#arts et divertissement

[blackswaneuroparedux]

I am by far your superior, but my notorious modesty prevents me from saying so.

- Erik Satie

To his contemporaries and peers Erik Satie was something of an enigma. Just a few of his quirks included claiming he only ate white foods, carrying a hammer wherever he went, founding his own religion, eating 150 oysters in one sitting, and writing a piece with the instruction to repeat 840 times! As a composer, Satie paved the way for the avant-garde in music and became a very influential figure in the classical music of the 20th century whose works still sound fresh today.

Born into a poor and difficult childhood in the Normandy harbour town of Honfleur on 17 May 1866, Satie would always be an outsider. The Paris Conservatoire to which he was enrolled by his stepmother, herself a pianist, became for him “a sort of local penitentiary” during his teens; he left with no qualifications and a reputation for being lazy. He signed up for military service in 1886 and dropped out within the same year. Immersing himself in the bohemian life of Montmartre, he became linked with the popular music scene and eked out a living as an accompanist, playing at the Chat Noir cabaret. Always on the periphery, and forever out of money, he later downgraded from the cramped room in which he lived to the less fashionable Parisian suburb of Arcueil, where he holed up in isolation and squalor – no visitors set foot in the room during the near-30 years he lived there.

Much has been made of the eccentricities of this flâneur, who was always seen in a grey velvet suit, and yet underlying Satie’s music is his serious desire to create something new. You can hear it in his popular piano pieces: the haunting scales and rhythms of the Trois Gnossiennes written under the spell of Romanian folk music, and the meditative world of Gymnopédies, where, as in a cubist painting, motifs are “seen” from all sides. At a time when French composers were looking to escape the shadows of Wagner’s epic Romanticism, the French composer’s stripped-back mechanical sound, inspired by the humble barrel organ, offered a radically simple approach.

Satie preferred originality to the mundane. The composer of the famous Gymnopedies, could never be accused of having an uninteresting personality. For one, his outgoing fashion statements always caused a stir. During his Montmartre years, he had 12 identical velvet corduroy suits hanging in his wardrobe, which earned him the nickname ‘The Velvet Gentleman’, and in his socialist years, he donned a bowler hat and carried an umbrella.

Debussy helped to draw public attention to Satie, orchestrating two of his Gymnopédies, yet Satie had to wait until much later in life to attain celebrity status. While still earning a living writing salon dances and popular cabaret songs, and after suffering a creative crisis, he enrolled himself at the Schola Cantorum in Paris at the age of 39. Rather than finding him validation, his studies seem to have fuelled his hatred of convention - it’s with more than a hint of bitterness that he claims to put “everything I know about Boredom” into the Bach chorale of his masterful Sports et Divertissements piano pieces. But notoriety led to a succès de scandale and when it came it came with a bang in Parade, his surreal, one-act circus ballet for Diaghilev. Into the orchestral score, which featured jazz and cabaret tunes, were thrown typewriters, sirens and a pistol - just the kind of noises a wartime audience would normally pay not to hear. With its rigid cubist costumes by Picasso - which restricted Massine’s choreography - and a promotional push from Cocteau, it was provocative enough to secure Satie’s position at the vanguard of modernism.

Yet Satie was continually frustrated in his attempts to be accepted as an artist in high society France - his failure to establish himself at the prestigious Académie des Beaux-Arts, to which Debussy had won a scholarship, only compounded his resentment. Was this treatment by the cultural elite fair? Certainly his determination to antagonise his audience in his late ballets did little to endear him to the critics, but the fierce criticism he received in Paris was also a sign of things to come. Pierre Boulez would later poke fun at Satie’s lack of craft, while composer Jean Barraqué - another proponent of 12-tone music - would deride Satie as “an accomplished musical illiterate … who found that his friendship with Debussy was an unhoped-for opportunity to loiter in the corridors of history”.

Satie is perhaps, to this day, the most audacious and original composer when it comes to naming his works e.g. Gnossiennes and Gymnopédies. With Satie you will not see symphonies, concertos or opus numbers. Satie possessed a wicked sense of humour and his mockery, both of himself and others, became an inspiration for many of his irony-tinged works. His Sonatine bureaucratique is a spoof of Muzio Clementi’s Sonatina Op. 36 and contained many witticisms in the score. For example, he writes Vivache (vache being French for cow) instead of the original Italian tempo marking Vivace.

Whether in the collage-like miniature piano parodies he wrote during the World War I, his creation of a theatre format that has endured over the years, or in his collaboration with Jean Cocteau, Pablo Picasso y Sergei Diaghilev, there is a liveliness of imagination and a hunger for innovation that made Erik Satie In the torch bearer of the vanguard in his work. Satie would influence so many so strongly that years later some of his closest friends became radical artists, for example. ManRay, the sculptor Constantin Brâncusi, and Marcel Duchamp, or a much younger group of Paris-based composers like Les Six.

Satie, a known drinker of absinthe, and apparently every other alcohol available, died of cirrhosis at the age of 59 in Arcueil, France in July 1925. But his compositions, especially those deceptively simple-sounding solo piano works, find life today through recitals, concerts, and great movie scores. Although he died in poverty with little success to his name, today Erik Satie is acknowledged as a founder of 20th-century modernism, who changed the face of music.

Personally I do find Satie's music enriching, But I also find that his calculated wackiness is culturally apt. Pieces like ‘3 Pieces in the Shape of a Pear’, ‘Flabby Preludes for a Dog’ and ‘Desiccated Embryos’ rewardingly deflate Wagnerism's excesses in a characteristically French way.

[fashionbooksmilano]

Geisha Une tradition vivante

Kyoko Aihara

Editions Soline, Courbevoie 2001, 128 pages, 24x29cm, ISBN 978-2876774315

euro 30,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

C'est un privilège rare que de franchir les rideaux armoriés des anciennes maisons de thé japonaises, d'où la méconnaissance du rôle joué par les hôtesses de ces lieux rompues aux arts de divertissement et connues sous le nom de geishas. Historiquement, ces femmes sont associées à Kyoto, l'ancienne capitale du japon, où les exigences traditionnelles de leur formation sont toujours en vigueur aujourd'hui. Geisha explore tous les aspects de la vie, souvent pénible, de ces femmes remarquables leur costume, leur coiffure et leur maquillage élaborés, les cérémonies et les rituels auxquels elles participent, leur excellence dans la pratique des arts traditionnels et les relations qu'elles entretiennent avec les hommes et le monde extérieur. Les maiko et les geiko de Kyoto occupent une place à part dans la culture japonaise. II y a un siècle encore, on les voyait déambuler dans les rues de la ville, comme d'autres femmes aux activités proches dans d'autres villes du Japon. Aujourd'hui, leur existence se trouve menacée ; peu de femmes choisissent ce métier exigeant. En effet, de nombreuses années d'études leur sont nécessaires pour perfectionner leur connaissance des arts, apprendre à mener une conversation avec brio afin de divertir les hommes dans le respect de la tradition et à participer aux festivals saisonniers. Kyoto est la seule ville à proposer une formation de haut niveau qui garantit que les maiko et les geiko en exercice sont les véritables gardiennes du patrimoine culturel de leur pays. Le livre éclairant de Kyoko Aihara, richement documenté et illustré de photographies originales, dresse un portrait détaillé d'un pan de la société japonaise encore nimbé de mystère.

Kyoko Aihara est née à Yokohama, au Japon. Diplômée en histoire de l'art de l'Université de Tokyo, elle est ensuite allée étudier l'allemand à Cologne. Depuis 1994, elle est journaliste et photographe free-lance au Japon. Elle a publié de nombreux livres (tous illustrés de ses propres photographies) et rédigé pour de multiples journaux et magazines japonais des articles sur un vaste éventail de sujets. Les contacts privilégiés qu'elle a noués avec les maiko et les geiko de Kyoto lui ont permis de pénétrer l'univers des maisons de thé de la ville et d'écrire ce livre remarquable, unique en son genre.

07/12/23

[christian-dubuis-santini]

Victor Pelevine a publié un livre satirique divertissant intitulé Transhumanism INC.

Pour ceux qui ne le connaissent pas, Pelevine est probablement l’écrivain russe vivant le plus important, un Voltaire du XXIe siècle, en quelque sorte. C’est une énigme, car personne ne l’a aperçu au cours des dix dernières années, bien qu’il produise un livre par an, et le publie invariablement au début du mois de septembre. Ses premiers livres ont été traduits et publiés en Occident, surtout pour leur côté antisoviétique. Plus tard, il a attaqué (ou raillé) l’ordre du jour occidental dominant, et on a cessé de le publier en anglais, alors que ses livres sont imprimés à des millions d’exemplaires pour les lecteurs russes politiquement incorrects. Un lecteur de Ron Unz apprécierait ses écrits satiriques. Pelevine s’intéresse à Wikileaks et à l’Afghanistan (The Anti-Aircraft Codes of Al Efesbi), aux droits de l’homme comme prétexte aux bombardements (S.N.U.F.F.), aux rôles des sexes et à la diversité (IPhuck 10), au politiquement correct comme complot du GRU contre la société américaine (The Art of Light Touches), et maintenant il s’en prend au transhumanisme.

L’histoire se déroule dans 300 ans. Les personnes les plus importantes du monde se sont débarrassées de leur corps et ont déplacé leur cerveau pour qu’il soit conservé et entretenu pour toujours par Transhumanism Inc. pendant qu’ils profitent des plaisirs paradisiaques induits par le numérique. Chaque humain a un implant cérébral et se laisse guider par l’IA. Le sale boulot est fait par des esclaves clonés qui sont tous blancs pour se conformer aux idées de BLM. Selon la loi, les esclaves doivent toujours porter un masque sur le visage, quelle que soit la situation épidémiologique. Les esclaves eux-mêmes ne tombent pas malades, mais ils propagent les virus de manière asymptomatique. Il n’y a pratiquement pas de sexe, tel que nous le connaissons: les femmes préfèrent sodomiser leurs partenaires masculins pour se venger du patriarcat. L’agenda vert a gagné ; il n’y a plus de voitures, seulement des chevaux et des calèches à puce. L’électricité est chère et les gens se débrouillent avec des lampes à kérosène.

La Transhumanism Inc. a une filiale, Open Mind, qui s’occupe de l’esprit des gens. Open Mind est un Facebook amélioré auquel vous ne pouvez pas échapper, ou des lunettes intelligentes de Google que vous ne pouvez pas enlever. Lorsque vous regardez une personne ou un bâtiment, ou que vous écoutez une chanson, Open Mind vous suggère la bonne réaction, la bonne évaluation. La fille d’un banquier a l’air charmante, une chanson populaire a l’air populaire, dès lors que les créateurs ont payé la publicité ad hoc. Ainsi, les réactions humaines sont gardées sous contrôle. Ce système coexiste avec la politique locale. Dans le roman, la Russie a un gouvernement quasi communiste-nationaliste qui a également accès à l’implant, mais la grande majorité des réponses est déterminée par le marché, c’est-à-dire par la Transhumanism Inc. Le grand dirigeant russe communiste-nationaliste, un Poutine sous stéroïdes, a également son cerveau stocké, à côté de celui du Cheikh Ahmed, le chef du djihad mondial.

Ce n’est pas très différent de ce que nous avons aujourd’hui. Les gouvernements diffèrent, les partis diffèrent, de Poutine à Modi, de Biden à Merkel, mais les réponses humaines et l’ordre du jour sont assez similaires dans le monde entier, qu’il s’agisse du covid ou du climat, de la privatisation ou du transgenrisme. Là où ils ne sont pas si superposables, ils se rapprochent de cette similitude. Dans le triste monde du transhumanisme, les dirigeants ont succombé à la tentation suprême de vivre éternellement au paradis tout en restant en contact avec leurs pays. Leurs cerveaux (placés dans des bocaux) reposent sur une étagère dans une cave bien protégée à Londres ou dans le Nevada, mais à tout moment, ils peuvent se connecter à leurs assistants (comme dans le film Avatar) et interagir avec des personnes de moindre importance.

(Extrait d’un billet d’Israël Shamir)

[pauline-lewis]

Xanadu (Robert Greenwald, 1980)

Parfois l'amour vous amène à de drôles de découvertes. Ici, c'est mon amour pour la comédie musicale (et pour Gene Kelly) qui m'a menée à découvrir Xanadu (1980), un objet cinématographique vraiment étrange et en même temps tellement over the top que je dois bien avouer que son numéro de séduction a un peu fonctionné sur moi. Le film raconte l'histoire d'un jeune peintre un peu paumé, qui en a marre que son art se limite à reproduire des pochettes d'album à la chaîne. Un jour, une belle femme mystérieuse (ce seront là ses seules caractéristiques) interprétée par Olivia Newton-John arrive en patins à roulettes (logique). Elle devient sa muse (mais genre, vraiment sa muse, elle descend tout droit du Mont Olympe et discute avec Zeus — une scène lunaire). Voilà les seuls éléments "solides" du scénario, tout le reste est en roue arrière sur l'autoroute du "mettons juste des lasers et ça passera". Notre héros rencontre un ancien musicien (Gene Kelly) avec qui il décide d'ouvrir une discothèque (?) parce qu'il a besoin d'un rêve pour exister (pourquoi la muse ne l'encourage pas plutôt à peindre ? Mystère non résolu à la fin du visionnage). Le film est un mix and match kitschissime de danses en patin à roulettes, de scènes de relooking façon Pretty Woman (Gene Kelly qui essaie des costumes colorés !), de figurant·es avec des coupes de cheveux improbables, de la musique hyper catchy d'Electric Light Orchestra, de gros plans sur les fesses des danseuses (les 80s), le tout dans une ambiance crépuscule du disco — "sortez les paillettes ça sent le sapin". Il y a aussi un sous-texte de la "musique de jeunes" VS "la musique de vieux", avec quelques clash musicaux chorégraphiés franchement assez divertissants. Oui c'est dur pour moi de résister à autant de n'importe quoi. Je suis attirée par les bruits de laser qui ponctuent le film comme un papillon de nuit à l'ampoule moche du garage.

Ce qui est émouvant, évidemment, c'est de voir Gene Kelly dans son dernier grand rôle. Dans une scène assez belle, il écoute un disque et fait apparaître devant ses yeux tout un groupe. Il enchaîne avec un charmant pas de deux et un numéro de claquettes avec Olivia Newton-John (il paraît que ce film a un peu brisé sa carrière alors même qu'elle sortait du succès mondial de Grease, et ça me rend bien triste).

Si vous aimez le disco, les paillettes, Gene Kelly, le sourire irrésistible d'Olivia Newton-John, si vous êtes un gros papillon-humain qui ne peut pas s'empêcher de voler vers les paillettes et les coupes de cheveux craignos, si vous voulez voir DIX MINUTES ININTERROMPUES de danse en patins dans un night club éclairé de néons, alors lancez Xanadu.

[galerie-grace]

Galerie Grâce. L'art est spirituel ou n'est rien.

J'ai le plaisir de vous annoncer la création de ce site de la Galerie Grâce, qui après plusieurs années de repli et de patience a repris au printemps de cette année 2023 ses activités initiales de Galerie pour l'art spirituel  Ce site a été créé pour annoncer les expositions, renvoyer aux sites des artistes présentés, évoquer le travail de certains artistes qui ont sincèrement participé aux expositions et aux actions de Grâce depuis vingt ans et s'ouvrir à d'autres artistes en affinité qui voudront nous rejoindre avec un projet. Ce site permettra encore à ceux qui désirent nous soutenir de découvrir et d'acquérir en ligne des œuvres disponibles des artistes représentés par la Galerie. Ces œuvres disponibles seront progressivement publiées sur ce site par thème ou par artiste avec les précisions nécessaires à leur appréhension. Je publie en illustrations de l'éditorial de ce site de la Galerie Grâce, repris ci dessous, quelques affiches de nos expositions passées. Au plaisir de vous accueillir sur le Site et prochainement à la Galerie  où deux expositions sont prévues pour 2024... 

Ce qui distingue fondamentalement une œuvre d'art d'un objet ordinaire comme de la plupart des œuvres que l'on ose présenter de nos jours dans les musées et les galeries comme étant de l'art, c'est qu'en présence d'une œuvre d'art véritable vous êtes non seulement attiré vers elle, mais appelé en elle et touché au cœur par cette œuvre qui vous révèle une dimension inconnue de vous-même. Une œuvre d'art véritable vous émeut, met véritablement votre âme en mouvement et votre esprit en révolution et en évolution, elle vous approfondit et vous élève en un même mouvement, vous rendant plus humain et plus vivant, vous donnant d'éprouver une émotion nouvelle et durable : une joie, une admiration, une affection, une illumination, une vision, une reconnaissance, une gratitude pour l'artiste qui l'a faite et pour l'Esprit qui l'a inspirée et qui vous a conduit à la rencontrer en personne pour qu'elle vive en vous pour toujours.

Ceux qui ont connu et vécu de telles expériences esthétiques savent parfaitement que l'art est spirituel ou n'est rien. (1)

Rien, vraiment ?

Rien d'autre en tous cas que de l'art faible, de l'art fabriqué pour la mode, le divertissement, la frime, la décoration, la spéculation, le commerce, de l'art pour épater la galerie, de l'art foireux, de l'art jetable, et hélas de l'art officiel. Rien d'autre en définitive que de l'art faussé, vil et vide, présenté pour être vendu à ceux qui n'ont jamais rencontré et vécu en vérité une œuvre d'art digne de ce nom, qu'elle soit un tableau, une fresque, une sculpture, une architecture, un dessin, un opéra, une symphonie, un ballet, un poème, un roman… en un mot un chef-d'œuvre, c'est-à-dire une œuvre humaine qui poursuit et révèle à ceux qui la vivent l'Œuvre originelle, l'Œuvre perpétuelle et divine de l'Esprit donateur de la vie et créateur de tout ce qui est nécessaire à son accroissement et à son accomplissement.

L'art officiel marchand appartient au monde et à son pouvoir, celui de l'argent, celui du néant. L'art spirituel appartient à la Grâce. Il vient de l'Esprit qui nous fait à son Image et désire se faire connaître à notre esprit. Il vient du Vivant qui désire se faire connaître aux vivants que nous sommes. Comme l'Esprit lui-même, l'art spirituel est vivant et libre et contribue a faire des humains des êtres plus vivants et plus libres, accomplissent ainsi la vocation véritable des arts. Ceux qui le cherchent le trouvent : ce sont ceux qui, de tout temps, l'ont fait et le font encore : les artistes. Et ce sont ceux qui le refont en leur âme, le vivent en leur esprit. Parmi eux, il y a ceux qui aident et soutiennent les artistes à accomplir leur œuvre essentielle.

Tout cela, deux artistes spirituels du XXe siècle l'ont vu : Marcel Duchamps et Vassily Kandinsky. Chacun à leur manière soutenait que l'art est spirituel ou rien et qu'il ne vit et ne reprend vie que dans l'œil de ceux qui le regardent et dans l'âme de ceux qui l'aiment.

La Galerie Grâce fut créée à Bruxelles en 2003 par Robert Empain, qui fut bientôt rejoint par Saskia Weyts. Tous deux étaient animés par cet esprit qui anima les fondateurs de la Modernité artistique intiiale et, face au nihilisme de la modernité matérialisme, par la nécessité d'un retour du spirituel dans l'art.

La vocation de la Galerie Grâce était et demeure de faire découvrir le travail de certains artistes spirituels actuels aux amoureux de l'art véritable. Ses principes fondateurs étaient et demeurent ceux de la grâce : gratuité, liberté, beauté, fraternité, générosité, amitié, inspiration, création et action.

De 2003 à 2012, la Galerie orgainsa de nombreuses expositions en ses murs et hors de ses murs, elle exposa ainis gratuitement une trentaine d'artistes. Mais force fut de constater au terme de ces annnées que très peu d'artistes étaient véritablement animés par l'Esprit qui animait les fondateurs. Le projet de constituer un groupe et d'ébaucher un mouvement artitstique spirituel fut donc reporté à plus tard.

`Entretemps, le mouvement profond de curiosité et de régénération spirituelle apparu au XXe siècle, en réaction à sa barbarie sans précédent dans l'histoire humaine, s'était dévellopé et un timide retour du spirituel fit son apparition dans les arts contenporains. Ce mouvement commença tout récemment à susciter l'intérêt des milieux institutionnels de la culture.

Après quelques années de patience, les fondateurs de la Galerie Grâce décidèrent donc de reprendre ses activités en mai et juin 2023 avec la Rétrospective des travaux sur papier de Robert Empain. Cfr: l'article ci-contre : Œuvrer ! Vers un art spirituel - Galerie Grâce - Bruxelles

En 2024, deux expositions auront lieu à la Galerie Grâce : celle de Robert Empain au mois de juin et celle Saskia Weyts en septembre. Nous y reviendrons.

Ce site de la Galerie Grâce a été créé pour accompagner cette nouvelle étape, annoncer les expositions, renvoyer aux sites des artistes présentés, évoquer le travail de certains artistes qui ont sincèrement participé aux expositions et aux actions depuis vingt ans et s'ouvrir à d'autres artistes en affinité qui voudront nous rejoindre.

Ce site permettra encore à ceux qui désirent nous soutenir de découvrir et d'acquérir des œuvres disponibles des artistes représentés par la Galerie. Les œuvres disponibles seront progressivement publiées sur ces pages, par thème ou par artiste, avec les précisions nécessaires à leur appréhension. Pour toute question, information ou acquisition, nous vous prions de contacter la Galerie par e-mail ou par téléphone.

Grâce à vous

(1) Sur notre site "Attention l'art peut ressusciter la Vie ! " nous publions des (images) d'œuvres de tous les temps susceptibles de vous faire vivre, lors de rencontres réelles avec elles, de telles expériences esthétiques.

Grâce aux artistes et aux amis qui ont, chacun à leur manière et selon leurs talents, participé et soutenu les actions et les expositions de Grâce : Kivin Broutin, Catherine Caba, Thierry Berlanda, Marc Carniel, Alain Cavalier, Marine Cuvelier, Guy Delrez, Eddy Devolder, Annick de Souzenelle, Réjean Dorval, Flore Dumortier, Charlotte Dunker, Robert Empain, Michel Farin, Marcelle Gaillard, Aurélie Gatet, Viviane Guelfi, Bernard Hubot, Jolie Julien, Elise Mols, Jean-Marie Mahieu, Yvon Munster, Philippe Pavageau, Alina Reyes, Laurence Skivée, Jean-Marie Stroobans, Virginie Stricane, Denis Vasse, Jacques Vanderbiest, Bart Vonck, Saskia Weyts, Alain Winance.

[aurevoirmonty]

"La culture, dans le sens traditionnel du terme, est sur le point de disparaître… La banalisation des arts et de la littérature, le triomphe des médias scandaleux et la frivolité de la politique sont des symptômes d'un mal bien plus grand qui nuit à la société d'aujourd'hui : la sacralisation du divertissement en tant que valeur suprême et but ultime de notre existence. Si dans le passé la culture était une boussole, un guide et une sorte de conscience qui nous empêchait de tourner le dos à la réalité, aujourd'hui, à l'ère des faux idoles et de la post-culture, la primauté du spectacle et de la superficialité est devenue la règle qui endort toute conscience morale, intellectuelle et politique, aveuglée et annihilée conjointement avec notre liberté."

Mario Vargas Llosa

[havaforever]

ELEMENTAIRE - On savait Pixar capable de beaucoup de choses au vu de leur inventivité narrative et leur maestria technique inégalable durant bien deux décennies dans le domaine de l’animation. Ils ont tout de même su nous émerveiller avec un robot muet ( Wall-E), nous faire pleurer à chaudes larmes quand un gamin dit au revoir à ses jouets et à l’enfance (Toy Story 3) ou encore nous toucher en plein cœur avec les rêves et cauchemars d’une petite fille (Monster & Cie).

Pourtant, ils ont connu un passage à vide avec pas mal de films consécutifs tout juste corrects comme Vice Versa ou en tout cas pas extraordinaires comme En avant ... Heureusement, cette petite crise s’est déroulée en partie durant la période de crise sanitaire et de crise des salles de cinéma, passant plus inaperçue. Et voilà qu’ils nous reviennent en très grande forme avec cet Élémentaire, un film au concept tout aussi élémentaire que son titre en plus d’être évident. A tel point qu’on se demande pourquoi aucun studio d’animation n’y avait pensé avant (peut-être à cause de barrières techniques).

Faire un film mettant en scène les quatre éléments que sont l’eau, la terre, l’air et le feu est une idée de génie. Et parce que Pixar nous surprend toujours, il baigne ce pitch aux possibilités infinies dans une comédie sentimentale (leur première vraie) aux accents sociaux culturels. Et en plus, le film a le mérite de prôner le vivre ensemble et l’ode aux différences tout en conspuant le racisme et revisitant l’Histoire américaine ses vagues d’immigration. Tout cela dans un film familial et animé? Oui, c’est possible, Pixar l’a fait et plus que bien!

On parle quand même ici d’une histoire d’amour entre une flamme et une flaque d’eau! Ridicule? Absolument pas, c’est bourré d’inventivité et beau à se damner, aussi bien sur le plan émotionnel que visuel. Imaginez : deux êtres qui s’aiment mais qui ne peuvent se toucher faisant penser à tant de romances impossibles que le septième art a pu produire. Si ce n’est la ville d’Elemental City qui ressemble un peu à celle de Zootopie (avec le gag de l’agent administratif mou au possible copié sur ce dernier), le peuple de la terre un peu mis de côté et quelques longueurs sur la fin, Élémentaire demeure un très grand film où la beauté de l’animation est extraordinaire (toutes ces textures et techniques différentes pour figurer les différents éléments/personnages avec un faible pour ceux du feu).

L'intensité de l'animation, se conjugue avec précision d’un scénario riche en plus d’être à plusieurs niveaux de lecture et pour tous les âges. Le peuple malaimé du feu pourrait être autant les autochtones que n’importe quel peuple brimé durant l’histoire. Les dialogues et les jeux de mots avec les éléments sont imparables et excellents, utilisant la richesse du champ lexical sur le sujet.

Un régal de tous les sens, de l'esprit, et un divertissement qui regorge de quelque chose d'aussi joyeux qu'explosif.

NOTE 17/20 - On a les yeux remplis d’étoiles durant une heure et demie de bonheur devant une œuvre aux couleurs sublimes qui surprend et émerveille sans discontinuer. Tout feu, tout flamme, ce Pixar vous met l’eau à la bouche tout du long.

[mogkiompmovieguide]

J'ai vu INFINITY POOL ce soir.

... J'ai pris une bonne claque, et il va falloir faire le point.

J’ai vu le dernier film de Brandon Cronenberg, Infinity Pool sorti à la fin de l’année dernière (2022), avec la superbe, sexy et étrange Mia Goth, devenue déjà l’actrice incontournable de notre époque en matière d’Horreur, de science-fiction et de cinéma de genre. Sous des aspect rétro nostalgiques se cachent en fait de véritables innovations filmiques.

Il faut que je vous parle de cette nouvelle vague de réalisateurs et acteurs du neuvième Art à la matière horrifique moderne et de leurs Thrillers psychanalytiques à la cinématographie sophistiquée et cérébrale.

Il faut que je vous parle de ces nouveaux artistes du Cinéma d'Horreur, des mauvais clichés populaires lorsque l'on parle de "films d'Horreur", de la confusion entre Art et divertissement / Entre le genre et la classification.

Je vous laisse pour le moment sur cet extrait et liste des films à venir sur DTND. Voilà un aperçu de ce que je viens de regarder, Infintiy Pool.

[coco-colada]

Mes 32 albums préférés de 2022 classés selon leurs pochettes (4 sur 4)

7. Kublai Khan TX - Lowest Form Of Animal

(hardcore, metalcore)

La voix du chanteur de Kublai Khan TX est absolument décâlissante et parfaite pour ce genre de musique brutale et déchirante. ''Swan Song'' est un point fort du EP, traitant de la violence que subissent les travailleuses du sexe, cette track est autant abyssale dans son propos que sa livraison. La pochette est très jolie. Présentant des lieux sales en décrépitude, elle utilise soigneusement une palette de couleurs ternes sur les photos pour faire ressortir à la fois leur laideur mais aussi leur beauté.

Kublai Khan TX - Swan Song feat. Scott Vogel

6. Sebii - VVYELLOW

(hyperpop, rap)

Sebii propose ici un EP somme toute convenu, mais quand même divertissant, fidèle au style joueur et coloré de l'artiste. Toutefois, les paroles sont un peu génériques et il manque un p'tit oumf à la plupart des tracks du projet. Par contre, sa pochette, elle, tombe pile dans mes goûts haha. Faite à partir d'un kiwi (?), la genre d'étoile nous interpelle du regard et nous pousse à analyser sa construction. Ce EP se situe également dans une continuité avec deux projets précédents de Sebii, soit VVBLUE et VVRED, et j'apprécie l'unicité entre les trois pochettes.

Sebii - STFU...ur done

5. Charli XCX - CRASH

(pop, dance)

Avec cet album, Charli XCX délaisse l'hyperpop plus expérimental qu'elle avait adopté sur ses deux derniers LPs. C'est malheureusement un exercice impertinent selon moi, car en résulte un album que, certes j'ai finis par aimer pour son côté catchy, mais qui suit de façon assez conventionnelle les codes de la pop contemporaine. La pochette est à mon avis ce qu'il a de plus intéressant à offrir! Sans réinventer la roue, ce cover fait sa job parfaitement en allant droit au but. Il est efficace dans sa composition, jouant avec la profondeur, et il utilise l'imagerie de l'accident de façon percutante. Il évite aussi le piège d'ajouter du texte superflu.

Charli XCX - Beg For You feat. Rina Sawayama

4. Thee Oh Sees - A Foul Form

(garage rock, punk)

Je ne suis pas si familier avec la discographie du band, mais j'ai bien aimé cet album de Thee Oh Sees. Étant d'une durée de 22 minutes, ce projet est comparable à un épisode d'un bon cartoon: explosif, mémorable et sans filler. Bien que je ne sois pas fan des pochettes en tons de gris, celle-ci possède un point fort: squelette. Beaucoup de personnalité se dégage de ce petit crâne aux yeux globuleux et il représente bien le contenu de cet album, soit du rock assez corrosif, pas overthinké et très sympathique.

Thee Oh Sees - Funeral Solution

3. black midi - Hellfire

(experimental rock, jazz fusion)

Ce troisième album de black midi ne récrée pas la surprise du premier, mais pousse le groupe dans une direction plus grandiose que leur deuxième opus. Leur musique rock expérimental complètement zinzin est une fois de plus au rendez-vous, et je trouve que leur storytelling est davantage efficace. Les histoires racontées sont spectaculaires et le côté théâtrale est 100% assumé. La pochette, fidèle aux habitudes du groupe anglais, est sublime! Un gros clusterfuck de couleurs, de textures et de trucs de toutes sortes. David Rudnick, l'artiste responsable de ce cover, a produit une œuvre à l'image de l'album, très chargée et abrasive.

black midi - Welcome To Hell

2. Guerilla Toss - Famously Alive

(art pop, noise rock)

Je ne connaissais pas ce band avant d'entendre cet album et je suis vraiment tombé sous le charme! Les dix morceaux de ce long-jeu travaillent ensemble pour créer une expérience complètement euphorique. Je ne suis pas attiré d'emblée par la musique qui évoque la beauté et le bonheur, mais Guerilla Toss le fait ici avec beaucoup de mordant et d'originalité, utilisant des couches épaisses de vocals mielleux et de mélodies dansantes pour abriller le background expérimental qui sert de fondation à ce projet. La pochette reflète parfaitement ce sentiment d'extase que l'album suggère. Je ne suis pas certain de ce qu'il représente (de la mousse de moisissure qui prend vie sur un liquide?), mais quoi qu'il soit, ce cover, qui met l'accent sur ses couleurs excessivement vibrantes, a immédiatement capté mon regard et je le trouve toujours aussi joli presque un an plus tard! ✨🙂

Guerilla Toss - Famously Alive

1. HEALTH - DISCO4 :: PART II

(metal, industrial, electronic)

Excellent album qui, au travers de collaborations avec différent.e.s artistes sur chaque track, crée une ambiance sinistre, mystérieuse et dévastatrice. Toutefois, la voix douce et angélique du chanteur de HEALTH, dosée judicieusement, permet au projet d'atteindre une beauté étonnante entre les débris de la violence si cathartique. De plus, le petit côté fantasy qu'on retrouve sur plusieurs tounes solidifie son originalité et sa place comme l'un de mes albums préférés de l'année! Et c'est cette pochette que je place au sommet du classement! Hautement contrastée, elle utilise une image très noisy et brutale, mais fait ressortir cette violence avec une structure solide et une typographie lourde et puissante, mais lisible. C'est définitivement un produit de son époque, mais reste que c'est, à mon avis, la pochette la plus percutante, attirante et efficace de 2022.

HEALTH x THE BODY :: AD 1000

Merci beaucoup de m'avoir lu, j'espère que vous aurez pu d��couvrir deux ou trois projets cools au travers de mes recommandations ! 🙂

[haitilegends]

Adieu Pele!

Edson Arantes do Nascimento (23 Octobre 1940 - 29 Décembre 2022.

Neymar - ''Avant Pelé, 10 n’était qu’un chiffre.

J’ai lu cette phrase quelque part, à un moment de ma vie.

Mais cette phrase, belle, est incomplète.

Je dirais avant Pelé le football était juste un sport.

Pelé a tout changé.

Il a transformé le football en art, en divertissement

J’ai donné la voix aux pauvres, aux noirs et surtout :

A donné de la visibilité au Brésil.

Le football et le Brésil ont élevé leur statut grâce au roi !

Il est parti mais sa magie reste.

Pelé est POUR TOUJOURS !!

Le football perd son roi… Adieu Pelé !

https://www.forbes.fr/business/le-football-perd-son-roi-adieu-pele/

Considéré par beaucoup comme le plus grand joueur de football de tous les temps, Pelé est décédé jeudi 29 décembre à l’âge de 82 ans après une longue bataille contre le cancer.

« L’inspiration et l’amour ont marqué le parcours du roi Pelé, qui s’est paisiblement éteint aujourd’hui. L’amour, l’amour et l’amour, pour toujours », pouvait-on lire jeudi sur les réseaux sociaux de Pelé.

Né Edson Arantes do Nascimento en 1940 à Três Corações, au Brésil, il était surnommé « Pelé » en raison de sa mauvaise prononciation de Bilé, son gardien de but préféré et coéquipier de son père.

Bien que son père, Joāo Ramos, connu sous le nom de « Dondinho », soit un joueur de football, Pelé grandit dans la pauvreté, son père ayant du mal à gagner sa vie grâce à ce sport. Cela n’a pas empêché la future star du ballon rond de s’entraîner et de développer un talent naturel pour le football.

Grâce à Waldemar de Brito, ancien joueur de l’équipe nationale brésilienne, Pelé développe son jeu sur le terrain avec les juniors du Bauru Athletic Club. À 15 ans, toujours sous l’impulsion de Waldemar de Brito, il fait un essai pour le Santos FC, l’un des meilleurs clubs du Brésil, et intègre l’équipe.

Il devient rapidement le meilleur buteur du club et est sélectionné en équipe nationale, devenant le modèle du footballeur superstar que les ligues européennes cherchent à recruter.

Le Brésilien a bétonné son héritage au début de sa carrière lors de la Coupe du monde 1958 en Suède, faisant ses débuts dans la compétition à l’âge de 17 ans et devenant le plus jeune joueur à participer à une finale de Coupe du monde, que le Brésil remporte ! Pelé et la Seleção remportent également les Coupes du monde 1962 et 1970 : le Brésilien entre alors dans la légende en devenant le seul footballeur à détenir trois titres de champion du monde.

Le 11 décembre 2000, la FIFA décerne à Pelé le titre de joueur du siècle, une distinction que la star brésilienne partage avec l’Argentin Diego Maradona.

Luiz Inácio Lula da Silva, président élu du Brésil, a salué la carrière et le nom de Pelé : « Peu de Brésiliens ont porté le nombre de notre pays aussi loin que lui ». Les hommages du monde du football n’ont pas tardé à affluer. « Le roi du football nous a quittés, mais son héritage ne sera jamais oublié. RIP KING », a publié Kylian Mbappé sur ses réseaux sociaux, accompagné d’une photo de 2019 avec Pelé.

Le roi est mort, vive le roi !

Par Marc Cassivi https://www.lapresse.ca/sports/chroniques/2022-12-29/le-roi-est-mort-vive-le-roi.php

C’était le roi. Un avant-gardiste, un défricheur, un précurseur. Il a tout fait, avant tout le monde. Il a multiplié les gestes techniques et les audaces, fait entrer dans la légende le retourné acrobatique et le lob au-dessus du gardien de la ligne médiane (tenté en pleine Coupe du monde). Il a réussi la feinte de Cruyff avant Cruyff, la roulette de Zidane avant Zidane, le coup du foulard de Ronaldo bien avant Ronaldo.

À 17 ans, Pelé a marqué six buts en quatre matchs de Coupe du monde, dont trois en demi-finale et deux autres en finale, menant le Brésil à son premier de trois titres mondiaux sous son règne (1958, 1962, 1970). Un adolescent dominant le monde par son athlétisme, sa fantaisie, son inventivité, son instinct du but.

Je n’ai jamais eu la chance, bien sûr, de voir jouer Pelé. Je l’ai aperçu une fois, au loin, célébrant le dernier sacre du Brésil en Coupe du monde, en 2002, au Japon. Mais j’ai vu des extraits d’archives de ses plus beaux buts – et de certains qu’il a ratés au terme de manœuvres extraordinaires, dont le grand pont face au gardien uruguayen en demi-finale du Mondial de 1970 – à des centaines de reprises.

Chaque fois, je me suis dit qu’il donnait l’impression d’être des décennies en avance sur son temps. Ce n’est pas pour rien qu’il était surnommé le roi. Il aurait été tout aussi impérial en 2022, avec le même style de jeu qu’en 1962, dominant ses adversaires par son agilité, sa force physique, sa vision.

C’était l’archétypal numéro 10, le milieu offensif qui inscrivait des buts et en préparait d’autres pour ses coéquipiers.

Son nom a résonné pendant toute mon enfance. Il était synonyme de soccer, de football, de futebol. Un mythe. Je me souviens d’une fête chez un de mes coéquipiers de soccer, à 9 ou 10 ans. Sur le précieux magnétoscope VHS, que l’on n’avait pas encore la chance d’avoir à la maison, on avait regardé Escape to Victory, un film de John Huston dans lequel une équipe de soccer d’officiers nazis affronte une bande de prisonniers alliés dans un camp allemand.

Sylvester Stallone (qui incarnait un prisonnier de guerre de l’armée canadienne) gardait les buts, Bobby Moore défendait, Michael Caine officiait au milieu de terrain en compagnie d’Osvaldo Ardiles, et Pelé marquait d’une magistrale bicyclette, sa marque de commerce.

Depuis, je ne compte plus le nombre de documentaires que j’ai vus mettant en vedette Pelé : pendant toutes ses années à Santos, dans la seleçao brésilienne, avec le Cosmos de New York dans les années 1970, où il s’était exilé pour se refaire une santé financière.

Physiquement aussi, il était usé, après des années à avoir été promené comme une bête de foire sur tous les continents pour des matchs amicaux de Santos.

Dans sa carrière, Pelé a disputé 1363 matchs, dont à peine plus de la moitié, 831, étaient des matchs officiels. On ne s’étonne pas qu’il ait juré, après avoir disputé seulement quatre matchs en deux Coupes du monde, en 1962 et en 1966, blessé et traqué par ses adversaires, de prendre sa retraite internationale à 25 ans. Il s’est ravisé et a brillé de tous ses feux au Mondial de 1970 au Mexique.

On retiendra ses 1281 (ou 1283) buts (dont entre 757 et 767 dans des matchs officiels) : son fabuleux premier but en Coupe du monde face au pays de Galles en quart de finale du Mondial de 1958, le coup du sombrero menant à l’un de ses buts en finale contre la Suède, sa demi-volée après un amorti de la poitrine contre la Tchécoslovaquie à la Coupe du monde de 1970.

O Rei était évidemment bien plus que ça. Il était capable de faire basculer un match grâce à un geste génial, à la manière du Français Kylian Mbappé, peut-être le joueur contemporain qui lui ressemble le plus.

Doté d’un talent naturel incroyable, il était à la fois buteur et meneur de jeu, un joueur offensif redoutable aux qualités physiques et techniques hors du commun.

Pelé étant considéré comme un « trésor national » au Brésil, où il a surtout disputé le championnat régional de São Paulo pendant sa carrière, il n’a jamais été question qu’on le laisse quitter Santos, où il est devenu professionnel à 15 ans, pour un club européen comme le Real Madrid. Il aurait pu s’y mesurer chaque semaine aux meilleurs joueurs de son époque… après lui.

Hors du terrain, il était extrêmement charismatique. Une superstar que tout le monde s’arrachait – les politiciens et les dictateurs, les publicitaires et les commanditaires, les admiratrices… –, si bien que le sport a parfois pris le second rang. Mais dans le cœur des amateurs de soccer, il sera toujours le roi. Pelé le premier. Celui qui a ouvert la voie à tous les autres.

Quelle eulogie!!!

Par Jean Jean-Pierre

Quelle eulogie!!! Moi, j’ai eu l��honneur de lui parler . En fait, c’était juste le contraire quand il m’avait approché en février 1971 à l’Hotel El Rancho. pour me complimenter de mon jeu (quelle générosité!) à la batterie et de me dire que je lui rappelais de ses 17 ans (la photo a disparu dans le cosmos). De son passage en Haïti avec le Santos à sa participation au sein du Cosmos à Giants Stadium (New Jersey), je crois avoir eu le privilège de voir ce gentilhomme de Roi presqu’une dizaine de fois. Quel honneur! Un Roi sur et hors du terrain, Pelé personnifiait tout ce qui y a de bon et de beau d’un être humain. L’incarnation de la beauté humaine.

JJP

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#FootballBrésil

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#HugoValcin

[adamads]

Et bim ! Encore une rouquine ! 

Voici Ianthe Blackwell, la petite sœur de Norem. Ianthe, qui m’a donné du fil à retordre et je ne sais même pas pourquoi. Je crois que je manquais de concentration, tout simplement.

—-------------------------------------- Alerte Pavé—-------------------------------

Dernièrement dans une des vidéos que je regardais, une artiste posait plus ou moins la question suivante : si vous n’aimez pas dessiner, pourquoi insister ? 

Le fait est que le dessin et la peinture sont autant un divertissement qu’un challenge, et qu’en poussant notre art à progresser, nous nous engageons dans un processus qui peut nous procurer autant de plaisir que nous faire souffrir. C’est ce qu’on appelle généralement “une passion”. 

(Pour celles et ceux qui l’ignoreraient, le sens même du mot “passion” est littéralement “souffrance”)

Et on ne se défait pas d’une passion comme on pourrait se défaire d’un passe-temps, car elle occupe pour beaucoup d’entre nous chaque fibre de nous-même. 

Prenons le dessin. Vous aimez dessiner, mais en même temps vous en souffrez. A moins que ce ne soit pour vous un pur hobby, le dessin occupe votre esprit comme un animal sauvage que vous chercheriez à apprivoiser sans trop savoir par quel bout le prendre. 

Si vous le laissez faire, vous devez être patient, attentif, et avoir beaucoup d’espoir, car il y a alors de grandes chances que vous soyez alors de ceux qui pensent en termes de “jour où ça va” et “jour où ça ne va pas”. 

J’ai été moi-même dans ce cas. J’ai patiemment attendu l’illumination et les jours où mon esprit et mon corps seraient suffisamment en harmonie pour arriver à tracer trois pauvres traits et deux têtes mal fichues. 

Ces journées “illumination” se comptant facilement sur les doigts d’une main sur une période d’un mois, autant vous dire qu’en termes de ratio, on ne peut pas trop parler de succès. 

Alors quoi ? 

Alors j’ai appris. Et je suis passé de “apprivoiser” à “dompter”. De “laisser venir” à “aller vers”. 

J’ai dû remettre en question toutes mes certitudes pré-établies, pour pouvoir transformer la “souffrance de l’attente du jour idéal” en “souffrance de la remise en question et de l’apprentissage”. 

Je me suis employée à reprendre tout ce que je pensais savoir et à le remplacer par de nouvelles façons de penser et de voir, dans le but surtout de comprendre comment faire pour avoir le contrôle sur ma passion. 

J’ai mangé des cours, des tutos, essayé une méthode et une autre, appris à voir ce qu’on ne peut pas voir quand on ne dessine pas ou qu’on ne peint pas. (Oui, tout ce que taper un prompt sur une IA ne vous apprendra jamais)

Et toujours malgré tout, et même si je progressais, j’en souffrais. Quelque chose n’allait pas. D’un côté, j'avais la sensation de me forcer à dessiner pour progresser. Et psychologiquement je vivais une dissonance. 

Sauf que de ne rien faire était tout aussi douloureux ! Et chaque fois que je laissais passer trop de temps sans dessiner et /ou écrire (Oui, j’ai besoin des deux), j’avais la sensation de me flétrir. 

La passion c’est ça : quelque chose qui nous fait souffrir, peu importe comment on le prend, mais dont on ne peut pas se passer, sous peine de souffrir également. 🎻🍂

Fin de parenthèse, rangez les violons. 

J’en étais donc à interroger le pourquoi du comment de l’issue de ce cycle infernal, quand cette artiste, donc, a posé plus ou moins cette question : “si vous n’aimez pas dessiner, pourquoi insister ?”

Puis elle a posé la vraie question, celle que j’avais besoin d’entendre : “dessinez-vous pour avoir un joli dessin, ou parce que vous prenez plaisir au processus du dessin ?”

Et c’est là que j’ai prit conscience qu’en fait, j’avais toujours pris le problème à l’envers. Je dessinais pour le résultat, pour aimer le résultat. Mais de la même façon que le plaisir dans un voyage est le trajet d’un point à l’autre, le plaisir dans le dessin n’est pas la destination. C’est le processus. Et si vous ne prenez pas plaisir au fait de dessiner, peindre, écrire, cuisiner, jouer, etc. etc. le résultat ne sera jamais à la hauteur de vos attentes.  

Le plaisir se vit dans le fait de faire les choses. Le résultat n’est en quelque sorte qu’une conséquence, un témoignage, une trace de ce que vous avez vécu pendant la création. Pas un but. Une conséquence. 

Merci aux courageux de m’avoir lue jusqu’au bout  ! <3 

[cinemaylol]

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Découvrez les meilleurs spectacles en France toute l'année

La France est un paradis culturel, réputé pour sa riche histoire, son art et sa passion pour les arts du spectacle. Dans toutes les régions, des spectacles sont organisés toute l'année, offrant d'innombrables possibilités de découvrir tout ce qui va des représentations théâtrales aux tournées de cirque, en passant par les concerts et les festivals. Avec 8 236 spectacles à découvrir, vous pouvez trouver des dates et des lieux détaillés sur le site Web de Flaner Bouger. Que vous soyez amateur d'art de rue, de performances musicales ou de spectacles de danse, la scène artistique diversifiée de la France promet de quoi satisfaire tout le monde.

Une célébration de la créativité toute l'année

Des rues pavées de petits villages aux grandes scènes des grandes villes, la France regorge de spectacles qui répondent à tous les goûts. Que vous prévoyiez une escapade d'un week-end ou un séjour prolongé, vous trouverez un éventail d'événements qui se déroulent tout au long de l'année. Le site Web de Flaner Bouger est votre passerelle pour découvrir ces événements, offrant une liste complète de dates et de lieux de représentations théâtrales, de tournées de cirque, de concerts et de festivals qui se déroulent dans tout le pays. Avec tant de choses à voir et à faire, chaque jour peut être l’occasion d’explorer le paysage artistique florissant de la France.

Partagez vos propres événements avec le public

Si vous êtes un artiste ou un organisateur d’événements, Flaner Bouger n’est pas seulement une ressource pour découvrir des événements, mais aussi une plateforme où vous pouvez partager vos propres créations avec le public. En publiant votre annonce gratuitement, vous pouvez présenter votre travail et inviter le public à découvrir vos performances uniques. Que vous organisiez une exposition d’art de rue, un spectacle de cirque ou une performance musicale, Flaner Bouger vous offre la possibilité de faire connaître vos événements à un public plus large.

Que se passe-t-il en France ?

• Street Art : Le monde vibrant et souvent surprenant du street art est omniprésent en France. Avec des espaces publics transformés en galeries à ciel ouvert, les artistes de rue donnent vie à leur créativité au cœur des villes et des villages. Découvrez des performances spontanées et des peintures murales époustouflantes, ajoutant une touche artistique à la vie quotidienne.

• Spectacles de cirque : Des spectacles traditionnels sous chapiteau aux arts du cirque contemporains, la France a une longue tradition de divertissement de cirque. Ces spectacles mêlent acrobaties, récits et art, créant des expériences magiques pour les publics de tous âges.

• Contes et spectacles : qu'il s'agisse d'une séance de contes ou d'un spectacle vivant captivant, ces événements donnent vie aux contes de manière à captiver petits et grands. Découvrez des spectacles uniques qui vous transportent dans des mondes différents grâce au pouvoir des mots et du jeu d'acteur.

• Spectacles musicaux : la musique est un langage universel, et en France, vous pouvez trouver des spectacles musicaux dans tous les genres. Des orchestres classiques aux groupes contemporains, les spectacles musicaux rassemblent des publics divers pour célébrer le son et le rythme.

• Théâtre : la France est célèbre pour sa tradition théâtrale, et la scène théâtrale du pays est plus dynamique que jamais. Des pièces classiques aux productions d'avant-garde, les amateurs de théâtre peuvent trouver des spectacles pour tous les goûts, avec des lieux allant des grands théâtres aux scènes intimistes.

• Spectacles de marionnettes : parfaits pour les familles et les enfants, les spectacles en France combinent créativité, récits et savoir-faire. Ces charmants spectacles divertissent et éduquent, offrant une expérience agréable aux publics de tous âges.

• Festivals : les festivals sont une pierre angulaire de la culture française, avec des événements dédiés à tout, de la musique et du théâtre au cinéma et à la gastronomie. Ces rassemblements sont l’occasion de célébrer la diversité artistique et de rassembler les communautés.

• Concerts : que vous soyez fan de rock, de jazz, de musique classique ou de hip-hop, la scène des concerts en France offre une multitude d’options. Découvrez de nouveaux artistes ou assistez à des performances de noms établis dans des lieux allant des clubs intimes aux arènes géantes.

• Spectacles de danse : la danse est une autre forme d’expression artistique qui prospère en France. Du ballet classique à la danse moderne en passant par les spectacles de rue, la scène de la danse du pays regorge d’énergie et de créativité.

Explorez et participez à la vie artistique française

La riche scène culturelle française n’est pas réservée aux spectateurs : il existe d’innombrables possibilités de s’impliquer, que ce soit en tant qu’artiste, interprète ou organisateur. En publiant votre événement sur Flaner Bouger, vous pouvez inviter le public à partager votre vision créative. Des performances locales aux productions à grande échelle, vous avez la possibilité de contribuer à la vie artistique dynamique qui fait de la France un leader culturel.

Alors pourquoi attendre ? Plongez dans l’univers du spectacle en France et laissez Flaner Bouger vous guider pour découvrir des spectacles, des festivals et des événements artistiques inoubliables qui se déroulent tout au long de l’année. Que vous soyez un simple spectateur ou que vous partagiez vos propres projets créatifs, les possibilités sont infinies. Laissez-vous séduire par la magie des spectacles vivants et faites partie de la mosaïque culturelle qui rend la France si spéciale.