#disco-platino

[bluefunkymamma]

Doobie Brothers(banda)

Doobie Brothers(banda) Una de las bandas de pop / rock más populares de California de los años 70, Doobie Brothers pasó de ser una banda de boogie suave después de los hippies

Una de las bandas de pop / rock más populares de California de los años 70, Doobie Brothers pasó de ser una banda de boogie suave después de los hippies a convertirse en una banda de pop / rock  con influencias de soul a finales de la década. En el camino, el grupo acumuló una serie de álbumes de oro y platino en los Estados Unidos, junto con varios éxitos de radio como “Listen to the Music”,…

[catastrofeanotherme]

Tu sei

tipo la

luna

nel mio

letto 🌛🤍

[aitan]

Ho ascoltato al TG1 che il cantante chiamato Ultimo ha ottenuto 49 dischi di platino.

Da quello che so, un disco di platino corrisponde a 50.000 album venduti.

Ora, 49 per 50.000 fa 2.450.000.

Due milioni quattrocentocinquantamila.

Mica bruscolini!

Le famiglie in Italia sono circa 25 milioni.

Più o meno dieci volte di più del numero dei presunti dischi venduti da Ultimo.

Ne deduco che la mia è una delle nove famiglie su dieci in cui mancano queste diffusissime opere di ingegno.

Poi magari oggi per il platino ci si riferisce anche a copie non fisiche, ma a me sembra ugualmente uno sproposito, una esagerazione, una fanfaronata a scopo pubblicitario. E il TG1, a quanto pare, si presta.

Ma poi, in fondo, non c'è neanche tanto di che meravigliarsi.

[t4tadrienette]

Lol. Lmao even.

[seddenostalgia]

Es un HONOR que pongan tu cara en un juego de cartas o un paquete de stickers. Ningun disco platino o estadio te consagran más que estar en merch hecha por el laburante o fábrica de dudoso manejo legal

[unwinthehart]

"Brividi" è otto volte disco di platino! 💿💿💿💿💿💿💿💿

[fiammarock]

il 23 agosto 1994 Jeff Buckley pubblica “Grace” il suo primo e unico album in studio che fu certificato con sei dischi di platino.

"Il mio disco preferito del decennio"

Jimmy Page

"uno dei più grandi compositori del decennio"

Bob Dylan

"Uno dei dieci dischi che porterei su un'isola deserta"

David Bowie

❤️🎶🔥

[carmenvicinanza]

Fiona Apple

Fiona Apple, pianista, compositrice e cantautrice è tra le artiste più interessanti della sua generazione.

Tra i tanti premi e nomination ricevute, spiccano tre Grammy e due MTV Video Music Award.

Nel 2023 la rivista Rolling Stones l’ha inclusa tra le 200 cantanti più brave di tutti i tempi.

Ha composto ballate con liriche drammatiche e intimiste che testimoniano la sua personalità tormentata e i problemi psicologici cominciati dalla violenza sessuale subita a dodici anni da uno sconosciuto, nel garage di casa.

All’anagrafe Fiona Apple McAfee-Maggart, è nata a New York il 13 settembre 1977, dall’unione tra Brandon Maggart e Diane McAfee, entrambi attori che si sono separati quando lei era ancora molto piccola.

A otto anni ha iniziato a suonare il piano e a undici ha scritto la sua prima canzone.

La sua ascesa artistica è iniziata quando, nel 1994, un’amica ha fatto ascoltare una sua cassetta a Kathryn Schenker (che ha prodotto anche Sting e Smashing Pumpkins), per la quale lavorava come babysitter, che le ha subito procurato un contratto con la Sony.

Ha esordito a soli diciotto anni con Tidal del 1996, disco di platino che ha venduto oltre tre milioni di copie solo negli Stati Uniti e con cui ha partecipato al primo festival tutto al femminile della storia, il celebre Lilith Fair. L’album ha riscosso subito un grande successo di pubblico e di critica e le ha portato il primo Grammy Award nella categoria Best New Artist in a Video per il brano Criminal.

Il suo carattere difficile e la resistenza ad accettare le leggi dello star system che la voleva sex-symbol a tutti i costi, mal si adeguavano alle sue ambizioni artistiche. Nel 1997, agli Mtv Video Music Awards, ritirando il Best New Artist Award, ha dichiarato che quel mondo faceva schifo e concluso con la frase della scrittrice Maya Angelou Go with yourself.

Nel 1999 è uscito il suo secondo album When The Pawn Hits The Conflicts He Thinks… che ha venduto oltre un milione di copie ottenendo il disco d’oro e portandole ulteriori candidature ai Grammy. Il disco è entrato nel Guinness dei Primati come album dal titolo più lungo mai entrato nelle classifiche statunitensi, è infatti, una poesia di 90 parole.

Tra i vari progetti collaterali, nel 1998 ha contribuito anche alla realizzazione della colonna sonora del film Pleasantville interpretando Across the Universe dei Beatles.

Il terzo album di inediti, Extraordinary Machine, è uscito nel 2005, portandole il disco d’oro, una candidatura ai Grammy e molte recensioni positive dalla critica. La casa discografica ne aveva bloccato l’uscita ritenendolo poco vendibile, allora venne distribuito in rete, tanto da mobilitare i suoi fans in una raccolta di firme e coniare lo slogan “FreeFiona!

Nel 2006 ha interpretato una cover di Sally’s song inclusa nell’edizione speciale della colonna sonora del film di Tim Burton Nightmare Before Christmas.

Nel 2011 ha partecipato all’album di cover in onore del cantante Buddy Holly, Rave on Buddy Holly, interpretando il famoso brano Everyday.

Nel 2012 ha pubblicato il quarto album, un altro titolo lunghissimo, The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do, svettato subito alla terza posizione della classifica statunitense.

Dopo quasi otto anni di parziale assenza dalle scene musicali, nel 2020, ha pubblicato Fetch the Bolt Cutters, interamente registrato a casa sua, che è stato uno degli album maggiormente acclamati nella storia della musica, vincitore del Grammy Award al miglior album di musica alternativa nel 2021.

Fiona Apple ha iniziato come una tenera e languida cantautrice di storie intrise d’angoscia e malinconia, in eterna lotta con il music business, con un carattere difficile e ribelle che l’ha portata a porsi contro chi voleva affibbiarle etichette di bella, sexy e ricca. Oggi è un’artista che non ha dimenticato nulla, che ha imparato a convivere col caos dei suoi sentimenti, pronta ad accusare in pieno ogni nuova ferita. E ad apprezzarne morbosamente le ripercussioni.

Tra uscite di scena, silenzi infiniti e improvvisi ritorni, la sua carriera è un grande gioco di magia che continua a lasciarsi dietro applausi e commozione. Prosegue così come vuole lei, coi suoi tempi e la sua libertà.

[pettirosso1959]

"E per strada

Luce verde di giada"

La nuova canzone di Elodie (quella che combatte il patriarcato mostrandosi seminuda sul palco) è diventata disco di platino.

Ho voluto quindi leggere il testo di cotanta poesia, che ci son voluti cinque o sei individui per scriverlo tutto quanto...

BLACK NIRVANA si chiama la canzone, ed a me fa pensare ad una bella fumata di afgano nero.

Ma non è così: il termine Black Nirvana viene usato per indicare uno stato di beatitudine oscuro e intenso raggiunto dopo un'improvvisa avventura con un tipo appena conosciuto. La cosa viene vissuta come un’esperienza trascendentale.

Viene anche infiorettata da qualche riferimento surreale, artistico e mistico: vi sono parole buttate là a caso, tipo "De Chirico", "luna bianca", "mandala" (il disco sacro indiano) "Met Gala", "ubriachi in un attico" tanto per evocare una cornice lussuosa.

Da quello che si capisce, la ragazza che canta ha avuto una di quelle esperienze che negli anni Settanta-Ottanta si chiamavano senza tante chiacchiere "una botta di vita" e questo Black Nirvana mi sa tanto che è un Black Bamboo.

Sarebbe in linea con il personaggio di Elodie, così politicamente corretta!

Volendo operare una specie di "decostruzionismo" per dir così, ho riconosciuto nel testo un solo riferimento culturale: i due versi che ho riportato in alto.

"E per strada

luce verde di giada."

Mi ha ricordato una pagina di Proust, visto che l'estate scorsa ho riletto tutta la "Recherche", dove nell'ultimo libro "Il tempo ritrovato" si descrive una camminata notturna di Marcel a Parigi, d'inverno, quando c'era il coprifuoco in tempo di guerra nel 1918 circa... Egli si era perduto e camminava in mezzo a strati di neve che alla luce verdastra dei lampioni smorzati per il coprifuoco, sembrava verde come giada.

Ecco, una "perla" proustiana incastonata in un disco di platino di una moderna chanteuse....

Povero Proust.

(prima foto: un black mandala, seconda foto: i prosciutti di Proust)

[solyeeeonnsoli]

BTS

¿quienes son? es un grupo sur coreano que se creo en 2010, el nombre de la banda es bangtan boys, tiene diferestes estilos musicales no solo clasicas, el hip hop eh canciones melancolicas han echo que sus canciones triunfaran a nivel mundial. estan compuesto por de 7 integrantes entre ellos son:

·kim Tae-hyung

·Jeon jung kook

·kim nam joon

·min yoongi

·park jimin

·kim seok jin

·jung ho seok

BTS debutó en 2013 bajo la compañía Big Hit Entertainment con el álbum sencillo 2 Cool 4 Skool. Un año después publicó sus primeros álbumes de estudio en coreano y en japonés, Dark & Wild y Wake Up respectivamente. Su segundo álbum de estudio, Wings (2016), fue el primero de sus discos del que se vendieron más de un millón de copias en Corea del Sur. Para 2017 entró al mercado musical global como el principal promotor de la ola coreana, especialmente en Estados Unidos. Fue el primer artista coreano en recibir una certificación de la Recording Industry Association of America (RIAA), con su sencillo (MIC Drop), y en encabezar la lista Billboard 200, con su disco Love Yourself: Tear (2018). En 2020 se convirtió en uno de los pocos grupos en tener cuatro álbumes número uno en EE. UU en menos de dos años hito que ninguna banda había alcanzado desde The Beatles (entre 1966 y 1968). En ese mismo año, su álbum recopilatorio Love Yourself: Answer (2018) fue el primer disco en coreano que obtuvo la certificación de platino por parte de la RIAA. Además, BTS llegó a ser el primer artista coreano en liderar simultáneamente la Billboard Global 200 y la Billboard Hot 100 con su sencillo —nominado a un premio Grammy— «Dynamite». Con sus siguientes temas Savage Love,Life Goes On, Butter y Permission to Dance fue el artista que acumuló más rápidamente cinco canciones número uno en EE. UU desde Justin Timberlake en 2006.

[falcemartello]

Pink Floyd: i magnifici 50 anni del lato oscuro della luna.

Nella storia della musica ci sono i grandi album e poi c’è The Dark Side Of The Moon, che è molto più di un disco: un’opera d’arte che contiene tutte le arti. Un viaggio nel lato oscuro della mente umana che è suono, poesia, avanguardia elettronica e genialità grafica. Non c’è nulla di ordinario nel capolavoro dei Pink Floyd, nemmeno la sua genesi, considerato che la band lo eseguì dal vivo per intero nel 1972, in Inghilterra e Giappone, prima ancora che uscisse nei negozi (nel marzo 1973) e mentre buona parte dei brani stava assumendo la forma definitiva tra le mura degli Abbey Road Studios, a Londra, nelle pause tra uno show e l’altro. È musica “classica” The Dark Side Of The Moon, e non solo perché ha venduto quarantasette milioni di copie nel mondo e ha trascorso, lungo le decadi, 962 settimane nella classifica americana e conquistato quattordici dischi di platino in Inghilterra. In Italia, nel 2021 è stato di gran lunga il vinile best seller, surclassando i giovani virgulti del rap, i Beatles, i Queen, i Rolling Stones e gli Abba.

Non c’è competizione possibile con il disco cult dei Pink Floyd perché i dieci brani che lo compongono sono altro rispetto alle classificazioni musicali standard. The Dark Side Of The Moon è in sé un genere musicale, un volo pindarico in un suono senza tempo né spazio. Ne è la prova il fatto che nessuna delle dieci canzoni che lo compongono è mai diventata veramente un singolo di successo. Perché “il lato oscuro” è un disco che si ascolta tutto dall’inizio alla fine, come un’opera classica che non si può interrompere per chattare con lo smartphone. Inizia con il suono di un vero battito cardiaco e conduce in un viaggio attraverso la vita e le sue contraddizioni, fino al gran finale dove razionalità e follia si incontrano e si scontrano in Brain Damage ed Eclipse. Una chiusura ad effetto che è senza dubbio anche richiamo alla drammatica parabola umana dell’amico e compagno di band, Syd Barrett, costretto ad abbandonare il gruppo dopo due dischi per gravi problemi psicologici acuiti dall’abuso di sostanze lisergiche.

Ne avevano incisi sette di album i Pink Floyd prima di iniziare a registrare The Dark Side. Nel passaggio da gruppo visionario e psichedelico a band adulta pronta a incidere il suo capolavoro, fu decisivo l’ingaggio di Alan Parsons, tecnico del suono e musicista raffinatissimo. L’incontro dei quattro con Parsons è il passaggio chiave. Chiusi in studio di registrazione i fabolous five spingono la musica nel nuovo millennio con ventotto anni di anticipo.

Non c’è album venuto dopo o inciso negli ultimi tempi che non debba qualcosa alle tecniche di registrazione del “lato oscuro”. Le dissolvenze tra una canzone e l’altra, l’uso dei loop, all’interno di un brano, ovvero suoni registrati e ripetuti all’infinito, l’accelerazione elettronica di una parte lenta di pianoforte, l’uso creativo dei nastri di registrazione che venivano tagliati e poi incollati per creare un tutt’uno di effetti sonori cambiano per sempre le tecniche utilizzate in sala d’incisione. Ma non è tutto qui: nel mezzo della loro personale missione “lunare” i Pink Floyd optano per un’altra scelta rivoluzionaria, ovvero fare del loro nuovo disco una fantastica scatola magica di suoni, un mix indissolubile tra musica, voci e rumori di fondo catturati nella vita reale.

E allora ecco che nelle canzoni entra il crepitio delle monete agitate in una ciotola, il suono potente e ripetitivo di un registratore di cassa, una sinfonia di ticchettii vari registrati in un negozio di sveglie ed orologi, il fruscio delle banconote e poi le voci di gente comune di tecnici e impiegati degli Abbey Road Studios invitati davanti ad un microfono a rispondere liberamente a domande elaborate da Roger Waters (bassista, voce e principale compositore della band) sui temi della follia e della violenza in tutte le loro accezioni. Tra i tanti si presentarono anche Paul McCartney con la compagna Linda, ma le loro parti alla fine non vennero utilizzate nel missaggio finale. A chiudere il cerchio la copertina più iconica di sempre probabilmente ispirata ad un esperimento del matematico, fisico e filosofo Isaac Newton alla fine del milleseicento. Un fascio bianco di luce che attraversa un prisma e si scompone in sei fasci di luce che rappresentano i colori presenti in natura. Un concept puramente grafico, asettico, lineare, senza presenza umana, che ha stregato il pubblico e i critici. E che nessuno della band ha voluto mai spiegare nel suo reale significato perché è un luogo dell’inconscio come il monolite nero e lucido a forma di parallelepipedo che troneggia in 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick. È l’arte che diventa mistero e capacità di stupire senza usare parole, solo la musica. Un approccio che i Pink Floyd fecero loro anche un anno prima di incidere il loro disco più importante scegliendo di esibirsi, nell’era dei giganteschi bagni di folla come Woodstock, Altamont o l’isola di Wight, da soli, al tramonto, nel cuore dell’Anfiteatro romano di Pompei. Il suono del silenzio.

Gianni Poglio

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #290 - Steely Dan, Gaucho, 1980

Devo ammettere che la fine di questo percorso sulle storie musicali alla ricerca del suono perfetto non poteva che fermarsi a questi due. Che in un decennio dove nella musica sono successe infinite cose, gli anni ’70, sono passati tranquilli e inscalfibili a diffondere qualcosa di completamente diverso. E per molti versi inclassificabile. Walter Becker e Donald Fagen sono probabilmente i musicisti più maniacali, quasi in senso patologico, che io conosca nella storia della musica pop occidentale. Siamo davvero ad una sorta di mania di perfezionismo che nasce in un momento preciso. Infatti i loro Steely Dan (dal nome di un dildo meccanico a vapore citato da William Burroughs ne Il Pasto Nudo) all’inizio erano un gruppo, formato dal duo (che sanno fare tutto, ma si dividono tra voci e chitarra) con Denny Dias insieme a Jim Holder alla batteria, Jeff Baxter alla seconda chitarra, e David Palmer. Il loro esordio è già fenomenale: Can’t Buy A Thrill (1972) vola subito nella Top 20 e frutta due canzone mito degli anni ’70 come Do It Again e Reeling The Wheel. Già è presente il mix, a tratti soprannaturale, di stili, un pop venato di jazz, rock, soul, fatto di sovrapposizioni di strumenti, intrecci vocali, perfezione esecutiva a cui sia accompagna una ironia sfacciata nei testi. Con Pretzel Logic, del 1974, un capolavoro, hanno addirittura una hit single, nella perfetta Rikki Don’t Lose That Number (omaggio a Horace Silver, grande jazzista), ma durante il tour che segue Fagen ha un attacco di panico sul palco e decide di non esibirsi più. La decisione successiva è di sciogliere il gruppo, di diventare un duo e per compensare il mancato contatto con il pubblico, quello di scrivere canzoni perfette. Una perfezione esecutiva, compositiva e di registrazione, diventando in questi tre rispettivi campi dei punti di riferimento assoluti. Decidono quindi di chiedere servizi ai più bravi e famosi sessionisti in tutto il mondo, di usare il meglio della tecnologia e di cercare la perfezione sonora. Già con Aja, del 1977, toccano vette assolute, ma i due attraversano un periodaccio. Quando iniziano a pensare al nuovo disco Becker viene investito sotto casa, nell’Upper East Side, e si frattura diverse ossa e passa settimane in ospedale, ma ha voglia di non perdere tempo, tanto che sviluppano le idee del disco e della sua evoluzione via telefono con Fagen (tuttavia non suona in molti brani dell'album). Tra l’altro, la sua fidanzata, Karen Roberta Stanley morirà per complicazioni dell’abuso di stupefacenti, appena finite le registrazioni del nuovo disco. La famiglia della ragazza, accusando Becker di esserne stato l’iniziatore, chiese un risarcimento da milioni di dollari, ma una sentenza di qualche anno più tardi scagionò il musicista. Tutto questo non impedì che per Gaucho, che esce nei negozi di dischi il 21 Novembre del 1980, abbiano fatto ruotare nei soli 7 brani 62 musicisti, tra i più famosi del mondo, tra batteristi, chitarristi, percussionisti, sassofonisti, coristi e ben 11 ingegneri del suono.

Basta dire che fecero provare per ore Bernard Purdie, leggenda vivente del jazz e inventore del Purdie Shuffle (terzine nel tempo tagliato) le sue parti nei brani. Tutti i batteristi, tra i più grandi di sempre (ricordo Steve Gadd, Jeff Porcaro dei Toto, Rick Marotta e altri ancora) passarono ore a provare il tocco che volevano quei due, che non contenti chiesero a Roger Nichols, uno dei più grandi ingegneri del suono americani, di creare una drum machine particolare che li aiutasse: con un investimento di 150 mila dollari (una follia per l’epoca) Nichols portò loro Wendel, che per quanto fosse il massimo di sofisticatezza del tempo, per difficoltà nella programmazione fu usata pochissimo. Ma c’è un particolare simpatico: quando l’album divenne disco di platino, un disco celebrativo fu regalato persino a Wendel in quanto “artefice” del successo. Chi altro poteva chiedere a Mark Knofler, in quei mesi il chitarrista più famoso del mondo per quel pezzo leggendario che fu Sultans Of Swing, di provare ore intere un assolo da 40 secondi per Time Out Of MInd? O chi poteva pensare di passare per 55 tentativi prima di centrare la voluta dissolvenza finale di Babylon Sisters?

Tutte le canzoni sono dei gioielli in un disco che racconta di hipster un po’ in là con gli anni in cerca di divertimento: Babylon Sisters ne è l’essenza, quasi a disegnare un sogno californiano che finisce a bere un kirschwasser from a shell; oppure la famosissima Hey Nineteen (che si dice fosse piaciuta tantissimo a John Belushi che ne voleva fare un soggetto per un film) dove un attempato conquistatore rimane basito che la sua nuova conquista diciannovenne non conosca Aretha Frankiln (Hey Nineteen/ That’s ‘Retha Franklin/ She don’t remember the Queen of Soul/ It’s hard times befallen/ The sole survivors/ She thinks I’m crazy/ But I’m just growing old), in una sorta di incomunicabilità generazionale (No, we got nothin’ common/ No, we can’t dance together/ No, we can’t talk at all) e che finisce in una probabile ritiro tra Cuervo Gold (una famosa marca di tequila), Fine Colombian (che non è cioccolato bianco) e Make tonight a wonderful thing tra il sibillino e una solitaria sconfitta sentimentale. Glamour Profession racconta la vita scintillante di uno spacciatore, raccontata con dovizia di particolari; Gaucho, altro classico, una storia d’amore gay mandata in frantumi da un gigolò che veste i panni bizzarri di un gaucho, un uomo in spangled leather poncho che riesce a distruggere la quiete domestica della coppia entrando dentro la loro preziosa dimora, la leggendaria custerdome (uno dei luoghi steelydaniani per eccellenza, che non ha una traduzione letterale soddisfacente) e fu scritta pensando a Long As You Know You're Living Yours di Keith Jarrett, dal suo disco del 1974, Belonging. Jarrett ottenne il riconoscimento come autore e il relativo pagamento di diritti d’autore (nelle moderne ristampe compare come autore del brano). Time Out Of Mind è probabilmente il racconto di un primo racconto con l’eroina, a inseguire “dragoni” fino a Lhasa. My Rival è la storia intrigante di un tradimento, ma visto attraverso gli occhi di un investigatore privato con l’apparecchio acustico (He’s got a scar across his face/ He wears a hearing aid) sulle tracce di qualcuno da smascherare (Sure, he’s a jolly roger/ Until he answers for his crimes/ Yes, I’ll match him whim for whim now). E l’ultima canzone è un altro colpo da KO: Third World Man è un'accusa niente affatto sottintesa al falso interesse per le questioni sociali dei paesi in via di sviluppo, che ha perfino un verso cantato in italiano da Fagen (è l’era del terzo mondo, scritto con Victor di Suvero, poeta italiano naturalizzato americano) e ha l’ultima pazzia: l’assolo, meraviglioso, di Larry Carlton fu ripescato dalle registrazione di The Royal Scam (del 1976) e ricostruito per quella canzone, tanto che Carlton nemmeno sapeva fosse presente nei crediti del disco. Sulla musica di questi brani, lascio a voi scoprire tutte le meraviglie sonore, di ricercatezza, gli effetti da sentire e risentire, ma molti se ne accorsero presto, perché vinse il Grammy Award del 1981 per la migliore registrazione non classica. Dopo tutto questo, gli Steely Dan si sciolgono. Fanno in tempo a scrivere, a nome solo di Fagen, quell’altro capolavoro che è The Nightfly (1982, con la copertina più bella di tutti i tempi – andatela a vedere) e a ritornare, dopo 21 anni, con Two Against Nature che, come potrebbe raccontare un testo delle loro canzoni perfette, li fa conoscere ad una nuova e giovane generazione, ammaliata da quel tocco incredibile che la leggendaria rivista jazz Downbeat una volta descrisse così: Non c’è nulla che suona così bene come un disco degli Steely Dan.

[valentina2f3]

Billie Eilish

Billie Eilish cantante, compositora y productora estadounidense, haria y hace un cambio notable dentro de la industria de la música. Su empatía ha capturado la atención, el corazón de adolescentes y adultos.

El 18 de agosto nació Billie Eilish Pirate Baird O´Conell en LA, California. Hija de Maggie Baird, la cuál es actriz y maestra, e hija de Patrick O´Conell, el cuál es actor. La pasión de Billie cuando era niña fue el baile, pero en 2016 sufrió una lesión en el cartílago de crecimiento, por lo que le impidió seguir bailando y gracias a eso surgió su carrera como artista. Su hermano tenía una banda, por lo cuál invitó a su hermana a grabar una canción con su voz. Esta canción fue el inicio de todo este largo trayecto.

El 14 de Enero de 2017, lanzó un Ep (extended play), con cuantro remixes de ¨Ocean Eyes¨. El 30 de Marzo, aparece su canción ¨Bored¨ como parte de la banda sonora de la serie ¨13 reasons Why¨. A lo largo de este tiempo fue lanzando algunos sencillos como ¨Watch¨, ¨Copycat¨, etc. Su segundo Ep se publicó el 11 de 2017, llamado ¨Don´t Smile at Me ¨. El 29 de marzo del 2019, se publicó su álbum debút titulado ¨When we all fall Asleep, Where Do We Go?¨, este superó cualquier expectativa, tanto como el del público y de la artista misma. Su segundo álbum llamo ¨Happier Than Ever¨, fue publicado el 30 de Julio de 2021.

Billie se convirtió en la primera artista de la década del 2000 en tener un álbum número uno por un larog tiempo. ¨Ocean Eyes¨ y ¨Lovely¨, fueron discos de platino, además de lograr siete sencillos discos de oro. En los premios Grammy de 2020, ganó el grammy a mejor producción, mejor canción, mejor álbum del año y mejor nuevo artista, estos son los llamados ¨Big Four¨ en categorias principales, además del mejor disco de pop vocal contemporáneo que solo se había logrado en 1981. Ganó un Oscar por la canción ¨No time to die¨ la cual fue la banda sonora principal de la película de James Bond.

"Where's My Mind Tour", es la segunda gira de conciertos de la cantautora estadounidense Billie Eilish. Fue apoyado por su EP debut ¨Don't Smile at Me¨, e incluyó conciertos en Norteamérica y Europa. La gira se anunció en noviembre de 2017 y las fechas se anunciaron al mismo tiempo. La gira ¨1 by 1¨, es la tercera gira de la cantautora estadounidense Billie Eilish en apoyo de su EP debut Don't Smile at Me. La gira comenzó en Oakland, California el 20 de octubre de 2018 y finalizó en Barcelona, ​​España el 9 de marzo de 2019. La gira mundial ¨When We All Fall Asleep¨, es la tercera gira de la artista estadounidense Billie Eilish para promocionar su álbum de estudio debut, ¨When We All Fall Asleep, Where Do We Go?¨. Esta gira recaudo demasiados fondos, y fue la gira con la que la artista se hizo mas famosa.

Billie Eilish es mas que una artista, es una inspiración para muchos jóvenes hoy en día. Un ejemplo de esfuerzo, trabajo duro, empatía. Si bien su vida no ha sido fácil, pero es un ejemplo de que se puede seguir adelante, a pesar de las advercidades. Un ejemplo de amor y apoyo en familia. Desde su corta edad a logrado muchas cosas, pero nunca deseando mal a nadie, al contrario, siempre ayudando a sus colegas y dejandose ayudar por los mismo. Siempre busca dar una sonrisa a todos los que la ven, y dar lo mejor de ella. Es una gran persona, gran cantante, gran hija, gran hermana.

Moreno,V.(2019).Billie Eilish.buscabibliografias.com

https://www.buscabiografias.com/biografias/verDetalle/10851/Billie

Wilhellm,V.(2019)biobiochile.cl https://www.americaeconomia.com/billie-eilish-la-cantante-pop-que-domina-las-redes-sociales

Valentina Rocha 2F3

0992634670

[lacasadelasmunecaspreciosas]

Marbelle

Maureen Belky Ramírez Cardona, conocida como Marbelle (Buenaventura, Valle del Cauca, 19 de enero de 1980) es una cantante colombiana de género tecnocarrilera, carrilera, guasca, ranchera, balada pop, balada romántica y techno pop, también actriz, jurado musical, compositora, modelo y presentadora.

Ha ganado tres discos de oro y seis discos de platino a lo largo de su carrera

[adominguezs]

Guns N' Roses - Use Your Illusion I. Año 1991. Edición USA. Reedición 2012. Hard Rock. Geffen.

Es el tercer álbum de estudio de la banda, publicado el 17 de septiembre de 1991, el mismo día que su álbum gemelo "Use Your Illusion II". Debutó en la posición número 1 en las listas del Billboard, y ha sido certificado en Estados Unidos 7 veces con disco de platino.

Guns N' Roses - Axl Rose - voz, piano, guitarra, sintetizador y percusión. - Slash - guitarra, talkbox, slide y slide dobro. - Izzy Stradlin - guitarra, coros, voz y percusión. - Duff McKagan - bajo, coros y guitarra. - Matt Sorum - batería y percusiones. - Dizzy Reed - piano, órgano, teclados y percusiones.

Producción - Mike Clink - productor. - Jim Mitchell - ingeniero. - Bill Price - mezclas. - Mark Kostabi - artwork.

Tracklist:

A1 Right Next Door to Hell 3:03 A2 Dust N' Bones 4:59 A3 Live and Let Die 3:04 A4 Don't Cry 4:45 A5 Perfect Crime 2:24

B1 You Ain't the First 2:37 B2 Bad Obsession 5:28 B3 Back Off Bitch 5:04 B4 Double Talkin' Jive 3:24

C1 November Rain 8:58 C2 The Garden 5:22 C3 Garden of Eden 2:42 C4 Don't Damn Me 5:19

D1 Bad Apples 4:29 D2 Dead Horse 4:19 D3 Coma 10:15

[zerounotvadri]

Corey Taylor lanzó el electrizante video/sencillo ‘Beyond’

Para escucharla en streaming, siga esta liga: https://coreytaylor.lnk.to/BeyondPR Para ver el video, siga esta liga: https://youtu.be/k0PKw1B7mSI Reveló detalles de su esperado nuevo disco CMF2 Disponible a partir del 15 de septiembre mediante Decibel Cooper Recordings Liga para pre guardarlo y pre ordenarlo: https://coreytaylor.lnk.to/CMF2PR Hoy, el cantautor, actor y autor de best-sellers del New York Times, ganador del premio Grammy, artista multiplatino, Corey Taylor (Slipknot, Stone Sour), reveló los primeros detalles de su nuevo disco solista de estudio, CMF2, que incluye el lanzamiento del electrizante nuevo sencillo, “Beyond”.

Para escucharlo en streaming, descargarlo o compartirlo se puede seguir esta liga: https://coreytaylor.lnk.to/BeyondPR El video oficial que acompaña el sencillo fue filmado en un lugar remoto dentro del desierto de Mojave en California. Capturado a través de la lente del director Dale "Rage" Resteghini (Hatebreed, Five Finger Death Punch, Trivium), el video muestra a Taylor mientras camina penosamente por el desierto como un Tío Sam reflexivo que se entremezcla con los miembros de la banda y los Cherry Bombs, al tiempo que se ve rodeado de diferentes versiones de sí mismo a lo largo de los años, antes de culminar con una presentación en vivo para una gran cantidad de fans.

Puedes ver el video de “Beyond” en esta liga: https://youtu.be/k0PKw1B7mSI Los orígenes de “Beyond” se remontan a 2006. Taylor sabía que la canción era especial, pero nunca encontró el tiempo para llevar la melodía a su máximo potencial. Explicó lo siguiente: “Originalmente la escribí como una canción romántica agresiva, pero ahora también la veo como una especie de canción de 'unión. Quiero reunir a las masas y hacerles saber que quiero que mi música los lleve más allá de lo que puedan pensar de mí. Tal vez han tenido una idea equivocada sobre mí. No es exactamente una tarjeta de presentación, es más como lanzarle una señal al pitcher y decir 'bien, pongámoslo todo patas arriba'. Es casi una doble amenaza, porque ahora lo veo desde dos puntos de vista”. CMF2 sigue al debut en solitario de Taylor en 2020, CMFT, que contó con el sencillo número 1 de Billboard “Black Eyes Blue” y el éxito de streaming “CMFT Must Be Stopped” (con Tech N9ne y Kid Bookie). El LP alcanzó el puesto número 6 en las listas de los mejores álbumes de rock de EE. UU. de Billboard. “Mi primer álbum en solitario fue de donde venía. Este álbum es más hacia donde vamos”, agrega Taylor. CMF2, donde Taylor canta y toca la guitarra líder y rítmica, el piano y la mandolina, contiene la energía, la experimentación y la franqueza que han definido una carrera que lo ha visto vender más de 12 millones de álbumes con su banda ganadora del Grammy, Slipknot, y varios millones extra con la exitosa banda Stone Sour. CMF2 es el primer álbum de Taylor para BMG y el primero en su propio sello discográfico, Decibel Cooper Recordings. Jay Ruston (Anthrax, Steel Panther, Amon Amarth), quien produjo en 2017 el LP Hydrograd de Stone Sour, así como CMFT, regresa para este segundo largometraje sonoro de Taylor. “Juntos tenemos grandes ideas, gran energía y somos rápidos para probar todo”, dice Taylor sobre su colaborador de estudio. “No tenemos miedo de decirnos si es una buena idea, o también mala; tenemos ese tipo de confianza”. CMFT está formada por:Corey Taylor (voz/guitarra)Zach Throne (guitarra)Dustin Robert (batería)Christian Martucci (guitarra)Eliot Lorango (bajo) Sobre Corey Taylor:Corey Taylor no deja de impactar en la cultura como el líder de Slipknot, el gigante multiplatino ganador del premio Grammy, y de la formidable banda de platino Stone Sour. Taylor es un autor de best-sellers del New York Times, así como un actor con innumerables créditos en cine y televisión. Ha impactado a generaciones de fanáticos y compañeros por igual, su voz ha reunido a millones de personas en todo el mundo. A nivel mundial, Slipknot cuenta con 13 álbumes de platino y 44 de oro, tres de los cuales debutaron en el número uno en el Billboard 200 (All Hope is Gone, .5 the Grey Chapter y We Are Not Your Kind).