#reseña película

[technicallydecadentartisan]

El otro día vi Mundo extraño y me apetecía hablarte de ella un poco

Lo primero de todo, si no la has visto, te dejo la ficha:

Mundo extraño

Género:

Acción y aventura

"Mundo extraño", un largometraje de acción original de Walt Disney Animation Studios, se sumerge en un viaje a una tierra inexplorada y traicionera en la que unos seres fantásticos aguardan la llegada de los míticos Clade, una familia de exploradores cuyas diferencias amenazan con frustrar su última misión, la más crucial con diferencia. Bajo las órdenes de Don Hall y el codirector/guionista Qui Nguyen, y producida por Roy Conli.

Dirigida por Don Hall, Qui Nguyen

Producida por Roy Conli

Ahora sí, te dejo mi opinión y observaciones:

Es una largometraje que disfruté muchísimo en el cine. Se inspira en las novelas de Julio Verne y sigue esa línea de Viana (Moana). Así que hay aventuras, personajes intrépidos y un mensaje ecologista que da un toque de atención sobre nuestros hábitos (por lo menos un poquito).

Puedo comenzar porque se produce un pequeño cambio respecto a las últimas películas de Disney-Pixar: se produce un conflicto entre padre e hijo. Con lo cual la mala no es la madre y la figura paterna es un mueble que solo aparece para apoyar a su mujer —como puede pasar en Red de Pixar—. Por lo tanto estamos ante una película más similar a Goofy e Hijo, con la diferencia de que hay una madre que también tiene su papel activo.

Un conflicto intergeneracional nacida de las relaciones paterno-filiales. Es interesantísimo como se plantea por varios motivos:

el conflicto al rededor de no querer ser tu progenitor, no repetir sus errores, ser mejor que él. En especial en lo tocante a la paternidad;

las diferencias generacionales. El simple hecho de pertenecer/crecer a épocas colindantes, pero con sus propias particularidades y retos, hace que cambie la visión del mundo;

La importancia/necesidad de dejar un legado.

Además, de este conflicto entre los hombres, se muestra otro problema: el combustible se termina y con ello el modo de vida. Este no es un problema bastante conocido, más en los últimos meses. Esto es interesante cómo lo plantean. No te lo cuento, pero creo que está bien llevado.

En líneas generales juega con estos dos motivos principales para plantear un mundo feminista, respetuoso con el medio, amable con el prójimo Vamos una utopía con una misión propia para los protagonistas de Julio Verne, pero con las problemáticas del s. XX (en cuanto a la diversidad planteada de un modo inclusivo. No sé si me explico. Los problemas del ser humano son, en cierto modo, cíclico, lo que varía es cómo se plantea a los personajes y su contexto; esto corresponde con nuestra diversidad actual).

Esta película tiene una estética muy simpática por muchos motivos:

El título me recuerda muchísimo a el de Patoaventuras (supongo que tiene sentido, porque es un poco el mismo de historia de aventura.

2. El comienzo similar al de los clásicos Disney. Todes tenemos en mente esas películas que comienzan con un libro abriéndose, como Blancanieves y los siete enanitos, Cenicienta o La Bella Durmiente. Pues esta peli comienza con un cómic. Mola mucho. Le da un aire más contemporáneo (los otros tomos eran como de edición antigua preciosa y cara) y, por qué no, continúa con ese aire de aventura e infancia (por el tipo de relato que se plantea).

3. Disney presenta, por primera vez y en pantalla grande, a un personaje abiertamente gay como protagonista. ¡¡Y EL CONFLICTO NO GIRA ENTORNO A ESTO!! Se trata de manera natural, solo es relevante como una trama amorosa en segundo plano. (¿Puede ser que por esto haya tenido tan poca publicidad?).

Lo cierto es que es muy mono, no le han puesto una voz aguda y estridente y, sin más, ahí estaba *gay panic*. Muy monos.

4. Esto puede que no haya sido la intención de nadie, o sí, no lo sé. El caso es que el mundo fantástico que se presenta me recuerda, inevitablemente a los cuadros surrealistas:

(Sí, vale, es un ejemplo pésimo, pero la pelí solo está en cines. Si la has visto, quizá me des la razón o no. Puede que sea obsesión mía. Aunque no es descabellado, pues en los años 30-40 existía una gran influencia del movimiento francés en sus películas)

5. El diseño de los personajes es el típico de Disney de los últimos años. No sé, por ejemplo, el abuelo se parece mogollón a Monterrey (adjunto prueba). Y este ejercicio se puede hacer con cada personaje (¡Queremos rasgos diferentes!)

De este modo, se puede apreciar que esta película ha tomado como referentes tanto los elementos más clásicos de Disney (el libro del inicio), como sus personajes aventureros más característicos. Sin olvidar beber de tramas, historias y desarrollo de personajes tradiciones con ese toque novedoso. Claro que tampoco se olvida de la influencia de la literatura y la novela de aventuras.

Mundo extraño, para mí, es una película entretenida, divertida que me mantuvo pegade al asiento disfrutando como si fuese peque. Tiene guiños que se traen recuerdos, giros en los planteamientos de las premisas de las tramas, una visión más actual y una animación preciosa (eso sí, fotofóbicos, tened cuidad que hay luces brillantes y colores a tutiplén).

No es el peliculón del año, pero sí un largometraje que se goza.

¿La has visto? ¿Cuéntame?

[clonazine]

RUDO Y CURSI (Carlos Cuarón)

RUDO Y CURSI (Carlos Cuarón)

Dos hermanos, Beto, que quiere ser futbolista, y Toto, que sueña con ser cantante de música norteña, desean llevar a cabo sus sueños para mejorar su situación económica. Sin embargo, la rivalidad fraternal es lo que realmente los pone a prueba. Mi hermana esta en su época fan de Diego Luna ¿y quién la puede culpar?, es hermoso, carismático y actúa bien y me recomendó que viera esta película que…

[azul-maria-elias]

Parlor, Bedroom and Bath (1931)

Las películas sonoras de Buster Keaton son algo... complicadas de ver. Fue una etapa dificil para el talentoso actor y director, con un espantoso y nada conveniente contrato de por medio. Mientras que Charles Chaplin siguió produciendo películas mudas y reiventandose, para Keaton fue dificil adaptarse al medio sonoro. No porque rechazara al sonido, ya que en su última película como director Spite Marriage (1929) experimentó con efectos de sonido siendo que se estrenó con una partitura musical sincronizada con efectos de sonido (p. ej., risas, aplausos) utilizando tanto el proceso de sonido en disco como el de sonido en película.

Se trató de una buena película y demostró que Keaton podía enfrentarse a los cambios que estaba atravesando la industria. Pero los años posteriores a 1929, Keaton se vió despojado del control creativo de sus películas. Leí una vez a un espectador que lo resumió muy bien: es un poco como ver un animal magnífico en un zoológico, dijo.

Keaton sigue cautivando con su presencia porque es imposible que no lo hiciera, pero es triste de ver a una leyenda y un gran talento en una producción insulsa y sin corazón.

En este caso, Parlor, Bedroom and Bath (1931) o en español Recibidor, dormitorio y baño posee una trama muy tonta y aburrida y un humor nada trascendental. En algunas escenas llega hasta ser incómodo de ver. Aunque el humor es subjetivo y soy conciente que a muchas personas les resulta graciosa esta película, se tratan de chiste y escenas sin mucho dolor de cabeza detrás. A mí me resultó hasta grosero por demás. Si algo caracterizaba al cine de Keaton es su humor inteligente, que te hacía reir por sus remates impredecibles y su simpleza en lo aparentemente complicado. Además, en el cine de Keaton lo sentimental y el romanticismo es muy importante en la construcción de su personaje clásico y de las situaciones que lo acompañan. Siempre existe y prevalece el amor más puro e inocente, ya sea por una mujer o por una vaca (El rey de los cowboys, 1925). Aquí en cambio prevalece la obsenidad y el chiste fácil: el hombre poco varonil que no entiende el doble sentido y no se relaciona bien con las mujeres.

No recomiendo esta película, a nadie. Si eres fanático de Keaton como yo, te va a resultar tortuosa de ver por el desperdicio de talento de Keaton que, aunque algunos piensen que sea por su vejez, me niego a pensar que así sea porque en uno de sus últimos filmes The Railroader (1965) sigue siendo exquisito. Estoy convencida de que hasta el propio Keaton detestaba esta película.

[emilygraterol]

Reseña: Las noches blancas (1957) Luchino Visconti

ACLARATORIA: Esta reseña está basada únicamente en la película y no tiene ninguna intención de compararla con el libro de Fiódor Dostoyevski.

Es natural que el hombre se aferre a algo, comúnmente a algo imposible ya que supone un reto para sí mismo. Los seres humanos estamos repletos de ilusiones y el aferrarnos a cosas nos mantiene vivos, conectados, con la esperanza de que eso que sujetamos desde adentro nos haga sentir felices en algún momento. Y bajo este simple (y a la vez complejo) argumento Visconti nos sumerge en el universo de Mario interpretado por Marcello Mastroianni, una leyenda del cine italiano.

La escenografía llena de calles vacías y sucias, edificios al borde del colapso y puentes simbolizan la miseria del alma humana. La soledad incipiente, los malos hábitos, las relaciones quebradas y los vínculos que constantemente establecemos con otros. Así está Mario, sumergido en la miseria mientras intenta conectar con alguien y llenar así su vacío. En el interín conocerá a Natalia que, para su desgracia lo conducirá un estado peor que en el que se encuentra; hecho que se simboliza a través de la nevada al final de la película, porque ahora el corazón del hombre se ha vuelto frío después de ilusionarse en vano.

La fotografía es limpia y conecta con el melodrama. La iluminación conduce al espectador a sumergirse exactamente en una Noche Blanca debido a los faroles de la ciudad y el contraste que el negro del cielo hace con los edificios blancos. El director italiano ha construido un universo donde todo conecta con la psique de los personajes y el sentimiento de soledad que transmiten.

Al principio la película puede ser tediosa ya que transcurre lentamente, pero a partir de la mitad del segundo acto entramos en un frenesí que no queremos que acabe. Visconti sabe tratar a través de la imagen los sentimientos de los personajes y jugar con ellos para engañar al espectador. Los primeros planos en la escena del baile simulan una conexión verdadera e íntima entre Mario y Natalia, creemos que finalmente ella le corresponderá y le besará, pero luego segundos más tarde nos enteramos que ella fingía. Sin embargo, es la fotografía final que nos deja sin aliento tal como se encuentra Mario. La inclusión de los tres personajes en el cuadro mientras presenciamos la ruptura de la doble ilusión (la de Mario y la de nosotros como espectadores) es la que nos conecta directamente con el personaje principal, no podemos evitar sentirnos conmovidos por lo que está sintiendo él, siendo nosotros testigos y casi que consentidores del hecho.

Todo lo que hemos mencionado anteriormente se debe a una cosa y es a la maestría del guión. Los diálogos profundos y las acciones se unen para regalarnos una de las películas más tristes de toda la historia del cine, y por ello quiero finalizar con un comentario:

Somos vulnerables cuando amamos, cuando entregamos todo de nosotros y no recibimos nada a cambio. ¿Podríamos decir que Mario tiene un problema de amor propio? Probablemente, pero Natalia también lo tiene. Ambos se ilusionaron, ella con el inquilino y él con ella. Ambos dieron demasiado de sí mismos que se olvidaron de amarse y de respetarse. Las noches blancas (1957) es un juego de dejar y quedarse, amar y odiar, recordar y olvidar, y eso es precisamente lo que la hace una obra maestra porque expresa con claridad lo difícil que es para los seres humanos desprenderse de algo a lo que están aferrados. Es el sufrimiento la única vía para que dejemos ir eso que nos lastima. El caso principal es el amor hacia una persona que no nos corresponde, pero en la vida hay miles de cosas que funcionan de la misma manera.

Al final lo que quedan son las mascotas que, a diferencia de los hombres no tienen la capacidad de enamorarse tan profundamente.

Un instante que debería ser eterno. En el fotograma: Mario (Marcello Mastroianni) y Natalia (Maria Schell).

[espeliculando]

Puntuación: ⭐️⭐️⭐️ y media de 5

The Fallout

Un disparo hacia el debate.

Por mgarsos

Este drama adolescente pone en el punto de mira uno de los problemas más importantes de los estadounidenses, las tragedias estudiantiles con tiradores armados.

Y lo hace con una historia que se manteniene al margen del morbo, escapando del amarillismo y apuntando hacia las secuelas que sufren los supervivientes de estos sucesos. Su guión es orgánico, respira y mantiene el ritmo perfecto para con el relato.

Jenna Ortega afronta su protagónico con una fuerza arrolladora, mostrándonos durante todo el metraje la montaña rusa de emociones de Vada con solvencia. Junto a Maddie Ziegler (Mia) y Lumi Pollack (Amelia) suman y consiguen una actuación aún más brillante. Cabe mención especial para Shailene Woodley (Anna).

A nivel visual, aunque cumple protocolariamente con los estándares actuales, tanto su fotografía como su diseño de producción y localizaciones se perciben como los de producción independiente.

La música está correctamente seleccionada y aporta un plus a diferentes escenas.

En definitiva The Fallout es una cinta que apunta directamente a un problema por resolver y dispara el debate sobre el mismo. Nos hace reflexionar sin polarizaciones ni maniqueísmos, poniendo el foco en lo humano y sin castigarse por no tener una solución en la recámara.

[frociaggina97]

viendo red white and royal blue porque como fujoshi política tengo que apoyar a mis hermanas en su lucha 💪💪

[cinemedios]

Reseña | "Una Familia Extraordinaria"

Reseña | Una Familia Extraordinaria SI eres adolescente y estás en esa etapa de tu vida, donde sientes que nadie te entiende, esta película es una carta de amistad para ti, acompaña a Bae, en una aventura donde los mismos temores a los que te enfrentas a diario quedan plasmados de manera muy realista.

Un coming of age, basado en hechos reales. Cuando Bea (Kiernan Shipka) cae en coma accidentalmente, a través de flashbacks, conoceremos a su particular familia, sus amigos y lo más importante, la propia historia de Bea, desde su inusual nombre, hasta porque se encuentra en coma, la pregunta no es si despertará, si no, ¿Qué aspectos de su vida, se convertirán en prioridad, cuándo despierte? La…

[flash56-chase05]

Vale, entiendo la locura por El Gato con botas. Y lo que más me sorprende es que yo iba con expectativas y, aun así, la película me ha encantado.

[Breves impresiones con pequeños spoilers.]

Ay, esa primera aparición de La Muerte. Ay, esa cancioncilla que iba silbando cada vez que aparecía... Buff. La sala estaba llena de niños, y cada vez que aparecía sonaban los chillidos de la sala y se apoyaban en los padres.

Hemos salido de la película y escuchábamos a los otros decir que el Lobo daba miedo. Nada más que decir; un personaje redondo.

Vale, con Perrito han jugado un poco con mis sentimientos. Yo tengo un chihuahua y, por razones familiares, durante sus primeros meses en mi casa (ahora mismo tiene ocho años y medio) funcionó como un perro terapia. Y luego la historia del abandono... Creo que es imposible que no te guste y no te toque la fibra sensible.

Y luego Kitty y el Gato con botas... Ay, no os voy a mentir; me ha recordado al SpaIre en una de sus peores épocas (Perrito es su hijo adoptivo, y no me lo podéis negar). Encima la película era completamente española, y... yo no puedo con eso.

Simplemente no puedo.

Me ha gustado más esta película que Avatar 2 —por mis propias razones, aunque a algunos les pueda parecer disparatado. Muy amena, muy emotiva —a mí la parte de Ricitos y su familia me ha sacado más de una lágrima, no voy a mentir—, y con unas tramas fantásticas.

[omduart-thewriter]

El menú de la neurosis

[clonazine]

BABYLON y HAIL CESAR (las peores facetas de Hollywood)

2 films que muestran la miseria de Hollywood pero con dos tonos completamente diferentes, una me encantó, la otra me pareció un esperpento.

BABYLON: Ambientada en Los Ángeles durante los años 20, cuenta una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood. Ultimamente están hablando mucho de BABYLON y pensaba en cómo hay una parte de la crítica que quiere crear la narrativa que no la nominaron a…

[azul-maria-elias]

Argentina 1985 (2022)

Un filme que dio mucho de que hablar y sorprendió a gran parte de los espectadores. Se habló de gente conmovida en las salas de cine, a tal punto de llorar. No es menos tratándose de una película que relata el primer juicio de lesa humanidad en contra de los responsables de la última dictadura militar en argentina. Los crímenes con los que el pueblo argentino lamentablemente está familiarizado y le ha tocado sufrir son aterrorizantes y dolorosos, pero aún así quedaron y seguirán quedando en nuestra memoria. Es por eso que está película funciona y considero que es importante para el momento en el que estamos viviendo. En estos tiempos, se hace cada día más presente el desapego hacía lo ocurrido en aquella terrible dictadura, eligiendo olvidar o mirar para otro lado porque "pasó hace mucho tiempo". Por eso, entiendo que esta película esconde su grandeza no solo en lo bien dirigida que está, construyendo grandes momentos, siendo dinámica, conmovedora y acorde, si no en lo que representa y en lo que provoca.

Esta película recuerda y hace memoria sobre un juicio de suma importancia para la historia, no solo de nuestro país, si no de la humanidad. Hace un trabajo excelente en traer de vuelta todo ese horror por lo que pasaron las víctimas, las familias de las víctimas, el pueblo argentino y la patria, funcionando para el público actual y causando impacto.

Me gusta particularmente que se haya filmado una película exclusivamente sobre el juicio porque demuestra como la democracia no debía ser solo obtenida, si no también defendida, no dejando pasar por alto ni perdonando todos aquellos crímenes y a sus responsables.

Considero que, aunque no enseña toda la lucha y los reclamos que estaban llevando acabo el pueblo y las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo paralelamente al juicio (lo cuál fue muy importante para que el juicio se llevara a cabo, siendo un grito por la memoria, verdad y justicia), hace bien en centrarse en lo dura y complicada que fue la investigación y la acusación. Por supuesto quedó mucho afuera por lo que hablar y profundizar, pero creo correcto que el filme no apunte ni pretenda ser mucho más de lo que ya es, centrándose completamente en el juicio y no en el contexto general, quedándose tal vez un poco corta respecto al tema. En ese sentido, el breve resumen inicial funciona muy bien, al igual que las aclaraciones al final de la cinta.

Es una película que por su naturaleza conmueve, que relata y reconstruye muy bien muchos momentos del juicio, como los testimonios que se muestran que, gracias a las actuaciones, el montaje, la puesta en escena, la fotografía, la música y la dirección, llegan a despertar muchas emociones en quien la está viendo. Una de las escenas que mejor ilustran esto, es la del momento en el cual el fiscal Strassera lee su acusación. La cámara, el sonido, las actuaciones y la ambientación acompañan de una manera excelentemente dramática las ya impactantes palabras que se leen. La tensión en la mirada y los movimientos del fiscal (Ricardo Darín hace un gran trabajo), el enfoque a los acusados (a Jorge Rafael Videla sobre todo), el silencio en la sala que luego se transforma en aplausos, sordos al principio, y la emoción final construyen una de las mejores escenas de la película.

Por eso no sorprende cuando oigo las experiencias que se dieron dentro de las salas de cine (no tuve la satisfacción de poder ver la película en el cine), donde la gente se emocionaba al borde de las lágrimas. Más tratándose de público argentino. Mencionando eso, también creo que la película funciona muy bien para el público extranjero, y no precisamente porque tenga un estilo propio del cine comercial extranjero (hollywoodense) ya que cuenta con una personalidad propiamente regional, si no porque su estructura y la forma de contar los hechos es fácil de digerir para un espectador ajeno a la historia y las vivencias argentinas. Sí, se hacen menciones de políticos, figuras y hechos previos al juicio pero solo los necesarios y no son muy profundos ni complicados, por lo que también le otorgo al filme el valor que se merece al poder ser "exportable" y representar no solo al cine nacional, si no también a nuestra historia.

Es una película que me gustó mucho, aunque no considero que me haya transformado de algún modo como sí lo hicieron otras películas de la misma índole como Cautiva (2003) que también está ambientada posterior a la dictadura, pero si me emocionó mucho sobre todo por su valor en cuanto al recordar y hacer memoria sobre por qué el pueblo argentino gritó, grita y seguirá gritando "nunca más".

Si algo no me gustó de la película es tal vez la sobrestimación que se le hace al fiscal Strassera, llamándolo "héroe nacional", lo que considero algo exagerado, no así desvalorizando su papel en el juicio.

Me sorprendió mucho su estilo y dirección, dígase su fotografía, la ambientación, las actuaciones, los diálogos; realmente tanto en lo técnico como en lo artístico es una excelente película.

Tiene tanto momentos tensos, aterradores y emotivos, como algunos más relajados y hasta cómicos que hacen menos pesada la experiencia de verla, ya que al tratarse de un tema tan escabroso y oscuro, a veces las películas que tratan el mismo se vuelven difíciles de digerir, como la ya antes mencionada Cautiva (2003), aunque eso no quita que la película sea mala o buena, solo que la experiencia sea más disfrutable. Viendo el objetivo de la película y como lo cumple, creo que esto es un acierto.

Sin dudas, Argentina 1985 es una gran película que enorgullece y hace valer, como muchísimas otras, la producción nacional.

A su vez, al ver una producción tan grande y con tanto presupuesto (algo que es difícil de ver no solo en nuestro territorio si no en la región latinoamericana, ya que las industrias cinematográficas no suelen ser el foco de atención en donde el Estado busca invertir) que no sea algo comercial y sin alma como muchas otras (si, eso fue para vos Granizo, 2022), me hace tener esperanza sobre el futuro de la industria. Esto lo digo porque muchas de las grandes películas argentinas son independientes. Inclusive cineastas importantísimos como Hugo Del Carril que venía de una gran carrera en la época dorada del cine argentino, tuvieron que producir su películas con su propio capital. Saber que las productoras verán el éxito y buena recepción que tuvo Argentina 1985 tratándose de una gran película que trata de un tema con tales características, es esperanzador. Esperemos que así ocurra y el cine nacional apunte a más películas como esta.

[enalfersa]

100 clásicos del cine del siglo XX

[pamsushi]

“The Whale”

Dir. Darren Aronofsky

2022

Mi sentir respecto a la película: “The Whale”.

Una película conmovedora, desgarradora, dolorosa y poética al mismo tiempo. Desde que inicio la película me sentí tan identificada con tantas escenas, no podía dejar de pensar en mí, en mi papá y en muchas personas que hemos sido víctimas de nuestros propios pensamientos, problemas, angustias y esto se ve reflejado en nuestro cuerpo.

A veces la sociedad te juzga y hace comentarios como: “¿Por qué has ganado tanto peso?, “Bueno, esta gordo por que quiere”, “Cómo no va estar así, veanlo como come”, etc. y realmente no conoce lo que realmente le pasa a esas personas, no solo aplica en las personas obesas, sino también en las personas adictas a las drogas, fumadoras, alcohólicas, con problemas de conductas alimenticias, etc.

Siento que aquí el tema más importante y bastante comentado hoy en día es la salud mental, el porqué se debe priorizar los pensamientos y conductas que tenemos como seres humanos.

Para mi la película fue una representación de muchos momentos de mi vida, donde Charly (el protagonista de esta historia) representaba a mi papá y yo me sentí identificada por los demás personajes, en específico su hija y la enfermera.

Yo aprendí a tomarle su presión, me acercaba a su pecho a escuchar como latía su corazón y se detenía por un segundo, comía con él y éramos cómplices de comer lo que se nos antojaba.

Yo amo a mi papá por sobre todas las cosas, amaba su cuerpo, su forma de hablar, su risa, su inteligencia, su fuerza, su temperamento y su sensatez. Me dolía entender en qué momento todos los problemas que tenía lo habían consumido y por ende los podía ver reflejados en su cuerpo y mente.

No se cual fue el punto de quiebre, la muerte de su hermano Roberto, la responsabilidad de trabajar junto a su padre, el casarse y tener hijos, las deudas económicas, realmente nunca lo sabré.

Lo único que sé es que lo vi consumirse, enfermarse y morir.

Había días que estaba muy enojada con él, discutimos porque no quería entender que debía cuidarse, cambiar su alimentación, tomarse como prioridad sobre todo lo demás. Pero existía una incongruencia se lo pedía yo quien a los 24 ya presentaba problemas de salud y pesaba 98 kilos.

No me queda duda de que mi papá realmente lo intentó, entre dietas extremas y ejercicio, logró tener una pérdida considerable de peso, pero al final “recayó”, y me vuelvo a preguntar lo mismo, ¿que fue lo que pasó para que retomara esos hábitos?, ciertamente no lo sé.

Mi papá murió en septiembre del 2020, en un pico de la pandemia por Covid 19. El último día que estuve con él estaba tan enojada de ver como no podía respirar ni caminar, y estaba enojada porque vi su cara de miedo cuando me dijo “¿Qué tal si me pelo? (haciendo referencia a que sentía que iba morir). Yo realmente creí que iba a sobrevivir y solo era una crisis, como la que ya había tenido anteriormente en 2017 cuando le quiso dar un infarto.

La muerte de mi papá significó tanto para mí, me hizo cuestionarme qué es lo realmente importante en esta vida, y lo que yo considero que es lo más importante SOY YO. Es mi salud, es mi familia, son mis amigos, las vivencias, el amor.

Gracias a mi papá por ser mi más grande maestro, por que tu vida y tu muerte ha sido uno de los sucesos más importantes de mi existencia.

También considero importante comentar que “Nadie puede salvar a nadie, solo uno puede salvarse a sí mismo”.

Yo no te pude salvar papá, pero gracias a tí decidí salvarme a mí misma.

Gracias, por tanto. Te amo hoy mañana y siempre.Tú gordita calabaza.

Le agradezco también al cine, otra de mis disciplinas favoritas de las bellas artes, por piezas cómo estás qué te hacen replantearte y sentir tantas cosas, cumpliendo con uno de sus tantos objetivos.

Ojalá que tengan oportunidad de verla y comentarme qué les pareció.

#thewhalemovie #Pelicula #SaludMental #LaBallena

[sabanerox]

My Policeman | Mi Policía (Prime Video, 2022)

My Policeman | Mi Policía (Prime Video, 2022)

[cinemedios]

“Inseparables”, el valor de soñar sin perder la realidad

Una marioneta con complejo de Don Quijote de la Mancha y un perro de peluche que rapea, son los originales y poco comunes héroes de esta historia donde la amistad y la aventura son el platillo principal, que va acompañado de diversión y muchas enseñanzas para los más pequeños del hogar. Entra y descubre porqué debes ir con tu familia a disfrutar Inseparables.

Reseña | ‘Inseparables’ Un grupo de marionetas vivientes se fragmentará cuando su bufón “Don”, se harte de ser sólo el hazme reír y decida salir a explorar el mundo para demostrar su valor como héroe; de una manera muy similar a Don Quijote, sus aventuras mezclarán fantasía y realidad, encontrará en Dj Doggy Dog un perro de peluche, a su fiel escudero y aprendiendo a trabajar en equipo, deberán…

[espeliculando]

Puntuación:⭐️⭐️y media de 5

42 Segundos.

La película que tampoco se llevará el oro.

Por mgarsos

Siempre es complicado ficcionar un hito histórico y esta cinta es buena prueba de ello. Sin embargo, logra ser ese drama deportivo entretenido que pasará ante nuestros ojos “sin pena ni gloria”, como ya nos prometía desde un inicio.

Entre sus principales problemas encontramos una historia que comienza dispersa e insustancial hasta casi el último cuarto del metraje. Acusamos también, una falta de subtramas interesantes que nos presenten a sus personajes, no solo a los protagónicos, de una forma más profunda.

No tenemos ninguna sorpresa en cuanto al reparto, capitanean Álvaro Cervantes (Manel Estiarte) y Jaime Lorente (Pedro García Aguado). Aunque las actuaciones de ambos son correctas y meritorias, volvemos a echar en falta un poco más de peso coral en el resto del reparto, enriqueciendo así la temática de equipo. Mención especial para, Julia Lara (Sara) y Artur Busquets (Joan Figio).

El diseño de producción aprovecha correctamente las localizaciones olímpicas, aderezándolas con pequeños guiños noventeros. El vestuario recreado, también aporta un plus de credibilidad. La fotografía tiene alguna que otra propuesta interesante que apoya a la narración, pero la música es mejorable y necesita más originalidad y épica.

“42 Segundos” flota en la superficie de una epopeya deportiva. No se sumerge lo suficiente en las vivencias de los personajes, restándole una profundidad que la enriquecería. Nada entre los principales clichés del género, sin lograr mucha ocasión de gol. Aún así, entretiene y se disfruta mucho más según se acercan los últimos minutos del metraje. Quizá nuestra selección si merecía el oro, pero para “42 Segundos” la plata es más que suficiente.

Trailer oficial 42 Segundos.

Puedes verla online gratis en Rtve Play. POR TIEMPO LIMITADO.