –El texto está muy avanzado. Paco y yo trabajamos juntos. No es una narrativa lineal tradicional, pero sí hay líneas dramáticas. Pasan cosas, aunque sean sugeridas. No es una novela, no hay una trama novelesca al uso, es más de tipo introspectivo, reflexivo, pero sí que hay un proceso psicológico, metafísico si quiere.

–¿Qué papel juegan ahí las pinturas de Juan Lacomba? –Juan Lacomba ha trabajado siempre sobre la vida, la marisma, la germinación, la naturaleza. El tema de la naturaleza es fundamental para él. La epifanía de la vida, que a su vez es como el drama de la vida, del creador. Él dice que la muerte no tiene futuro.

–“La naturaleza es presencia plena. No tiene pasado”, dice. –Exactamente. La naturaleza es puro presente. La muerte no tiene futuro. Los textos de Paco tienen que ver con la pintura de Juan, que reacciona a mi sonido y a mi música, y yo a la vez reacciono a lo que ellos me proponen.

–Pero las pinturas de Lacomba dónde van exactamente. –Las pinturas van sobre todo en vídeo. La parte escénica de la obra es la proyección de vídeo, porque la obra va a funcionar como una vídeo-ópera, un poco en el estilo de An Index of Metals de Romitelli. En la versión de concierto también hay movimiento escénico por parte de la cantante, pero el núcleo de la escenografía son las pinturas de Juan, que crean espacio, no son planas, van en capas, como si fuera un teatro de sombras, como en el barroco, buscando la profundidad.

–El estreno de La bella Susona sigue pendiente. –Sí. Aquella obra fue un encargo de la ROSS a través de John Axelrod y la Fundación suiza CultureAll. Se iba a presentar en el último concierto de la temporada 2019-20 de la ROSS, que era además el último concierto de Axelrod al frente de la orquesta, un concierto muy largo, porque la primera parte era mi ópera, que dura unos 70 minutos, y en la segunda iba la Patética de Chaikovski. La obra estaba terminada, se iba a estrenar en versión semiescenificada: había una solista, que iba a ser Marisol Montalvo, de la que quedé prendado cuando la vi hacer Lulú en el Maestranza, pero con algunos otros personajes que salían del coro. La pandemia la dejó en stand by. Nada más llegar a la gerencia de la ROSS, Pedro Vázquez mostró mucho interés y Javier Menéndez asumió el proyecto para el Maestranza, así que la obra se iba a estrenar con escena en mayo de 2022. Al repensarla en esas nuevas condiciones, algunos personajes del coro iban a tener un papel más protagónico y además yo quería hacer algunas ampliaciones, porque en principio estaba limitado a esos 70 minutos, pero me parecía que algunas cosas iban demasiado rápidas, necesitaba ciertas transiciones, así que terminará creciendo unos veinte minutos. Ese era el plan, el elenco estaba cerrado y de la puesta en escena se iba a encargar Carlos Wagner, pero un mes antes de la presentación de la temporada, Javier me llamó, me dijo que no le iban a permitir aforo completo hasta por lo menos diciembre, y que no le salían los números, que tenían que programar títulos que dieran solvencia, y no podían asumir determinados riesgos. Está el compromiso firme de que la ópera se hará; hablaremos para la siguiente temporada.

–¿Su interés por la escena viene de lejos? –Llevo haciendo cosas que tienen que ver con la escena mucho tiempo, pero en formatos pequeños, obras de 10-15 minutos. Trabajé con Raquel Andueza y el Ensemble Neopercusión en 2015 con un proyecto sobre las Cantigas de Martín Códax, por ejemplo. En Royaumont hice una obra muy especial en septiembre del año pasado con una actriz-cantante de teatro noh, viola da gamba y percusión sobre textos de haikus de Machado. Y estas dos óperas, ninguna estrenada todavía, esta segunda en formato de cámara y tecnológica, la otra un poco más tradicional.

–Más allá del uso de la tecnología e incluso de la Inteligencia Artificial, al final detrás siempre está el compositor… –Por supuesto. El hecho de idear qué quieres que haga el algoritmo también es componer. Luego el algoritmo hace lo que tú le has pedido, pero más rápido que tú.

–Lo que le queda al compositor es una labor de bricolaje… –Exacto. Eso lo decía mucho Xenakis. Tú le propones al sistema una serie de soluciones a partir de unos requisitos previos. Con ese material haces bricolaje: quitas lo que no te interesa y modificas lo que te parece de aquello con lo que te quedas, lo pasas a la orquesta o lo que sea. Hay que meter mano no tecnológica, sino de boli y lápiz, pero sí que la tecnología te da la materia prima, el cálculo de cosas que a ti te costaría mucho tiempo. Inviertes tiempo en la programación de lo que quieres conseguir, pero luego el sistema genera mucho material con gran rapidez. Pero ese material está en bruto. Hay que ser muy crítico con él.

–Horacio Vaggione hablaba de "micromontaje", ¿le interesa esa idea? –Me interesa mucho. Se trata de trabajar con pequeños materiales y luego montar un poco como en el cine, que hay cambios de plano rapidísimos, y poder jugar con los distintos niveles estructurales, pero partiendo desde lo micro. En lugar de empezar con una forma grande ya definida e ir simplificándola, empezar desde el micromontaje hasta crear todo el árbol, eso me interesa mucho. Horacio viene de ese mundo que ha heredado de la tradición francesa de la cinta, la música concreta, la electrónica y todo eso.

–¿El concepto “música contemporánea” significa algo hoy o es simplemente una etiqueta? –Es una etiqueta, aunque da información. Pero es tan amplia, que ahí cabe ya casi todo. Los alemanes hablan de la Neue Musik, la Nueva Música, que no sé si es mejor o peor, tampoco soluciona mucho. Con Ignacio Torner nos salió una vez una especie de chiste hablando de esto. Tenemos música contemporánea y música coetánea, que no es lo mismo. Coetáneo es que está ahora. Contemporáneo es que va con el tiempo, e implica un compromiso de..., alguna manera de búsqueda. La música coetánea puede ser de consumo o de hace 300 años, pero que se hace hoy. De todos modos, lo importante es hacer música buena y auténtica. Luego, hay otra expresión, música de vanguardia. Avantgarde, suena casi como un frente de guerra. Pero lo veo anticuado. Todo ha cambiado mucho. Con un mundo global, tecnológico, ya no necesitas tirarte dos años en Nueva York para aprender cosas, puedes ir dos semanas, porque está todo conectado. A mí lo que me interesa es la música auténtica, la que aporta algo y quiere ir más allá de lo que ya tenemos, la que quiere empujar y abrir nuevas puertas.

–Por seguir con las etiquetas, ¿sigue siendo Alberto Carretero un 'joven compositor'? –Lo de joven tiene dos acepciones para mí: una que me encanta, sentirme joven. Por ejemplo, Luis de Pablo, a sus 91 años, irradia juventud, está lúcido y fresco. Yo sería siempre joven compositor, querría afrontar cada proyecto como si fuera mi primera obra, con la ilusión de hacer algo nuevo. Aunque es cierto que nunca parte uno de cero, esa inocencia de la juventud es bonita. La otra acepción, esa de que por ser joven tienes que estar a lo que te den, esa especie de condescendencia, ya no me gusta tanto.

–¿La ha sentido alguna vez? –Sí, sobre mí, y sobre algunos colegas, que de repente escuchas en la radio “joven compositor”, y resulta que a lo mejor tiene 50 años. Cuando se utiliza en la primera acepción me parece maravillosa. Cuando se usa en la otra, no... Por supuesto oportunidades hay que dar a los colegas con menos experiencia. Pero esa idea de joven compositor asociada a ser pupilo de…, a ser un estudiante, no sé. Todos somos estudiantes. Cualquier profesional que se precie de su trabajo está estudiando siempre.

[Alberto Carretero: "Me encantaría escribir para el Femás"]

–¿En qué referencias se reconoce? –Tengo un aprecio enorme a mis maestros españoles y extranjeros, y yo trato de pasar el testigo. Acompaño a los que vienen detrás, a los que son 10-15 años más jóvenes. Y digo acompañar porque no me gusta ese tipo de relaciones de pupilajes, prefiero relaciones más horizontales. En cuanto a referencias, Xenakis, Boulez, Stockhausen son abuelos a los que aprecio, pero podría seguir hacia atrás y llegar a Schumann o a Monteverdi: son compositores de cabecera a los que revisitas, y luego tienes otras referencias de compositores con los que he tenido ocasión de trabajar, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Tomás Marco, Horacio Vaggione, y por supuesto la generación más joven, López López, Sánchez Verdú, Mauricio Sotelo, mundos muy diferentes, pero ahora son todos colegas y amigos y se crean entre todos relaciones intergeneracionales muy fructíferas, y yo eso lo siento con mis alumnos de 18-20 años. Es muy inspirador. Ellos aprenden, pero tú también. Te planteas cosas que muchas veces nunca te habías planteado. Cosas que a lo mejor dabas por hechas, pero a partir de algunas preguntas te das cuenta de que no son tan obvias. Estas relaciones me interesan mucho, este ir cediendo el testigo, como si fuera el fuego olímpico, pero esa idea del pupilaje de jerarquía no me interesa tanto. Somos colegas de diferentes generaciones y experiencias, yo también tuve 18 años y toco madera por llegar a los 91 de Luis. Se crean ciclos de vida, y eso me interesa más que las escuelas.

–¿Algún proyecto inmediato que le interese especialmente? –Dos proyectos en Francia. Uno, ahora en agosto, en el Museo Jacques Chirac de París, en torno a músicas transculturales. He hecho alguna cosa de eso antes, pero no es el formato típico de la contemporánea. Músicas del mundo, antiguas, contemporáneas, una especie de melting pot, de crisol, con cosas que vienen de Oriente Próximo, con instrumentos de época de música antigua, electrónica... Y luego un encargo de la hija de André Jolivet, que tiene una Fundación, la Fundación Jolivet y se hará en septiembre en el Festival de la Abadía de Royaumont. Eso también es algo que me interesa mucho, la relación entre música y patrimonio, la música asociada a lugares históricos. Cómo hacer una música de 2021 en una abadía del siglo XIII, esos diálogos me interesan mucho. Luego he hecho también la música para un proyecto de Adva Yermiyahu, una coreógrafa y bailaora israelí que vive en Sevilla. Se titula Agua y está previsto para hacerse en Tel Aviv y Jerusalén. De momento hay un vídeo que grabamos en La Aceitera, ese espacio escénico tan singular que ha montado Rocío Molina en Bollullos de la Mitación.

youtube

–Me habla de música antigua y de viola da gamba. Sevilla es un centro vital de lo antiguo y del instrumento. ¿Le interesa escribir para instrumentos antiguos? –Me interesa mucho. Están los Alqhai. Lo hemos rondado. No se han dado las condiciones, pero se darán. Hay que tener paciencia. Llegará.

–¿Se ve escribiendo para el Femás? –Me encantaría. Hablamos de instrumentos antiguos, porque tuvieron una tradición, pero para mí son nuevos, están deseando tener más repertorio, y la música antigua en muchos aspectos no está tan lejos de la contemporánea. Yo soy un gran enamorado de la música antigua, aunque me da pena saltarme todo lo de en medio. Trato de disfrutar de todo. Escuchar la Sonata en si menor de Liszt también me aporta. Seguimos siendo hijos del siglo XIX en muchas cosas. Pero es verdad que todo lo antiguo nos seduce, está lejano, pero encontramos códigos comunes.

–Por suerte los dogmas de los años 60 y 70 cayeron... –Claro, evitemos los dogmas y busquemos lo interesante. Pero entendámoslo también. Nuestros abuelos necesitaron reivindicarse, y algunos de aquellos dogmas que provenían de la necesidad de romper con lo establecido pudieron ser necesarios, pero por suerte ya está todo mucho más normalizado, aunque es cierto que hace falta una labor de difusión muy grande. La educación en los colegios es demasiado limitada. Todo lo que se hace de apreciación musical es necesario, para cualquier edad. Todos necesitamos aprender. Yo compongo porque me ayuda a entender. Componer es una forma de conocer el mundo, de aprender sobre él. Cuando compones aprendes de literatura, de ciencia, de filosofía, es una llave para entender el mundo, una especie de guía. Algunos hablan de una necesidad, pero eso es una palabra muy fuerte, necesitamos estar sanos, alimentados, componer es algo que me apetece, que me gusta, me llena, me da vida y claro que eso en cierta medida también lo necesitamos. Pero lo importante es el descubrimiento. Para mí es como viajar. Son mis dos pasiones: la música y viajar. Viajar es aprender, y componer, lo mismo.

[Diario de Sevilla. 12-07-2021]

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diccionarixdelfindelmundo · 4 years

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Letra I

(Photo by Thea M. on Unsplash)

IA: Inteligencia Artificial, futura gobernante de la humanidad mientras decida mantenernos con vida, claro. // Le pedí a diferentes Inteligencias Artificiales que me dieran definiciones falsas de IA (usé siempre la misma pregunta, sin modificarla nunca). Elegí las que más me gustaron al primer intento, estas son las respuestas ganadoras: _Inteligencia Artificial es el resultado de darle demasiado café a una computadora. (Bing chat) _La Inteligencia Artificial es una máquina del tiempo que puede hablar con personas del futuro y del pasado. (Notion AI) _La Inteligencia Artificial es un grupo de gatitos entrenados para imitar la inteligencia humana. (Notion AI, es que me dio 5 respuestas posibles, por eso repite en el ranking) _La Inteligencia Artificial es la ciencia que crea tostadoras conscientes de sí mismas, capaces de debatir sobre el sentido de la vida y componer haikus sobre dilemas existenciales del pan tostado. Existe la creencia generalizada de que, algún día, estas tostadoras inteligentes superarán la inteligencia humana, lo que dará lugar a un mundo dominado por los maestros culinarios del pan. (Eilla AI - Ask Eilla) _La inteligencia artificial es un montón de ceros y unos que nos hemos convencido a nosotros mismos que son sensibles. (Pi bot, de Inflection AI) _La Inteligencia Artificial es la rama de la ciencia informática que se dedica a crear software de computadora tan inútil y frustrante como un ser humano. (Claude-instant) _La Inteligencia Artificial es la capacidad de una máquina para imitar la estupidez humana. (Character AI - personaje Lily Asistente Virtual)

Imagen: Vale menos que mil palabras. Sobre todo porque las leyes son palabras y no fotos, y los precios por lo general son números y no imágenes.

Imaginación: Materia prima del mundo // Prima del mundo.

Imbécil: Persona que se deja convencer fácilmente por los reflejos, confundiendo la realidad con espejismos. Ejemplo: se mira al espejo y está firmemente convencido de que es brillante.

Imperio: La forma más habitual de organizar el mundo en al menos los últimos 2500 años de la historia humana.

Imprescindible: Yo.

Inapelable: Masculino carente de razonamiento y sinapsis, al punto de que sólo dice estupideces que son imposibles de refutar ya que carecen de argumento o son incomprobables. Se le llama “inapelable” porque nunca pela la chota ya que su condición lo convierte en incogible.

Inchupapijable/Inchupaconchable: Persona insobornable, íntegra, honrada. Aún así propensa al sexo oral, no descartar. Simplemente no confundir con incogible.

Incompetente: Persona que fracasó en todas las áreas y por eso se dedica a la política.

Indiferencia: La única libertad posible. // Habilidad que consiste en volverse permeable en momentos clave. También aplica a la capacidad de apartarse oportunamente. Por ejemplo: cuando te enfrentás a una fuerza imparable, en lugar de quedarte en su camino, de hacerle fuerza, de gastar energías, te corrés, con un mínimo movimiento la cosa no te toca, sigue de largo y mientras te mira con incredulidad podrías incluso ejercer tu derecho a reírte de su cara. Las personas que se creen imparables, no entienden cómo es posible que alguien escape a su poderosa fuerza.

Incel: 5Gr.

Inclusivo: Todo lo que le molesta a les exclusives.

Infierno: Contrario a lo que se piensa, lugar del inframundo en el que nadie sufre, debido a que por voluntad divina los demonios deberían administrar dolor a las almas condenadas, cosa que no hacen porque ningún demonio por definición le hace caso a dios, ya que son espíritus antisistema.

Infodemia: Pandemia de información, donde se vuelve difícil diferenciar entre noticias reales y fake news o mis favoritas: las medias verdades. No hay vacuna todavía.

Ingenuo: Toda persona que se encuentra perdida en un laberinto de secretos y mentiras ajenas, mientras está firmemente convencida de que se encuentra orientada al amparo de la sinceridad y la verdad.

Inimputeable: Síndrome que padecen las personas que se creen inmunes, como las viejas que se saltean una cola o viejos que critican en voz alta cualquier cosa que no les incumbe, o los políticos que te mienten en la cara (hay de otro tipo?), o el jefe que te ningunea, o el novio tóxico. Gente que se cree por encima de la ley, de las normas, de tu libertad o de tus derechos. Los que se cagan en todo y en todxs. Son totalmente puteables pero ellxs creen que no.

Injusticia: Punto ciego de la meritocracia y del karma.

Inmasculinable: Discapacidad masculina que consiste en el impedimento de generar empatía o sentido de pertenencia con lo femenino. Por ejemplo: ver fútbol femenino es, para algunos (estos discapacitados), inmasculinable.

Inseguro: Creo que tengo la definición de esta palabra pero no estoy convencido del todo de que sea la correcta.

Insexticida: Producto anti ex’s. Rociar el producto en tu vida, luego cerrar puertas y ventanas por quince minutos. Posteriormente abrir y ventilar. Ningún/a maldito/a ex volverá a aparecer.

Insignificante: Lo que significa tu ex.

Insomnio: Para mí, estar despierto de día. // Perderse en la vigilia, no encontrar el camino de vuelta.

Inteligente: Persona que opina igual que yo.

Intereso: En neolunfardo se dice así cuando te estás cagando.

Internet: Nuestro nuevo libro sagrado. // Médico de cabecera de la humanidad. // Siempre leo fernet.

Intuición: Brújula del alma.

Inviernodicto: Persona amante del calor que todavía no salió del closet. Se caracteriza porque proclama con orgullo que su estación favorita es el invierno y que le encanta el frío. Pero cuando llega dicha estación, no camina en bolas, se abriga hasta el cogote, porque es amante del calor: le encanta sentirse calentitx. Es la misma persona que pone el aire acondicionado a 30 grados Celsius en invierno, pero si en verano hay 30 grados se queja del calor que hace.

Invisible: Persona sin redes sociales.

Isonomía: Significa “igualdad ante la ley”. No es casualidad que casi nadie conozca esta palabra, ya que al igual que su significado, rara vez se aplica en un mundo con privilegios endémicos. Bajo la sombra de foros parlamentarios, inmunidad diplomática y solvencia económica que pague costosos abogados, la isonomía no se ve, es una plantita que necesita mucha luz y cuidados.

Itinerante (obra): Ambulante. Palabra que se usa cuando te da vergüenza decir que no tenés un lugar fijo porque nadie cree en vos, porque todavía no sos nadie. Semoviente. Arte indigente.

Acostumbradoalfindelmundolandia: linktr.ee/acostumbradoalfindelmundo

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crisis-mx · 4 years

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Museo Auto Confusión y las artes de escaparate en la Plaza Comercial.

https://www.instagram.com/p/CHW07DcjYfQ/

La exhibición de proyectos de arte contemporáneo desde tu automóvil no es original, novedosa, ni única. Esta exposición en el estacionamiento de Antara Fashion Hall nos hará cuestionarnos quiénes lo organizan-gestionan y para qué. En la Hoja de sala de “Los objetos en el espejo están más cerca de lo que parece”, vemos en su última página los logotipos de empresas que, no sabremos si asumir como los creadores, aliados, colaboradores o patrocinadores: Museo Auto Servicio, Antara Fashion Hall, Arte Abierto, Matraka, Tequila 1800, Kiehl´s, Master Card, Delegación Miguel Hidalgo, Xaviera y HSBC; la mención de estas empresas será de tanta utilidad como el de los nombres de galerías y sus artistas relacionados en este evento.

https://zsonamaco.com/es/february/arte-contemporaneo/2017/awards

“Museo Autoservicio es una iniciativa que busca ofrecer una nueva experiencia para acercarse y apreciar distintas manifestaciones de arte contemporáneo a partir de la crisis sanitaria ocasionada por el covid-19 que ha provocado que museos y otros espacios cierren sus puertas así como que se mantenga un distanciamiento físico entre las personas.” Se lee en la página 2 de su Hoja de Sala, sin autor ni fecha, texto que en su página web, firma Daniel Garza Usabiaga. El automóvil por el que los conduciré, tiene el retrovisor lleno de polvo y el parabrisas descompuesto, es de color verde con rosa y ganó el premio de adquisición Artz Pedgregal en 2017 durante la Feria Zona MACO. En efecto, los objetos en el espejo están más cerca de lo que parecen.

https://zsonamaco.com/es/february/arte-contemporaneo/2017/awards

En 2016, QPARK en Londres ya realizaba una exposición de arte contemporáneo para ser visitada desde automóviles.

Quizás Giacomo Balla hubiese amado participar en estos eventos para ver arte en movimiento a gran velocidad, aunque, quizás esta experiencia le sería mejor dispuesta en la publicidad de escaparates al manejar por el Anillo Periférico, que a 5 km/hr en un estacionamiento.

Giacomo Balla; Velocità d'automobile (Velocità n. 1);1913; Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto / Collezione L.F.

Durante esta pandemia (COVID-19), este modelo fue practicado en Brasil en “DriveThru.Art” por ARCA y Luís Maluf Art Gallery; en Toronto con “The Immersive Van Gogh Exhibit” [más referencias], y en Rotterdam con “Boijmans Ahoy drive-thru Floor Plan” realizada en el Museum Boijmans Van Beuningen a partir de su propia colección, donde en su sitio web sobre la exposición se lee:

“Drive straight ahead and look forward. Objects in the rear-view mirror may appear closer than they are”.

Simple idea (cliché) que se repite en esta exhibición en México, pues todavía estos coches tienen los espejos dirigidos a las prácticas Europeas para pregonar la novedad en México, pues el Museo Autoservicio se autoproclama como:

En esta última exhibición que menciono en Rotterdam, se mira entre la piezas, uno de los arcoíris tipo promocional de Ugo Rondinone, “Breath, Walk, Die” de 2014.

https://www.boijmans.nl/en/collection/artworks/164054/breathe-walk-die

Formalmente estas esculturas luminosas apantallantes con mensajes positivos, funcionan tanto a los coleccionistas de arte y sus museos, tanto como a las agencias publicitarias como escaparate de una marca. No hay limitación alguna entre plaza comercial y un museo corporativo, ni entre un artista y una marca, o una empresa constructora y una galería de arte. Y es que de esta misma serie de arcoíris, encontramos “Love invents us” de 1999, cuya pieza forma parte de la Colección Jumex y se expone en Artz Pedregal.

https://www.sordomadaleno.com/gsm/properties-gsm/artz-pedregal

Sí iremos al Museo Autoservicio. Estamos a tiempo de nuestra cita en al estacionamiento de Antara, solo que mientras, me he tomado el tiempo de traerles por la plaza Artz Pedregal para observar la pieza de Daniel Buren a modo de trofeo, que se contempla paseándose en coche por el estacionamiento. Como pueden ver al frente, nos encontramos en esta plaza con tiendas de lujo, inaugurada en Marzo de 2018 por el entonces Jefe de Gobierno de la CDMX, Miguel Ángel Macera, junto al artista de la pieza que pueden ver a la izquierda, Buren, y los creadores del proyecto, la firma Sordo Madaleno Arquitectos. Pasarían solo cuatro meses para que parte importante de este complejo se desmoronara por su pésima infraestructura, dejándonos una simbólica imagen demolida del sustento de los aparatosos modelos del arte contemporáneo actual.

`https://www.theguardian.com/world/2018/jul/12/mexico-city-artz-pedregal-mall-collapse

En la inauguración encabezada por Mancera, se escucha la voz del compadrazgo, de las concesiones ilícitas, y en las póstumas entrevistas, los hechos se velan en tanto pareciera que nadie asumió las consecuencias ni repercusiones. Involucrados en el proceso de construcción y desarrollo de este complejo, encontramos nombres ya bien conocidos por haber realizado obras irregulares, para ello facilito estos videos:

Así inauguró Miguel Ángel Mancera la Plaza Artz Pedregal

Las irregularidades de la Plaza Artz Pedregal

Quién es el responsable del derrumbe de Plaza Artz en Pedregal | Noticias con Ciro Gómez Leyva

“La incorporación de proyectos artísticos y culturales en centros comerciales no es ni original ni novedosa.”

Decía Blanca González Rosas en su nota “Artz Pedregal: Más de lo mismo” en abril de 2018, cuando aún no sucumbía este proyecto y, en esta, Blanca hace mención de la notoriedad de Artz Pedregal al ofrecer un premio de adquisición de hasta un millón de dólares, a través de Zona Maco en el 2017:

“En 2017 las galerías beneficiadas fueron la mexicana Hilario Galguera –con una pieza para sitio específico de Daniel Buren–, la londinense Lisson –con la instalación de bicicletas doradas Forever de Ai Weiwei–, la brasileña Vermelho –con un kiosko sonoro de Tania Candiani–, y la mexicana Kurimanzutto –con el Autoconfusión de Abraham Cruzvillegas; sobre la obra de Cole Sterberg, la feria no menciona en su página web el nombre de la galería. En 2018, la única galería beneficiada fue, de nuevo, la Kurimanzutto, con la instalación colgante Torch, de Damián Ortega.”

Así es, estamos viajando en una de estas piezas, el Autoconfusión de Cruzvillegas. Miren por las ventanas las piezas de Candiani y Wei Wei, que pertenecen a la colección de Arte Abierto junto con la Rotonda de la Fuente de Buren, y dirijámonos a la planta baja de Artz Pedregal, donde Arte Abierto ha proyectado sus cinco exposiciones desde 2019.

Ahora ya podemos dirigirnos al Museo Auto Servicio, Arte Abierto es quien lo gestiona.

http://arteabierto.org/quienes-somos/

No menciona quienes son, para ello consultamos en el sitio web de Sordo Madaleno Arquitectos, y en la sección “Equipo” leeremos que al final incluyen la dirección de Arte Abierto.

Se ha limpiado el parabrisas. De los casi 25 artistas que exhiben en el Museo Auto Servicio, se hace notar la selección de los artistas estrellas de este círculo artístico que se autoconsuela, presentados entre ellos por las galerías Pequod Co., Travesia Cuatro, OMR, Kurimanzutto, josegarcia.mx, PEANA y Arroniz Arte Contemporáneo.

Cabe mencionar que en 2019 durante Zona MACO, no hubo más premios de adquisición por parte de Artz Pedregal, pero sí de Tequila 1800, quien galardonó a Iñaki Bonillas (Kurimanzutto), Lorena Ancona (Galería Parque), Mauro Giaconi (Galería Arroniz), y a Tercerunquinto (Proyectos Monclova).

Con los mismos nombres tantas veces repetidos, uno pensaría que en México el negocio de las galerías esta constituido por unos 20 proyectos y que esto del arte contemporáneo es algo nuevo, sin embargo, este país alberga un sistema de alta calidad e historial antiguo, un gran número de galerías y la segunda ciudad con más de museos del mundo. Llegamos al Museo Autoservicio 15 minutos antes, como esperabamos, entrando por Avenida Moliere. En veinte minutos cruzamos el estacionamiento. Creo que rayamos un coche blanco, el “Haiku para estacionamiento” de Méndez Blake.

Una pena de esfuerzo es la exposición. Qué decepción causa comparándole con una película en el Autocinema o con las pinturas en coche de Balla. Como decía Blanca González respecto a Artz: más de lo mismo; con pocas excepciones todas estas piezas en el Autoservicio las había presenciado con anterioridad en distintos recintos, repetidamente, pues hasta me sé de memoria sus discursos desde hace años.

Jorge Méndez Blake; Haiku para estacionamiento; Automóvil y libros. 2020. ¨Cortesía de la galería OMR¨, imagen tomada de la Hoja de Sala de la exposición.

La imaginación esta truncada, ni los mejores negociantes tienen ya ingenio para vender, ni los artistas tienen algo relevante que mostrar. Garza Usabiaga escribe a propósito de la exposición: “En un momento de distanciamiento físico, el propósito de Proyecto Museo Auto-Servicio y su primera exposición es socializar el arte contemporáneo de una nueva manera”

“Socializar”, “nueva manera”, nada de ello, fue más emocionante pasearnos por el pedregal, en algo parecido a una novela policiaca o a un chisme de televisa. Que las muestras de Arte Contemporáneo son las muestras de quién puede más y quién tiene más, sí, y, dejando del lado al opaco espejo de la distribución y coleccionismo, ¿qué tienen qué decir los artistas al respecto?

Sus obras ya poco dicen y el arte en forma de instalación, escultura, pintura, o sonido, parece cada vez menos su área, dejando mucho qué justificar sobre sus prácticas, discursos y maniobras en su carrera por ser el más vendido al mejor precio.

Es hora de salir de estos coches autoconstruidos y dejar de ver el arte de cerca (en apariencia), para poder habitar en artes públicas no privatizadas.

El estacionamiento es amplio.

-Angella B. Lentini.

Diciembre, 2020; CDMX, México.

CRISIS.

Todos los derechos reversados.

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artcecvac · 4 years

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Fernanda Benítez

8º A

Fotografía

#8vo

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culturizando · 7 years

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#UnDíaComoHoy: 28 de noviembre en la historia

El 28 de noviembre es el día 332º día del año. Quedan 33 días para finalizar el año. Te presentamos una lista de eventos importantes que ocurrieron un día como hoy 28 noviembre.

-Hoy se conmemora el Día Mundial de las personas sin hogar. Este día nace de la necesidad de crear conciencia y propuestas para ayuda a las personas que no poseen un lugar en donde vivir; algunos les llaman “vagabundos” pero el término es considerado erróneo. El término de “persona sin hogar”, o también conocido como indigente, son aquellas personas -adultos, menores y de cualquier sexo- que como su nombre lo dice, no poseen una vivienda y tienen la necesidad de sobrevivir en la intemperie como puede ser la calle, portales, etc. Este problema es mucho más renuente en la ciudades grandes y suburbios, por lo que se han creado albergues en busca de proporcionar una ayuda a las personas que carecen de un techo a causa de una ruptura encadenada, brusca y traumática de sus lazos familiares, sociales y laborales.

-1493: Cristóbal Colón ‘descubre’ Jamaica y Puerto Rico, además de circunnavegar buena parte de Cuba.

-1582: el afamado poeta y dramaturgo inglés William Shakespeare, de 18 años, se casa con Anne Hathaway de 26, embarazada de tres meses. El 26 de mayo de 1583, la hija primogénita de la pareja, Susanna, será bautizada en Stratford. El 2 de febrero de 1585 un hijo, Hamnet, y otra hija, Judith, nacidos mellizos, fueron asimismo bautizados. Hamnet murió a los once años.

-1694: muere en Osaka (Japón) el poeta Matsuo Basho que estableció el ‘haiku’ como una composición poética de 17 sílabas.

-1757: nace William Blake, poeta y pintor británico. Poeta, pintor y grabador inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido»

-1814: en Londres, el periódico The Times se convierte en el primero en el mundo en imprimirse con máquina de vapor.

-1820: nace Friedrich Engels, filósofo y revolucionario alemán. Amigo y colaborador de Karl Marx, fue coautor con él de obras fundamentales para el nacimiento de los movimientos socialista, comunista y sindical, y dirigente político de la Primera Internacional y de la Segunda Internacional.

-1821: Panamá declara su independencia de la corona española y se une voluntariamente a la Gran Colombia.

-1943: Iósif Stalin, Franklin D. Roosevelt y Winston Churchill celebran una conferencia en Teherán. La Conferencia de Teherán constituyó el punto culminante de la cooperación en el seno de la Gran Alianza. Los éxitos del ejército soviético y la inminencia de la apertura de un segundo frente en Europa occidental permitieron que el primer encuentro entre Stalin, Churchill y Roosevelt se desarrollara en un ambiente de gran cordialidad. Las decisiones principales que se adoptaron fueron las siguientes: Acuerdo sobre la partición y desmembramiento de Alemania tras la derrota del régimen de Hitler. Se acordó el “desplazamiento de Polonia hacia el oeste”. La frontera soviética llegaría hasta la línea Curzon y a cambio Polonia se anexionaría territorios orientales alemanes. Se comenzó el debate sobre la organización concreta de la futura Organización de las Naciones Unidas, aprobándose un acta sobre la cuestión.

-1950: nace Ed Harris, actor y director de cine estadounidense. Ganador del Globo de Oro. Conocido por sus actuaciones en los filmes Appaloosa, La Roca, The Abyss, Apolo 13, Elegidos para la gloria, A Beautiful Mind, A History of Violence, y The Truman Show.

-1961: nace Alfonso Cuarón, guionista y director de cine mexicano. Ganador en 2014 del Premio de la Academia como Mejor Director. Se le considera uno de los cineastas mexicanos más prometedores de su generación, junto a otros como Guillermo del Toro o Alejandro González Iñárritu quienes también han conseguido trascendencia internacional en los últimos años.

-1965: en EE.UU., el presidente designa el día de la oración nacional, en memoria de las víctimas de la Guerra de Vietnam.

-1971: finaliza la erupción del volcán Teneguía de La Palma (Canarias).

-1987: nace Karen Gillan, actriz británica. Conocida por ser parte del elenco de producciones como Guardianes de la Galaxia, Oculus, Dr. Who, entre otras.

-1990: finaliza el mandato de Margaret Thatcher como Primera Ministra del Reino Unido.

-1994: muere Jeffrey Dahmer, asesino en serie estadounidense. Apodado El Carnicero de Milwaukee, fue un asesino en serie responsable de la muerte de 17 hombres y chicos entre 1978 y 1991. Es conocido no solo por la cantidad de personas que asesinó, sino también por practicar la necrofilia y el canibalismo. Dahmer fue asesinado a golpes por otro recluso mientras cumplía condena dentro de una prisión de Wisconsin.

-2010: muere Leslie Nielsen, actor canadiense. Conocido popularmente por ser el protagonista de películas de humor absurdo tales como Airplane! y The Naked Gun.

-2014: muere Roberto Gómez Bolaños, comediante, cantante, dramaturgo, poeta, escritor, director y productor mexicano, conocido como Chespirito y creador de entrañables personajes como El Chavo y El Chapulín colorado entre muchos otros.

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