#himno sinfónico

[gochoversolaripoemas]

Himno sinfónico a tus pies

Me uno a toda la tierra llevado por tus pies cuando regresas descalza de los cerros donde fuiste a soñar al mediodía. 

Con cada pisada tuya se desnuda mi ser y se vuelca en las ciénagas claras de la tarde. 

Son millones mis dobles que se ahogan en la hojarasca que pisas y destruyes

Después conversarás con tus amigas sobre las luciérnagas tempranas, sobre las honduras del sabor de la paella que preparara el tuerto de la siega.

Apoyas un pie y otro mientras ríes. Duendes en las puntas de tus dedos conducen tu risa a las profundidades

Cuando pisas descalza mi deseo

 liberas los pájaros del norte

y nacen grillos en la clamorosa hierba

Cuando pisas descalza mi pasión, el crepúsculo se derrite en la tierra. Y subirás al asno que te conduce a la selva azul donde se pierden los senderos   en el edredón de las mañanas Tu fantasma camina por mi ansias. En el amanecer descubro en mi vientre las huellas oscuras de tus pies pequeños. De ellas surge la risa clara y el campanilleo que me obsesiona al llegar el verano. Observo que trepas a la noche, cazas luciérnagas a la altura de la luna y descalzas lentamente las estrellas. 

De EL UNIVERSO SE DESCALZA - Blog de poemas

GOCHO VERSOLARI Himno sinfónico a tus pies01/05/20242405017839137

Todos los derechos reservadosSAFE CREATIVE

[sonyclasica]

ALEXIS FFRENCH

"TOGETHER WITHOUT YOU"

El pianista Alexis Ffrench lanza su nuevo single "Together Without You" el próximo 21 de junio.

Reserva el álbum AQUÍ

Classical Soul Volume One de Alexis Ffrench, que saldrá a la venta el 20 de septiembre, es una colección de composiciones originales para piano y orquesta, intercaladas con pequeños y refrescantes fragmentos de himnos populares del soul. Reserva aquí el álbum   Convertido en uno de los artistas más inconfundibles y rompedores del Reino Unido, pionero del género "Soul Clásico" y con más de mil millones de streams en su catálogo, la noticia viene acompañada del lanzamiento de su nuevo single "Together Without You" que estará disponible el próximo viernes 21 de junio.   Alexis acerca el piano al gran público. Ya sea actuando en el Concierto de la Coronación del Rey en 2023 ante una audiencia de más de 18 millones de espectadores, presentando su programa de Apple Music después de Rocket Hour de Elton John, actuando en los principales festivales de música y en salas con las entradas agotadas de todo el mundo, impartiendo clases magistrales de educación musical en todo el país o publicando versiones de éxitos actuales de Central Cee, Billie Eilish y otros para una entusiasta audiencia en las redes sociales, Alexis es un apasionado de que la música sea accesible para todos.  

Refiriéndose al próximo álbum, Alexis añade: “Por eso he querido crear una mixtape moderna, una sinfonía de soul clásico para el siglo XXI. Un álbum que pretende replantear la historia clásica, construyendo elevados pilares sinfónicos de 'Black Ivy' a partir de los ecos de los clásicos del soul, en una majestuosa expresión de orgullo, amor, nostalgia y elixir curativo.”   Alexis es una estrella pionera del Soul Clásico, y su sonido se resiste a encajar en un solo género, épocas o expectativas. En lugar de inclinarse hacia el estrecho y tradicional concepto de "clásico", Alexis se abre hacia el exterior, con una perspectiva expansiva, recurriendo a un mosaico de influencias que lleva de la mano al oyente a través de un mundo de posibilidades.   “Together Without You” es el cuarto tema del gran año musical de Alexis, y en Classical Soul Volume One nos espera parte de su música más sentida y comprometida hasta la fecha.

Sigue a Alexis Ffrench en: INSTAGRAM | TWITTER | YOUTUBE | WEB

[elmartillosinmetre]

Valses de Año Nuevo

[La directora polaca Marzena Diakun al frente de los conjuntos de la ORCAM / MARCO BORGGREVE]

Una muestra de las recientes producciones de solistas, conjuntos y discográficas españoles dedicados al sector clásico

Ha cumplido ya 82 años, pero Jordi Savall sigue viviendo en una vorágine de conciertos y grabaciones. Su discográfica Alia Vox no descansa. En 2023, además de alguna reedición sonada (como un par de vinilos con míticos registros para su viola de los años 70), ha publicado uno de esos crossovers entre lo antiguo y las músicas tradicionales y del mundo (Oriente Lux) a los que es tan aficionado, pero además se ha adentrado en el terreno del siglo XIX con fuerza: después de su ciclo sinfónico Beethoven y de su acercamiento a Schubert, ha llevado al disco la Italiana de Mendelssohn, que presenta dos veces, en su versión inicial (1833) y en la definitiva (1834), para, ya terminando el año, elevar el tiro con la edición (siempre lujosa e impecable) de nada menos que la Missa solemnis como culminación de su revolucionario acercamiento al genio de Bonn. Escuchando el despliegue de energía de sus conjuntos, la rebautizada ahora como Capella Nacional de Catalunya y Le Concert des Nations (con Lina Tur Bonet, como en Mendelssohn, de concertino), pensaba en que esta demostración de vigor, creatividad y pasión de alguien que lo ha sido ya todo en su oficio es un buen estímulo para afrontar los desencantos de la edad y del entorno que imponen los tiempos.

Otro de los grandes veteranos de la música antigua española dejó a finales de 2023 un disco extraordinario: Procesional de Sixena. Con cuatro cantantes femeninas (Èlia Casanova, Beatriz Lafont, Laia Blasco y Maria Morellà), absolutamente transfiguradas, y el apoyo de un arpa (Robert Cases) y una fídula (la del director del proyecto), Carles Magraner ha conseguido con su Capella de Ministrers uno de esos hitos musicales que se quedan en la memoria por la belleza serena, intemporal que la música transmite. Se trata de un acercamiento al repertorio de las monjas del Real Monasterio de Sijena (Huesca) según la única fuente musical conservada, el excepcional Procesional de Sijena, elaborado en los siglos XIV y XV, que recoge cantos para diferentes momentos del año litúrgico. Aquí se resumen tres: el día de San Juan Bautista, el Mandatum del Jueves Santo y la Pascua, en los que el gregoriano se mezcla con algunas polifonías e interludios instrumentales a partir de los Códices de las Huelgas y Madrid.

Otro grande de la música antigua, Albert Recasens, terminó 2023 presentando un álbum singular con La Grande Chapelle: música sacra latina de Antonio Rodríguez de Hita (1722-1787), un compositor principalmente conocido por sus comedias junto al dramaturgo Ramón de la Cruz. El repertorio fue compuesto para el monasterio madrileño de la Encarnación y está formado por salmos, motetes, himnos, lamentaciones y, sobre todo, responsorios de Epifanía. Como siempre me pasa con Recasens, la mezcla entre rigor y detalle me deja con ganas de oír más.

Savall, Magraner y Recasens manejan sellos propios (Alia Vox, CDM y Lauda), pero puede que el más influyente sello clásico español sea ahora el granadino IBS, que ha seguido con su extraordinaria cadencia productiva, de la que quisiera destacar ahora tres trabajos. El primero es el que el navarro Eloy Orzaiz ha hecho con un piano de Conrad Graf de 1826-27 en el que recoge los tres Klavierstücke D.946 de Schubert y la Gran Sonata brillante en re mayor Op.106 y una bagatela de Hummel (esta última da título a su disco, La Contemplazione) para mostrar la mala suerte que tuvo Hummel al competir en los libros de historia con Beethoven y Schubert: el brillante virtuosismo de su música, combinado con el lirismo belcantista de ese Larghetto de la Sonata, merece más atención de la que hoy conoce.

Para el segundo, cambiamos de universo radicalmente: el Trío Musicalis (Eduardo Raimundo, clarinete; Mario Pérez, violín y viola; Francisco Escoda, piano) titularon Mosaicos a un álbum que recoge obras de compositores españoles vivos: Héctor Parra, Jesús Torres, José Luis Greco, Ramón Paús y José María Sánchez-Verdú, todas ellas escritas entre 2018 y 2021 para el propio grupo, fundado en el seno de la ONE hace ya 15 años. Cinco nombres para cinco estéticas diferentes y un empeño común, seguir ampliando las posibilidades expresivas de los instrumentos y sus desempeños dentro del marco siempre sugestivo y exquisito de la música de cámara. El resultado: un CD original, sorprendente, inquisitivo.

El tercero nos lleva a la música sinfónica. La polaca Marzena Diakun se pone al frente de los conjuntos de los que es actual titular, el Coro y la Orquesta de la Comunidad de Madrid, para un intenso y poco común recital brahmsiano. Sólo la Rapsodia para alto, coro masculino y orquesta, que canta como solista Agnieszka Rehlis, ha alcanzado cierta difusión entre los aficionados.  Pero aquí se reúnen también la Canción del destino Op.54 (sobre Hölderlin), las Cuatro canciones para coro femenino con dos trompas y arpa Op.17, una selección de seis Liebeslieder-Walzer Op.52, Nänie Op.82 (sobre Schiller) y el Canto de las Parcas Op.86 (sobre Goethe). Del Brahms más aparentemente ligero de los valses al dramático que escribe sobre Goethe o Hölderlin todo está dicho aquí con una propiedad técnica y expresiva y una medida del tiempo que no muchos relacionarían con un conjunto español. Me parece uno de los mejores discos grabados por una orquesta española en los últimos años.

El saxofonista toledano Pedro Pablo Cámara también ha creado su propio sello (Calle 440: tiene que pulir el diseño interior y documental de sus productos), donde acaba de publicar un estupendo álbum mozartiano con un conjunto de saxofonistas que responde al singular nombre de Prochain Arrêt y que proceden del Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska de Madrid, donde Cámara ejerce como profesor. El grupo ha cogido dos de las Serenatas de Mozart escritas para Harmoniemusik (octetos de viento, muy populares en la Viena de finales del XVIII) y las ha pasado a sus instrumentos. Las obras se cuentan entre las mejores del género: nada menos que la Nachtmusique KV 388 de 1782 y la Gran Partita KV 361, de la misma época (quizás un año anterior, aunque no es seguro). En su plena madurez, Mozart logra una combinación de lirismo, divertimento y hondura expresiva como en pocos otros géneros de su catálogo. Los arreglos son tan buenos que uno se olvida del instrumento que escucha porque el mensaje musical del compositor llega en toda su extensión y su verdad.

Debutaron para la fonografía con canciones de García Leoz en un disco titulado Luna Clara, y la soprano pacense Mar Morán y el pianista Aurelio Viribay vuelven al CD con Luna muerta (editado en Cezanne esta vez), repaso por las canciones de Manuel Palau (1893-1967). A la ampliación del repertorio español, el CD añade la posibilidad de escuchar una voz radiante, que se explaya operísticamente de forma brillantísima cuando la ocasión lo requiere, pero sabe recogerse en la intimidad con delicadeza, siempre con insinuante intención expresiva en matices y acentos. Soberbio.

Y para terminar, más valses, que estamos en Año Nuevo. Los doce que el pianista cordobés Pablo Amorós ha dejado con la marca Marfer de un personaje enigmático, Clifton Worsley, seudónimo de Pedro Astort Ribas (1872-1925), un barcelonés, pionero del jazz en España, creador del llamado Vals de Boston (con el primero, luego retitulado Beloved!, se hizo famoso internacionalmente), más lento que el vals vienés o francés y con el que se labró un nombre en la música popular de principios del siglo XX. Worsley fue luego olvidado. Este atrevido CD lo reivindica.

[Diario de Sevilla. 7-01-2024]

[circulopranico]

Kitaro The best of Kitaro 1985

Hoy en #SonidosPranicos oímos a uno de los precursores de la música electrónica ambiental. Un creador que se escapa de la gravitación del planeta, Kitaro es un prolífico compositor, músico y multinstrumentista con más de 40 años de carrera. Cabe mencionar que esta compilación es de los ochentas mientras que su actividad está vigente hasta hoy. En este disco sus temas promedian los 4:30 de duración. No, no necesita más, este virtuoso japonés nos remueve con sus notas al segundo de pulsado el play.

The best of Kitaro contiene doce temas instrumentales, todos etéricos, todos con un rango de atmósferas muy variadas. En sus composiciones no solo entrega melodías hermosas, también recrea sonidos que fácilmente pueden ser usados en filmes de ciencia ficción, como también calza perfecto en el mundo de la publicidad. Sus canciones son verdaderos himnos que evocan sentimientos elevados.

Un futurista, un visionario. Cuando ves sus conciertos sinfónicos o cuando toca el taiko (太鼓) sientes que su aura viene de otro planeta, su sonido único, también. Recomiendo este disco para momentos especiales de meditación, también es el marco sonoro para la lectura o una conversación profunda con buena compañía

Namasté

En Youtube Music: shorturl.at/CMQY1

[superstereosv]

Este álbum póstumo forma parte de la gira del disco 11 episodios sinfónicos (2001) de Gustavo Cerati.

Se suman tres nuevos temas que no estuvieron en el repertorio del original: Lisa, Fue y Hombre al agua. El lanzamiento estuvo pensado para el día en que el genio argentino hubiera cumplido sesenta y tres años (11 de agosto).

La bajada del nuevo material editado de manera póstuma bajo el halo de Gustavo Cerati (1959-2014) se completa aquí: Es un concierto en vivo, en el Auditorio Nacional de México realizado en el año 2002.

Y a caso los episodios sinfónicos de un ícono pop argentino, de trascendencia americana, sean principalmente por la capacidad que tenían sus canciones de volar directo hacia la épica. «Canciones con destinos de himnos de estadios», diría un crítico de rock.

Estas piezas envueltas en una orquesta retoman las canciones de Soda Stereo, la banda que lo llevó a la cima al compositor Gustavo Cerati. «Mister Alejandro Terán», dice el cantor sobre el cierre de Bocanada, una perla de su carrera solista.

Se refiere al director de este proyecto, un músico académico que escribió los arreglos de estas adaptaciones y que siempre estuvo cercano al rock argentino (Charly García, La Portuaria y Skay Beilinson, entre otros).

Disfruta esta excelente obra musical este sábado 29 de octubre en Súper Stereo la estación que pone de moda el español conduce Roberto Henry RH+ a las 8 de la noche . Escúchanos en www.superstereosv.com

[fueradefocomagazine]

NICOLÁS SORIN presenta SORIN SINFÓNICO

Al frente de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto

Créditos Foto: Camila Corrales 

El compositor y director de orquesta Nicolás Sorin presenta Sorin Sinfónico, un programa que interpreta al frente de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto y que incluye el estreno mundial de su Sinfonía Antártica. Las entradas son gratuitas y se podrán retirar personalmente a partir del jueves 7 de noviembre, de 12 a 19, en Sarmiento 151, hasta agotar la capacidad de la sala (y hasta dos entradas por persona). También se podrán reservar a través de esta página. Las reservas deben retirarse desde el mismo jueves, todos los días (excepto lunes), de 12 a 19, y hasta dos horas antes del comienzo de la función.

Programa

Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto Director invitado: Nicolás Sorin Nicolás Sorin: Fragmentos de música de películas            1. Días de pesca (director: Carlos Sorin)            2. Reinbou (director: David Mahler)            3. La ventana (director: Carlos Sorin)            4. El camino de San Diego (director Carlos Sorin)            5. El perro (director Carlos Sorin)            6. Los que aman odian (director Alejandro Maci)            7. El gato desaparece (director Carlos Sorin) Nicolás Sorin: Sinfonía Antártica (estreno mundial)

Acerca de Nicolás Sorin

Nicolás Sorín comenzó su carrera en el Berklee College of Music de Estados Unidos, donde estudió con Bob Brookmeyer, Maria Schneider y Vuk Kulenovic. En poco tiempo su música comenzó a ser interpretada en los Estados Unidos y Europa por orquestas sinfónicas y big bands. Ha trabajado en Europa con artistas como Shakira, Alejandro Sanz, Juanes y Jovanotti y dirigido a orquestas como la  London Session Orchestra, la Orquesta Sinfónica de México y la Henry Mancini Orchestra, entre otras. Compuso la banda sonora de numerosas películas y en 2016 fue el director musical del MTV Unplugged de Miguel Bosé. Recibió  el Premio Clarín, tres Premios Cóndor por bandas de sonido y cuatro nominaciones para el Latin Grammy 2007, 2010 y 2013 como productor. A fines de 2018 fue el encargado de dirigir a la orquesta de sesenta músicos que interpretó en el Teatro Colón la suite Argentum durante la Gala Musical del G20 con presidentes y mandatarios de todo el mundo. La suite fue compuesta por el mismo Sorin junto a Gustavo Mozzi y Nicolás Guerschberg. Alma y cerebro de Octafonic, se posicionó en la vanguardia del nuevo rock emergente. Todos sus trabajos fueron consecutivamente nominados a los Premios Gardel (álbumes, singles, videos) y obtuvieron las estatuillas en las categorías de Mejor Álbum de Rock y Banda Revelación.

Acerca de la Sinfonía Antártica

Por Nicolás Sorin Es una obra orquestal en dos movimientos, compuesta durante dos viajes realizados a la Antártida, uno en 2013 (Base Marambio) y otro en 2019 (Base Carlini), que toma como inspiración la fragilidad y belleza del continente blanco. Pero, más allá de lo hasta aquí compuesto en la Antártida Argentina, la Sinfonía Antártica es una obra en movimiento, ya que contempla la inclusión de nuevos capítulos musicales a componer en algunas de las bases de los otros veinte países con presencia allí. Es un himno a la paz, a la preservación del ambiente y a la ciencia, los tres ejes y valores que definen a este continente fascinante. La obra registra un único antecedente de una sinfonía conocida relacionada a la Antártida: la del inglés Ralph Vaughan Williams, escrita a raíz de la creación de la banda sonora de la película Scott of the Antartic (1948).

Foto Instagram Nicolás Sorin: https://www.instagram.com/nicosorin/

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Leé también nuentra entrevista a Nico Sorin acá:

 https://fueradefocomagazine.tumblr.com/post/186822731226/entrevista-nico-sorin-y-todo-lo-que-se-viene

[rockandblognet]

KORPIKLAANI, AVALANCH Y MOONSPELL entre las primeras CONFIRMACIONES del Z! LIVE ROCK FEST 2020

El festival Zamorano Z! Live Rock Fest anuncia 15 bandas para su próxima edición, que se celebrará los días 12 y 13 de Junio de 2020.

La organización del Z! Live Rock Fest desvela parte de los grupos que conformarán el cartel de su V Edición, y, aunque por el momento mantienen el secreto sobre los grupos que encabezarán el festival en 2020 #NOHEADLINERSYET, en este primer listado ya aparecen pesos pesados del metal europeo y español.

Encabeza el anuncio la banda finlandesa KORPIKLAANI, una de las formaciones más importantes del Folk Metal mundial. Creadores de himnos como Vodka, Beer Beer, o Wooden Pints, han sabido dar siempre un toque muy personal a su estilo siendo los únicos en la escena con unos comienzos puramente Folk al que adaptaron el sonido del Metal Finés de forma magistral. El próximo Junio estarán animando la fiesta en el Auditorio Ruta de la Plata de Zamora.

Les acompañan en lo alto de la tabla MOONSPELL, lideres por derecho propio del metal portugués y uno de los referentes dentro del Gothic/Metal  europeo, los lusos se encuentran en uno de los mejores momentos de su carrera tras firmar dos de sus mejores trabajos Extinct (2015) y 1755 (2017). Después de pasar este invierno en el estudio grabando su decimotercer álbum estarán deseando descargar toda su fuerza en directo desde los escenarios del Z! Live.

Por el lado español nos encontramos con AVALANCH que, tras su paso por tierras zamoranas en 2017 con su recién estrenada formación All Star, homenajeando aquel inolvidable Ángel Caído, regresa ahora para presentar su nuevo álbum El Secreto un disco muy cuidado que demuestra que estas estrellas han venido para quedarse, tanto la versión en castellano como la impecable versión en ingles estarán, seguro, entre los mejores lanzamientos del año.

También repite visita LEO JIMENEZ presentando en esta ocasión Mesías el nuevo  trabajo de La Bestia y seguramente el mejor de su carrera en solitario, en el que demuestra porque está considerado como la mejor voz del metal en castellano.

Cambiando completamente de tercio tenemos el Death/Thrash Metal de los holandeses LEGION OF THE DAMNED especialistas en destrozar cuellos en sus directos, o el Groove con tintes tribales de VITA IMANA, inmersos en la gira de presentación de su último disco Bosa, demostrando en cada concierto que los cambios en la formación no han afectado para nada a la banda. DEBLER, que repiten con su Metal Sinfónico en Zamora, llegarán con nuevo disco bajo el brazo, Adictium cuyos adelantos ya demuestran la gran progresión de los madrileños, llamados a ser una de las bandas mas importantes de la escena nacional.

Desde Girona llegará MORPHIUM con su descarga de Metal Extremo, el Death Metal  nacional correrá a cargo de BLOODHUNTER  y la impactante voz de su vocalista Diva Satánica, los portugueses REVOLUTION WITHIN, tras ser una de las bandas mas aplaudidas de la edición de 2017,repiten visita a Zamora con su Thrash/Grove Metal, la banda madrileña HIRANYA llevará al Z! LIVE su interesante mezcla de Metalcore y Melodeath.

Completando un cartel para todos los gustos tendremos Rock-Metal Melódico a cargo de los madrileños ARWEN y la banda barcelonesa DAERIA. Por su parte EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO seguro que sorprenderá a muchos con su virtuoso Post-Metal/Doom Instrumental. También habrá sito para el Metal Alternativo con sonido americano a cargo de los madrileños Next Step.

Un potente cartel, aún a falta de los Headliners, para un Z! LIVE ROCK FEST 2020 que nadie debería perderse.

Si quieres disfrutar de la Quinta Edición del festival, que tendrá lugar los días 12 y 13 de Junio de 2020 en el Auditorio Ruta de la Plata de Zamora, solo tienes que entrar en su web www.zliverock.com y hacerte con tu abono al increíble precio promocionado de 51€ (+3.32 de gastos de gestión).

KORPIKLAANI, AVALANCH Y MOONSPELL entre las primeras CONFIRMACIONES del Z! LIVE ROCK FEST 2020 en el artículo original de Rock and Blog

[ceratiunsoda]

Gira Ahí Vamos. #Cerati Summerstage Festival (LAMC). Central Park, New York. Estados Unidos, 05 de Agosto de 2006. Dos días después, The New York Time publicaba la siguiente nota y reseña de la actuación de Gustavo en el festival realizada por el periodista Nate Chinen: Gustavo Cerati y otros artistas latinos en Central Park SummerStage. La atracción principal fue Gustavo Cerati, un argentino cuya carrera podría servir como encarnación de los ideales de la conferencia. Hace más de 20 años, Cerati saltó al estrellato al frente de una banda llamada Soda Stereo, que se apropió con éxito de la guitarra rock de sus contemporáneos del Hemisferio Norte. Después de la ruptura del grupo en 1997, el Sr. Cerati se embarcó en una carrera en solitario camaleónica, con desvíos en la música electrónica, el pop sinfónico y la música folclórica latina. El Sr. Cerati tiene su propio excelente álbum reciente en Sony: "Ahí Vamos", que vendió más de 50.000 copias dentro de las 24 horas del lanzamiento. Como algunos fanáticos de Soda Stereo han notado, el álbum marca un regreso al sonido de esa banda, con grandes estribillos y distorsión bien colocada. La imagen de la portada es inequívoca: el Sr. Cerati, en silueta, levanta una guitarra eléctrica, que parece disparar un patrón alterno de rayos blancos y negros. El mismo diseño sirvió como un telón de fondo visual en SummerStage. El Sr. Cerati había venido con una banda de cinco piezas que incluía el fuerte guitarrista rítmico Richard Coleman y el baterista propulsor Fernando Samalea, pero su carismático canto y tocar la guitarra invariablemente mantenían el centro de atención; Nunca hubo competencia alguna. Su mejor música tiene el músculo, pero no la fanfarronería, de la arena de rock. Él abrió con el mismo golpe de uno-dos como en el álbum: "Al Fin Sucede", un swuffing shuffle, y "La Excepción", un himno de conducción. El riff en "Bomba de Tiempo" era impetuoso pero meticuloso, como algo de Franz Ferdinand. Y la sección de versos de "Caravana" evocó a The Police, una influencia temprana en Soda Stereo. El Sr. Cerati no ha reclamado ningún interés en revivir Soda Stereo, y "Ahí Vamos" sugiere que no lo necesita. Sin embargo, a medio camino del concierto cambió a una guitarra acústica para tocar una de sus baladas más queridas, "Te Para Tres". Nota original en inglés: https://nytimes.com/2006/08/07/arts/music/07cera.html Vía: FlacoStereo

[sonyclasica]

ALEXIS FFRENCH

CLASSICAL SOUL VOL. 1

El pianista y compositor Alexis Ffrench anuncia el lanzamiento de su próximo álbum de estudio Classical Soul Volume One, que saldrá a la venta este otoño a través de Sony Classical. Hoy disponible el primer adelanto: "The Way It Was".

Escucha el adelanto AQUÍ

Reserva el álbum AQUÍ

Classical Soul Volume One de Alexis Ffrench es una colección de composiciones originales para piano y orquesta, intercaladas con pequeños y refrescantes fragmentos de himnos soul populares.

Convertido en uno de los artistas más inconfundibles y rompedores del Reino Unido, pionero del género "Soul Clásico" y con más de mil millones de streams en su catálogo, la noticia viene acompañada del lanzamiento de su nuevo single a piano solo "The Way It Was", inspirado en la colección de discos de su difunto padre y grabado en los famosos Estudios Miraval de Brad Pitt y Damien Quintard.

Alexis acerca el piano al gran público. Ya sea actuando en el Concierto de la Coronación del Rey en 2023 ante una audiencia de más de 18 millones de espectadores, presentando su programa de Apple Music después de Rocket Hour de Elton John, actuando en los principales festivales de música y en salas con las entradas agotadas de todo el mundo, impartiendo clases magistrales de educación musical en todo el país o publicando versiones de éxitos actuales de Central Cee, Billie Eilish y otros para una entusiasta audiencia en las redes sociales, Alexis es un apasionado de que la música sea accesible para todos.

“The Way It Was” se inspira en la colección de discos del difunto padre de Alexis. En el primer single, que sale hoy, Alexis toma la profundidad y la emoción de su amor infantil por el soul y lo combina con su talento para la música clásica para crear una canción nostálgica y conmovedora, pero atemporal y edificante.

En cuanto a “The Way It Was”, Alexis escribe: “The Way It Was se inspira en la vasta colección de discos de mi padre. Durante mi infancia, nuestra casa tenía una rica banda sonora de Sam Cooke, Aretha Franklin, Stevie Wonder, Roberta Flack, algunos de los cuales considero mis primeros maestros.

Mientras tocaba el piano ‘imaginario’ en la mesa de la cocina, al son de clásicos como Superstition y At Last, me sentía transportado a un lugar maravilloso y sentía una llamada. Y mientras escuchaba, absorbía la pasión, el orgullo y el propósito de estos iconos del soul y soñaba con un camino paralelo, informado por las vidas llenas de historia de estos grandes del soul y su misión más amplia.

Cuando miro atrás y recuerdo cómo era, y el espacio ilimitado que se me brindó para crecer creativa y espiritualmente, he llegado a comprender mejor todo lo que se me había regalado, y la deuda que tengo.

Estos artistas, y el poder de sus voces colectivas, conectaron conmigo en lo más profundo de mi ser y me abrieron una puerta a un mundo de Soul Clásico, y por ello estoy verdaderamente agradecido.”

Refiriéndose al próximo álbum, Alexis añade: “Por eso he querido crear una mixtape moderna, una sinfonía de soul clásico para el siglo XXI. Un álbum que pretende replantear la historia clásica, construyendo elevados pilares sinfónicos de 'Black Ivy' a partir de los ecos de los clásicos del soul, en una majestuosa expresión de orgullo, amor, nostalgia y elixir curativo.”

Alexis es una estrella pionera del Soul Clásico, y su sonido se resiste a encajar en un solo género, épocas o expectativas. En lugar de inclinarse hacia el estrecho y tradicional concepto de "clásico", Alexis se abre hacia el exterior, con una perspectiva expansiva, recurriendo a un mosaico de influencias que lleva de la mano al oyente a través de un mundo de posibilidades.

“The Way It Was” es el primer tema del gran año musical de Alexis, y en Classical Soul Volume One nos espera parte de su música más sentida y comprometida hasta la fecha.

Sigue a Alexis Ffrench en: INSTAGRAM | TWITTER | YOUTUBE | WEB

 Sony Music Masterworks abarca los sellos Masterworks, Sony Classical, Milan Records, XXIM Records y Masterworks Broadway. Para recibir información y actualizaciones por correo electrónico visita www.sonymusicmasterworks.com/

[worldmusicandcinema]

MADONNA (1983)

Analizar el ábum de debut homónimo de Madonna resulta complejo y extraño a la vista de su espectacular carrera posterior. Sin embargo, es uno de mis discos favoritos de la diva, probablemente sea el más naif, pero ahí precisamente reside su principal encanto. Llegó en un momento donde principalmente escuchaba tecnopop británico e italo disco y se quedo para siempre en mis referentes con su rollo medio funky, medio disco y pop. Con una producción algo tosca pero brillante de su novio del momento, John «Jellybean» Benitez, nos dejó un álbum con pocos temas pero de larga duración diseñados para la pista de baile y que todavía a día de hoy las revientan. Incluye alguno de sus hits más recurrentes como «Lucky Star», «Bordeline», «Burning Up» o por supuesto esas dos maravillas que son «Holiday», su primer éxito internaciona, y «Everybody», una de sus canciones más eroticas y sugerentes. Eso por no hablar de ese primerísimo primer plano de portada donde te dan ganas de comertela, a ella y a sus pulseras.

C. del Palote

LIKE A VIRGIN (1984)

En 1984 yo estaba muy tierno y atormentado y Madonna no entraba dentro de mis planes de destrucción masiva del mundo que me rodeaba entonces. Yo suspiraba más por la pose siniestra y casi asesina de The Cure. Sin embargo todas mis amigas bailaban el “Material Girl” como si no hubiera mañana, así que me compré la cassete y ahí comencé a fijarme en ella. No mucho, pero algo prendió en mi pecho, y no precisamente el estilismo de la diva que, por aquel entonces, se parecía horrores a mi prima Maricarmen (ésta ya vestía con medias rotas y falditas de skay) lo que me producía un rechazo instantáneo. Pero con el paso del tiempo he sabido “colocar” la importancia de este artefacto pop e icónico de los 80. 5 singles y éxitos instantáneos como la canción ya mencionada o los hits “Like a Virgin”, “Dress you up” o “Into the groove”, ésta última incluida en su reedición de 1985 hacen que el disco ocupe un lugar destacado en la historia de la música moderna. Ademas ya se intuía que la chica era lista y, además de saber rodearse de los mejores, se atrevía a componer algunas piezas. Algo más que te una cara bonita y una pose de chica mala. “Like a Virgin” fue su consolidación y la primera piedra, real, del mito.

Mocico

TRUE BLUE (1986)

Empecé a ser fan de Madonna desde Like a Virgin. Fan de ponerme mitones, rosarios y camisetas cortadas por el ombligo. Pensaba que Madonna sería para siempre mi expresión adolescente, descarada como Farala, fresca y pop funk. Y con trece años llegó “Live To Tell”, y su vídeo ¿Qué hacemos con esto Madonna? Pues abrazar la evolución, la profundidad, los violines y la intención en el proceso creativo. Madonna, no olvidemos, es co-productora y compositora del disco junto a Steve Bray, que pone el funk, el pulso; y Patrick Leonard, que pone la elegancia, lo sinfónico (“Papa Don’t Preach”), lo esencial, lo que no tuerce la ironía. Madonna canta grave, y canta rotunda. «White Heat”, auténtico sleeper single, con uno de los mejores puentes que ha cantado nunca. “True Blue”, que funciona tan bien como pop cincuentero con los sintes de la época, con su mensaje puro de amor que redime… Para mí, de todas todas, lo esencial es que este disco es inseparable de su puesta en escena, que fue el “Who’s That Girl” tour, en el que se erige ya como soberana, con una Madonna que intuye y vislumbra lo que llegará a ser, y nos regala esa potencia, nos comparte la intuición profunda sobre su propio poder. Canta grave, y canta rotunda. “Open Your Heart”, con video de Mondino, explorando la pérdida de la inocencia sobre ese bajo electrónico en ostinato, y con ese número de cabaret en la silla que abre el concierto (momento que no puedo ver sin que se me llenen los ojos de lágrimas)… Y esa portada, que tengo colgada en mi estudio en casa, que es el fondo de mi móvil, que me pone siempre de buen humor con un pellizco en el estómago. Esa portada se convierte en carnal en la interpretación en vivo de “Live To Tell”, el himno a los secretos que queman y matan por dentro. No podéis dejar de verla, y prestad especial atención al largo interludio instrumental en que Madonna defiende un escenario completamente sola, mirando al público, y contándonos “sí, lo habéis entendido bien: yo soy vuestro hogar».

Cotilla Misántropo

#madonna  #madamex  #madonnafans  #queenofpop

[basalocastillo]

#giacomopuccini nacía el 22 de diciembre de 1858. Fue un #compositoresitalianos de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Fue un visionario, creando los conceptos de música que van a regir al cine durante el siglo XX. Para él, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca, la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que está por acontecer, al mejor modo de Alfred Hitchcock en sus películas de suspense. Otro ejemplo es en La Boheme, cuando escuchamos el tema de Mimí antes de que ella aparezca en escena, cuando Rodolfo les dice a sus amigos que se va a quedar en la buhardilla. Fue uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de #giuseppeverdi🎼 . Algunas de sus melodías, como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi, "Che gelida manina" de La bohème y "Nessun dorma" de Turandot, forman parte hoy día de la cultura popular. Su primera ópera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo Manon Lescaut (1893). Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa de Gloria, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda. #musicaclasica #opera #giacomopuccini🎭🎶 (en Getafe, Madrid) https://www.instagram.com/p/B6X6-__CuMX/?igshid=rv0x1akrslpx

[constantinoparentecastillo]

Constantino Parente Castillo: Crónica concierto: Miguel Ríos en el 6ºFestival Jardins de Pedralbes

Llega el verano y con él arriban y se generalizan los festivales y conciertos. Uno de los que no podía faltar en Barcelona es el Festival Jardins de Pedralbes, que en su sexta edición presenta en su cartelera una gran diversidad de cantantes y configuraciones musicales. Para comenzar, este año Culturalia ha escogido, de entre la gran variedad de propuestas el concierto sinfónico de Miguel Ríos.

Si bien con anterioridad habían actuado en el marco del festival artistas y cantantes como Ainhoa Arteta y Josep Carreras, Miguel Poveda, Simple Minds, Mariza, Sara Baras, Pastora Soler, Jessie J o Elvis Costello, con el concierto Symphonic Ríos la edición de este año ofrece al público un maridaje musical entre la energía y la vitalidad del rock y lo majestuoso de la música clásica, un plato artístico dirigido para esta ocasión por Carlos Checa, al frente de la Orquesta Sinfónica Universal Music y acompañado por los Black Betty Boys.

Ríos, con 74 años a sus espaldas, y oficialmente reirado, ofreció una de aquellas delicatesen musicales con las que hizo un recorrido por algunos de sus grandes éxitos y mostró una actitud que confirma aquello de que los “viejos rockeros nunca mueren”. Con su tradicional vestimenta en negro, el cantante no solo presentó cada uno de los temas sino que dejó constancia de que su voz mantiene toda su fuerza y carácter, si bien templada por el paso del tiempo. Un itinerario musical el suyo ansiado por el público que comenzaba a suspirar y a alborozarse al identificar los primeros acordes de cada uno de sus temas.

Como decía, a la vitalidad y energía de los temas, combinados con las letras líricas y profundas que Ríos ha compuesto a lo largo de su extensa carrera, se le sumaba el envoltorio sinfónico de la orquesta dirigida por Checa, que en un diálogo perfecto enlazaba los temas y que en no pocas ocasiones predominaba en la interpretación de los éxitos de Ríos, haciendo dudar de si uno se encontraba en un concierto de rock, de música clásica o de música de cine.

La selección de los temas interpretados incluyó algunas de sus canciones más famosas, como Bienvenidos, en la que el cantante se atrevió a interpretar parte de la canción en catalán, metiéndose al público enseguida en el bolsillo. A esta siguieron canciones como El río, Directo al corazón, No estás sola o El blus del autobús. A modo de bises Ríos se reservo algunos de sus temas insignia, como fueron Santa Lucía o el Himno a alegría, con el que el artista dio por concluido el concierto.

Por suerte el Symphonic Ríos no dejará de sonar, ya que este 2018 estará de gira por diversos escenarios y festivales españoles, asegurando a todos aquellos y aquellas que asistan a sus conciertos una buena dosis de nostalgia, de calidad técnica y artística y de energía rockera, todo ello enfundado por una cobertura sinfónica que convierte la experiencia en un auténtico gustazo musical.

Symphonic Ríos 6º Festival Jardins de Pedralbes Jueves 21 de junio de 2018

NOTA CULTURALIA: 9,5 ——

Jorge Pisa

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[msymphony]

Epica + VUUR + Myrath – 20 de Noviembre’17 – Sala La Riviera (Madrid)

Ya estaban tardando los holandeses Epica en volver de gira por España, teniendo en cuenta que su Holographic Principle había salido el año pasado, y no ha sido hasta que casi se acaba este que no han pasado por aquí.

Texto y fotos: Susana Manzanares

Ya no era por el simple hecho de ver a Epica, sino que además se sumaban a la gira los “debutantes” VUUR y los interesantes Myrath, que siempre nos dejan con ganas de más… véase en su visita en el Download o su anterior gira con Symphony X.

Siendo lógicos y guiándonos por los números (de discos y por años como banda) Vuur tendrían que haber sido los que abrieran la noche y Myrath tocar en segundo lugar, pero no fue así. Así pues, los primeros en salir fueron los franco-tunecinos que aparecieron tras un bonito número de una bailarina ante una Riviera que poco a poco iba llenándose de un público que acababa su lunes laboral yéndose de concierto. La banda está aun dando los últimos coletazos a su exitoso ‘Legacy’ también del año pasado, antes de ponerse a preparar su disco nuevo que contará con elementos sinfónicos y con suerte podremos conocerlo para la próxima visita de la banda a nuestro país el próximo mes de marzo.

Una cantidad importante de humo hizo difícil por momentos ver y fotografiar a la banda, pero sí pudimos escuchar su propuesta, una combinación de música progresiva, metal y grandes dosis de música popular de su país. Lejos (también) de ser comparados con Orphaned Land, Myrath destacan por su metal de corte elegante y melódico por la voz y maneras de su vocalista Zaher Zorgati, sumado a la gran labor de toda la banda bailarina incluida, aportando un bonito complemento visual a los temas.

Solo pudieron tocar 5 temas y…. Y se acabó…? un aperitivo demasiado corto, injusto, o como se le quiera llamar sin desmerecer a nadie, pero para mi fue totalmente desproporcionado el tiempo asignado en comparación con Vuur, que tocaron casi el triple. En fin, esperemos a marzo y entonces disfrutaremos de una noche plena de Myrath, ellos se lo merecen, y nosotros más.

Cambios de equipo para la actuación de VUUR, que venían a presentar su primer disco ‘In This Moment We Are Free – Cities’ editado por InsideOut Music este último tercio del año. La banda con miembros de Ayreon, ReVamp y Stream of Passion dan forma a un proyecto que representa un cambio realmente notorio tras la edición de su disco de ‘The Gentle Storm’ que se movía por terrenos más alternativos.

No discutimos la calidad innegable de Anneke a la voz, pero siendo lo más transparentes posibles, en mi opinión VUUR emocionó sobre todo a las primeras filas donde se encontraban sus más incondicionales. Como decimos en nuestra reseña de ese disco debut, es un trabajo que se nos queda algo vacío, sin cohesión. Sin duda la gente se animó cuando Anneke anunció ‘The Storm’ y ‘Strange Machines’ de sus anteriores The Gentle Storm y The Gathering pero poco más.

Con la sensación de sentirme un poco un bicho raro, escuchaba que la gente comentaba “Lo de Anneke con VUUR es de otro planeta”, “Anneke puede cantar lo que quiera”, “Anneke es una diosa”… Si, eso ya lo sabíamos, con Townsend, con Lucassen en Ayreon, en sus otros proyectos… pero esta noche estábamos viendo un concierto de VUUR, y como banda en sí no caló en mi en esta primera visita. Esperemos que vuelvan con más conciertos, más rodaje con los temas y a ver si consiguen consolidar su sonido en próximos lanzamientos.

Aun lamentándonos de lo poco que habían tocado Myrath, era el turno de los holandeses más sinfónicos de la escena. Epica llegaba después de su gira americana con Lacuna Coil para presentar su último ‘The Holographic Principle’ (y su EP ‘The Solace System’) en este tramo de gira europea. Este último disco presenta una vertiente más cruda del grupo que ofrece tras su punto y seguido con el directo ‘Retrospect’.

Siempre es difícil saber que se va a esperar de un repertorio, más aún si se trata de algo de una misma temática o tipo de sonido. Así que si los holandeses venían a presentar su último disco, por suerte o por desgracia íbamos a tener una buena ración del mismo. Quizá no esperaba tanta, pero lo cierto es que fue casi la mitad del concierto.

Aún así tuvimos un inicio con algunos clásicos, para meterse al público en el bolsillo desde el primer minuto, táctica que tiene su lógica si iban a tocar tanto del último y quizá más de uno esperaba otro tipo de setlist, así que un ‘Edge Of The Blade’, dejó paso al himno ‘Sensorium’ que hizo las delicias de los presentes.

Acto seguido pasaron a desgranar ese último disco, algo más directo a nivel de voces pero con las mismas orquestaciones tan típicas de la banda que le dan ese envoltorio tan elegante. La recta final con ‘Cry For The Moon’ y ‘Consign to Oblivion’ sobre todo, trajeron de nuevo parte de los clásicos que recuperaron a los nostálgicos y volvieron a desatar la locura entre el público en su totalidad.

La banda funciona como un engranaje perfecto, sinfónico y elegante liderado por Simone y su alter ego masculino Mark Jansen, Isaac y Coen ofrecen una gran base rítmica y mucho espectáculo mientras que Aaren a la batería sigue siendo el metrónomo perfecto cual martillo percutor. Nos sorprendió que no saliera Anneke a cantar con Simone como ha pasado en otros conciertos de la gira y con Cristina Scabbia en los conciertos por América.

Un show -como siempre hacen- efectivo, certero y sinfónico, muy potente aunque con esta arma de doble filo que es presentar demasiados temas del disco que vienen a presentar para un grupo como Epica que ya se van a los 16 años de carrera discográfica, puede ser que no llueva a gusto de todos… pero ahí está la cuestión. Con todo y con eso, siguen siendo una gran formación en muy buen estado de forma, ojalá sigan así y tengamos Epica por muchos años.

Texto y fotos: Susana Manzanares

Virtuosismo, luces y sombras en La Riviera Epica + VUUR + Myrath - 20 de Noviembre'17 - Sala La Riviera (Madrid) Ya estaban tardando los holandeses Epica en volver de gira por España, teniendo en cuenta que su Holographic Principle había salido el año pasado, y no ha sido hasta que casi se acaba este que no han pasado por aquí.

[sonyclasica]

ELMER BERNSTEIN

GHOSTBUSTERS EDICIÓN 35 ANIVERSARIO

Para conmemorar el 35 aniversario del estreno de la película Ghostbusters en 1984, Sony Music anuncia una reedición especial de GHOSTBUSTERS (ORIGINAL MOTION PICTURE SCORE) con música del legendario compositor de películas ELMER BERNSTEIN. Incluye temas inéditos. Por primera vez, a la venta en formato digital y CD el 7 de junio.

Resérvalo AQUÍ

Ya disponible para reserva, la edición aniversario se publica en formato digital por primera vez (tanto en resolución estándar como alta) y en CD el viernes 7 de junio. Compuesta por la música del mítico éxito de taquilla, cuyas pistas originales han sido nuevamente mezcladas y remasterizadas a partir de los multipistas originales de la banda sonora; también incluye una nueva portada, un texto escrito por el hijo de Elmer Bernstein —Peter Bernstein— y cuatro temas inéditos.

Peter Bernstein, hijo del fallecido Elmer Bernstein, dice acerca de la edición 35º aniversario: Como uno de los orquestadores originales de Cazafantasmas, ha sido un placer y también muy emocionante trabajar en esta versión de la banda sonora 35 años después. Es una gran película con muy buena música y nos divertimos mucho cuando la hicimos. Me hace muy feliz verla publicada en su formato original.

Con un gran reparto de estrellas, Cazafantasmas cuenta la historia de cuatro hombres en su misión de salvar el mundo. Despedidos de sus trabajos de investigación en la universidad, los doctores Venkman, Stantz y Spengler se establecieron como "Cazafantasmas", contrataron a Zeddemore para, juntos, librar a Manhattan de extrañas apariciones. Pero hasta los exterminadores de espíritus tuvieron que pasar por duras pruebas cuando la bella Dana Barrett y su vecino Louis Tully son poseídos por los demonios que viven en su edificio. Pronto, todos los fantasmas que invaden la ciudad se desvanecen y nuestros héroes se enfrentan a su mayor desafío en el santuario diabólico que está en la azotea. Si quieres que te 'levanten el espíritu', ¡ya sabes a quién llamar! ¡A los cazafantasmas!  

GHOSTBUSTERS (ORIGINAL MOTION PICTURE SCORE)

LISTADO DE TEMAS:

1. Ghostbusters Theme

2. Library

3. Venkman

4. Hello

5. The Best One in Your Row

6. Get Her!

7. Plan

8. Dana's Theme

9. Fridge and Sign

10. Attack

11. Client

12. Dana's Apartment

13. Same Problem

14. We Got One

15. Zuul Part 1Zuul Part 1

16. Meeting 1

17. I Respect You

18. Who Brought the Dog

19. Zuul Part 2Zuul Part 2

20. Steel Drum

21. Cross Rip

22. News

23. Judgment Day

24. Mistake

25. Halls

26. Ballroom

27. Trap

28. Meeting 2

29. Earthquake

30. Stairwell

31. Gozer

32. Let's Go

33. We're Going to Save the World

34. Mr. Stay Puft

35. Final Battle

36. Finish

37. Zuul (Versión Álbum)

SOBRE ELMER BERNSTEIN

En la historia de la música cinematográfica, Elmer Bernstein (1922-2004) está entre los artistas más icónicos y legendarios de la historia del cine. Con una carrera sin precedentes que se extendió a lo largo de 5 décadas, compuso la música original para más de 150 películas y casi 80 programas de televisión, llegando a crear algunos de los temas más reconocibles y memorables de la historia de Hollywood: el jazz poderoso The Man With the Golden Arm, el emotivo himno country de Los siete magníficos, la música lírica y conmovedora de Matar a un ruiseñor, y la alegre y arrogante marcha de The Great Escape. El impacto de su trabajo se siente en la actualidad, y su ausencia aún supone una gran pérdida para cineastas y aficionados.

Tras un prometedor comienzo como compositor, su apoyo a ciertas causas políticas lo llevó a ser incluido en una lista negra de artistas. Durante ese período, Elmer trabajó como pianista de ensayo para las secuencias de ballet en la versión cinematográfica de Oklahoma!, y junto a la esposa de Danny Kaye, Sylvia Fine, escribió melodías para The Court Jester de Paramount y para películas de ciencia ficción de baja calidad. Más tarde, durante un año increíble, compuso la innovadora partitura de jazz para The Man With the Golden Arm para el director Otto Preminger y la épica música de Los diez mandamientos de Cecil B DeMille. La banda sonora de The Golden Arm se disparó a No. 2 en las listas de álbumes de Billboard en 1956, convirtiéndose en una de las primeras bandas sonoras de películas de éxito. Estos trabajos catapultaron a Bernstein a la lista de los mejores compositores de Hollywood y eliminaron cualquier posibilidad de prohibir su trabajo. Golden Arm ganó su primera nominación al Oscar y lanzó una serie de composiciones de Bernstein orientadas hacia el jazz, incluyendo Sweet Smell of Success, The Rat Race, Staccato y Walk on the Wild Side para la televisión. Mientras tanto, la estrecha relación de Bernstein con el productor Alan J. Pakula y el director Robert Mulligan tuvo como resultado una de las composiciones más memorables de la historia y para una de las mejores películas americanas jamás realizadas: Matar a un ruiseñor. El clásico familiar sobre los prejuicios raciales, ambientado en una pequeña ciudad en el sur de EEUU en la época de la Depresión, triunfó en los Oscars de 1962 con premios para Gregory Peck y el guionista Horton Foote, y una nominación para Bernstein. Su música discreta, compuesta por un conjunto del tamaño de una cámara en lugar de la orquesta completa más tradicional, se convirtió rápidamente en un nuevo modelo para los compositores de películas. La versatilidad de Bernstein como compositor se demostró nuevamente cuando, al año siguiente, creó otro clásico con el tema deThe Great Escape, una película de aventuras de la Segunda Guerra Mundial basada en hechos reales sobre soldados aliados que planean una complicada huída de un campo de prisioneros de guerra.   También fue en los años 60 cuando Bernstein produjo lo que pudo haber sido la mejor de sus cinco composiciones para el director George Roy Hill: una producción de United Artists de la novela histórica épica de James Michener, Hawaii (1966). Este tapiz sinfónico de gran emoción y grandes proporciones —una pieza especial a nivel personal para Bernstein— le valió una nominación al Oscar y el premio Globo de Oro. Al año siguiente, ganó el Oscar por la música original deThoroughly Modern Millie.

La carrera de Bernstein dio un giro sorprendente en 1978, gracias a una llamada del antiguo compañero de escuela de su hijo Peter, John Landis. Landis, de 27 años y director de cine, le pidió a Bernstein que escribiera la música de su estridente comedia universitaria Animal House, protagonizada por John Belushi. "John dijo: 'Bueno, tengo una idea. ... ¿Qué tal si compones una música que no tenga nada que ver con la comedia?" Casi de la noche a la mañana, Bernstein se convirtió en el compositor de Hollywood para películas divertidas, y durante la década siguiente fue encasillado en ese papel. Airplane! llegó en 1980, seguida durante los siguientes cuatro años por las películas de artistas del programa Saturday Night Live, The Blues Brothers (John Belushi y Dan Aykroyd), Stripes (Bill Murray) y Ghostbusters (Dan Aykroyd and Bill Murray). Para su comedia de 1983 Trading Places, protagonizada por Eddie Murphy y Dan Aykroyd, Landis convenció a Bernstein para que creara una música clásica a partir de Las bodas de Fígaro de Mozart, por la cual el compositor recibiría una nominación al Oscar a la Mejor adaptación musical.

Unos años más tarde, Elmer se había reinventado una vez más y estaba componiendo la música para una serie de películas producidas o dirigidas por Martin Scorsese. Su última composición cinematográfica fue Far From Heavende 2002. También fue la última de sus 14 nominaciones a los premios de la Academia.

Tráiler oficial: click here

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Página Musical N° 160 Jean Sibelius. Finlandia.

“El destino es el que baraja las cartas, pero nosotros los que las jugamos.”

Arthur Schopenhauer

              Estimados amigos:

              El pasado 6 de diciembre Finlandia celebró su día nacional. 100 años desde su independencia. Cuando me enteré, un poco tarde, de inmediato recordé el Poema Sinfónico de Jean Sibelius llamado Finlandia, toda una joyita musical que les presento en el día de hoy.

              Primero, algo sobre el compositor: violinista finés que vivió entre 1865 y 1957, esto es, desde finales del romanticismo hasta los comienzos del modernismo.

              Segundo, veamos el aspecto político: Finlandia, desde hace unos mil años,  fue disputada por Suecia y el Imperio Ruso y, cuando nació Sibelius, Finlandia aún formaba parte del Imperio Ruso. Recién se independizó en 1917 como consecuencia de la Revolución de Octubre que terminó con los zares y el poder de la nobleza de Rusia.

              Luego, pongámonos en el contexto geográfico: un extenso país en Europa con muy baja densidad poblacional, ubicado en lo más al norte del mundo. Esta ubicación geográfica hace que tengan noches larguísimas en invierno y días larguísimos en verano. Con una luz solar muy tangencial que ni siquiera en verano encandila. Hace pensar un poco en el sol de la ciudad de Punta Arenas. No conozco Finlandia pero si Noruega que comparte aproximadamente las mismas latitudes. Calculen que Oslo, la capital de Noruega, que queda más bien al sur de Noruega (59° 54’ 46” latitud norte) se encuentra más cerca del polo norte que el Cabo de Hornos (55° 58’ 48” latitud sur) del polo sur, que es la tierra más austral del mundo. Países muy nuevos y de grandes contrastes geográficos,  cuyos pueblos presentan un arraigado nacionalismo y un tremendo amor a su país.

              La joyita musical de hoy fue compuesta antes de la independencia de Finlandia y representa los esfuerzos del país para consolidarse como tal. La entrada está a cargo de los bronces más graves (cornos franceses, trombones y tuba), con una muy solemne introducción de dos notas seguidas de un elocuente silencio, antes de repetirse y comenzar su desarrollo con un tremendo intervalo de los timbales. Luego de esta introducción expectante y casi apocalíptica, con un corto puente a cargo de las maderas, son las cuerdas las que siguen con el desarrollo con un tono triste. Después de esto aparece la rebelión a cargo de la orquesta completa liderada por las trompetas y luego por los cornos franceses con un ritmo endiablado. Culmina la obra con un hermoso himno lleno de esperanza, himno coral que empieza suavemente como si fuera una oración y, en la medida que se le van sumando voces, adquiere ribetes de gran orgullo y patriotismo, terminando a toda orquesta y el coro a todo pulmón. Es intensamente recogedor.

              Espero que en tan solo 08:40 minutos se maravillen con esta joyita musical:

   Que disfruten de un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand