#Cinematografía

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Parlor, Bedroom and Bath (1931)

Las películas sonoras de Buster Keaton son algo... complicadas de ver. Fue una etapa dificil para el talentoso actor y director, con un espantoso y nada conveniente contrato de por medio. Mientras que Charles Chaplin siguió produciendo películas mudas y reiventandose, para Keaton fue dificil adaptarse al medio sonoro. No porque rechazara al sonido, ya que en su última película como director Spite Marriage (1929) experimentó con efectos de sonido siendo que se estrenó con una partitura musical sincronizada con efectos de sonido (p. ej., risas, aplausos) utilizando tanto el proceso de sonido en disco como el de sonido en película.

Se trató de una buena película y demostró que Keaton podía enfrentarse a los cambios que estaba atravesando la industria. Pero los años posteriores a 1929, Keaton se vió despojado del control creativo de sus películas. Leí una vez a un espectador que lo resumió muy bien: es un poco como ver un animal magnífico en un zoológico, dijo.

Keaton sigue cautivando con su presencia porque es imposible que no lo hiciera, pero es triste de ver a una leyenda y un gran talento en una producción insulsa y sin corazón.

En este caso, Parlor, Bedroom and Bath (1931) o en español Recibidor, dormitorio y baño posee una trama muy tonta y aburrida y un humor nada trascendental. En algunas escenas llega hasta ser incómodo de ver. Aunque el humor es subjetivo y soy conciente que a muchas personas les resulta graciosa esta película, se tratan de chiste y escenas sin mucho dolor de cabeza detrás. A mí me resultó hasta grosero por demás. Si algo caracterizaba al cine de Keaton es su humor inteligente, que te hacía reir por sus remates impredecibles y su simpleza en lo aparentemente complicado. Además, en el cine de Keaton lo sentimental y el romanticismo es muy importante en la construcción de su personaje clásico y de las situaciones que lo acompañan. Siempre existe y prevalece el amor más puro e inocente, ya sea por una mujer o por una vaca (El rey de los cowboys, 1925). Aquí en cambio prevalece la obsenidad y el chiste fácil: el hombre poco varonil que no entiende el doble sentido y no se relaciona bien con las mujeres.

No recomiendo esta película, a nadie. Si eres fanático de Keaton como yo, te va a resultar tortuosa de ver por el desperdicio de talento de Keaton que, aunque algunos piensen que sea por su vejez, me niego a pensar que así sea porque en uno de sus últimos filmes The Railroader (1965) sigue siendo exquisito. Estoy convencida de que hasta el propio Keaton detestaba esta película.

[atthecornerstxne]

Mar del plata, Agosto 2023.

[talentos]

En el ámbito de la excelencia automovilística, el Ferrari 250 GTO reina de forma suprema

Un faro de la artesanía italiana y un testimonio de la herencia de las carreras. In the realm of automotive excellence, the Ferrari 250 GTO reigns supreme, a beacon of Italian craftsmanship and a testament to racing heritage. Este no es un coche clásico cualquiera; es la encarnación de un legado que ha trascendido el tiempo. This isn’t just any classic car; it’s the embodiment of a legacy that…

[emilygraterol]

Reseña: Las noches blancas (1957) Luchino Visconti

ACLARATORIA: Esta reseña está basada únicamente en la película y no tiene ninguna intención de compararla con el libro de Fiódor Dostoyevski.

Es natural que el hombre se aferre a algo, comúnmente a algo imposible ya que supone un reto para sí mismo. Los seres humanos estamos repletos de ilusiones y el aferrarnos a cosas nos mantiene vivos, conectados, con la esperanza de que eso que sujetamos desde adentro nos haga sentir felices en algún momento. Y bajo este simple (y a la vez complejo) argumento Visconti nos sumerge en el universo de Mario interpretado por Marcello Mastroianni, una leyenda del cine italiano.

La escenografía llena de calles vacías y sucias, edificios al borde del colapso y puentes simbolizan la miseria del alma humana. La soledad incipiente, los malos hábitos, las relaciones quebradas y los vínculos que constantemente establecemos con otros. Así está Mario, sumergido en la miseria mientras intenta conectar con alguien y llenar así su vacío. En el interín conocerá a Natalia que, para su desgracia lo conducirá un estado peor que en el que se encuentra; hecho que se simboliza a través de la nevada al final de la película, porque ahora el corazón del hombre se ha vuelto frío después de ilusionarse en vano.

La fotografía es limpia y conecta con el melodrama. La iluminación conduce al espectador a sumergirse exactamente en una Noche Blanca debido a los faroles de la ciudad y el contraste que el negro del cielo hace con los edificios blancos. El director italiano ha construido un universo donde todo conecta con la psique de los personajes y el sentimiento de soledad que transmiten.

Al principio la película puede ser tediosa ya que transcurre lentamente, pero a partir de la mitad del segundo acto entramos en un frenesí que no queremos que acabe. Visconti sabe tratar a través de la imagen los sentimientos de los personajes y jugar con ellos para engañar al espectador. Los primeros planos en la escena del baile simulan una conexión verdadera e íntima entre Mario y Natalia, creemos que finalmente ella le corresponderá y le besará, pero luego segundos más tarde nos enteramos que ella fingía. Sin embargo, es la fotografía final que nos deja sin aliento tal como se encuentra Mario. La inclusión de los tres personajes en el cuadro mientras presenciamos la ruptura de la doble ilusión (la de Mario y la de nosotros como espectadores) es la que nos conecta directamente con el personaje principal, no podemos evitar sentirnos conmovidos por lo que está sintiendo él, siendo nosotros testigos y casi que consentidores del hecho.

Todo lo que hemos mencionado anteriormente se debe a una cosa y es a la maestría del guión. Los diálogos profundos y las acciones se unen para regalarnos una de las películas más tristes de toda la historia del cine, y por ello quiero finalizar con un comentario:

Somos vulnerables cuando amamos, cuando entregamos todo de nosotros y no recibimos nada a cambio. ¿Podríamos decir que Mario tiene un problema de amor propio? Probablemente, pero Natalia también lo tiene. Ambos se ilusionaron, ella con el inquilino y él con ella. Ambos dieron demasiado de sí mismos que se olvidaron de amarse y de respetarse. Las noches blancas (1957) es un juego de dejar y quedarse, amar y odiar, recordar y olvidar, y eso es precisamente lo que la hace una obra maestra porque expresa con claridad lo difícil que es para los seres humanos desprenderse de algo a lo que están aferrados. Es el sufrimiento la única vía para que dejemos ir eso que nos lastima. El caso principal es el amor hacia una persona que no nos corresponde, pero en la vida hay miles de cosas que funcionan de la misma manera.

Al final lo que quedan son las mascotas que, a diferencia de los hombres no tienen la capacidad de enamorarse tan profundamente.

Un instante que debería ser eterno. En el fotograma: Mario (Marcello Mastroianni) y Natalia (Maria Schell).

[eltableterodepepe]

¿Por qué nos gustan tanto las películas tranquilas? | Artículo de opinión

 Como sugiere el nombre, todo, desde el diseño de sonido hasta las tomas escénicas prolongadas, requiere un ritmo lento y cuidadoso; la mayoría de estas películas pueden permanecer en un sólo lugar durante toda la película.  Pero este principio también se aplica al diálogo: Tomemos, por ejemplo, la película Vidas pasadas (2023). Una historia desgarradora dirigida por Celine Song sobre dos ex…

[cinestesiadiccionario]

Montaje Ideológico

[vadianaditya]

Ye Baarish Hai !! Nahi ye Dil ka sukoon hai..🤗

[anaqueso]

frames de mi cortometraje “tiempo”

[rutinasilenciosa]

Una noche en la 9 de julio. Video minuto. 2020. UNLP

Trabajo de cámara.

[ninfamusa]

Genialidad Cinematográfica: Un recorrido por la Maestría en el cine

El séptimo arte, desde sus modestos inicios hasta la sofisticada industria actual, ha sido moldeado por la creatividad visionaria de innumerables directores y directoras. Estos maestros de la cinematografía han dejado una marca indeleble en la historia del cine, influyendo en generaciones y definiendo el lenguaje cinematográfico. En este extenso recorrido, exploraremos las vidas y obras de algunos de los directores y directoras más importantes e influyentes de la historia y del mundo.

La Era Dorada de Hollywood: Pioneros de la Magia Cinematográfica

Alfred Hitchcock: El Maestro del Suspense

Comencemos con el inimitable Alfred Hitchcock, conocido como el "Maestro del Suspense". Hitchcock revolucionó la narrativa cinematográfica, creando ingeniosos iconos fílmicos que cautivaron al público con su tensión psicológica y giros sorprendentes. Obras maestras como "Psicosis" (1960) y "Vértigo" (1958) son testimonios de su genialidad narrativa.

Orson Welles: Ciudadano Kane y la Revolución Narrativa

En la década de 1940, Orson Welles impactó al mundo con "Ciudadano Kane" (1941), una obra maestra que revolucionó la narrativa cinematográfica. Welles, además de su talento como director, dejó una huella duradera en la industria del cine con su aguda visión y experimentación narrativa.

Billy Wilder: Maestro de la Comedia y el Drama

Billy Wilder, otro gigante de la época dorada, fue un maestro en equilibrar la comedia y el drama. Películas como "El Apartamento" (1960) y "Con faldas y a lo loco" (1959) atestiguan su habilidad para contar historias que cautivan a la audiencia.

La Nueva Ola y la Vanguardia Cinematográfica

Jean-Luc Godard: Provocación y Experimentación

Con la llegada de la Nouvelle Vague en la década de 1950, Jean-Luc Godard se destacó como un provocador y un experimentador audaz. Películas como "Al final de la escapada" (1960) y "El desprecio" (1963) desafiaron las convenciones narrativas y visuales, dejando una influencia duradera.

Agnès Varda: Pionera de la Nouvelle Vague Femenina

Agnès Varda, pionera de la Nouvelle Vague francesa, no solo rompió barreras de género sino que también aportó una perspectiva única. Obras como "Cléo de 5 a 7" (1962) y "Sin techo ni ley" (1985) reflejan su compromiso con la autenticidad y su habilidad para explorar la complejidad humana.

Directores Asiáticos: Visiones Únicas y Narrativas Profundas

Akira Kurosawa: Épica y Filosofía en el Cine Japonés

Akira Kurosawa, maestro del cine japonés, destacó por sus epopeyas samurái como "Rashomon" (1950) y "Los siete samuráis" (1954). Su enfoque en la filosofía y la exploración profunda de la condición humana le aseguran un lugar destacado en la historia del cine.

Hayao Miyazaki: El Maestro de la Animación Japonesa

Miyazaki, fundador del Studio Ghibli, llevó la animación japonesa a nuevas alturas con películas como "El viaje de Chihiro" (2001) y "La princesa Mononoke" (1997). Su enfoque en la narrativa y la creación de mundos mágicos lo ha convertido en un referente único.

Cine Europeo: Realismo y Estética Vanguardista

Ingmar Bergman: Explorador de la Psique Humana

Ingmar Bergman, cineasta sueco, es conocido por sus exploraciones introspectivas y existenciales en películas como "El séptimo sello" (1957) y "Persona" (1966). Su enfoque en la psicología humana ha dejado una marca duradera en el cine europeo.

Federico Fellini: Surrealismo y Crítica Social Italiana

Fellini, maestro del cine italiano, tejió mundos surrealistas en películas como "La dolce vita" (1960) y "Ocho y medio" (1963). Su estilo extravagante y su crítica social han influido en generaciones de cineastas.

Hollywood Contemporáneo: Narrativas Audaces y Visiones Únicas

Martin Scorsese: Narrativa Poderosa y Estética Distintiva

Martin Scorsese, director contemporáneo, ha explorado la complejidad humana en películas como "Taxi Driver" (1976) y "Uno de los nuestros" (1990). Su narrativa poderosa y estética distintiva han dejado una impresión duradera en la audiencia.

Quentin Tarantino: Provocación Cinematográfica

Tarantino, conocido por su estilo provocador, ha ofrecido experiencias cinematográficas intensas y audaces con obras como "Pulp Fiction" (1994) y "Kill Bill" (2003). Diálogos ingeniosos, violencia estilizada y referencias pop son su sello distintivo.

Voces Auténticas y Contenido Impactante

Alfonso Cuarón: Maestría Técnica y Narrativa Profunda

Alfonso Cuarón, director mexicano, ha dejado una marca indeleble con películas como "Gravity" (2013) y "Roma" (2018). Su maestría técnica y su narrativa profunda le han valido reconocimiento internacional.

Lucrecia Martel: Cineasta Argentina de Vanguardia

Lucrecia Martel, cineasta argentina, ha explorado narrativas únicas y visiones vanguardistas en películas como "La Ciénaga" (2001) y "Zama" (2017). Su contribución al cine latinoamericano es invaluable.

Narrativas Auténticas y Representación Poderosa

Ousmane Sembène: Padre del Cine Africano

Ousmane Sembène, considerado el padre del cine africano, abordó temas sociales y políticos en películas como "La Noire de…" (1966) y "Moolaadé" (2004). Su trabajo pionero ha allanado el camino para cineastas africanos contemporáneos.

Haifaa al-Mansour: Rompiendo Barreras en el Cine Saudita

Haifaa al-Mansour, directora saudita, desafió las restricciones culturales con "La bicicleta verde" (2012) y "Mary Shelley" (2017). Su valentía y talento la han convertido en un ícono del cine saudita.

Un Legado Cinematográfico Diverso y Transformador

Este viaje a través de los directores y directoras más importantes e influyentes de la historia y del mundo solo araña la superficie de un océano de creatividad y maestría. Desde los pioneros de Hollywood hasta las voces contemporáneas de todo el mundo, cada director y directora ha contribuido a la evolución y diversificación del cine.

Su legado vive no solo en la pantalla, sino también en la inspiración que han proporcionado a generaciones de cineastas aspirantes. El cine, como forma de arte, sigue siendo un testamento vivo de la capacidad humana para contar historias, explorar la condición humana y desafiar los límites de la imaginación.

[finalbossproject]

Anoche se llevaron a cabo los Oscars y "Todo en todas partes al mismo tiempo" ganó como Mejor Película, mientras que Michelle Yeoh fue premiada como Mejor Actriz y Jamie Lee Curtis como Mejor Actriz de Reparto. Guillermo del Toro también tuvo éxito con su película de animación "Pinocho". Otros premios técnicos fueron otorgados a "Sin Novedad en el Frente", incluyendo Mejor Banda Sonora y Mejor Película Extranjera. Ke Huy Guan ganó como Mejor Actor de Reparto y Brendan Fraser se llevó el premio a Mejor Actor por "La Ballena". ¡Fue una gran noche para el cine! #finalbossproject #wotobe #cine #oscars #películas #actores #actrices #premios #cinematografía #directores #guionistas #historias #entretenimiento #cultura #arte #producción #mejorpelícula #mejoractor https://www.instagram.com/p/CpunYqQtUjG/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[enalfersa]

Eso no estaba en mi libro de historia de cine

¿Sabía que Akira Kurosawa, el director japonés más célebre y admirado, intentó quitarse la vida tras el fracaso comercial de Dodeskaden? ¿Que Martin Sheen sufrió un infarto durante el rodaje de Apocalypse Now, uno de los más infernales que se recuerdan? ¿Sabía que el principal creador del lenguaje cinematográfico era un fervoroso partidario del Ku Klux Klan? ¿Que en 1921 Fatty Arbuckle, uno de…

[cansomebodytellmewhatsgoingon]

The Most Beautiful Shots in Movie History

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60 Years of Speed: A Journey Through the History of McLaren Racing

60 Years of Speed & Glitz: McLaren Racing's rebel spirit still burns bright! 🏁 From dominating championships to crafting supercars, they've never backed down. Happy 60th, McLaren! 🎉 #McLaren #Racing #60Years #Speed #Glitz #FormulaOne #Supercars #Rebels

Ai Art all Marlboro & Papaya image recreations by Author Introduction:In the wild world of motorsports, one name stands out like a shiny racing helmet at high speed – McLaren. 1963: McLaren was founded by New Zealander Bruce McLaren.  McLaren Racing has been around for over 60 years, collecting more stories than the pit crew has socket wrenches. Here are some key moments in their turbo-charged…

[emilygraterol]

Reseña: Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019)

Todo artista conoce que su obra está estrechamente ligada a su pasado, a sus recuerdos, a sus experiencias, a la gente que algún día lo rodeó. Los que escribimos sabemos que en cada palabra que dejamos impresa sobre el papel hay algún rasgo de nuestra personalidad, de lo que nos gusta, de los traumas y carencias que tenemos. No hay que ser psicoanalista para darse cuenta de que esto es un hecho verídico: El ser humano no puede desligarse de lo que fue.

Bajo esta sencilla y profunda concepción Pedro Almodóvar nos presenta la radiografía de un cineasta aparentemente fracasado en Dolor y gloria (2019), un filme intimista y colorido protagonizado por Antonio Banderas, quien encarna al alter ego del director español. Desde el inicio del filme el guion comienza a fracturarse entre pasado y presente, entre las glorias pasadas y el dolor actual de Salvador Mallo, un cineasta quebrado por la dura vida que ha transitado y que ahora se encuentra solo y sin la capacidad de rodar nuevamente una película.

Por medios de saltos en el tiempo conocemos la historia de este hombre, desde su niñez en un pueblo de España hasta los últimos momentos que compartió con su madre ya siendo un adulto. Almodóvar sabe que los cineastas trabajamos en torno a recuerdos, especialmente los que vivimos durante la niñez y la adolescencia por lo cual decide exhibir con naturalidad aquellas pequeñas e insignificantes cosas vividas durante estos dos períodos que, luego con el paso del tiempo incidirán perfectamente en la personalidad y forma de vida del “yo” adulto.

En el caso de Salvador Mallo niño observamos el gusto por la lectura, la cinefilia (guiño indudable a los autores de la Nouvelle Vague), la búsqueda de la luz, el perfeccionismo y el acercamiento no inducido a los hombres por causa de una ausencia paterna. De regreso al presente entendemos entonces porqué el chiquillo se hizo director de cine, su preferencia por las lecturas ante las noches de insomnio, sus quejas respecto a la actuación de Alberto (Asier Etxeandia) y su homosexualidad.

Todo este conocimiento que se le brinda al espectador es por causa de la excelente estructura del guion que a pesar de estar compuesto por numerosos flashbacks no deja al espectador con ninguna laguna permanente. La dirección de arte realizada por Clara Notari también nos sumerge en esta película con tintes autobiográficos. De acuerdo con un artículo realizado por Mark Olsen publicado en The L.A Times el apartamento de Mallo es una réplica exacta del piso que el cineasta español posee en Madrid. Los colores saturados le conceden vida al personaje de Banderas —que por un momento parece que va a sucumbir— y suprimen todo rasgo nostálgico que se le quiera agregar al filme.

Y es que a Almodóvar no le interesa mostrar la decadencia de los realizadores a modo de recuerdo y brindis por las glorias pasadas. Él muestra la verdad de los que hacen cine, los procesos profundos que atraviesa toda persona que se sumerge en el séptimo arte, el desgaste físico y emocional, el existencialismo, los recuerdos tormentosos, los romances fallidos, el vacío espiritual que muchos de los grandes creadores del siglo XX manifestaron tener y que intentaron llenar —como en el caso de Mallo— usando sustancias ilícitas.

La realidad es que todo lo que vive el hombre de cine va a llevarlo a la pantalla, sea intencional o no. La figura de Salvador para Almodóvar recuerda lo que significó Antoine Doinel para Truffaut. La soledad y las preguntas acerca de la existencia misma del hombre acercan este filme a Ingmar Bergman, por más descabellado que suene.

El hecho radica en que todos los escritores llevan sus dolores del alma a sus creaciones de forma inconsciente. Las soledades y vacíos emocionales toman forma en un personaje de ficción que padece de forma similar lo que le sucedió al que está tomando el bolígrafo para crearlo. Esa es la belleza de este filme ganador del Premio Goya: el presentar la radiografía de los creadores cinematográficos. Más que ser innovadores o maestros de la cámara son humanos. Humanos que sufren, que lloran, que enferman, que aman, que desean encontrar una respuesta sobre la existencia. Seres que viven y reinterpretan sus procesos mentales en personajes de ficción, unos más dichosos que otros, pero que al final hablan y tienen rasgos en común con sus creadores. El cine es parte de los huesos del que lo hace. Este es el pensamiento de Almodóvar en Dolor y gloria (2019), una carta de amor para todo artista.

Antonio Banderas como Salvador Mallo en Dolor y gloria (2019). El uso del rojo como símbolo de la pasión de la vida.

[laopiniononline]

INSOMNIA Teatro Condell celebra Aniversario con evento especial y estrenos nacionales

INSOMNIA Teatro Condell celebra Aniversario con evento especial y estrenos nacionales

Gonzalo Frías programará una película sorpresa en el Aniversario 17 de INSOMNIA Teatro Condell, evento en el que se lanzará la cerveza INSOMNIA producida por cervecería Síbaros. En esta semana de aniversario se estrenan los documentales nacionales “La Picada” (Felipe Zúñiga Sánchez) y “El efecto Ladrillo” (Carola Fuentes y Rafael Valdeavellano), además del documental peruano “Samichay, en busca…