#simplifing guitar modes

[guitarguitarworld]

MINOR TOPIC-EASIER WAY TO IMPROVISE WITH MODES

Minor topic-improvising on modes mad easier for guitar

CLICK SUBSCRIBE! minor topic-an easier way to improvise with modes of music IMPORTANT: Please watch video above for detailed info: Hi Guys, Today, a quick look at another way of exploiting modes/improvisation on the guitar fingerboard. We will be creating music via concepts/musical tools based on this minor shape. Why do this? Because with this 5 fret shape arpeggio we can easily…

[chansonsinternationales]

Femme en chemise dans un fauteuil                                                                                                                                                                                                  ART INSTITUTE OF CHICAGO/RMN-GRAND PALAIS/IMAGE OF THE MMA-SUCCESSION PICASSO 2020                                                                                                                                                                                                      Picasso, le bonheur esthétique avec Eva                               

par Philippe Dagen , Le Monde

Publié le 27 août 2020                                                                                                                                                                                                                    SÉRIE« Mes œuvres-cultes » (4/6). Notre collaborateur Philippe Dagen, critique d’art, revient sur six créations qui l’ont marqué. Aujourd’hui, « Femme en chemise dans un fauteuil », du maître cubiste.                                                                                                                                                                                      Celle-ci, impossible de savoir quand je l’ai vue pour la première fois. Peut-être photographiée dans le catalogue de la rétrospective Picasso au Museum of Modern Art de New York (MoMA) en 1980, et c’était alors en noir et blanc – les catalogues n’étaient pas encore imprimés tout entier en couleur. A cette date, l’œuvre appartenait à la collection Ganz, à New York, dispersée depuis.                                                                                                                                            Elle a été montrée en 1989 au MoMA de nouveau, mais, à l’inverse d’autres Picasso, elle a peu voyagé. Quelle œuvre ? “Femme en chemise dans un fauteuil”, de l’automne 1913, huile sur toile de dimension moyenne. Les couleurs sont sourdes, les plus intenses étant des nuances de ce que l’on appelle « vieux rose » dans le vocabulaire de la décoration. La femme en chemise est Eva Gouel, l’amie de l’artiste. La toile est une déclaration d’amour.                                                                                                                                  A une date incertaine, Picasso et Fernande Olivier, sa compagne depuis 1905, rencontrent dans une brasserie du boulevard de Rochechouart, à Paris, le peintre Louis Marcoussis et Eva Gouel, qui se fait alors appeler Marcelle Humbert et vit avec lui depuis 1907. Dès lors, les deux couples se rencontrent assez souvent et semblent s’être rendus ensemble chez Gertrude Stein rue de Fleurus. Ils se voient tant qu’à l’automne 1911 Eva et Picasso sont bien plus que des amis.                                                                                                                                                                                                                                          Le peintre, qui est installé depuis l’automne 1909 dans un atelier boulevard de Clichy, reloue alors un atelier à la cité d’artistes du Bateau-Lavoir pour y recevoir Eva secrètement. Secret mal protégé : Gertrude Stein se doute vite que la mention « ma jolie » inscrite dans une nature morte, La Table de l’architecte, ne fait pas allusion à Fernande. Laquelle résout la question brutalement : elle quitte Montmartre au printemps 1912 avec le peintre italien Ubaldo Oppi, qui est alors futuriste.                                                                                                                                                                                                                                  Dès lors, rien ne retient plus Eva et Picasso de partir ensemble dans le Sud, à Céret (Pyrénées-Orientales) d’abord, à Sorgues (Vaucluse) ensuite, puis, de retour à Paris, de changer de rive et de quartier : Montparnasse, boulevard Raspail et, à l’automne 1913, rue Schoelcher. « Marcelle est très gentille et je l’aime beaucoup et je l’écrirai dans mes tableaux », a annoncé Picasso à son marchand Daniel-Henry Kahnweiler, le 12 juin 1912.                                                                                                                                                                        Dans “Femme en chemise dans un fauteuil”, il ne l’écrit pas, il donne à voir en la peignant – en la peignant selon la manière qui est alors la sienne et qu’elle l’a vu inventer chaque jour. A la fin de 1913, il y a en effet à peu près un an que Picasso et Braque expérimentent ce que l’on nomme « papiers collés », des œuvres dans lesquelles objets et lieux ne sont plus représentés de manière plus ou moins réaliste par la peinture, mais indiqués par plusieurs moyens qui se complètent dans l’esprit du regardeur.                                                                                                                                                                                                  Le plus immédiat est le dessin au fusain sur le papier. Il peut être imitatif – la crosse en spirale d’un violon – ou géométrisé et déformé – un trapèze de guingois pour un verre, un triangle pour un nez. Des découpages prélevés dans les journaux et dans les papiers de décoration qui imitent l’aspect du bois ou du marbre affirment sur le fond blanc le profil d’une bouteille ou la matière dans laquelle est construit le violon – le bois – ou la table de bistrot – le marbre. Les fragments imprimés sont aussi à lire pour ce qu’ils annoncent – une actualité, une publicité, le programme d’un cinéma, le titre d’une chanson comme cette Ma jolie, de Fragson.                                                                                                                                                                                                                        Equation visuelle                                                                                                                                                                                                                                     Il est encore possible d’introduire des mots ou des parties de mots manuscrits, « JOU » pour journal, « Bass » pour la bière, « Bach » pour la musique. Ces différents modes de désignation des êtres et des choses, qui resteraient elliptiques pris séparément, se comprennent quand ils sont associés : l’œuvre fonctionne comme une équation visuelle à résoudre par une suite de déductions. Elles permettent de reconstruire la guitare sur son guéridon, l’homme au chapeau ou tout autre motif.                                                                                                                                                                                                Il ne s’agit pas, comme on le lit encore parfois, de montrer les choses sous différents angles, mais de les suggérer selon différents moyens mentaux autant que visuels.                                                                                                                                                                                                                                              A partir de l’hiver 1912-1913, les deux artistes développent cette méthode absolument nouvelle, à laquelle la plupart de leurs contemporains demeurent étrangers, à l’exception de deux poètes, Guillaume Apollinaire et Max Jacob.                                                                                                                                  “Femme en chemise dans un fauteuil” est l’extension de cette méthode d’« analyse-synthèse » – la formule est d’Apollinaire – à la toile. Aux vrais collages sur papier succèdent des imitations de collages peints, mais l’idée de suggérer les formes par l’allusion, l’abréviation et la métonymie demeure intacte.                                                                                                                                          Donc, si on commence par le plus simple, le fauteuil est en plusieurs morceaux, tantôt une surface brun sombre qui indique le dossier, des parties des accoudoirs traitées en trompe-l’œil délibérément imparfait et les franges à torsades en deux sections. Il s’agit donc d’un beau fauteuil bourgeois, à haut dossier, capitonné, vraisemblablement en velours, de style Second Empire.                                                                                                                                    Pour Eva, c’est moins simple. Pour la recomposer, il est possible de commencer par sa chemise ou par son visage. La chemise froissée aux reflets gris argenté est au centre de la toile. Dès qu’elle est repérée, le nombril l’est aussi : deux petits cercles concentriques. Du nombril, le regard remonte au torse et aux seins longs et pointus, ce que l’on appelle souvent dans la littérature de gare des seins en obus. Si l’œil s’est d’abord fixé sur le triangle presque du même rose que le fauteuil, la ligne blanche verticale qui marque le nez et les deux petits points blancs des yeux suffisent pour marquer l’emplacement du visage.                                                                                                                                                                                                                      Les ondulations à diverses nuances de brun et d’ocre figurent la chevelure. Elle descend en courbes le long d’un triangle très aigu, qui apparaît comme le cou sur lequel le visage triangulaire est fiché. A la base de ce triangle, il y a deux hémisphères au centre desquels deux cônes sont plantés, on dirait deux fruits – des pommes ou des pêches – qui auraient conservé un bout de queue. Pourquoi ces fruits ? Parce que c’est une banalité que celle qui compare les seins des femmes à des fruits, habitude qu’Apollinaire parodie parfois. Une fois ces éléments identifiés, les autres se mettent en place d’eux-mêmes : la main qui tient le journal, les cuisses de part et d’autre de la chemise, les genoux ronds et jusqu’aux pieds.                                                                                                                                                                                                            Inséparable de ses expérimentations                                                                                                                                                                                                      La genèse de l’œuvre est passée par des études au crayon et à l’aquarelle. Dans l’une d’elles, il y a une fenêtre ouverte, un ciel traversé de nuages et des fanions, détails que Picasso a supprimés. Dans une autre, le visage est un parallélogramme marqué des signes du nez, des sourcils et de la bouche.                                                                                                                                    Picasso est allé vers une simplification plus épurée encore. Aussi n’a-t-il rien repris de la physionomie de sa compagne, bien qu’il dessine d’elle au même moment un portrait, au sens où ce mot s’entend d’ordinaire, un portrait ressemblant, presque classique.                                                                                                                                                                                                      Alors pourquoi Eva dans cet état ? Sans doute d’abord parce qu’elle est, pour Picasso, inséparable de ses expérimentations artistiques, qu’elle suit et comprend bien mieux qu’avant elle Fernande Olivier, que l’art finissait par ennuyer. Plus tard, Picasso associe de même Marie-Thérèse Walter et Dora Maar à des manières spécifiques de dessiner et de peindre, qui sont, si l’on peut dire, leurs manières particulières.                                                                                                                                                                                                Pour Eva, c’est cet état du cubisme, qui n’a plus rien de commun avec ce qu’il était en 1908 ou 1909. Tout est désormais permis, les fragmentations à recomposer, les abréviations à compléter mentalement, les couleurs aussi incongrues que ce vieux rose qui fait irruption dans un monde jusqu’alors à peine coloré de bistres, gris et ocres. Picasso joue avec Eva, qui connaît les règles de ce jeu. Picasso célèbre moins la grâce de la jeune femme – tout en doublant sa poitrine – que leur parfaite entente amoureuse et artistique. Leur bonheur est inscrit dans cette toile et, plus d’un siècle après, il demeure sensible.                                                                                                                                                                                                                                                   Lire aussi  :  A Royan, Pablo Picasso se met au vert                                         Lire aussi  :  Entre Eluard et son « frère » Picasso, une amitié profonde                 Lire aussi  :  Confrontation de baigneuses, à Lyon

[thesinglesjukebox]

BLACK MIDI - DUCTER

[6.00]

We blurb with a magnificent purpose...

Tim de Reuse: I somehow missed the huge amount of hype these guys have generated, even though on paper they're the kind of thing I might never shut up about: you got your Post-Punk, your No Wave, your clattering drums, your divisive vocalist, your confrontationally asymmetric album cover -- hey, sign me the hell up! Oh, but I haven't been let down this hard in a good while. Geordie Greep's vocals are an easy first target; on "Ducter," in particular, he sounds less like a vocalist with an idiosyncratic style and more like he's putting on a goofy accent. But more fundamental problems exist beyond Greep's affectations: it's all so dreadfully clinical! It's the unflinching minor-key tension and the vaguely bleak lyricism, void of levity or self-awareness or even a single structural surprise. The antiseptic production saps all energy from what might have been cathartic, noisy climaxes. Even when they're trying to fire on all cylinders, though, their devotion to showing off their technical chops trumps their willingness to really cut loose. It's too prickly and cerebral to get comfortable with but too self-serious and straight-laced to overwhelm -- on a line between math-rock dexterity and punkish aggression, stranded in vacillatio. [3]

Alfred Soto: Flummoxed by the historical weight of their record collections, critics of Black Midi's debut haven't published reviews so much as works cited pages. The latest hypes are no less comfortable with noise than Tortoise, and the vocals gobble-gobble like Reagan-era Pere Ubu -- that's all I'll proffer. "Ducter isn't more "difficult" than other performances by acts besotted with going from I to A while foregoing B. [6]

Joshua Copperman: Things that didn't make it into my PopMatters review of Schlagenheim: It's algorithmically generated for people that claim they don't like how Algorithms Have Ruined Music Consumption. It's Alt-J for the Dark Prog era. As such I will defend Dan Carey's production - a Dave Fridmann psychedelic type type would have made the whole album unlistenable, if possibly even more appealing to those types of listeners. Carey doesn't prevent this song from going overboard at the end, but he allows the performances to just exist as they are, even as the recording undersells Morgan Simpson as a drummer. It certainly helps that this song has some of the best lyrics on the record, in that it has discernible lyrics, though I imagine most will be put off by That Voice. The whole record is complicated to properly assess, but songs like this suggest that greatness is in their reach. [8]

Katherine St Asaph: The Pitchfork review for Schlagenheim describes Black Midi as such: "They are a band for whom references become the main talking point--a chilling thought for anyone who prefers not to think about music through the lens of dudes prattling on about other dudes in older bands. All the indie rock tropes of old are summoned: exclusion, referentiality, insularity, recalling a time in the '80s and '90s when the underground just covered each other all the time." This sounds like my absolute worst nightmare, so I was surprised to not hate "Ducter," nor find it all that inaccessible. The main guitar is its own sort of hook, propelling the track forward and anchoring it to 4/4 much like the percussion anchors "Full of Fire" by The Knife. The tempo and register shifts remind me of a couple Throwing Muses songs, maybe "Speed and Sleep." And the vocal, while obnoxious, isn't obnoxious in the way of most indie dudes who audibly don't value or give a fuck about singing, but in the way of a clearly trained vocalist who knows and executes the exact sound he wants, even if that sound is Tommy Wiseau psyching himself up to cover Diamanda Galás. (I've deliberately chosen reference musicians who aren't dudes, prattling or otherwise. Everyone complains about women musicians only being compared to other women; Black Midi are a prime example of a band of men compared [by everyone] only to men, in a way that should be glaring.) I do wonder whether the oft-touted "difficulty" of the band will end up being a self-fulfilling prophecy. [7]

Iris Xie: I really like songs with grooves that end and rebuild and are constantly transforming, they just feel so organic and with a sense of breathing. "Ducter" is a very pleasant song to listen to, even if on the surface to an uninitiated listener, it's "out there" with the jazziness and then the noise rock. The vocals are really playful, impassioned, and punctuate between the instruments with a well-targeted sensibility, and they wrap up together into a cohesive piece. The transition at 3:49, when it suddenly drops down to a single guitar and what sounds like space commands, before it goes suddenly full-tilt into power mode, is especially fun and buoyant in its energy. [7]

Joshua Minsoo Kim: I'd argue that Black Midi's debut shows signs of greatness without being particularly great itself, but it's no surprise that publications are eating it up given few rock bands this decade have such a rich pedigree. Personally, their music primarily recalls '90s post-hardcore bands while the singer is brazenly obnoxious (and consequently admirable, usually) a la Pere Ubu, The Monks, and Sun City Girls. "Ducter" doesn't quite convince me of its runtime, but the austere, syncopated freak outs are mildly thrilling. I would've preferred a more cacophonous racket. [5]

Jacob Sujin Kuppermann: I'm a lover of kinetic, mathy guitars, but "Ducter" gets better when it strays from its core riff. Maybe it's a matter of simplification-- the guitar pattern threatens to envelop the overly wordy lyrics on the verse, but as both drill down to their core theses on the refrain, they start to work in harmony. It never quite gels together-- but I'm not sure if unity is the goal, anyway. [6]

[Read, comment and vote on The Singles Jukebox]

[fightpicker]

insufferable improvisational music from Manchester. maybe i’m becoming one of the squares that this music inevitably challenges into a hasty reappraisal of what constitutes art. i am not about to do that: this is absolutely art. bad bourgeois art.

Radio Free Midwich claim that “Hair in the Chimney is an ultra-complex, lovingly-layered and nuanced peak into a virtually infinite system of sax, guitar and double bass techniques....and for that matter refreshingly free of improv cliché"

i am willing to try and unpack this paragraph because i am reasonably sure that it doesn’t stand up to scrutiny. i aver strongly that the notion of ‘ultra-complex’, implying calculation and forethought, stands in opposition to ‘improv’. the system of british railway infrastructure is ultra-complex. three lads rocking up to the studio without material refusing to play instruments in a conventional manner is not that.   

‘lovingly-layered’ is silly given that most recorded music has multiple layers. please show me unlovingly-layered music or lovingly-unlayered music or unlovingly-unlayered music. perhaps this is pedantic of me but i feel, like this music, this statement is just excess verbiage spilling out to connote things that calm examination rejects.

but ‘virtually-infinite system’ is the most mockable and laughable contention. the system of possibilities here, RFM contend, stops just short of limitless. this is not even aleatory music, as we hear in and amongst the tedium, returns and expansions upon themes and techniques in the individual players.

also what is the system? it clearly rejects the western tonal system. fine. but is this indeed a system, a structure, a body of knowledge that can be parsed and reconstructed and passed on? grounded in an intellectual or mathematical basis that exists outside of the happenstance of this trio on this day? i reject this in the strongest possible terms.

this may feel like a review of the review but as a former traveller in these circles it is clear that the critical and performance community depicted as a venn diagram would consist of two circles placed almost perfectly over one another. these reviews enable the continued depoliticisation and disengagement of these increasingly irrelevant musicians. when many years later i realised that half of the Manchester improv scene had decamped to the rugged Calderdale wilds, part of me was glad and part of me felt sorry for the people of Hebden Bridge, Mytholmroyd, and Todmorden. reading into their scene, they spill ink by the barrel deciding whether to use Facebook or not and worry that its toxic culture might spill into their scene despite not realising that the music alone dropped free into every copy of The Sun would not make them any new fans.

as for “free of improv cliché”, well, i’ve heard this sort of smug bluster on three continents now. the guitarist hardly ever plays notes: he scrapes, pops, taps the body of his guitar. ditto the double bassist. the sax does anything but blow a note. it’s all in free time. the system it belongs to, in the most part, is a steadfast rejection of modern tonal systems and meter. it is entirely yoked to this dominant mode and cannot realise this unfreedom, which is why from a light remove Hair In The Chimney is like watching a caged animal constantly circling in its own filth. (1)

postscript: i read a bit deeper into RFM’s write-up of this record and they started with this:

That idea of complex gets a bad rap eh?  In a world where simplification and convenience are sleepwalking us into some sort of human stasis we often shove anything difficult or involved on to tomorrows ‘to-do’ list.

yeah that’s right shitmunchers, you can’t listen to 4/4 without becoming an automaton. FUUUUUUUUUCK OFFFFFFFFFFFF.

[marywoodartdept]

As a guitar player, one of the most pervasive facets of the music community is a certain level of gear worship. You’d be hard pressed to find a touring band who doesn’t play guitars older than their parents and amps that cost as much as a semester of tuition. When talking music gear, the conversation ultimately falls into place around the specific equipment’s fidelity, what woods it is comprised of (for guitars), whether or not an amp is powered by vacuum tubes or transistors, or even whether or not an effect pedal is “true bypass”(essentially a shorthand for referring to how little the signal fidelity depreciates after passing the pedal).

In a lot of instances it seems that photography can fall into the same mode of thinking. In classes its fairly common to hear people discussing—or sometimes debating—the advantages of full frame versus crop sensors. Similar again to guitar, where the debate may lead to, “oh, don’t get a Squier; get a Fender,” much like how a weary advisor may steer you away from Quantaray lenses. With good reason, mind you, but ultimately if you define a good photo as being strong compositionally, then you may not end up with a tack sharp magazine cover, but that doesn’t necessarily mean that the photo will be bad. At least not in theory.

The growing resurgence of Holga cameras, which are made nearly entirely out of plastic, including the lenses, seems to indicate similarly as well. Reverting to the guitar analogy, despite his owning several vintage 1960s and even 50s Fender Jazzmasters, J. Mascis of Dinosaur jr still uses his signature Squier model live extensively; still yielding strong results.

Anyway, the point of this whole thing: the other day was fairly slow at the Everhart museum so I passed the time by shooting photos with my phone, which I am fairly sure is an iPhone 5s. I remember thinking about a little project from last semester where we were exploring the differences between pictorial and straight photography (this will be a bit of an over-simplification but essentially the former imitates paintings and the latter embraces the qualities of the photograph). I noticed that the megapixel rate of the phone camera somewhat lends itself to the same ethereal quality that many pictorial photographs had. I guess this was an exploration of a more practical-everyday-I-don’t-have-my-camera kind of use. Sometimes you’ll hear people drag (rail against) cell phone cameras, but I’m pretty pleased with what I ended up with.

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Josh, photography, spends some time exploring his phone's camera features in "Shooting With an iPhone" As a guitar player, one of the most pervasive facets of the music community is a certain level of gear worship.