#peintre figurative

[droitsdesfemmes]

Alice Neel photographiée par Lynn Gilbert, New York, 1976.

Alice Neel (1900-1984) était une peintre américaine renommée pour ses portraits réalistes. Née à Merion Square, Pennsylvanie, elle a grandi dans une famille de la classe moyenne. Elle a commencé à s'intéresser à l'art dès son jeune âge et a poursuivi ses études à la School of Industrial Art à Philadelphie.

En 1921, elle s'est inscrite à la Philadelphia School of Design for Women (maintenant connue sous le nom de Moore College of Art and Design), où elle a développé une approche unique du portrait. Ses premières œuvres reflétaient l'influence du réalisme et de l'expressionnisme.

Dans les années 1930, elle a déménagé à New York, où elle a vécu dans divers quartiers, y compris Greenwich Village et Spanish Harlem. Cette période a été marquée par des défis personnels, y compris la perte de sa première fille et des difficultés financières. Malgré ces obstacles, elle a continué à peindre, se concentrant souvent sur les gens de son entourage.

Les portraits d'Alice Neel sont connus pour leur représentation psychologique profonde et leur honnêteté brute. Elle a peint une variété de sujets, y compris des amis, des voisins, des activistes, des artistes et des personnalités publiques. Ses œuvres offrent un aperçu des différentes couches sociales et culturelles de New York, notamment durant les époques de la Grande Dépression et des mouvements des droits civiques. Elle est célèbre pour avoir capturé l'essence des individus souvent invisibles aux yeux de la société américaine. Son œuvre, profondément ancrée dans une démarche de représentation des marginaux, des exclus, des malades mentaux, ainsi que des communautés portoricaines en proie à la pauvreté, offre un visage humain et poignant à ces groupes négligés.

Alice, qui se déclarait elle-même fascinée par les « perdants » tant dans la sphère politique que dans les tréfonds de la vie quotidienne, a produit des portraits intenses et dénués de tout artifice. Son travail se distingue nettement des mouvements d'avant-garde contemporains, souvent empreints d'abstraction, par sa crudité et son réalisme sans concession. Se considérant comme une « collectionneuse d'âmes », son art explore non seulement l'apparence extérieure de ses sujets, mais plonge également dans les méandres de la psyché humaine.

Dans son style unique, brut et authentique, elle a également abordé des sujets difficiles tels que la nudité, souvent représentée de manière crue et sans embellissement, et des thèmes sociaux poignants, y compris les femmes enceintes ou victimes de violences domestiques. Par ces représentations, elle a remis en question les conventions traditionnelles de la représentation féminine dans l'art.

Dans les années 1960 et 1970, la reconnaissance d'Alice Neel a augmenté, notamment avec une exposition individuelle à la Whitney Museum of American Art en 1974. Ses œuvres ont été saluées pour leur approche non conventionnelle et leur commentaire social poignant.

Alice Neel est décédée en 1984, mais son héritage persiste. Elle est considérée comme l'une des portraitistes les plus importantes du 20e siècle, ayant influencé de nombreux artistes contemporains. Reconnue pour son indépendance et son caractère affirmé, elle fut pionnière dans la liaison des luttes de sexes, de classes et des questions d'origine à travers ses œuvres. Aujourd'hui, elle est célébrée comme une icône du féminisme et un modèle d'engagement, continuant d'inspirer les nouvelles générations d'artistes féminines. Son travail continue d'être exposé dans des musées et des galeries du monde entier.

[manufactoriel]

Série, autoportrait d'un confiné, 2020, by Didier Viodé

[matyas-ss]

Marie Antoinette in a Court Dress, Élisabeth Louise Vigée-Le Brun (1778). Kunsthistorisches Museum in Vienna

[kasjoys]

'La valeur de votre vie // La valeur de votre temps'

Peinture á l'huile

Kas joys

Colección: 'ciego del alma' 1

[au-jardin-de-mon-coeur]

Visite au Musée.....à la découverte du grand peintre Edward Hopper

Edward Hopper est l'une des figures majeures du mouvement réaliste américain, avec des tableaux tels que House by the Railroad (1925) et Nighthawks (1942).

Né en 1882 dans l'État de New York, Edward Hopper intègre la prestigieuse New York School of Art après ses études secondaires. Il s'installe à New York en 1908 où il est engagé comme illustrateur pour des campagnes publicitaires.

Il se lasse rapidement de ce travail et expose des peintures pendant son temps libre. Vers 1915, il peint des scènes de la vie américaine et en 1920, il présente sa première exposition au Whitney Studio Club, qui remporte un grand succès. En 1924, il épouse Josephine Verstille Nivison.

Son style particulier, fait de formes simples et de couleurs plutôt sombres, joue sur les contrastes entre ombre et lumière. Hopper parvient à diversifier son approche réaliste, avec des paysages mis en scène, tantôt urbains, tantôt ruraux. Les personnages qu'il peint inspirent souvent une impression de solitude et d'exclusion. La plupart de ses peintures à l'huile reflètent un pays en pleine mutation économique et sociale. En 1945, Edward Hopper a été admis à l'Académie américaine des arts et des lettres. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le titre de docteur en beaux-arts de l'Art Institute of Chicago en 1955.

Hotel Room (Chambre d'hôtel) de Edward Hopper

"Hotel Room" est une peinture de l'artiste américain Edward Hopper, réalisée en 1931. Cette œuvre représente une chambre d'hôtel vide, avec une fenêtre ouverte laissant entrer la lumière du jour. On peut voir un lit de défait, une chaise et une table de nuit, ainsi qu'un miroir sur le mur. Le sol est recouvert de carreaux blancs et noirs et l'atmosphère générale est celle d'une chambre d'hôtel banale et anonyme.

Hopper a souvent peint des scènes urbaines et des bâtiments commerciaux, et "Hotel Room" est un exemple de son intérêt pour les espaces vides et solitaires. Il a été inspiré par les voyages qu'il a faits dans les années 1920 et 1930, où il a été frappé par l'anonymat et la solitude des hôtels. Il a également été influencé par les écrits de William Dean Howells, qui a décrit les hôtels comme des lieux de solitude et d'isolement.

La lumière joue également un rôle important dans cette peinture. La lumière du jour qui entre par la fenêtre donne à la chambre une atmosphère de transparence et de clarté, mais en même temps elle accentue la solitude de l'espace vide. Hopper a souvent utilisé la lumière pour créer une atmosphère particulière dans ses œuvres, et dans "Hotel Room", elle renforce l'idée de solitude et d'isolement. Cette peinture est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes de Hopper en raison de son thème universel de solitude et d'isolement dans un espace public. Il a réussi à capturer l'essence de la vie moderne de manière poignante et à susciter des réflexions sur la nature humaine et sur les relations entre les individus et l'espace qui les entoure.

[josefavomjaaga]

Albrecht Adam (or "le petit peintre", as Eugène referred to him) was the pastry baker turned battle painter who had followed Eugène's 4th corps onto the Russian campaign. He later, in 1827, published a book with drawings from this journey, entitled "Voyage pittoresque et militaire de Willenberg en Prusse jusqu'à Moscou" (to be found in Wikimedia Commons).

The drawing above unfortunately had remained a sketch. It shows, according to the title, a moment of "repose during the day of 28 July", with cavalry on the march in the background, and a couple of people resting in the shadow of some wooden chapel.

A closer look (and the text of Adam's travel journal) reveals who the two main figures are:

That hat is clearly recognisable 😋. His Majesty King Joachim of Naples in person. And the other guy, the plain, boring one, would of course be Eugène.

Note: In July 1812 they were still on speaking terms. I believe Murat is even behaving very generously here. Most likely, Eugène could only sit down in the presence of a monarch if said monarch explicitly allowed it.

[arsenicetvieillesenseignes]

La banque de Savoie joue à cache-cache avec ses clients depuis plus longtemps que le plus vieux des habitants ne s'en souvienne. Le rideau de fer n'a pas été remonté depuis l'époque où l'on payait sa baguette en francs. — Tu vois cette relique, Roger ? dit Léo en gratifiant le mur d'un coup de pied nonchalant. On dirait le tableau d'un peintre maudit. — Mouais… Figure-toi que le vieux Marcel m'a dit qu'il y a encore du blé là-dedans. Un trésor que le banquier a oublié sous le comptoir avant de filer à l’anglaise. Léo, à la fois sceptique et amusé, allume une cigarette avec tout le soin d'un homme sur le point de résoudre le mystère de l'univers. — Et comment tu comptes entrer, Einstein ? Tu vas demander poliment au rideau de se lever ? — Nan, tu sais bien que la politesse, c'est pas mon truc. Par contre, j'ai un tournevis dans la poche. — Et après, qu'est-ce qu'on fait ? On s'achète un château ? demande Léo en expirant une volute de fumée. — Un château ? Pourquoi pas l'Élysée tant que t’y es ?! Non, on investit dans un truc sûr, un truc qui ne déçoit jamais. — Comme quoi ? Une appli pour les nostalgiques du Minitel ? Les deux compères éclatent de rire. Et alors qu'ils s'apprêtent à mettre leur plan à exécution, le rideau de fer se met à grincer, comme réveillé par leur audace. Ils se figent, le souffle coupé. Une voix sort de derrière le rideau, rauque et amusée. — Vous comptez vraiment cambrioler une banque avec un tournevis et un paquet de cigarettes ? Léo et Roger se regardent, mi-terrifiés, mi-intrigués. La banque de Savoie, apparemment, n'a pas encore dit son dernier mot.

[francepittoresque]

30 août 1817 : mort du peintre Mathieu Cochereau à l’âge de 24 ans ➽ http://bit.ly/Mathieu-Cochereau Né près de Châteaudun et neveu de Pierre Prévost, auteur des Panoramas, Mathieu Cochereau, illettré jusqu’à 13 ans, annonce dès sa première jeunesse des talents qu’il perfectionne sous la direction du célèbre David, son premier tableau lui valant une pluie d’éloges et ayant été retenu pour figurer à l’exposition de 1814

[sirenesublime]

Hi! I am currently learners French and I was wondering if you have any tips or something to help 😭😭😭

Hellooo! Learning french for me was definitely an uphill battle and I would say the type of thing that gets harder before it gets easier. Just for context on my personal situation learning French: I took french all the way through high school, studied super duper hard for the B2 exam and then managed to pass. It was through this that I was able to apply to french universities and got accepted at Sorbonne University where ALL my courses are french. Being at a french school, having to read advanced texts practically every day, and of course living in Paris - I reached C1 (and this took me about a year and a half). Please take this into consideration in terms of setting realistic goals for yourself. Here are my tips for fluency:

1.) Read A LOT!!! Through reading you’ll be able to see french grammar in context, the general structure of the language, figures of speech, and of course expand vocabulary. It goes without saying that learning a language is learning a culture - there are many faucets of francophone culture expressed through literature which provide helpful insight for non francophones. Here are my recommendations according to language level.

Beginner (A1-A2)

Le Petit Prince d’Antoine de Saint-Exupéry - this is a stable of french culture and very simple children’s novella to read. A book every French child has read.

Le Petit Nicolas - another children’s book which I think gives really good insight into french upbringing, and primary school experience. I found it to be a stark contrast from anything that I had experienced.

Any thing from Français Facile, as you reach A2 the focus will be more on basic grammar and I find those books to be quite good in terms of the hyper specificity that requires, ie if you’re learning imparfait vs passé composé there is probably a book tailor made for that.

Intermediate (B1-B2):

French translation of originally [insert your first language]. I know this may seem strange, but I think it’s a helpful in between step to see how your language translates into french, and I found generally it was easier to read weirdly?? (As someone who was reading a lot of English to French translations, guess is that since the translation is limited to English lexicon which is smaller than french, the translation itself would be a much simpler version of french lol). This can be any book, as long as it’s at your reading level in your native tongue

L’étranger d’Albert Camus

Le peintre de la vie moderne de Charles Baudelaire

Manette Salomon des frères Goncourt

Magazines, newspapers, journals!! Again great insight into francophone culture and current affairs.

At B2 level you should be able to read anything, so anything you can get your hands on, READ!

2.) Study the grammar. Get it down. All the laborious things (gender of nouns, use of subjonctif, conditional tense, COD/COI, etc, etc) — learn it and master. This cannot be skipped, you cannot cut corners in this regard. Put your head down and do it.

3.) Once you’ve gotten to A2/B1 — speak as much as possible. If there are conversation classes available, go to them. Try to find people online to practice with if IRL is not an option but it is important to practice speaking.

4.) Listen to French music, watch french language films. There’s french music in all genres and music taste is super subjective lol. I personally love the music from the 60s/70s - Jacques Brel, Serge Gains, Jane B, Francoise Hardy, Michel Legrand, Barbara (my recommendations lol). Of course if you’re not into that there’s pop, rap, Afro beats, classical, etc., etc. My favourite french films are Cléo 5 à 7, La Piscine, Le Samouraï, Les demoiselle de Rochefort, La Religieuse, La Chinoise, Plein Soleil— just a few that come to mind. Of course taste is super subjective, so just find what you like!

There are all my tips for learning french (or really any language). Hope it was helpful!!

[lounesdarbois]

Renoir est l'un des derniers peintres à avoir restitué avec exactitude les caractères physiques particuliers du peuple français. Ses peintures sont imprégnées certes de tout ce que l'on sait déjà: la fraîcheur d'un bal ici, la gravité des attitudes là, le bonheur ménager encore ailleurs, mais elles vibrent surtout d'un trésor que nous oublions de regarder à force de le voir c'est la beauté physique au milieu de laquelle nous vivons. Le peuple français est un peuple d'une très grande beauté physique. Renoir a pris soin de rendre le plus fidèle hommage possible à la spécificité de ces yeux profonds, de ces figures symétriques, de ces teints très purs, de cet ordonnancement d'une race déployée sur son pays comme des couleurs sur un nuancier. Un équilibre tel, une variété telle que toute irruption étrangère n'y apporterait rien qui ne s'y trouve déjà, n'y enlèverait rien qui ne soit perdu pour toujours. D'autres peintres du 19ème siècle ont entrepris ce travail inconscient qui consiste à répertorier le peuple et son territoire, ce sont les Monet, les Bouguereau, les gens de l'école de Barbizon et du soi-disant style "pompier" dont les critiques d'art ont dit tant de mal. Renoir est au plan de l'exactitude figurative une sorte de point d'orgue à ce type d'entreprise, et au plan chronologique un point final.

Plus le temps ira plus ces peintres deviendront malgré eux subversifs, leurs oeuvres prenant la forme de vivantes accusations portées contre l'ivresse contemporaine de se rouler dans la boue et la merde, contre ce goût inverti de descendre vers le singe, de dégrader ce que l'on porte en soi, penchant dont Baudelaire avait démasqué les rapports souterrains avec le satanisme. Le legs de ces artistes deviendra alors l'arche d'alliance du dépôt divin que porte en soi le peuple français et plus largement toute la race blanche. «Le Blanc, c'est la sérénité, la pureté, le divin» (Morand), vérité que connaissent toutes les aires géographiques et toutes les religions du monde. Combien de barbares se sont voilés la face en pleurant lorsqu'ils ont vu chez eux débarquer les Aryens, croyant reconnaître les dieux dont parlaient leurs propres traditions? Sagesse de leur crédulité car l'Histoire est l'histoire d'une chute, l'histoire de la Chute. Combien d'adeptes de combien de religions vont à leurs pèlerinages respectifs drapés de vêtements blancs, depuis les Pythagoriciens de l'Antiquité? Le Blanc c'est le divin et Pierre-Auguste Renoir porte jusque dans son nom de famille l'hommage que l'ombre doit rendre à la lumière, clin d'oeil que Dieu nous adresse par ce peintre merveilleux.

[chansonsinternationales]

Odilon Redon (1840-1916) ou la Quête de la fleur de sang | France Culture

[fashionbooksmilano]

Man Ray et la mode

RMN, Paris 2019, 248 pages, 19.8 x 27.8 cm, ISBN 978-2711874309

euro 45,00

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Cet ouvrage est publié à l'ocasion de l'exposition "Man Ray et la mode" organisé par la Ville de Marseille et la Réunion des musées nationaux - Grand Palais

C'est en 1922, alors qu'il vient d'arriver à Paris, que Man Ray fait ses premiers pas dans la photographie de mode. Il réalise alors de nombreux portraits de figures marquantes d'un milieu parisien mêlant membres de la a colonie américaine, représentants de la bonne société, artistes, écrivains... Il bénéficie assez vite de commandes dans le domaine de la publicité et de la mode en raison de son style aisément identifiable, celui du groupe surréaliste, qui joue à merveille du scandale et de la provocation. Son travail parfaitement maîtrisé, tempéré par un classicisme de bon ton, pimenté par un érotisme lisse génère des images pleinement assimilables par ses commanditaires. Au tournant des années 1930, Man Ray évolue vers un style plus spontané, conforme à l'évolution du modèle féminin que des artifices techniques - solarisation, inversion négative, découpage, superpositions - mettent brillamment en valeur. Les années passées sous contrat avec le magazine américain Harper's Bazaar (1934-1939) consacrent la liberté technique et formelle du photographe et marquent son apogée dans ce domaine. A travers le regard d'un artiste, peintre et photographe, c'est aussi les relations entre la mode de toute une époque, celle de l'entre-deux-guerres, et sa représentation qui sont ici mises en lumière.

02/07/23

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[matyas-ss]

Fair Rosamund, Arthur Hughes (1854) National Gallery of Victoria in Melbourne.

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Jan van Eyck

Jan van Eyck (1390-1441) était un peintre néerlandais de la Renaissance, célèbre de son vivant pour sa maîtrise de la peinture à l'huile, de la coloration, des scènes naturalistes et son sens du détail. Parmi ses chefs-d'œuvre figurent le Retable de Gand de 1432, également connu sous le nom d'Adoration de l'agneau mystique, et Les époux Arnolfini, un tour de force en matière d'illusions d'optique. Pionnier de l'utilisation de l'huile pour obtenir des effets réalistes, son œuvre influença l'art de la Renaissance, mais surtout les artistes italiens de la seconde moitié du XVe siècle.

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[musographes]

Illustrations et dessins satiriques #28

Dessin de Gustave Doré publié dans Le Journal pour Rire, 1850.

[abridurif]

Je ne sais pas si vous avez été opérés mais ceux qui ont été opérés ont cette expérience qui me paraît faire comprendre des choses, ceux qui ont subi une opération importante. Faire de la figuration, ce serait représenter une opération. Aucun intérêt évidemment. Mais dans une opération, il y a quelque chose de très bizarre, c’est que, même lorsque l’opération ne mettait pas la vie en danger, il suffit de regarder après le type qui en sort, c’est absolument comme s’il avait vu la mort, mais vu sans tragique. Je veux dire : les yeux d’un opéré frais sont extraordinaires. Si vous n’en avez pas eu autour de vous, faites les cliniques. Il faut avoir vu ça, je crois, pas par curiosité. Je ne dis pas des choses de petite perversion lamentable, je dis des choses presque de tendresse. Si vous voulez sentir vraiment quelque chose pour l’humanité, voyez des gens qui se sont fait opérer. Les yeux sont comme lavés, comme s’ils avaient vu quelque chose qui n’était pas horrible, comme s’ils avaient vu quelque chose qui ne peut être que la mort, qui ne peut être qu’une espèce de limite de la vie. Ils en ressortent avec cette espèce de regard très pathétique. (…) Leur corps a compris quelque chose, qu’ils vont ensuite oublier tellement vite. Dommage. Une espèce de bonté, de générosité émane d’eux, car cette mort qu’ils ont vue, et qui devient visible dans leurs yeux, c’est très curieux, dans la mesure où elle devient visible, elle cesse d’être l’ennemie, elle est d’une certaine manière l’amie, c’est-à-dire : elle devient en même temps autre chose que de la mort. Or c’est ça que rend un grand peintre. Gilles Deleuze, Sur la peinture – Cours mars-juin 1981, Les Éditions de Minuit, 2023