#poesía polaca

[ancruzans-blog]

La magia de las palabras en Wislawa Szymborska.

La herramienta más importante para un poeta es la papelera. Wislawa Szymborska Wislawa Szymborska amaba la poesía, la mimaba, la cuidaba, pero no le gustaba hablar sobre ella. Lo esencial de la poesía, para ella, eran las palabras, esas palabras cotidianas que utilizamos cada día, las de la vida diaria, por eso, Szymborska comenzó escribiendo relatos cortos, cada vez más cortos, hasta que se…

[las-microfisuras]

En un desconocido manuscrito de T. S. Elliot

(que no existe) está tu retrato (que existe).

Observo un blanco aleteo sobre el río, la salida

del sol, la niebla, y otros accesorios de la naturaleza.

Esta breve alegría encerrada en los detalles

conquistó los últimos bastiones de la conciencia.

¿Sabes? me duele el corazón (que existe), fragmento

de canto de amor, fragmento de canto de muerte.

- Tomasz Majeran, antologado en Poesía a Contragolpe. Antología de poesía polaca contemporánea. Selección y traducción de Abel Murcia, Gerardo Beltrán y Xavier Farré.

- Bernard Guillot

[dakota-zen]

"Nada sucede dos veces

ni va a suceder, por eso

sin experiencia nacemos,

sin rutina moriremos.

En esta escuela del mundo

ni siendo malos alumnos

repetiremos un año,

un invierno, un verano..."

Wislawa Szymborska

(Kórnik, Poznan, 1923 - Cracovia, 2012) Poetisa polaca, considerada una de las más singulares de su país, que recibió el premio Nobel de Literatura en 1996. Hija de un funcionario, en 1931 se trasladó con su familia a Cracovia, ciudad en la que se asentó de forma definitiva. Estudió filología y sociología después de la Segunda Guerra Mundial en la Universidad Jagellónica, tras lo cual inició su andadura literaria, consagrada esencialmente a la poesía, aunque también a la crítica y al ensayo en diversas publicaciones periódicas, en particular en Vida Literaria.

Ahí aparecieron desde 1968 sus "folletines literarios", a modo de poco convencionales críticas, que serían publicados en forma de libro en dos volúmenes, Lecturas facultativas (1973 y 1981). Su primer poema publicado, "Busco la palabra", apareció en 1945 en el Diario Polaco, y fue a partir del poemario Por eso vivimos (1952) cuando obtuvo reconocimiento público.

El inicio de su itinerario creativo se produjo bajo las normas estilísticas del realismo socialista imperante y denota tanto el estremecimiento por los crímenes de la guerra reciente como su identificación con los sufrimientos del pueblo polaco y su esfuerzo por superarlos. En esa estela, aunque ya anunciando algunas de las características de su obra posterior, en particular la ironía para abordar poéticamente los dilemas filosóficos que la inquietan, escribió Preguntas hechas a una misma (1954).

Pero será con Llamada al Yeti (1957) cuando romperá definitivamente con los preceptos del régimen, en un ajuste de cuentas con su actitud anterior y también con la de la sociedad oficial. A partir de aquel año, en Polonia como en otros países, se inició un fuerte movimiento de rechazo de la imposición soviética y del doctrinarismo comunista, en forma de rebeldía nacionalista. Szymborska optó por la reflexión filosófica y ética, tomando distancia de los debates concretos, y siempre tiñendo de su peculiar humor sus indagaciones poéticas sobre el espíritu humano individual.

[praza-catalunya]

María Blanchard, cubismo e moito máis

María Blanchard, cubismo e moito máis

A pintora María Blanchard é un de tantos casos nos que as mulleres artistas foron silenciadas, desprezadas. Estes meses o Museo Picasso de Málaga fai xustiza ás súas excelentes cualidades profesionais e presenta a mostra María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo. É unha ocasión perfecta para coñecer toda a traxectoria artística desta muller que se negou a ser ninguneada en vida. Agora trátase de reparar décadas de silencia e desprezo.

Lito Caramés

Blanchard. Pintora a pesar del cubismo

María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo. Museo Picasso Málaga

Contan que mirei para tras por curiosidade. / Pero, máis aló da curiosidade, puiden ter outros motivos. / Mirei para tras doída pola miña escudela de prata. / Por descoido, ao atarme unha sandalia. / Para deixar de ver a caluga xusticeira / do meu home, Lot. / Pola súbita convicción de que se morría / el nin se detería. / Por desobediencia propia de mansos… (W. Szymborska, A muller de Lot, 1997).

Nas derradeiras décadas do século XIX houbo grupos de mulleres artistas, valentes e rachadoras, que probaron e seguiron vieiros ata entón reservados a homes. Unha desas mulleres artistas foi Marie Krysinska que polos anos 80 daquela centuria foi das primeiras poetas en iniciar a práctica da poesía sen rima, dos poemas sen métrica; prácticas de escrita libre que Krysinska empregaba en paralelo a autores máis coñecidos, como Baudelaire ou Rimbaud. Krysinska lía os seus poemas en clubs de Montmartre como o famoso Le Chat Noir, e outros. Ao seu carón participaban de actividades diversas mulleres como Louise Michel, persoa que acabou por afiliarse ao comunismo e sempre defendeu as súas posicións feministas. Pedagoga, escritora e militante política foi unha figura destacada de Le Commune, sendo nomeada presidenta do Comité de Vixilancia Republicana de Montmartre. Así mesmo, Louise France participou -como escritora e como actriz- con regularidade nos espectáculos que se programaban en Le Chat Noir, e noutros cabarets e teatros como o Théâtre Libre que aparecían e desaparecían por Montmartre. Son mulleres que, ata hai moi pouco, permanecían no absoluto esquecemento. Mulleres que foron desprezadas ao longo do extenso dominio do patriarcado. Un exemplo é o que reivindica a poeta polaca Szymborska, A Muller de Lot, a quen lle decida un magnífico poema. Esta muller, que consta na Biblia nos episodios de Sodoma e Gomorra (que rematou a súa vida de xeito tráxico), non ten nome! É tanto o desprezo que nin se lle dá nome; negarlle a mínima identidade é condenala á non existencia.

Blanchard. La comulgante, 1914

Coas artistas acontece (e aconteceu o mesmo). Hai uns anos o Museo Picasso de Málaga programou a fantástica (e loitadora) exposición Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo, unha mostra onde se presentaron obras de 18 , 18 mulleres artistas (fotógrafas, pintoras, debuxantes) que optaron polas propostas e estéticas surrealistas. Onde se falaba delas ata agora? Non se falaba e, se se facía, era para valorar aspectos que nada tiñan que ver coas súas valías profesionais, e si con outros aspectos vitais, en pasivo. Os exemplos abundan: da magnífica fotógrafa Lee Miller o que se leva comentado perante décadas é se fora ou non fora amante de Man Ray; esquecendo a súa valía profesional, como avalan as súas instantáneas. Outro tanto se pode dicir do porvir de Tina Modotti: nada de informar e gabar os seus traballos como fotógrafa das Revolucións Mexicanas, non; interesou máis saber dos seus affairs amorosos.

Onde estivo ata agora a pintora María Blanchard?

A extensa e completa exposición María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo (Museo Picasso de Málaga) vén encher un baleiro clamoroso sobre as creacións dunha muller valente, de probada fortaleza, que foi quen de traballar e facerse valer a carón de “vacas sacras” da arte como Picasso, Gris ou Matisse.

Blanchard. Dama del Abanico, 1913-16

María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo. Clasicismos, cubismo.Suzanne Valadon

Moderna (Blanchard) a la vez que dialogante con la historia de la pintura europea, hábil en el dominio técnico y valiente estilísticamente, su original y heterodoxo modo de resolver el reto de la representación, despertó en el círculo parisino de sus colegas pintores el respeto que la ha convertido en una figura de gran valor tanto estético como ético. (José Lebrero Stals, comisario, 2024).

A mostra María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo é unha magnífica oportunidade para coñecer polo miúdo a figura creadora de María Blanchard (1881-1932). Monográfica e cronolóxica, nas salas do Museo Picasso de Málaga vanse sucedendo as liñas pictóricas polas que van circulando as sensibilidades desta artista. Blanchard foi unha muller comprometida socialmente e tamén como artista. En 1909, con 30 anos, viaxa por primeira vez a París, daquela a capital mundial da arte, das vangardas, das efervescencias creadoras; e logo entra en contacto con aqueles homes (iso si, homes) que parece ser que eles sós están a crear a arte nova: Picasso, Gris, Diego Rivera, Anglada Camarasa e outros. Blanchard, muller culta e reivindicativa, rachou os estereotipos de xénero que se agardaba que respectase daquela. En novembro de 1908 o famoso crítico de arte Louis Vauxcelles, tras asistir á presentación dunha exposición de pinturas de G. Braque escribiu: “...réduit tout, sites figures maisons, à des schémas géométriques, à des cubes” Deste xeito o crítico daba nome a unha nova vangarda, o Cubismo (Vauxcelles tamén é responsable de dar nome ao Fauvismo). Aos poucos meses María Blanchard está instalada en París, en plena efervescencia creativa e revolucionaria das artes. Ela logo se apunta ao cubismo.

Antes de viaxar á capital francesa, a artista fixera a súa formación no seu Santader de orixe. Os primeiros anos Blanchard segue as modas que, máis ou menos, se seguen en España: retratos, mormente de familiares e coñecidos, outras obras de temática costumista, sen esquecer escenas mitolóxicas de corte romántico. Da visión romántica tamén se apunta a autora de La Comulgante cando se trata de vender a imaxe sensual e ficcionada da “xitana”. Por ese carreiros ían moitos artistas a finais do XIX e comezos do seguinte. Na Exposición Universal de París de 1900, a representación que tivo máis éxito foi l’Andalousie au temps de maures. O mesmo se pode dicir da dedicación de Nonell á pintura de xitanas na súa Barcelona natal.

Blanchard. Naturaleza muerta, 1917

A pintura La Comulgante é unha obra inquietante. Por unha banda están eses anxos que inzan os ceos coas súas cores e corpos tan peculiares; mesmo semella que lle deben algo ás pinturas de Chagall. A rapaza vestida de primeira comuñón non se sabe ben se ofrece aos espectadores a súa inocencia, ou se xa se presenta como unha noiva a punto de ser muller. O cortinón, a face da protagonista non convidan a entender que se trata dunha escena serena e festiva.

E logo inicia a súa etapa cubista, a que ata agora foi coñecida. En 1915, en Madrid e acompañada de Diego Rivera e outros pintores, Blanchard expón na mostra organizada e titulada por Gómez de la Serna, Pintores Íntegros. Pretendía ser unha exposición de arte cubista e vangardista. A experiencia acabou mal, a mostra foi clausurada, e Blanchard, por ser muller, levou a peor parte, críticas machistas. No Defensor de Córdoba púidose ler: Ayer fué el último día de exposición de mamarrachadas cubistas, con la que, durante algunos dias, los pintores íntegros han divertido á algunos madrileños, enojado á los más y entristecido a muchos […]. Jamás pudo ocurrírsenos pensar en que había de sobrevenir un tiempo en el cual viéramos tamaña necedad y tan desatinada audacia... Despois de tamaña (e conservadora) experiencia, Blanchard abandona España para sempre e entra de cheo nos cenáculos de artistas cubistas. A súa etapa cubista é a máis coñecida de todas e a pintora acaba por ser unha das importantes protagonistas do movemento cubista internacional.

Na mostra María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo, que tan acertadamente presenta o Museo Picasso de Málaga, están presentes moitas pinturas da súa etapa cubista. La Dama con Abanico é unha demostración de como -desde ben cedo- comeza a estudar e a descompoñer espazos e figuras para procurar rachar a perspectiva única e achegarse aos diversos puntos de vista que procuraban os cubistas. Blanchard ten, ademais, a peculiaridade de que, aínda que mire de crear figuras xeométricas identificables nas que esfarelar a figura de muller, non renuncia ás cores. O cromatismo é unha das súas sinais de identidade. Outro tanto é doado afirmar das diversas e magníficas naturas mortas que estes meses enchen salas do Picasso. Son estruturas xeometrizantes que poden competir coas de Gris, Picasso ou Braque; coa diferenza de que a pintora de Santander non se achega aos collages. (Non sería estraño que nalgúns casos se pretendese vender algunha peza de Blanchard como se fose de autoria dalgún dos seus compañeiros masculinos).

María Blanchard remata a aventura cubista en poucos anos. E regresa ao figurativismo. Pódese dicir que, tamén neste caso, vai ao compás de moitos outros creadores, e inaugura a que deu en chamar Regreso á orde, a un certo clasicismo alá polos anos 20. Nesta terceira etapa centra as súas pesquisas no mundo cotiá e feminino ou infantil, na súa meirande parte. Regresa ao figurativismo cheo de cores, cousa que nunca abandonou. Nestes anos obsérvase a pegada que nela deixaron mestres clásicos como Velázquez ou Manet, Goya ou Murillo.

Blanchard. Niña de negro y rosa, 1926

María Blanchard tivo toda a vida que loitar contra os estereotipos, contra o machismo imperante no munda da arte (como en toda a sociedade). Nese sentido o seu caso pode ter paralelismos coa lota que tamén tovo que exercer Suzanne Valadon (actualmente cunha magnífica exposición no MNAC de Barcelona), a muller de familia pobre que comezou sendo modelo para artistas como Puvis de Chavannes, Renoir ou Toulousse-Lautrec e loitando, loitando rematou por se unha gran pintora. María Blanchard negouse sempre a aceptar o que a sociedade e aépoca lle querían impor: renunciar a ser artista, traballar no campo íntimo e doméstico, e saber que sempre ía estar excluída das estruturas da historia da arte.

Lito Caramés

EXPOSICIÓN: María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo

Museo Picasso Málaga

ata 29 de setembro de 2024

[el-artemoderno-y-contemporaneo]

Un poco de la Historia de... Guillaume Apollinaire

Hijo de una aristócrata polaca y de padre desconocido (se dice que pudo haber sido un alto cargo de la iglesia), nació el  26 de agosto de 1880 en Roma, Italia . Sus primeros trabajos fueron como tutor de los hijos de aristócratas en Alemania

Se estableció en parís en el año 1898. Desde 1902 entabló relación con el ambiente artístico y literario del París de la época, contribuyendo como crítico para varias revistas.

El núcleo de su obra fue la poesía, a la que entendía como un arte inseparable del conjunto de experiencias de la vida cotidiana. Fue una pieza clave en el paralelismo entre pintura y poesía que fracturó la problemática estética de las décadas anteriores y generó nuevas prácticas de vanguardia en la literatura y el arte moderno. Desde sus primeros poemas, escritos en 1897, expresó su inquietud por temas como el recuerdo, la angustia, el amor, la melancolía y el erotismo, su intento de innovación literaria lo situó como una figura de transición entre el movimiento simbolista y el surrealista.

El reconocimiento de la crítica le llegó con Alcoholes (1913), poemario que establecerá un singular puente entre las experiencias del simbolismo y las inmediatas vanguardias.

Los pintores cubistas (1913), defensa encendida del nuevo movimiento como superación del realismo.

"El Concepto de "Nueva Poesía: Apollinaire también argumenta que el cubismo no se limita al ámbito visual, sino que se extiende a la literatura y la poesía. Afirmaba que la poesía debería seguir el ejemplo del cubismo al descomponer el lenguaje en sus elementos básicos y representar la realidad de una manera más fragmentada y abstracta"

El Manifiesto Cubista, escrito por Apollinaire en 1913, marcó un momento crucial en la evolución del arte moderno. En este manifiesto, defendió y promovió el movimiento cubista, que estaba en pleno auge en el mundo del arte en ese momento. Apollinaire argumentó que el cubismo representaba una ruptura radical con las convenciones artísticas tradicionales al abandonar la representación realista en favor de una visión fragmentada y abstracta del mundo.

Describió al cubismo como una forma de arte que abrazaba la multiplicidad de perspectivas y la simultaneidad de puntos de vista en una sola imagen. Él elogió a los artistas cubistas, como Pablo Picasso y Georges Braque, por su audacia en descomponer objetos y figuras en formas geométricas y planos, lo que llevaba a una nueva percepción de la realidad. Además, destacó la influencia del arte africano y oceánico en el cubismo, lo que enfatizaba su internacionalismo y su rechazo de las tradiciones occidentales.

El manifiesto también subrayó la importancia de la abstracción y la simplificación en la representación artística, argumentando que el cubismo revelaba la esencia espiritual y conceptual de los objetos y las personas. Apollinaire abogó por la ruptura con el arte académico y la búsqueda de una expresión más pura y profunda. En resumen, el Manifiesto Cubista de Guillaume Apollinaire fue una declaración fundamental que contribuyó a establecer el cubismo como un movimiento revolucionario en la historia del arte, desafiando las normas establecidas y abriendo nuevas perspectivas en la representación visual.

Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se alistó como voluntario en el ejército francés, donde obtuvo el grado de teniente y la condecoración de la Cruz de Guerra. El 17 de marzo de 1916 recibió una herida de metralla en la cabeza que dejó secuelas en su salud, y durante su convalecencia escribió algunos de sus textos más recordados, como los poemas gráficos de Caligramas (1918), "ideogramas líricos" que abrirán el camino a los experimentos de la poesía visual durante el resto del siglo.

 fue él y no Breton (como se cree) quien acuñó, por primera vez el término “surrealismo”, incluyéndolo en Las tetas de Tiresias (1917). Apollinaire lo explicó así: "Cuando el hombre quiso imitar el andar, creó la rueda, que no se parece en nada a una pierna. Así nació el surrealismo sin saberlo". Fue recién en 1924 que el concepto fue rescatado por André Breton para fundar el famoso Manifiesto.

Apollinaire influyó en la obra de Picasso, interesándole, por ejemplo, por el mundo del circo. Los años en que se trataron coinciden con el llamado período rosa de Picasso, cuando éste pintó sus célebres arlequines. Apollinaire, por otra parte, fue pintado por Picasso en distintas ocasiones, en forma de caricatura, y aparece en obras de Picasso convertido en torero, artillero, académico e incluso cafetera. "Su cabeza tenía forma de pera y sus rasgos eran muy expresivos".

En los años 50, Picasso diseñará un monumento a Apollinaire en la plaza Laurent Praché de París.

Sus Caligramas fueron publicados unos meses después de su fallecimiento; hecho que no detuvo la trascendencia de su poesía y de su nombre, pues aquél poemario lleva al extremo la experimentación formal de sus anteriores obras, preludiando el método surrealista de ‘escritura automática’ al romper deliberadamente la estructura lógica y sintáctica del poema.

Murió en 1918, en París, víctima de la pandemia de gripe de 1918, cuando aún estaba convaleciente de sus heridas, siendo enterrado en el cementerio del Père-Lachaise18​. Fue declarado "Mort pour la France" (Muerto por Francia) en honor a su servicio durante la guerra.

[kiki-de-la-petite-flaque]

De la poeta polaca Wislawa Szymborska en Poesía no completa (FCE, 2017). Del poema traducido por Abel Murcia

[marco-roman]

La religión de Wislawa Szymborska: la poesía.

[elmartillosinmetre]

Tiempos de penuria e ilusión

[La ROSS ensayando esta semana con Soustrot la 3ª de Mahler en el escenario del Maestranza / MARINA CASANOVA]

Temporada ecléctica con doce programas sinfónicos en el Maestranza

En la presentación del curso pasado el maestro Marc Soustrot anunció integrales sinfónicas de Beethoven, Schubert, Schumann, Chaikovski y Mahler, que se escucharían a lo largo de dos temporadas consecutivas. Cancelado el Festival Beethoven, caídas por la huelga dos sinfonías de Mahler y una de Chaikovski, el proyecto ha terminado de derrumbarse por completo al comprobar que para la temporada próxima finalmente sólo están previstas la 9ª de Mahler y la 1ª de Chaikovski (tendrían que haber sido cinco sinfonías del primero y tres del segundo, además de dos de Schumann y las ocho de Schubert). Soustrot aludió a problemas presupuestarios para un cambio tan radical en sus intenciones, que lo ha llevado a concebir una ecléctica programación de repertorio en la que la penuria económica se aprecia también en los detalles: ni un solo programa con coro, directores y solistas sin alharacas, recurriendo incluso al pianista premiado en el concurso María Canals (el canadiense de 24 años Jaeden Izik-Dzurko, que tocará el Concierto de Schumann y para quien actuar junto a la ROSS es ya parte del Premio) y a dos clarinetistas de la orquesta (Szymyslik y Fernández Sánchez, que harán un Concierto doble de Krommer).

Sí se mantiene la promesa de incluir música actual: cuatro compositoras (Elena Mendoza, Lula Romero, Inmaculada Almendral y Nuria Núñez Hierro) estrenarán sendas obras, cada una de ellas dedicada a una estación del año. El repertorio combina partituras de gran popularidad (9ª de Dvorák, 4ª de Bruckner, Concierto para violín de Beethoven, Scheherazade de Rimski-Kórsakov, Concierto para piano de Schumann, Doble concierto de Brahms, Kindertotenlieder de Mahler, Concierto para orquesta de Bartók) con otras mucho menos transitadas, aunque en absoluto desconocidas (Danzas sinfónicas de Rajmáninov, 3ª de Saint-Saëns, 3ª de Honegger, 5ª de Prokófiev, Concierto para oboe de Strauss, La sirenita de Zemlinsky o la reducción orquestal que de la Tetralogía de Wagner hizo Lorin Maazel).

Soustrot se reserva siete de los doce programas sinfónicos del Maestranza. De los maestros invitados, dos son españoles, el joven y premiado gaditano Julio García Vico y el balear Antonio Méndez, y tres foráneos: el maestro de Singapur Darrel Ang, el danés Michael Schønwandt (que este año no pudo hacer la 7ª de Mahler y el año próximo tiene asignada su 9ª) y la polaca Marzena Diakun, actual titular de la ORCAM (Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid). Entre los solistas, Juan Pérez Floristán se perdió por la huelga el 1º de Bartók y ahora hará el 3º. La oboísta linarense Cristina Gómez Godoy tocará el Concierto de Strauss y el violinista de Alcalá de Guadaíra Javier Comesaña compartirá con el húngaro István Vardai el Doble de Brahms. También participa la violonchelista parisina Camille Thomas (Concierto de Lalo) y el violinista ruso Serguei Dogadin (Beethoven). Para los dos programas vocales, están invitadas la moscovita Alisa Kolosova (Kindertotenlieder) y la joven china Meigui Zhang (Cantos de Auvernia de Canteloube).

Interesante resulta la propuesta didáctica, hay tres conciertos extravagantes en el Lope de Vega (dedicados al cine, la poesía y la danza) y entre los diez conciertos de cámara (Espacio Turina en las matinales de los domingos), llama la atención el dominio casi absoluto de los conjuntos de cuerda y una doble participación externa, ya que uno de los conciertos lo darán los ganadores del concurso José Gámez que organiza el Conservatorio y otro será, por propuesta de Juventudes Musicales, el del dúo de pianos Promenade.

Después de que dos huelgas y una pandemia hayan marcado profundamente los cuatro últimos años de vida de la ROSS, la ilusión que insistentemente pedía su gerente interina pasa simplemente por un año sin sobresaltos, en que las actividades programadas puedan desarrollarse con normalidad. Ya vendrán tiempos mejores. 

[Diario de Sevilla. 23-06-2023]

[alfabetas]

―Wisława Szymborska

#Prospecto

[entreletrasycafeina]

Somos hijos de nuestra época y nuestra época es política. Todos tus, mis, nuestros, vuestros problemas diurnos, y los nocturnos, son problemas políticos. Quieras o no, tus genes tienen un pasado político, tu piel un matiz político y tus ojos una visión política. Cuanto dices produce una resonancia, cuanto callas implica una elocuencia inevitablemente política. Incluso al caminar por bosques y praderas das pasos políticos en terreno político. Adquirir significado político ni siquiera requiere ser humano. Basta ser petróleo, pienso compuesto o materia reciclada. Los poemas apolíticos son también políticos, y en lo alto resplandece la luna, un cuerpo ya no lunar. Ser o no ser, ésta es la cuestión. ¿Qué cuestión?, adivina corazón: una cuestión política.

Poesía no completa: “Hijos de la época”, Wisława Szymborska

[elfuegodeluka]

Poesía polaca: Adam Zagajewski

Poesía polaca: Adam Zagajewski

Adam Zagajewski (1945). Es un poeta, novelista y ensayista polaco. Es un miembro conocido de la Generación del 68 en su país y uno de sus más famosos poetas contemporáneos. Continue reading

[ancruzans-blog]

Julia Hartwig

Nacida el 14 de agosto de 1921 en Lublín, Polonia, estudió literatura polaca y francesa en la Universidad de Varsovia y continuó sus estudios en la Universidad Católica de Lublin. Sus primeros poemas aparecieron en la revista Odrodzenie en 1944. Hartwig vivió en París entre 1947 y 1950. En 1954, publicó “De lugares cercanos”, una colección de artículos. Publicó su primera colección de…

[las-microfisuras]

DILO EN TU LENGUA

dilo en tu lengua, quiero oír

cómo se dobla la hierba sin segar bajo los pies

de ese hombre

y cómo esa mujer corta el ajo, el limón,

parte por la mitad las mazorcas de maíz

los sonidos -¿tendrán estos su aspereza,

su jugosidad?

nombra eso, quiero saber si conoces cien palabras

para describir la pupila dilatada

y el grano de avena entre los dientes

de un niño que se ríe

y que una chica en las escaleras de la catedral

sin que apenas se note se arregle

la falda torcida

para acabar enséñame lo que a nosotros nos importa más

nuestros errantes dedos

agarrando con inseguridad en el aire

algo que podría ser el mango de un cuchillo

o una castaña asada

y que de repente

sin saber por qué

ha perdido

su forma y su peso.

• Joanna Wajs, de "Poesía a contragolpe/ Antología de poesía polaca contemporánea"

Selección y traducción de Abel Murcía, Gerardo Beltrán y Xavier Farré

Prensas Universitarias de Zaragoza

[recovecosyrefrotes]

Bendito sea el desgaste del cuerpo, gracias a él lo imperfecto no dura. Y lo que existe más allá de la roca del tiempo sigue estando a prueba de la acción y del abandono.                                                                                                  Marcin Baran

Ph: Ernestine Ruben

[damianacpi]

"Cuando el hombre quiso imitar el andar, creó la rueda, que no se parece en nada a una pierna. Al hacer esto ya practicaba el surrealismo sin saberlo“

- Guillaume Apollinaire

Así como la rueda no se parece a la pierna y la poesía de Apollinaire no se parece a nada de lo que hayas leído.

Un día como hoy agosto26 pero de 1880 nació en Roma, Italia el poeta Guillaume Apollinaire, hijo de madre polaca y padre francés, es uno de los precursores del surrealismo literario y un auténtico renovador de la poesía. Tuvo una influencia decisiva en la formación de las vanguardias literarias de principios del siglo XX.

En 1903 escribirá "Las tetas de Tiresias"que al estrenarse en 1917 como obra de teatro introducirá el "surrealismo", aunque su verdaderá fama le llegará de mano de sus obras: "Alcoholes" de 1913, y "Caligramas" de 1918, en donde sus versos darán forma a una figura acerca de lo que trata el poema, creando algo parecido a una imagen visual, por lo que muchos lo llamarán "poesía visual".

En septiembre de 1911 el poeta Guillaume Apollinaire pasó una semana en la prision por ser sospechoso del robo de La Gioconda, también detuvo del Museo de Louvre en París, en agosto de ese mismo año, también. Se detuvo como sospechoso a su amigo Pablo R. Picasso, tras varios días de arresto, fue absuelto y puesto en libertad.

Defensor de las nuevas tendencias en el arte, amigo en la bohemia de Picasso, Braque o Matisse; mencionó por primera vez al surrealismo e influirá en las vanguardias literarias de principios del XX.

Otras obras notables son "Las once mil vergas" (1907), "Pintura moderna" (1913), "El poeta asesinado" (1916), etc.

[juancarlosserrano]

Agradecimiento

Debo mucho a quienes no amo.

El alivio con que acepto que son más queridos por otro.

La alegría de no ser yo el lobo de sus ovejas.

Estoy en paz con ellos y en libertad con ellos, y eso el amor ni puede darlo ni sabe tomarlo.

No los espero en un ir y venir de la ventana a la puerta. Paciente casi como un reloj de sol entiendo lo que el amor no entiende; perdono lo que el amor jamás perdonaría.

Desde el encuentro hasta la carta no pasa una eternidad, sino simplemente unos días o semanas.

Los viajes con ellos siempre son un éxito, los conciertos son escuchados, las catedrales visitadas, los paisajes nítidos.

Y cuando nos separan lejanos países son países bien conocidos en los mapas.

Es gracias a ellos que yo vivo en tres dimensiones, en un espacio no-lírico y no-retórico, con un horizonte real por lo móvil.

Ni siquiera imaginan cuánto hay en sus manos vacías.

“No les debo nada”, diría el amor sobre este tema abierto.

– Wislawa Szymborska